Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi: El Matadero

Una exploración sobre la violencia

Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi se inspiraron para su última creación en uno de los textos fundantes de la literatura argentina que inspiró a escritores como Osvaldo Lamborghini, Jorge Luis Borges y Julio Cortázar.

El Centro Cultural Ricardo Rojas celebra sus prolíficos veinticinco años de vida con una serie de propuestas especiales. A mediados de abril llega la primera, El Matadero. Un Comentario, obra dramático-musical de Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi, creada a partir de uno de los textos fundantes de la literatura argentina que inspiró a escritores como Osvaldo Lamborghini, Borges, Bioy Casares y Cortázar y a artistas visuales como Enrique Breccia y Carlos Alonso. Relato breve, irónico y emblema del romanticismo rioplatense, El Matadero, de Esteban Echeverría, regresa en formato de ópera de cámara para dos protagonistas, una bailarina y un coro de seis voces, manteniendo su núcleo de sangre y muerte, metáfora de la opresión rosista y del enfrentamiento entre unitarios y federales, pero con un tratamiento contemporáneo que abre sentidos sobre la violencia más allá de su signo. Este es el tercer trabajo conjunto de Delgado (destacado compositor) y Wehbi (miembro fundador de El Periférico de Objetos y director con una extensa trayectoria), tras las puestas de Sin voces y Anna O., en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. El debut será el 17 de abril a las 21 en la Sala Batato Barea del centro (Corrientes 2038).

“Al recibir la propuesta del Rojas con la única sugerencia de mantener algún nexo con la literatura argentina, enseguida pensé en El Matadero, una historia corta y con muchas puntas interesantes para desarrollar. Empecé a trabajar la partitura a partir de la idea básica de no usar instrumentos, sino sólo voces, y que éstas sean masculinas. Y trasladar así la antinomia del texto original civilización o barbarie –que tal como la planteamos en la puesta no es tal– a dos tipos de voces muy diferenciadas. Por un lado, una voz cultivada de contratenor (masculina, pero cuya tesitura corresponde a la voz de soprano o de contralto, que son registros femeninos), y, por otro lado, una voz de arrabal, bien de barrio; además de un sexteto vocal masculino que funciona como un coro, emparentado con el de la tragedia griega, pero sin dar preceptos morales, y que juega en forma ambivalente tanto con la figura del unitario como con la del mazorquero”, explica Delgado.

–¿Cómo encararon la dramaturgia?

Emilio García Wehbi: –Pensar El Matadero como una puja de machos, de voces masculinas en pugna, me pareció una idea conceptualmente perfecta. Desde esa masculinidad y desde la idea de que es la Argentina lo que está en disputa, y que lo que se faena es el cuerpo de una vaca, surgió la idea de poner en escena un cuerpo femenino que podría portar un significante más amplio. Y a partir de ahí empecé a trabajar con la idea de superposiciones de voces: un mundo europeo y un mundo bárbaro. Las voces de una nación hechas de capas provenientes de diferentes registros, fuentes y referencias. Así empecé a construir un texto casi hecho de citas de la literatura, de la cultura popular, de la historia, de documentos sobre cría y faena de ganado. Entre muchas otras, hay referencias a autores como Lautréamont y Kafka que comentan el texto de Echeverría y que dan cuenta de ciertos aspectos de la historicidad argentina. El resultado es una superposición de voces y de estilos, un cocoliche literario. Fue desafiante porque me interesó trabajar con el material original, reflexionar sobre él y a la vez producir una lectura nueva. Y en el intento de entender de qué habla hoy El Matadero, apareció la necesidad de una reescritura, pero sin que nuestra mirada empañe la del autor, más allá de algunas salvedades. Echeverría, por ejemplo, sólo ironiza sobre la figura de Matasiete, el federal; nosotros también lo hacemos con el unitario.

Marcelo Delgado: –Es más, en el texto original el unitario aparece casi al final y acá está todo el tiempo en escena, interviniendo sobre su propia historia y sobre lo que dice el mazorquero. Mas que civilización o barbarie sería civilización y barbarie, la convivencia de ambas.

Más en Página/12

La ficha

Agustina Muñoz

Vivir de un modo distinto

Dramaturga, directora y actriz. Viene de una familia de abogados y se hizo su camino. Escribió y dirige "El calor del cuerpo". Tiene 24 años.

Se estrenó como autora a los 20 años con la idea de que era muy joven y que era preferible recibir críticas a esa edad que después. "¿Cuántos palos me pueden dar?", pensó en ese momento. Y así se despachó con Las mujeres entre los hielos. Pero el resultado fue todo lo contrario a lo que ella temía: no solamente aprobaron su proyecto para representar la obra en El Camarín de las Musas, sino que su texto tuvo el reconocimiento de ser premiado por el Instituto Nacional del Teatro.

