Pimpinela, la familia

El musical más bizarro

Desde hoy hasta el domingo, a las 21, y el sábado y domingo próximos, a la misma hora, en el Gran Rex, Corrientes 857.

Los hermanos Joaquín y Lucía Galán, en un musical que repasa su propia historia: Pimpinela, la familia , dirigido por Valeria Ambrosio. Una comedia musical desopilante, con dirección musical de Gaby Goldman, coreografía de Mecha Fernández y actuaciones de Ethel Rojo, Ivana Rossi, Mariela Passeri, Giannina Giunta y Rubén Roberts, entre otros.

Fuente: La Nación

Fabrice Champion: Totem de Cirque

El director que mira y respira circo

Dirige Totem de Cirque, una de las propuestas más fuertes del Festival Buenos Aires Polo Circo

Fabrice Champion saltó al mundo de la acrobacia desde muy chico. "Tenía 10 años", recuerda. Para ese tiempo practicaba fútbol y hockey, pero su madre supo que el circo "le iba a hacer bien". Nunca le preguntó el motivo (al parecer, no hizo falta). A lo sumo, parece ser que íntimamente ella sabía que su hijo era bueno en eso aunque él, en su imaginario, no quería ser Tarzán ni Superman. De última, era fanático de Astérix. Así fue que se anotó en una escuela de acrobacia de su pueblo. "Aprendí muy rápido, sabía que tenía ese don", dice sin ninguna señal de falsa modestia mientras los acróbatas de la Ecole Nationale des Arts du Cirque de Rosny ultiman los detalles de Totem de Cirque , el espectáculo que tiene a Fabrice Champion como director y que se ofrece hoy, a las 21, en el Festival Buenos Aires Polo Circo.

A los 16 años se presentó como aspirante al Conservatorio Nacional de Artes del Circo de Chalon. Entró sin pensar que la vida del circo iba a ser lo suyo. Pero lo fue. El trabajo en altura fue lo suyo tanto que, de 1993 a 2004, fue una de las estrellas de la troup Les Arts Sauts, una de las compañías más importantes del nuevo circo francés. Allí arriba encontraba su espacio de íntimo bienestar. "Igual, la acrobacia es un pretexto. Lo que me interesaba era lograr una relación con el público, con el espacio y conmigo mismo." De buenas a primeras, reconoce, esos tres hilos conductores se constituyeron en los pilares iniciáticos de Totem de Cirque. Los años de experiencia por el mundo lo han hecho percibir que esas premisas básicas que venía trabajando como acróbata estallan y toman nuevos sentidos cuando se está frente al público. Claro que ahora es director, y casi a la fuerza. Probablemente, recordándose a sí mismo en su tiempo de artista de las alturas, es que ahora dice: "El público está acá [y se toca el corazón]. El público soy yo". Parte de esa magia la (re)conoció en una de las primeras cuatro funciones de Totem de Cirque que hizo la semana pasada en su país natal. "Claro que ahora es todo distinto, cambia el nivel de energía. Ahora yo estaba sentado con el público mientras el escenario es una verdadera caldera. Es un poco frustrante."

Más en La Nación

Totem de Cirque, de Fabrice Champion.

Polo Circo, Combate de los Pozos y Av. Garay. Hoy, a las 21.

Maratón de Nueva York

Maratón entre la vida y la muerte

Una comedia de origen brasileño

El dramaturgo brasileño Edoardo Erba diseñó una interesante metáfora en la que cruza la vida con la muerte o, mejor dicho, las ganas de vivir con las posibilidades de morir. Dos amigas se entrenan duro para competir en la mítica maratón de Nueva York. Allí, en ese diálogo, entre carreras, trotes y elongaciones, ambas preparan un picnic con sus vidas y sus ingredientes son anécdotas, descripciones, personalidades y episodios que hicieron sus historias. El espectador sospecha que algo trascendental ha ocurrido o está por ocurrir. Aunque pequeña, la obra de Erba es poética y sensible.

Más en La Nación

En El Bardo, Cochabamba 743. Viernes, a las 21.

Tanguera

Tanguera, en Grecia

Al cierre de esta edición, el musical de Diego Romay que dirige Omar Pacheco, con coreografía de Mora Godoy, iba a estrenarse con normalidad en uno de los teatros más grandes de Atenas. Anteayer, debido al paro general y a las protestas en Grecia, el aeropuerto estuvo paralizado y se cancelaron varios vuelos. Por lo tanto, Diego Romay quedó varado en Madrid. Debido a los disturbios, el elenco completo, que está en Atenas, no pudo ensayar anteayer, pero lo hizo ayer desde muy temprano.

Fuente: La Nación

Jujuy

Jujuy, un potente viaje escénico

Una pareja (o varias). Ella y él (aunque, por momentos, parecen ser dos mujeres y, en otros, dos hombres). Vale reconocer que esa confusión genera una potencia escénica casi perturbadora. Entonces, él y ella (o sus múltiples variables) en múltiples escenas que arman esta especie de collage centrado en un vínculo casi caprichoso que, en general, transita por cierto registro carente de emociones. Vale también reconocer que esa distanciamiento genera una mayor potencia escénica porque desorienta, enternece, deja dudas.

Así contado Jujuy , de esa forma se llama la nueva propuesta de la coreógrafa Ana Garat, puede ser que no luzca muy tentadora. De no serlo, seguramente es por un problema de esta misma crónica, porque por la forma en que Garat manipula a estos dos personajes, por la forma en que dibuja sus movimientos en el espacio y por la exquisita particularidad que demuestra en hacerlos transitar por esa línea casi distante convierten a Jujuy (¿por qué se llamará de ese modo?) en un viaje de cuyo destino final poco puede saberse, pero que, como sucede con los mejores viajes, lo mejor está en el mismo andar.

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La ronda de los teatros

En la puerta del teatro. El jueves próximo, en el hall central del Teatro San Martín y con entrada libre y gratuita, se realizará una grabación abierta para el público de La ronda de los teatros, que comenzará puntualmente a las 18.30. Se trata de un programa especial del noticiero radial del Complejo Teatral de Buenos Aires, que será transmitida el sábado 15 del actual, a las 14, por AM 1110 Radio de la Ciudad (www.radiodelaciudad.gov.ar). El invitado de honor será Jorge Luz (nombrado recientemente ciudadano ilustre de la ciudad de Buenos Aires), que será entrevistado por el conductor del ciclo, Pablo Zunino. La grabación del programa le mostrará al público presente, además, la dinámica habitual que se vive en el estudio radial durante las emisiones del programa, incluyendo las tandas. Se utilizará también una pantalla en la que se proyectarán las imágenes que vayan captando en vivo las cámaras de Escenarios de Buenos Aires, que se emite por Canal (á), y se proyectará un film que recorre la carrera de Jorge Luz, realizado por Clara Zappettini y Claudio Segovia.

Fuente: La Nación

El amante del amor

Obra efímera y contundente

"El amante del amor". Los sonetos de Shakespeare, a través de Helena Tritek.

El amor, la locura, la vejez, el miedo al paso del tiempo, la belleza y el egoísmo, la muerte. Los temas que obsesionaron a Shakespeare quedaron plasmados, sobre todo, en sus sonetos. Y con esa materia prima, la directora Helena Tritek dio a luz su puesta en escena más reciente, El amante del amor.

Victoria Almeida, Stella Brandolín, Mariano Gladic, Roberto Romano y Alejandro Viola forman el elenco que recorre los 18 sonetos de uno de los nombres más importantes de la dramaturgia universal. Y así Shakespeare, sinónimo de teatro, se transforma gracias a la mano de Tritek en sinónimo de poesía, buceando en el lado menos experimentado del autor inglés.

La potencia visual de la puesta es tan contundente como efímera. A cada fragmento de texto le corresponde un imagen exacta, pensada hasta el último detalle, aún cuando muchas de esas imágenes sean apenas pinceladas, destellos fugaces.

Más en Clarín

"El amante del amor", sobre sonetos de William Skakespeare, se presenta los viernes a las 21 en el Patio de Actores: Lerma 568.

Cántico espiritual

Una Banegas, más otra Banegas

Cristina Graciela y Cristina García llevan el mismo apellido. La primera es la actriz argentina que recientemente hizo "Medea" en el San Martín. Su tocaya es uruguaya y organista. Ambas actuarán el 11, en la sala de Marcelo T. de Alvear al 1100.

Si no hubiera sido por este espectáculo, el público local no se habría enterado que existen dos artistas en ambas orillas del Río de la Plata, que se llaman igual. Cristina Graciela Banegas en voz y Cristina García Banegas, en órgano, una argentina y la otra uruguaya, presentarán el 11 y 12 de este mes, a las 21, en el teatro Del Globo (Marcelo T. de Alvear 1155), "Cántico espiritual", con textos de San Juan de la Cruz y en homenaje a María Casares, la gran actriz radicada en Francia, que falleció hace algunos años atrás, e interpretó "Divinas palabras" de Valle Inclán, hace varias décadas atrás en Buenos Aires y acompañada de Alfredo Alcón.

Acompañarán a las dos Cristinas G, el Grupo Vocal de la Universidad de San Martín (Unsam) que dirige Santiago Chotsourian y el Coro De Profundis, de Uruguay.

Más en La Prensa

Enrique Dacal: Lovely Revolution

Otra mirada a Mayo de 1810

La obra de Enrique Papatino, quien también actúa, integra escenas protagonizadas por Mariano Moreno, su esposa y dos representantes del poder de la época. Y los hechos históricos se cruzan con otros fruto de la imaginación.

Estrenado el año pasado sobre texto de Enrique Papatino, música de Pablo Dacal y dirección de Enrique Dacal, Lovely Revolution (Vertiginosa tertulia de Teatro Musical) retoma sus funciones en el Teatro La Comedia en vísperas del Bicentenario. Con la actuación del autor y el director, además de Julio Ordano, Jessica Schultz y cuatro músicos en escena, el espectáculo integra una serie de escenas protagonizadas por Mariano Moreno, su esposa Guadalupe Cuenca y dos representantes del poder de entonces. Los hechos históricos –y también los sucesos fantaseados– transcurren durante los 39 días que duró el viaje de Moreno hacia Europa. “Con esta obra intentamos poner en escena lo que llamo nuestra sapiencia e ignorancia promedio sobre los acontecimientos de Mayo”, afirma Enrique Dacal en una entrevista con Página/12. Es que, según el director, a doscientos años de los hechos, “hoy todavía estamos fascinados por un imaginario que nos representa la Revolución de Mayo como una gesta de ostentosos movimientos de un pueblo que, harto del yugo español, se levantó un día exigiendo saber de qué se trataba”.

Con el objeto de ir más allá de lo que suele enseñarse en las escuelas, la obra busca puntualizar que los hechos de Mayo “fueron motorizados por una vanguardia que veía la oportunidad de entrar de lleno en el amplio mundo que se abría a partir de la caída de los viejos regímenes renacentistas”. Según Dacal, en la necesidad de construir una identidad nacional, lo que ha prosperado a lo largo de estos dos siglos es un conjunto de imágenes que hablan de “una épica gloriosa e inmarcesible, pasional y poco reflexiva”. Sin embargo, Dacal advierte que, “si bien la violencia acompañó al despliegue de ideales y ambiciones encontradas durante la era independentista, en Mayo primó la diplomacia hasta el borde de la guerra; pero sólo hasta el borde”.

–¿En qué situaciones de la obra se reconoce mejor esa mirada crítica y revisionista para con la Revolución de Mayo que tiene el espectáculo?

–Saavedrismo y morenismo parecen haber sido la derecha y la izquierda de aquellos tiempos. En Lovely... se reproducen textos fieles de aquel enfrentamiento ideológico y también nos permitimos, sin aviso previo, insertar audacias y heroicidades nunca cometidas que podrían haber cambiado el curso de aquella historia y nuestra contemporaneidad.

Más en Página/12

Lovely Revolution puede verse en el Teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062, los domingos a las 20.

Claudio Tolcachir, Lito Cruz y Ana María Picchio: Todos eran mis hijos

Dos generaciones se abrazan

El domingo regresará a escena Todos eran mis hijos , de Arthur Miller, una de las mejores obras del teatro mundial

La Segunda Guerra Mundial en el fondo. Adelante: una familia común convive con unos secretos bien guardados. Sobre el final, una verdad que aflora y despierta una pregunta: ¿cuál es tu responsabilidad frente a unos acontecimientos que ocultaste y que comprometieron la vida de muchas personas? La síntesis, tal vez, no es perfecta. Intenta describir el mundo de una pieza teatral mayor, Todos eran mis hijos, del norteamericano Arthur Miller.

Estrenada en 1947, la obra se reestrenó en los Estados Unidos en 2008. El productor Daniel Grinbank vio la nueva puesta y decidió que Buenos Aires sería una buena plaza para reponerla. Así las cosas, volvió a un director que guió otro de sus proyectos teatrales exitosos, Agosto, condado Osage. Claudio Tolcachir aceptó el desafío y se embarcó en un nuevo trabajo comercial con un texto que leyó por primera vez a los 15 años y que hoy redescubre junto a un elenco de notables actores, como Lito Cruz y Ana María Picchio, acompañados por Vanesa González, Federico D'Elía y Esteban Meloni. El estreno se concretará en el teatro Apolo.

"Daniel [Grinbank] es un hombre muy inquieto y trae materiales muy fuertes, muy excitantes", comenta Tolcachir, y así explica su interés por este trabajo, que le posibilita un nuevo posicionamiento dentro de un circuito teatral que, hasta la puesta de Agosto, parecía resultarle ajeno. "No tengo ninguna intención particular de dirigir en el circuito comercial, no es mi deseo, mi ambición. Me gusta el teatro en todas sus formas y siempre busco hacer algo que me alimente. Si no aparecieran proyectos interesantes para trabajar y con gente interesante, tampoco le encontraría sentido al hecho de estar en el teatro", dice el creador, que está a punto de inaugurar su nuevo espacio teatral alternativo en el barrio de Boedo.

Más en La Nación

Todos eran mis hijos, de Arthur Miller. Dir.: Claudio Tolcachir.

Apolo, Corrientes 1372. Desde el domingo 9, los miércoles y jueves, a las 20.30; viernes y sábados, a las 21, y domingos, a las 20.

Una pieza emblemática
Dos actores con oficio

Sombras sobre vidrio esmerilado

Sobre imágenes borrosas y fantasías

Un cuento de Saer, interpretado por Irina Alonso

Adelina Flores es una poeta para quien el tiempo de la creación parece haber terminado. Sostiene cierto reconocido nombre en algunos pequeños círculos literarios pero, cuando la acción de esta trama comienza, la vemos entrando en una dolorosa decadencia. Ella relata algo que la conmueve en este presente: describe la imagen de su cuñado quitándose la ropa antes de ingresar a la ducha. Lo ve a través de un vidrio esmerilado. Esa imagen, en la que se ha detenido una y otra vez, la sigue conmocionando y ése, es el punto de partida que posibilita a la autora desentrañar aspectos de su vida. Mientras lo hace, escribe unos versos poco felices. Su inspiración parece haberse detenido hace tiempo, cuando decidió encerrarse en el viejo caserón a repasar recuerdos y a fantasear con un mundo que parece haber conocido muy poco o al que ha preferido observar, antes que animarse a vivirlo en plenitud.