No pasó mucho tiempo de eso, pero la carrera de Agustina Muñoz creció vertiginosamente. Hoy tiene 24 años, recibió el premio del Festival de la Escena Alternativa en España por su obra Neón, que todavía no estrenó, y escribió y dirigió El calor del cuerpo, que se presenta en el mismo teatro que la apoyó al principio, en el barrio de Almagro. Además, trabajó como actriz en dos películas de Inés Oliveira de Cézar y sus obras forman parte de antologías de jóvenes dramaturgos del Instituto Nacional del Teatro y de la editorial Entropía. Nada mal.

Dice que está construyendo un estilo propio y que en sus obras se hace visible una pregunta que las recorre. "Tiene que ver con los lugares: cómo los territorios influyen a las personas, cómo el afuera reprime", explica. Neón, ganadora del premio en España, trata sobre parejas que viven en una escena que parece de posguerra; Las mujeres entre los hielos se estructura en torno a personajes que regresan de una base científica en Alaska. El calor del cuerpo se desarrolla en una playa en la que los protagonistas, sumidos en la inacción, se buscan, se desean, pero nunca logran acercarse.

Más en Clarín

Martín Giner y Gabriel Carreras: Medio pueblo

“Hay un recambio muy interesante”

Los integrantes del grupo Calavera Teatro presentaron en la Fiesta Nacional que terminó ayer en Resistencia el unipersonal Medio pueblo. Y reflexionan sobre el movimiento creativo que se generó en el NOA en los últimos tiempos.

Muchos son los que auguran un cambio climático y la inusual ola de calor que en estos días agobió a la Fiesta Nacional del Teatro que terminó ayer así lo confirma. Las largas colas que se formaron en las seis salas consagradas al encuentro mostraron un público entusiasmado y sudoroso, con la piel abrillantada sin excepción por el uso del repelente de mosquitos recomendado para prevenir el dengue, un tema de preocupación generalizado. Muchas son las anécdotas que llevan y traen los elencos, que además de presentarse en Resistencia se desplazan hacia alguna de las 12 subsedes del interior de la provincia, incluido el pueblo de Charata, foco de la enfermedad que ya causó dos víctimas fatales. No obstante el riesgo, los grupos parten con entusiasmo hacia Sauzalito, en el Impenetrable, La Tigra, Las Breñas o Taco Pozo, en el límite de Santiago del Estero.

Pasan las jornadas de la fiesta y, sin embargo, quienes están en Resistencia desde el comienzo siguen comentando algunos de los montajes de los primeros días. Como el espectáculo representante de Corrientes, Las hijas de Satarsa, una versión libre del cuento de Julio Cortázar por el grupo Germinal, con dirección de Lorena Busciglio; o Pan de cada día, historia sin palabras que presentó La Compasiva, de Temperley, provincia de Buenos Aires, bajo la dirección de Alfredo Badalamenti. Muy elogiadas también fueron las tres obras que representaron a Córdoba: W Invasión extraterrestre, de Gonzalo Marul; Edipo R, versión de la tragedia de Sófocles con muñecos y actores, con dirección de Luciano Delprato, y la brillante La fonda cordobesa, creación del personalísimo Paco Giménez.

Procedente de Tucumán se presentó en estos días Medio pueblo, unipersonal de Gabriel Carreras, con dirección del propio autor, Martín Giner, ambos pertenecientes al grupo Calavera Teatro, que viene trabajando desde hace nueve años en la capital provincial. Se trata de una historia narrada por uno de los sobrevivientes de la singular catástrofe sucedida en un pueblo dividido en dos mitades. El actor volvió a lucir sus cualidades expresivas, como lo hizo en Freak Show, obra del mismo grupo presentada hace tres años en el Festival Internacional de Salta. Representadas por medio centenar de muñecos de trapo erguidos sobre varas de madera, las dos partes del pueblo se dividen en “los antiguos”, aún sometidos al sistema de vasallaje, y “los modernos”, en plena revolución industrial. El atractivo conjunto tuvo su origen en el interés que Giner tiene por la pintura: “Tomé al puntillismo como técnica para intentar que, desde las notas de color individuales, fuese creándose algo mayor, en este caso, un pueblo definido como una suma de individualidades”, relató en conversación con Página/12, junto al intérprete del espectáculo.

–¿Cómo caracterizaría a una y otra parte del pueblo?