La adaptación de este relato de Juan José Saer (aparecido en 1967 y que forma parte del libro Unidad de lugar ) es sumamente ajustada. Irina Alonso consigue componer una estructura sólida, rescatando momentos de un interesante dramatismo y, a la vez, siendo muy fiel a la voz del autor.

Más en La Nación

En Casa de la lectura (Lavalleja 924). Sábados, a las 21.

Clases de olvido, Redimidos, Las siete plagas del Inodoro, Se viene la foca, Torta de chocolate, Infinito punto azul, y Las primas

Lo que vendrá

La escena no se detiene. Dieciocho novedades de todo tipo levantan el telón esta semana

Clases de olvido

Carolina Barbosa, Lisa Caligaris, Carolina Maderna y Pamela Rodríguez, dirigidas por Carlos Belloso. Viernes, a las 23.30, en Gargantúa, Jorge Newbery 3563. $ 30.

Redimidos

Drama gay de Hernán Rocca, con Cristian Del Valle y Matías Mulet. Sábados, a las 21, en La Salita, Hipólito Yrigoyen 1862 (4383-6615). $ 35.

Las siete plagas del Inodoro

Adaptación y dirección de Antonio Germano, sobre Inodoro Pereyra. Con A. Germano, Toni Tulián, Gustavo Romano y Fernando Germano. Sábados, a las 20.30, en Liberarte, Corrientes 1555 (4375-2341). $ 30.

Se viene la foca

De Rodrigo Cárdenas, con él y Micaela Hourbeigt, dirigidos por María Espinosa. Jueves, a las 21, en La Clac, Av. de Mayo 1158.

Torta de chocolate

Un chico adicto al paco y una anciana olvidada, encarnados por Nilda Angeli y Sergio Martínez, dirigidos por Ernesto Michel. Domingos, a las 19.30, en Fray Mocho, Perón 3644 (4865-9835).

Infinito punto azul

De Mariana Bustinza. Viernes, a las 23, en Pata de Ganso, Zelaya 3122 (4862-0209).

Las primas

De Norman Briski, con Coral Gabaglio y Sofía Guggiari, dirigidas por María Pía Molina Brescia. Sábados, a las 22, en Calibán, México 1428, PB "5" (4381-0521). $ 20.

El maleficio de la mariposa

De Federico García Lorca, con seis actores y un violinista, dirigidos por Mario Petrosini. Domingos, a las 20, en Andamio 90, Paraná 662 (4373-5670). De 20 a 30 pesos.

Tres hombres de bien

Un dilema ético de suspenso, de Andrea Bauab, dirigido por Iardena Stilman. Con Alejandro Hodara, Freddy Duer, Marina Degtiar, Sara Szneinbaum y Eduardo Lamoglia. Domingos, a las 19, en el Actor´s Studio, Díaz Vélez 3842. $ 30.

De antemano

Escrita y dirigida por Enrique Federman. Sábados, a las 21, en Pan y Arte, Boedo 876 (4957-6922).

La casa del Snark

Un absurdo de Lewis Carroll, con dirección de Natasha Ivannova. Domingos, a las 19, en el C. C. Rojas, Corrientes 2038. $ 20.

Pimpinela, la familia

Musical dirigido por Valeria Ambrosio. Jueves, viernes, sábado y domingo, a las 21; y sábado y domingo próximo, a las 21, en el Gran Rex, Corrientes 857.

Entrepiso

Encuentro en un ascensor, con Pilar Murano y Paula Liuzzo, dirigida por Micaela Fariña. Viernes, a las 23, en Tadrón, Niceto Vega 4802 (4777-7976). De 25 a 30 pesos.

El legado de Caín

Escrita y dirigida por Claudio Quinteros, con Anabella Bacigalupo y Marcela Mella. Domingos, a las 20, en El Brío, Guatemala 5092 (4771-7005). Capacidad limitada.

Tributo a Libertad Lamarque

Musical basado en su vida, con Victoriángeles. Viernes, a las 19.30, en El Vitral, Rodríguez Peña 344 (4371-0948). De 20 a 30 pesos.

Este es mi año

Nuevo show de improvisaciones de Pablo Angeli. Trasnoche de los viernes, a la 1, en Bululú, Rivadavia 1350. $ 20.

De cómo el Sr. Mockinpott consiguió liberarse de sus padecimientos

Farsa de Peter Weiss, dirigida por Daniel Godoy. En Liberarte, Corrientes 1555. $ 30.

Fuente: La Nación

Lito Cruz y Ana María Picchio: Todos eran mis hijos

Lito Cruz y Ana María Picchio: Los padres terribles

"Todos eran mis hijos" Tiene todos los condimentos para generar expectativas. Una de las mejores obras de Arthur Miller, estrenada en 1947 con un largo aliento de actualidad, sobre la degradación moral de la familia, con la guerra como telón de fondo. Los intérpretes explican el significado de la decadencia y la responsabilidad individual. Dirigida por Claudio Tolcachir, se estrena este domingo en el Teatro Apolo.

En el patio del Club del Progreso, ahí nomás del microcentro porteño, se respira historia. "Acá fue donde Leandro N. Alem iba a encontrarse con unos amigos el día que se suicidó, justo antes de entrar", cuenta Lito Cruz apenas llega a la cita. Y, aunque en aquellos días de 1896 la sede estaba a unas cuadras de allí, la información que da el actor es correcta.

Cuesta entonces, en ese marco, esquivar el peso que adquiere el contexto histórico a la hora de hablar de Todos eran mis hijos, la obra de Arthur Miller que, con Cruz y Ana María Picchio a la cabeza de un elenco integrado por Esteban Meloni, Vanesa González y Federico D'Elía, se estrena el domingo en el Teatro Apolo, con dirección de Claudio Tolcachir.

"Miller era un hombre comprometido con la vida, que militó en el Partido Comunista, que se negó a denunciar a sus compañeros en la época del maccartismo, en un momento en el que el realismo socialista parecía el futuro de la humanidad. Y en ese contexto, él empieza a tocar temas que son humanos, dentro de una sociedad corrupta como la de ahora, como la de todos los tiempos", explica Cruz. Y se corrige: "No es la sociedad: hay gente corrupta en todas las sociedades."

Más en Clarín

El porqué de la ausencia de Leonor Manso
Casi una misión: el reemplazo de un amiga
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Apuntes del funcionario de teatro
La construccion Tolcachir

China Zorrilla: Teatro para Todos

“No hay secreto, lo que gusta no aburre”

Integra el elenco del ciclo Teatro para Todos, en Polo Circo, que incluye las obras Las de enfrente, Chúmbale y Una margarita llamada Mercedes. China Zorrilla habla de la magia de salir a escena y del cariño que recibe de un público “que no va al teatro”.

Acaso para resguardar a la persona que no desaparece detrás de sus personajes, la actriz y directora China Zorrilla atesora situaciones en las que su experiencia de vida se anuda a la profesión. Los años dedicados a la escena, el cine y la televisión le permiten relacionar hechos que reitera durante el diálogo con el entusiasmo y la insistencia de quien descubre algo nuevo en lo cotidiano y en su departamento, cuyas paredes lucen óleos y fotografías que la actriz describe con intensidad: una imagen tomada en París, donde se ve a una mujer (su madre) empujando un cochecito de niño, en el que se encontraba ella, China/niña, arropada como todo bebé; y otra en la que aparece, jovencísima, junto a una escultura y su padre, el artista uruguayo José Luis Zorrilla de San Martín, quien en una etapa de su vida eligió vivir en Francia y estudiar con el célebre Antoine Bourdelle. China no pasa por alto las obras de su padre que se encuentran en Buenos Aires, entre otras el monumento al general uruguayo José Gervasio Artigas y el que muestra al ex presidente Julio Argentino Roca, que –apunta la actriz– quieren retirar de su actual emplazamiento, en Diagonal Sur. No olvida señalar durante la entrevista con Página/12 su viaje de becada del British Council (en 1946) en la Real Academia de Arte Dramático, tampoco algunas de sus iniciativas en Uruguay, donde, en 1961, creó una compañía junto con Antonio Larreta y Enrique Guarnero.

Homenajeada y premiada, interpretó y dirigió numerosas obras, algunas ofrecidas durante más de una temporada, como sucedió con Emily (sobre la poeta estadounidense Emily Dickinson), de William Luce; Cartas de amor; Eva y Victoria; Delirante Leticia, de Peter Schaffer, dirigida por Agustín Alezzo; Camino a la Meca, de Athold Fugard, y –entre muchas otras– El diario privado de Adán y Eva, junto a Carlos Perciavalle. Participó en ciclos ya instalados, como Teatrísimo (en beneficio de la Casa del Teatro) y Teatro por la Identidad. Ahora integra el elenco del ciclo de teatro leído, Teatro para Todos, en Polo Circo (Av. Garay y Combate de los Pozos), donde se viene ofreciendo Las de enfrente, de Federico Mertens; a la que seguirá Chúmbale, de Oscar Viale, a partir del 21 de mayo, y por último Una margarita llamada Mercedes, del uruguayo Jacobo Langsner, llevada al cine con el título Besos en la frente, protagonizada por Zorrilla y Leonardo Sbaraglia.

La actriz regresa así a un escenario que no es el habitual y en tres obras: “No me importa si el teatro está o no lleno, me basta con que haya gente que quiera ir –dice–. Veo al público y me emociono”. Zorrilla pertenece al bando de los que quieren ir. Se la ve expectante en las funciones de estreno de sus colegas. Un placer muy personal que ella relaciona con el recuerdo de su vida de becada en Londres, cuando tenía libre acceso a todas las salas. “Quería estudiar y vivir del teatro, por eso me presenté como candidata a las becas que daban en Montevideo. Fue en la posguerra, cuando viajar era una aventura –puntualiza–, pero no tenía miedo, y era joven. En Londres aprendí cosas que tenían poco que ver con el teatro, pero fueron importantes. En esa ciudad bombardeada, tomé lecciones de conducta”.

–¿Cuáles, por ejemplo?

–Lecciones para organizarme y tratar de cumplir con lo que se pedía. La gente era estricta: acopiaba la basura en un lugar determinado, respetaba los horarios de utilización de la electricidad, el uso de los vales de comida... Un día conseguí que un compañero me cediera los vales de vegetales, que no le gustaban, y comí un kilo de ensalada de lechuga como si fuera caviar.

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Gerardo Bentatti y Martín Bondone: Centro Argentino de Teatro Ciego

Todo a oscuras, salvo la imaginación

Los dos actores formaron el grupo hace dos años para desarrollar todas las posibilidades de ficción en la oscuridad. Luces de libertad, ambientada en la Buenos Aires de 1810, es la nueva obra que presentan en su espacio de pasaje Zelaya al 3000.

“Esta técnica es un invento argentino”, asegura el actor y director Gerardo Bentatti refiriéndose al Teatro Ciego o Teatro a Ciegas, una modalidad de representación a sala oscura, que hace dos años institucionalizó junto al actor Martín Bondone con la creación del Centro Argentino de Teatro Ciego. Su primer contacto con esta técnica de actuación fue en 1994, cuando el director cordobés Ricardo Sued llegó a Buenos Aires para reestrenar Caramelo de limón, un éxito del off en la capital cordobesa. Bentatti fue elegido para interpretar al protagonista de esa pieza y, luego de aquella experiencia, decidió desarrollar todas las posibilidades de generar ficción en plena oscuridad. Esta determinación lo llevó a interesar a personas ciegas o con disminución visual a formarse como intérpretes de este singular género y a conformar un elenco, generando así “un verdadero espacio de integración entre actores videntes y ciegos”. El primer estreno que produjo la institución fue la elogiada versión de La isla desierta, de Roberto Arlt. A esa producción le siguieron obras de café concert y hasta un espectáculo definido como “musical gourmet”. En su sala del pasaje Zelaya al 3000, en el barrio del Abasto, ya comenzaron las funciones de Luces de libertad, una obra ambientada en el Buenos Aires de 1810, escrita por el mismo Bondone, con dirección de Omar Fanucci y dirección musical de Luz Yacianci, con un elenco integrado en su mayoría por actores ciegos.

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Luis Di Carlo: Vivarium

El peligro está ahí afuera

La obra comienza cuando tres personajes se encierran en un galpón para ver cómo actuar frente a una enfermedad contagiosa.

“Siempre pienso en un teatro que produzca conmoción, un teatro que, una vez visto, no se olvide más”, afirma el director Luis Di Carlo, autor de Vivarium, recientemente estrenada en el Teatro del Abasto, bajo su propia conducción. La conmoción estética, para este artista, no depende ni de escenografías grandilocuentes ni de elencos numerosos: en unos pocos metros cuadrados atiborrados de objetos encontrados en la calle, el trío conformado por Paola Pelmer, Héctor Leza y Jenny Van Lerberghe interpreta una historia evocadora de otras historias literarias, con notables herramientas expresivas. Vivarium comienza cuando tres personajes se encierran en un galpón mientras intentan consensuar un modo de actuar frente a lo que parece una enfermedad contagiosa. Estrenada el año pasado en la modalidad del work in progress, pensada y escrita antes de la pandemia de la Gripe A, Vivarium surgió por necesidad: “Como no encontraba textos que atrajeran mi atención decidí ponerme a escribir yo mismo”, cuenta Di Carlo en una entrevista con Página/12. Y aunque hace años supo hacer espectáculos basados en la ironía y la comicidad (lo prueban una puesta de una obra dadaista, El corazón a gas, de Tristan Tzara, y múltiples incursiones en el under de los ’90), al director ya no le atrajo generar situaciones que moviesen a la risa.

Guiado por sus intereses científicos (Di Carlo es, además, profesor de física, biología y matemática), pensó en desarrollar una historia relacionada con virus y mutaciones. Así, en una ciudad y un tiempo impreciso, un hombre y dos mujeres (una de ellas, embarazada) discuten sobre cuál será su modo de defenderse del mal que parece expandirse con el paso de las horas. ¿Dónde está el peligro, en el afuera que muta sus antiguas convicciones o en el interior del refugio? Influido por el teatro de Eugene Ionesco, Di Carlo toma como referente a Rinoceronte, pieza del absurdo en la cual el personaje protagonista se resiste a convertirse en ese animal, a diferencia del resto de sus conciudadanos que han aceptado la mutación sin chistar. No obstante, Di Carlo propone un giro inverso y, a diferencia de la obra del rumano, le asigna al afuera un valor de cambio deseable. No es un detalle menor que los que aparecen como peligrosos portadores de un virus malsano se expresan verbalmente con libertad surrealista y viven sin prejuicios ni moralinas. De esta manera, Vivarium es una obra profundamente optimista: el grupo parece resuelto a confiar en el futuro aceptando, cada uno a su modo, el nuevo cuadro de situación.

–¿Cuáles fueron los temas que quiso plantear cuando resolvió escribir Vivarium?