Martín Giner: –Busqué una forma de mostrar pares de opuestos. Quería representar la evolución humana en lo político y social. Cuando estrenamos la obra, muchos vieron reflejado el conflicto del campo. Lo interesante de hablar de cosas que se repiten y que están presentes en cualquier contexto es la resonancia que tienen, más allá de tu voluntad. Las dos partes del pueblo sufren lo mismo, la explotación y alienación. Y esto hoy también ocurre. Las cosas hubiesen sido diferentes de haber mantenido la unidad cuando tuvieron un objetivo común. Pero faltó la cabeza...

Más en Página/12

Mónica Viñao y Daniel Fanego: Paisaje después de la batalla

Un lienzo sobre el ocaso del poder

Hoy se estrena, en el San Martín, Paisaje después de la batalla, con Daniel Fanego

Daniel Fanego toma a Analía Couceyro por la cintura y le dice "Mi noche queda a oscuras". Ella llora; sigue poseída por su personaje. El actor mira a la directora, Mónica Viñao, y le sugiere que la luz comience a debilitarse antes, ni bien comienza aquel desgarrador parlamento que concibió Ariel Barchilón en 2003, gracias a la Beca de Dramaturgia del Instituto Nacional de Teatro. Un ejército verdadero, no aquel que describe Paisaje después de la batalla , rodea la escena. Vestuaristas, escenográfos y sonidistas y técnicos se alistan para el estreno de hoy, en la sala Cunill Cabanellas, del Teatro San Martín.

Se advierte a los intrusos de modo reiterativo pisar con cuidado y estar pendientes de sus propios pasos. Los consejos no suenan exagerados. Viñao lleva su brazo vendado y se recupera de aquella herida de guerra que sufrió mientras dictaba tácticas a sus soldados. "Para que tengas suerte en los estrenos, los ingleses dicen «Break a leg» [Que te rompas una pierna]. Me imagino que esta quebradura debe ser un buen augurio", ríe la realizadora.

Los actores bajan la guardia y se relajan por unos instantes. Néstor Sánchez ejecuta un ejercicio vocal y comienza a enumerar las preposiciones. "¡No! Te olvidaste de según y sobre", corrige Fanego la lista de su compañero.

Un actor intenta en vano distraer a Couceyro, quien recrea a una criatura víctima de un amor prohibido y de un Tatita bien déspota. La actriz está acurrucada sobre el piso del escenario que equivale a una enorme reproducción de un lienzo de Juan Manuel Blanes. Viñao viajó a Entre Ríos, al Palacio San José, que perteneció al general Justo José de Urquiza para ingresar en esta atmósfera en la que está ambientada la obra.

Más en La Nación

Premios Atina

La Galera Encantada, la gran ganadora

Lo destacado del teatro infantil durante 2008

Mañana se entregan los premios de la Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (Atina) destinada a la producción 2008. Este galardón tiene como objetivo estimular a los realizadores que se dedican al género infantil y juvenil. "Nuestra institución no premia al mejor, no nos parece justo y es muy difícil establecer aquel criterio. Lo que se reconoce son las labores destacadas", dice María Inés Falconi, miembro de Atina. María Elena (La Galera Encantada), Fedro y el dragón (del grupo salteño La Faranda) y Pata de fierro (de la compañía de títeres La Hormiga Circular, de Río Negro) recibieron una mención al mejor espectáculo de la última temporada.

Además, Diego Reinhold y Omar Calicchio (ambos de La trup sin fin ) y Mauro Menegat ( Código pirata ) ganaron como intérpretes masculinos. Mientras que en el rubro femenino, Lali Lastra ( María Elena ), Patricia Signorelli ( El extraño viaje de Nikolaus Piper ) y Natalia Maldini ( Código pirata ) fueron las distinguidas. En cuanto a la dirección, Héctor Presa ( María Elena ), Hugo Midón ( La trup sin fin ) y Dardo Sánchez ( Pata de fierro ) resultaron galardonados. También Atina distinguió a Héctor Presa ( María Elena ), Adriana Ferrari ( La casita feliz ) y Luis Rivera López ( Cuentos de la selva ). Con respecto a la coreografía, recibió su premio la labor de Mecha Fernández ( María Elena, Robin Hood y De paraguas ) y Carlos Trunsky ( La trup sin fin ). También, Carlos Gianni ( La trup sin fin ) y Maximiliano López y Mauro Angelini ( Juanito... a la orilla ). En Adaptación: Hugo Alvarez, Claudia Peña y Fernando Arancibia, y Luis Rivera López.

Otros premiados son el de la trayectoria, a La Galera Encantada; al medio que contribuyó a la difusión de las actividades de este género, a la revista Planetario ; y a la investigación teatral, a Nora Lía Sormani. La ceremonia tendrá lugar mañana, a las 20, en La Comedia, Rodríguez Peña 1062.

Fuente: La Nación

Norman Briski

"El teatro también es un deporte"

Tendrá, en poco tiempo, cinco obras en cartel. Mientras ensaya una pieza de Vicente Muleiro sobre Jorge Rafael Videla, explica su trabajo en "Tratame bien", donde hace de un psicoanalista.

Aunque no recuerde con exactitud las fechas, lo cierto es que Norman Briski planea poner en escena cinco espectáculos en los próximos meses. Un abanico teatral que incluye, en principio, dos reestrenos: Sólo brumas, de Eduardo Pavlovsky y La posta de los generales. Mientras que debutará, por otro lado, con Cuentos para el Coco, Cabezas trocadas -escritas y dirigidas por él- y están avanzados los ensayos de Vide-La cinta fija, de Vicente Muleiro, donde Briski dirige y actúan Marcelo Mazzarello y Marcelo D'Andrea. "Nunca se sabe cuándo se hará una obra -cuenta Briski sentado en un bar de Barracas, su barrio desde hace varios años- y entonces tiro la línea para pescar al grupo, para ver si vamos a conseguir la guita. A veces sucede esto: aparecen demasiadas cosas por hacer".

¿Qué líneas tiró para atraer la atención sobre estos trabajos? Podemos hablar de "Cabezas trocadas", por ejemplo.

Esa pieza nace por el atractivo de que el protagonista de la obra es una cabeza. Una masajista le corta la cabeza al protagonista y se la pone a su novio que quiere ir a luchar a Palestina. Todo lo que pasa es muy gracioso. De alguna manera, me investigué a mí mismo, a partir de lo que sucedería si yo estuviese paralizado, viviendo intensamente sin ir a ningún lado. Probablemente tenga que ver con mi edad.

"Cuentos para el Coco" surge a partir de una serie de relatos que escribió. ¿Cómo ejecutó la transición de esos textos al teatro?

Son doce cuentos o ejercicios dramáticos mezclados con literatura casi fantástica. Mi compañera es actriz y tomó diez relatos y los puso en escena en formato unipersonal. Yo la dirijo.

Más en Clarín

Edda Díaz: Mi reina, amorcito, corazón

Edda Díaz: "El machismo está acabado"


La actriz sigue fiel al café concert con "Mi reina, amorcito, corazón". Dice que no vio la obra de Gasalla, que a los hombres cómicos les fue mejor que a las mujeres y que sabe poco de stand up.

La pregunta es cuándo se pudrió del humor y la respuesta empieza con una cara como dibujadita por Quino. La boca es una línea en forma de U y a los costados se le arman los mofletes. "Uh, —piensa en voz alta—: éste me quiere sacar un título".

La sospecha viene a cuento de la obra que está presentando, Mi reina, amorcito, corazón, cuyo spot publicitario apunta a lo hilarante y divertido del asunto. Pero el sábado, cuando salís del teatro y le mirás la cara al de al lado... "¿Qué? ¿Qué pasa cuando le mirás la cara al de al lado?"

Hay humor, sí, claro, es Edda Díaz. Se adivinan los guiños del viejo café concert (sí, es Edda Díaz), ¿pero esta obra no es una especie de tragedia griega? Con cierto temor al ridículo, cinco días después, se lo decimos en su casa —"muy rico todo, Edda"—. y la U de Mafalda empieza a modular un descargo llamado experiencia. "Son gustos que una se da a cierta altura de la carrera. Nunca me pudrí del humor. No hay dos hermanos gemelos más gemelos que la comedia y la tragedia, y yo soy una mujer pasional. Este personaje dice que se acabó la joda, porque ahora te va a decir la verdad. Este personaje hizo bromas durante 25 años y llegó a este presente".

Paréntesis: ¿Hablará de ella?, ¿del personaje de ella en la entrevista?, ¿del personaje de la obra?

"El humor no lo elegís, el humor te elige a vos y considero que es una forma elevadísima de inteligencia. Hay pocos actores que pueden tocar la tragedia y la comedia al mismo tiempo. En el teatro yo necesito vibrar y que me hagan vibrar, y esta obra, a fin de cuentas, habla de las mujeres golpeadas".

Más en Clarín

Mecanismos del cortejo

"Mecanismos del cortejo" se está presentando los jueves, a las 21, en ElKafka, Lambaré 866, Capital Federal.

"Trabajamos mediante consignas (entendidas como condiciones de posibilidad) tendientes a producir estrategias actorales, reconociendo procedimientos, recursos y perspectivas fortuitas", relata su director, Luis Cano.