–Quería reflexionar acerca del mal y dónde ubicarlo. Recordé El séptimo sello, de Bergman, donde se habla sobre la profilaxis de la peste: los señores feudales se enclaustraban en sus castillos, pero la enfermedad entraba en los alimentos que ellos traían del afuera. Como especie biológica, todos estamos inmersos en un mundo caótico, a merced del peligro de contraer males de los más diversos.

Más en Pagina/12

Roma Libera e Italia in cantata

Las raíces de Italia

Con el propósito de recuperar aspectos de la cultura y la historia del propio país, el Gruppo Teatro Essere, de Roma, viene presentando en gira espectáculos de su proyecto Radici (raíces), auspiciado por el Instituto Italiano de Cultura y la Región Lazio. Se trata de Roma Libera e Italia in cantata, dos piezas de sustrato popular y musical que se ofrecen en la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes. La primera –sobre texto y dirección de Tonino Tosto, música de Danilo Pace y régie de Ernesto Gordini– se refiere a los nueve meses de ocupación nazi y a la jornada de liberación del 4 de junio de 1944 por los ejércitos ingleses y estadounidenses. Este espectáculo se verá hoy y mañana a las 21. Italia... –escrita y dirigida por Tosto, con régie de Gordini– recupera canciones características de autores italianos y fragmentos de ópera, como Capriccio italiano; E lucevan le stelle (de Tosca); Santa Lucía (1848, Gioffredo Mameli); Mattinata (Leoncavallo); Torna a Surriento; tarantella de Rossini; Fior di Giaggiolo (de Cavalleria rusticana); Finiculi finicula, Amara terra mía (Modugno), D’un regno di biddizzi (canción siciliana), y Marechiare. Las funciones de esta última están programadas para el viernes y el sábado próximos a las 21 y el domingo a las 20.30. Las localidades se adquieren en TNC, Libertad 815.

Fuente: Página/12

Polo Circo

Polo Circo, asombro asegurado

De megaestructuras para 5000 espectadores a propuestas para 50 personas

Con una excelente repercusión por parte del público avanza la segunda edición del Polo Circo que, en comparación a la que tuvo lugar el año pasado, está teniendo la suerte de no tener que lidiar con la gripe A ni con el intenso frío que inevitablemente hacía de las suyas en las diversas carpas ubicadas en Juan de Garay y Combate de los Pozos. Esta vez, los astros se acomodaron para una propuesta en la cual la más pura cepa circense coquetea, se expande, se confunde y se potencia con otras disciplinas escénicas abriendo el abanico a una poética en la que el asombro espontáneo se transforma en una constante que no respeta edades.

Casi como para dejar en claro el criterio curatorial de esta movida, el espectáculo Loft , de Canadá, fue el encargado de abrir el jueves pasado el festival que organiza el gobierno porteño. En Loft, los siete artistas expresaban con un rigor admirable esa línea de mixtura entre la danza contemporánea, la acrobacia, los elementos clownescos y sonoros, los números de malabares, el trabajo de un virtuoso DJ y el vital aporte dado por una pantalla en la que se mezclan imágenes en vivo con piezas cuidadosamente grabadas. Todo eso en medio de una puesta en escena que incluye a momentos intimistas juntos a otros de gran expansión. Si bien durante la función de estreno el montaje debió lidiar con algunos problemas técnicos, para la función del domingo todo estaba balanceado para que la fuerza poética de estos canadienses se expandiera por la Carpa Central.

Más en La Nación

Anastasia, La familia argentina y El descenso del Monte Morgan

Varios regresos. El grupo Ensamble creó una obra musical, orientada al público infantil, inspirada en la película de dibujos animados Anastasia . La productora Silvana Espada logró reunir a un elenco integrado por entrañables figuras de la TV de hace algunos años: Lorena Paola, en el papel protagónico; Julieta Magaña, como la Abuela; Sebastián Francini (de Chiquititas , El Principito y la película Mi papá es un ídolo ), como Dimitri, y Liliana Benard (la gordita más simpática de las telenovelas de los años 80), como Sofi. También los acompañará el experimentado Juan Carlos Puppo, como Blak. El elenco lo completan Jano Herrera ( Hair, De Broadway a Corrientes ), como Rasputín; Lucas Arbúes y Matías Rivero. Esta comedia musical lleva letras de Silvana Espada y partitura de Damián Mahler, mientras que la dirección general es de Diego Veronesi. Planean estrenarla la primera semana de julio, en la sala Ana María Campoy, de Los Angeles.

La obra de Ure. El gran Alberto Ure escribió sólo una obra en su vida, que nunca pudo estrenar. Rody Bertol, un discípulo suyo rosarino, logró el estreno nacional de esa obra, La familia argentina , en el teatro La Manzana, de Rosario. Cristina Banegas y Elisa, esposa de Ure, dieron con el texto y pudieron difundirlo, a modo de homenaje. Es una comedia disparatada, mordaz y emotiva, así como un retrato ácido y sensible, que reconstruye el final de una familia moderna. Rody Bertol dirige en ella a Cristian Marchesi, María del Carmen Sojo y Julia Tarditti.

Kompel-Blutrach. Aunque falta un poco más de una semana para el estreno de El descenso del Monte Morgan , Oscar Martínez, Carola Reyna y Eleonora Wexler ya se sacaron las fotos de promoción de la obra, y comenzaron los ensayos con escenografía y vestuario, en el Metropolitan. Malena Figó, Gaby Ferrero y Ernesto Claudio también integran el elenco de esta obra que dirige Daniel Veronese y producen Sebastián Blutrach y Pablo Kompel.

Fuente: La Nación

Concha del Río Cabaret

Concha del Río Cabaret

La diva del "under" porteño, Concha del Río, en la piel de Noralih Gago, se muda del Anfitrión a El Cubo. "Para que millones de fans tengan más lugar", dijo. Con Mónica Cabrera, Pablo Palavecino, Andrea Fiorino, Gimena Riestra, Marcelo Keller y elenco. Miércoles y jueves, a las 20.30, en Zelaya 3053 (4963-2568). Desde 50 pesos.

Fuente: La Nación

Guillermo Selci

Con uds., el mejor standapero local

¿Así que estás presentando tu nuevo show de stand up?

Sí, se llama Socios, junto a Dalia Gutmann (los viernes en el Paseo La Plaza). Estamos haciendo nuevo material más lo mejor de nuestro repertorio, que ya lleva un año de cartel. Además me salieron unas presentaciones en Uruguay y...

Y no hay como el público argentino, ¿no es cierto?

Al principio, tenía miedo, pero responden bárbaro y realmente son muy cálidos. La principal diferencia es que los argentinos somos más mal hablados y en mi monólogo no hay malas palabras, ni insultos.

¿Quienes son tus referentes en el humor?

Gasalla, Pinti, Perciavalle. O sea, Padre, Hijo y Espíritu Santo. Ellos iniciaron el fuego y nosotros simplemente sacamos chispas. ¿Sigo? Les Luthiers son mis Beatles y Olmedo y Porcel, mis Rolling Stones.

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Teatro Opera

El diálogo

"Ay, chicos, todo bien con Citi, pero queremos que se llame Opera."

Nuestra Susana, en la edición de mayo de su revista homónima, comenzó una campaña para lograr la restitución de su nombre al Teatro Opera (ahora se llama Teatro Citi). La diva pidió a Daniel Mañas que escribiera un artículo expresando su opinión.

Fuente: Clarín

Aráoz y la verdad

Los secretos del destino

Crítica: "Aráoz y la verdad". Una puesta prolija y con un Brandoni en un buen momento. Pero no siempre la emotividad de los textos de Sacheri aparece en escena.

El nuestro es un país donde el fútbol genera leyenda. Hay una épica, entre tantas, del campeonato de Independiente con ocho jugadores frente a Talleres en Córdoba, del gol de Chilavert desde su propio campo al Mono Burgos, de Riquelme que hace unos días le hace el pase gol y le niega el saludo después a Palermo que viene de romper un récord, del penal que le ataja, adelantado, Roma a Delem, en una casi final de campeonato entre Boca y Ríver.

Ese relato posible de historias también se genera en el fútbol de oficinas o en el potrero del arrabal que todavía resiste. En los barrios, por ejemplo, donde los amigos esperan que el consagrado Tito regrese del ámbito profesional para remontar un partido que viene difícil. Esa es la trama y el color que maneja como nadie Eduardo Sacheri. El autor de Aráoz y la verdad detecta los códigos de conducta que se revelan en un campo de juego, la confianza que revela un delantero que deja pasar un centro porque apuesta a que el compañero, mejor perfilado, la mande a guardar; las señales morales que puede esconder un defensor para no romperle la pierna a un adversario después de correrlo desde atrás durante cuarenta metros aunque su equipo, tras esa jugada, se vaya al descenso.

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Santa Juana de América

Los sueños de una guerrera

"Santa Juana de América", la notable historia de Juana Azurduy se torna explicativa y documental.

Una escenografía que simula los paisajes de la ciudad de Chuquisaca, en el Alto Perú. Allí transcurren los momentos claves de la vida de Juana Azurduy. Su paso por el convento; los días de batalla; las luchas solitarias; los enfrentamientos con los soldados realistas; el dolor por la muerte de sus hijos.

Esos son los sucesos que hilvanan y arman la línea de acción de Santa Juana de América, una adaptación y dirección de Hugo Alvarez e interpretada por Alejandra Flechner, Juan Palomino y Raúl Rizzo, que está en cartel desde el viernes pasado en el Teatro Regio.

El texto, escrito por Andrés Lizarraga en los '60 y estrenado en aquellos años por Oscar Ferrigno y Norma Aleandro, es casi una biografía ordenada y prolija de Azurduy. Con una dramaturgia organizada en una línea de tiempo que va desde 1809, cuando comienza a delinear su carácter político, hasta su muerte, en 1862.

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Gabriela Acher

Gabriela Acher: La risa que piensa

Empezó la cuarta temporada de su unipersonal de humor. Y cuenta que Mario Benedetti le dedicó un poema.

Esta temporada teatral decidí alentar a la gente a que me cuente sus historias, via Facebook. Ya incorporé un par y el público las aplaudió muchísimo. "Una madre le dice a su hija: Tu primo Jaime llama a su madre todos los días por teléfono. Entonces la hija le replica: ¡Mamá, yo también te llamo todos los días por teléfono! Y la madre le contesta: ¡Sí, pero no de Israel! Y ésta otra: "Un mensaje de una madre judía en el contestador: Andá preocupándote. Después te explico."

Es a Mercedes Morán, la mejor actriz del planeta, y adorada amiga, a la que le debo el haberme dedicado al unipersonal. Ella me ayudó a armar mi primer espectáculo. Y además me convenció de que eso era lo que yo tenía que hacer, a pesar del pánico que me daba la idea de estar sola en un escenario.

Nunca me canso de repetir un texto. Al ser nuevo para el público, se convierte en nuevo para mí. Esa es la magia del teatro.

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Luisana Lopilato

Luisana con dos galanes y canciones

Mientras que en la tira que protagoniza (Alguien que me quiera, El Trece) le agregaron un nuevo galán (Gastón Ricaud) que se disputa su amor, en la vida real, Luisana Lopilato se hace tiempo para compartir escenario con sus amigos. El domingo cantó una canción como invitada especial en El show de Topa. Es que Luisana es íntima del conductor del programa Play House Disney. En el capítulo de hoy se verá a Ricaud pegarle una trompada a Marco Antonio Caponi, quien encarna a Renzo, el gran amor de Bianca, el personaje de Luisana.

Fuetne: Clarín

Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia

Un hermano y un gran vacío

Crítica "Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia". De Jean-Luc Lagarce, tiene grandes actuaciones.

Por primera vez el teatro San Martín presenta un texto del autor francés Jean-Luc Lagarce: Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia, dirigido por¿quei. El espectáculo recorre la trama de cinco mujeres que han perdido su vidas en la espera de un "joven hermano", quien fue expulsado del hogar por el padre y, al cabo de varios años, regresa y cae desplomado antes de pronunciar palabra.

A partir de este suceso, el grupo de mujeres estalla en frustraciones y reproches. Sucede que cada una imaginó una versión particular del arribo del "hermano" y con ella la esperanza de revertir el vacío de su existencia. Mientras tanto, el cuerpo del hombre -que nunca aparece en escena- yace convaleciente y las protagonistas sólo pueden cuidarlo en su agonía.

La fuerza del texto se impone en la obra a través de un trabajo sobre emociones contenidas, ironía y catarsis. Y la puesta de Galazzi trabaja justamente desde esa perspectiva, ya que propone una interpretación donde las actrices remarcan el trabajo sobre el "decir". Esta cualidad sobre la forma aparece desde la primera escena y evidencia una dirección minuciosa, con actuaciones precisas tanto en dicción, como en tiempos y en la composición de ritmos.

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Laura Azcurra

Ahora se mete con el deporte

¿Qué venís a aportarle al ciclo "Pura química", por ESPN? ¿Sos amante del deporte o una principiante en el tema?

Soy muy deportiva, pero claro que no estaba enganchada todo el día con ESPN. Es un ambiente de hombres que le está abriendo la puerta a la modernidad, incorporando a la mujer. Por suerte la producción me ayuda mucho con el tema de la información acerca de los entrevistados. Y yo me empapo también de eso.

(...)

Después de tu participación en "Ciega a citas" (Canal 7), ¿qué sigue en lo que respecta a actuación?

Empecé los ensayos de la obra Posparto, con dirección de Ignacio Apolo. Se estrenaría en agosto. Es untema del que conozco bien, porque tengo un hijo de tres años. Sin dudas, la maternidad marca un antes y un después.

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Secretos argentinos

Arturo Puig estrenó ayer radioteatro

Radio Nacional estrenó ayer a las 12 Secretos argentinos, el radioteatro basado en hechos actuales que escribe Marcelo Camaño, sobre una idea de él y de la periodista Miriam Lewin.

Arturo Puig fue el primer protagonista. En el envío, encarnó al dentista Ricardo Barreda, quien mató a su mujer, hijas y suegra. Y María Fiorentino se puso en la piel de la esposa. Se dieron a conocieron detalles del homicidio.

Fuente: Clarín

Secretos argentinos

Nota del 2 de mayo

Voces del imaginario colectivo

A partir del cruce de personajes y situaciones reales con la infinita libertad creativa que la ficción radial supo disfrutar allá lejos y hace tiempo, el ciclo de Nacional recupera la magia del viejo radioteatro, descuidado por las emisoras privadas.

El adjetivo “mágica” para definir a la radio no es exagerado. Al fin y al cabo, es el único medio que logra transportar a los oyentes a lugares, mundos y situaciones tan disímiles como la imaginación de cada uno lo permita. “La radio es televisión para no videntes”, la graficó con certeza David Welna, de la National Public Radio, de Washington. El radioteatro, ese género que creció paralelamente al nacimiento mismo de la radiofonía argentina, mucho tuvo que ver para que se asocie la radio a la magia como a ningún otro medio. Paradójicamente, ese género que durante décadas fue protagonista excluyente, crisis mediante fue perdiendo lugar y hoy desapareció casi totalmente del éter. Lo de “casi” viene a cuenta de que Radio Nacional (AM 870) estrenará Secretos argentinos, un ciclo de radioteatro que une investigación periodística y ficción. La propuesta, que se emitirá todos los domingos a las 12, recuperará un espacio que fue descuidado por las emisoras privadas desde hace un tiempo, a partir del entrecruzamiento de hechos, personajes y situaciones reales con la infinita libertad creativa que la ficción radial supo elaborar allá lejos y hace tiempo.

Temas inconclusos que vuelven a abrirse. Personajes que forman parte del ser nacional. Historias que sacudieron a la sociedad de su momento y que aún hoy se recuerdan con asombro. De eso se trata Secretos argentinos, un ciclo que volverá –en clave de radioteatro– sobre hechos que ocuparon los titulares de los diarios de las últimas décadas. Una interesante manera de rescatar y renovar la tradición del radioteatro para reflexionar sobre la historia reciente.

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Santiago Carlos Oves

Murió Santiago Carlos Oves

Debido a una larga enfermedad, falleció ayer, a los 68 años, el director Santiago Carlos Oves. Había nacido en Buenos Aires el 14 de septiembre de 1941 y se inició como dramaturgo en 1970, con La toma, para luego vincularse con Norman Briski y su grupo Octubre, con quienes desarrolló una intensa actividad en los ámbitos teatrales y de títeres. A partir de 1979 se desempeñó como asistente de dirección.

Fue coautor de los guiones de Evita, quien quiera oír que oiga y Sol de otoño, junto a Eduardo Mignogna; En retirada, al lado de Juan Carlos Desanzo, y Matar al abuelito, con Luis César D?Angiolillo. Escribió los libretos de ciclos televisivos como Desafío a la vida. En 1987 dirigió Revancha a un amigo, su primer largometraje.

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Murió Santiago Carlos Oves

Tenía 68 años. Entre otras, dirigió "El verso" y "Conversaciones con mamá".

Tras pasar un mes internado al regreso de un viaje por Francia, falleció el domingo por la mañana, a los 68 años, el realizador y guionista Santiago Carlos Oves, autor de filmes como Revancha de un amigo, Gallito ciego y Conversaciones con mamá.

Oves comenzó su relación con el cine como empleado en la boletería del mítico cine Lorraine. Luego empezó a desempeñarse en distintas funciones dentro de la industria. Fue asistente de dirección de Pubis angelical, El desquite y En retirada, entre otras, y escribió el guión de Evita (quien quiera oír que oiga), con su gran amigo Eduardo Mignogna, con quien volvió a colaborar en Sol de otoño y El faro.

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Blog Teatro cumplió dos años

Blog Teatro quiere hacer llegar su agradecimiento a todos los seguidores de esta idea que nació el 2 de mayo de 2008 y que ya no puede detenerse.

Les recordamos que pueden seguirnos de cerca a través de Facebook, Twitter, Google Buzz, o suscribiéndose a nuestro RSS. Además, recibimos información sobre obras en blogteatro(arroba)gmail.com.

Sueño con cebollas y Los talentos

Sueño con cebollas

En el marco del ciclo Operas primas se estrenó esta obra de la joven Natalia Casielles, que cuenta la historia de un niño que recurre a su fantasiosa percepción extrasensorial para recomponer o evadir su triste presente. Son los años ’60 y Francisco lee en un catálogo de la revista Selecciones que cualquier persona se puede comunicar con otra mediante la telepatía. Mientras tanto su mamá Amelia no logra unir los pedazos de muñecas rotas que tiene que reparar porque sólo piensa en que Alberto vuelva. La única que guarda todo en cajas es Teresa, y guarda todo porque van a mudarse. El camión de la mudanza está por llegar y ése es el tiempo que tiene Francisco para aprender telepatía, comunicarse con su papá y pedirle que vuelva.

Sábados a las 21, en el C. C. Rojas, Corrientes 2038. Entrada: $ 20.

Los talentos

Se estrena la obra escrita y dirigida por Agustín Mendilaharzu y Walter Jakob. Unos muchachos se encierran cada día en su gimnasio a fomentar sus músculos. ¿Qué sentirían si un día advirtieran que su gimnasio es la antesala de una gigantesca arena repleta de púgiles, menos musculosos tal vez, pero acaso más arteros? ¿Podrían aplicar todo ese desarrollo muscular a la lucha? La obra pareciera preguntarse qué sucede con un talento cultivado obsesivamente puertas adentro, cuando estas puertas se abren y dejan entrar al mundo. Con Julián Larquier Tellarini, Julián Tello, Pablo Sigal y Carolina Martín Ferro.

Sábados a las 23.15, domingos a las 17.30, en ElKafka, Lambaré 866. Entrada $40.

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Eduardo Pavlovsky: Potestad

La canción del verdugo

Hace 25 años, Tato Pavlovsky estrenó una obra escrita e interpretada por él que resultó un fracaso de público pero que se convirtió en un clásico instantáneo del teatro argentino. Ahora, no sólo la efemérides justifica su regreso a los escenarios, cuando ya es una pieza consagrada y reconocida, sino la elocuente actualidad de su tema y del modo en que interpela al presente con la historia de un apropiador de bebés durante la última dictadura.

Eduardo Pavlovsky definió a Potestad como una pieza de “realismo exasperante”. Nada más exasperante que la realidad y nada más real que el teatro cuando lo que intenta es una verdad en sus propios términos. Potestad se estrenó en 1985, dos años después de la llegada de la democracia y el mismo año que La historia oficial; sin embargo su recepción fue casi la opuesta. La película de Puenzo obtuvo un Oscar, y la obra de Pavlovsky, apenas un puñado de espectadores durante el escaso mes de funciones que estuvo en cartel. Pese a todo, Potestad es un clásico. Y no uno obligado, uno de esos necesarios documentos de época. Es uno de esos clásicos que siguen hablando al presente, que no paran con su verborragia exasperante, su lucidez premonitoria de teatro y realidad. Potestad habla más que nunca hoy, a veinticinco años de su estreno, y sigue llenando salas, aunque éste sea el detalle menos importante.

Potestad se fue modificando junto a su creador, Eduardo Pavlovsky. Se trata de una obra de su madurez, escrita cuando él ya tenía más de cincuenta años y su visión del arte –en el cruce de la política, el psicoanálisis y el teatro– estaba configurada. Tato peina muchas más canas hoy que en ese entonces, y esto es justo para Potestad, que empieza hablando precisamente sobre la vejez. Un matrimonio mayor pasa un sábado a la tarde junto a su hija que estudia Historia. No es un sábado tranquilo en la mente del protagonista, siempre alerta a cualquier signo que podría sacarlo de su endeble estabilidad. Y algo pasa: suena el timbre y entra un hombre bello y aristocrático que se lleva a su hija. Nos apiadamos de este hombre débil y atormentado. Comprendemos sus inseguridades y nos afectan. Tarde caemos en la cuenta de que el recién llegado no es alguien que arrebata a una joven comprometida del seno familiar, sino alguien que viene a llevársela para restituirla a su verdadera familia.

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El cuerpo sabio
Por Guillermo Arengo
El mito Potestad
Por Mauricio Kartun

Buenos Aires Polo Circo Festival

Volvió el circo con muy auspiciosas promesas

La segunda edición del festival revitaliza la zona sur de la Capital Federal y es la punta de lanza de un ambicioso programa de redención social

Juan de Garay y Combate de los Pozos. Donde la ciudad comienza a ponerse áspera y las carencias endurecen el desvencijado entramado social floreció, ya hace algún tiempo, un milagro: la plaza del paco se convirtió en la plaza del circo.

La aparición de familias con sus chicos, las carpas cargadas de promesas de alegría y magia allí donde sólo había tierra arrasada diluye las tenebrosidades que se malformaban al calor de tan inhóspito paisaje y la zona empieza a entonarse: donde antes había locales cerrados, ahora algunos se animan a abrirlos.

En estos días, más precisamente desde el último jueves y hasta el domingo próximo, gracias al Ministerio de Cultura de la ciudad, que motoriza la segunda edición del Buenos Aires Polo Circo Festival, el barrio se ha convertido en epicentro de una gran movida que abarca, además, otras tres sedes, 243 artistas provenientes de siete países y 55 funciones (más cuatro eventos especiales, diez conferencias y una muestra permanente).

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Los que volar no saben

Aspectos de un mundo autoritario

Un genuino e inquietante trabajo en equipo, comandado por Diego Cosin

Un viejo castillo. Una familia que vive encerrada en él, casi escondida del mundo exterior. Cada personaje parece salido de una foto difusa. La imagen deformante no permite distinguir exactamente quiénes y cómo son. Pero están ahí, perdidos en sus propios ideales y en sus propios vicios. Preparan, desde hace años, un acto que parece ser la única justificación de sus existencias. La locura ha terminado de apoderarse de ellos y los ha tornado de un patetismo extremo. Son muy peligrosos, es cierto, cuando se devela el móvil de una acción que sólo busca dar aliento a un nuevo dictador que conduzca los designios del mundo.

El texto de Hishan El-Naggar expone una trama sorprendente y, a la vez, expresa cierta ingenuidad ideológica. Pero su humor es muy ácido y eso lo torna divertido, entretenido. El juego al que conduce a sus personajes es mucho y ellos deben sobreponerse a unas rutinas dislocadas que, continuamente, revelarán un grado más de sus existencias exaltadas.

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En Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556). Domingos, a las 20.30.

Hacer el bien, El prometido, El enemigo, Mirame y decime si ves el mar, Estética contemporánea, Vivir no está bueno, y otras

Proyecto Tres 2010

Hoy se estrena la tercera edición del Proyecto Tres 2010, seis obras, seis dramaturgos y seis nuevos directores. Domingos, a las 18, Hacer el bien, El prometido y El enemigo ; y a las 20.30, Mirame y decime si ves el mar, Estética contemporánea y Vivir no está bueno . En El Bardo, Cochabamba 743 (4300-9889). Coordinadores: Marcelo Mangone y Ariel Barchilón. $ 40.

La Manzana, para todos

Los domingos, a las 17, para chicos de más de 6 años, el grupo Los Sonámbulos presenta su Historia de la ciencia en dos patadas , obra ganadora del varios premios para el teatro infantil. Entretanto, los domingos, a las 20, sube a escena Damiens, el cuerpo de los condenados , unipersonal de Cristián Palacios, dirigido por Paula Brusca, sobre la vida de Robert-François Damiens, frustrado asesino de Luis XV. En La Manzana de las Luces, Perú 272 (4342-9930, interno 112).

Tango en el Borges

Jorge Sergiani dirige el musical tanguero Buenos Aires, pasión de tango, en el que participan once artistas en escena. De viernes a lunes, a las 20, en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525. De 40 a 60 pesos.

Lorca, en el Teatro del Sur

Los domingos, a las 19.30, sube a escena Yerma, el golpe de la creencia , versión libre de Viviana Foschi, con actores y músicos de flamenco en escena. En el Teatro del Sur, Venezuela 2255 (4941-1951). $ 40.

Fuente: La Nación

Aníbal Silveyra

Evita y Perón. Anteayer se estrenó en el teatro Knightsbridge, de Los Angeles, la obra Eva Perón, Enigma of a Destiny , escrita por el argentino Aníbal Aprile y adaptada por la estadounidense Angela Nicholas y otro argentino, Aníbal Silveyra. La obra fue originalmente concebida en español y ahora subió a escena por primera vez en inglés. "Queríamos llevarle al público norteamericano parte de la historia argentina, con bailes de tango, y sumarla a la historia de amor entre Juan Perón y Evita. Pretendimos contar esta historia para explicar quiénes son estos personajes de nuestra historia, conocidos internacionalmente por su trabajo social y su entrega al pueblo, en el caso de Evita", explicó Silveyra en comunicación telefónica. El espectáculo tiene mucho sabor nacional ya que su elenco cuenta con el mismo Silveyra, como Perón, y otros actores argentinos como Sebastián Miranda (recordado por sus trabajos televisivos en Grande, pa! y Muñeca brava ), Gonzalo Escobar y varios bailarines de tango, hijos de argentinos residentes en Los Angeles. La obra lleva música de Astor Piazzolla y coreografías de Zita González y producción general de Joseph Stachura. "Quisimos plantear estos interrogantes: ¿Tuvo Eva una vida empujada por el destino?, ¿fue una trepadora?, ¿una santa?.. o simplemente, una mujer con la necesidad de realizar un trabajo que su pueblo necesitaba y nadie, hasta el momento, había tenido en cuenta", concluye Silveyra, que con este trabajo, hace su primera dirección en la ciudad estadounidense donde reside desde hace más de una década.

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Roma libera e Italia in cantata

La escena italiana, en el Cervantes

El Grupo Teatro Essere, con dos obras

El destacado Grupo Teatro Essere, de Roma, llegó a Buenos Aires para presentarse en la sala María Guerrero, del Teatro Nacional Cervantes. Pondrá en escena dos obras de su repertorio, que integran además su proyecto Radici. Estas son: Roma libera e Italia in cantata , ambas con un fuerte sustento musical, reflejan la mirada atenta de este grupo -creado en 1976- sobre la identidad y las tradiciones populares italianas.

Ambas obras, invitadas por el Teatro Nacional Cervantes, están auspiciadas por el Instituto Italiano de Cultura y patrocinados por la Región Lazio.

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Los 39 escalones

El clima de un Hitchcock dislocado

Crítica "Los 39 escalones" . Una versión disparatada de González Gil, con actuaciones que potencian la puesta.

Es fiel a la película de Alfred Hitchcock. O casi. Salvo algunos aspectos que no hacen a lo sustancial de la historia. (Y no es que tengamos tanta memoria, ya que es de 1935, ni que seamos muy viejos: ocurre que acabamos de volver a verla en video). Y todo arranca igual, en Londres, con un canadiense aburrido, Richard Hannay, que concurre a un teatro.

En ese lugar -en medio de un inesperado revuelo- una mujer le pide que la lleve al departamento de él. Allí, alguien la mata. Y no estamos revelando nada esencial porque eso ocurre en los primeros minutos de la narración.

El resto es la huída de Hannay, sospechado de ser el asesino, hacia Escocia, y sus encuentros con una dama en un tren, con un matrimonio de granjeros, con el hombre del meñique cortado, con policías y con integrantes de la siniestra organización Los 39 escalones, dedicada al espionaje internacional.

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Daniel Fanego, Cristina Banegas y Pompeyo Audivert

A poco de la entrega de los premios Florencio Sánchez, los lectores de Blog Teatro eligieron a sus actores, actrices y directores preferidos entre los nominados.

Todos los elogios estuvieron puestos en la obra Medea. De la terna mejor actor, el preferido por los que participaron de la encuesta fue Daniel Fanego y como mejor actriz quedó Cristina Banegas, ambos por el mismo espectáculo.

En dirección, el elegido fue Pompeyo Audivert, también por Medea.

Ahora solamente resta esperar la definición del jurado, que será dada a conocer en estos días.