Y agrega: "Nos planteamos una actuación circunstancial, más acá de una valoración estética. Y hacer un espectáculo que muestre lo que podemos actuar -aunque todavía no lo hayamos hecho-".

Actúan Gonzalo Alvarez, Lidia Epsztejn, Miguel Israilevich, María Eugenia López, Agustín López Pavan, Tamara Raschcovsky, Noelia Sciancalepore, Ana Laura Urso, y Constanza Viceconte.

Reservas al 4862-5439.

Hugo Urquijo: Cuestión de principios

“Retratar dos concepciones del mundo”

Un padre escribe sus memorias. Y una hija, distanciada de él desde hace años, debe editarlas. Ese es el punto de partida de Cuestión de principios, que protagonizada por Víctor Hugo Vieyra y Adriana Salonia se presenta en el Teatro del Pueblo.

En una obra de “ideas encarnadas”, padre e hija discuten apasionadamente, evocan hechos y disienten. El director teatral y médico psicoanalista Hugo Urquijo dice conocer a fondo la época que uno de los personajes intenta recuperar en Cuestión de principios, la más reciente obra de Roberto “Tito” Cossa, que se presenta en el Teatro del Pueblo. Conoce la época y los ideales que la sustentaron desde sus años de estudiante universitario, cuando se intentaba reformar la enseñanza, crecía el entusiasmo por la Revolución Cubana y se adhería a la idea de que, más allá de los sectarismos, un mundo mejor era posible.

Pero no es sólo ese conocimiento lo que habilita a Urquijo a dirigir Cuestión... Lo convocó el mismo Cossa, quien acaba de regresar de Canarias portando su Premio Max, distinción otorgada a personalidades hispanoamericanas de las artes escénicas. Y con la aceptación para dirigir llegó el asombro ante el final dado por el autor a un match de pensamientos y emociones y ante la precisión de un texto “que fluye en boca de los actores”. El director dice: “Me impresiona que en sólo 65 minutos –el tiempo que dura la obra–, Tito haya retratado sin perder complejidad dos concepciones del mundo”. La obra exige poner atención en el entramado psicológico e ideológico de dos modelos, y Urquijo no rehuyó la tarea. Lo componen el discurso que sostiene “un militante de izquierda de los años ’50 y ’60 –que quiere dejar testimonio de su lucha en el movimiento obrero– y el de su hija, escritora con cargo en una editorial, que dejó de compartir las ideas de su padre y a quien no ve desde hace años”. Ella, por otra parte, es la encargada de editar ni más ni menos que las memorias del padre.

–¿Publicar las memorias supone en este caso admitir que la lucha quedó atrás?

–No, el padre no cree eso, ni piensa que se equivocó; necesita dar testimonio y cree que puede confiar en su hija, aunque estén distanciados.

Más en Página/12

Historia de un crimen
La responsabilidad de la ética

Fiesta Nacional del Teatro: Escrito en el barro

Teatro en el interior (del interior)

En pleno monte chaqueño se presentó Escrito en el barro, la primera obra de criollos en territorio wichi

EL SAUZALITO, Chaco.- En su ubicación actual, El Sauzalito fue fundado en 1979. En el pueblo mismo y sus alrededores viven unas 7 mil personas. El 50 por ciento es wichi y, el resto, criollo. Desde Resistencia, en donde hoy a la noche culmina la 24ª edición de la Fiesta Nacional del Teatro, para llegar a Sauzalito hay que pasar por Roque Sáenz Peña (donde se acaba de recuperar un teatro), llegar a Castelli y -de allí- atravesar El Impenetrable por caminos de tierra en los cuales, por momentos, la arena se transforma en un iceberg denso detenido en el espacio.

Los 600 kilómetros demandan unas diez horas de coche (vía ómnibus, hay que calcular muchas más horas, y si llueve, El Impenetrable es eso: impenetrable). En el marco del encuentro escénico que organiza el Instituto Nacional del Teatro y el gobierno local, la función en El Sauzalito fue la extensión que más complejidades demandó. Más allá de ese aspecto operativo, es la primera vez que un elenco profesional blanco llega a estas tierras tan alejadas, en las que la comunidad wichi y los criollos se abren paso en medio de la espesura del monte y del calor.

Más en La Nación

La niña de la noche

La lucha contra los temores de los niños

Los títeres de La niña de la noche, en los festejos por los 25 años del Grupo Catalinas Sur

El temor ancestral a la oscuridad revive en cada niño al momento de ir a dormir. Así también le ocurre a Alvarito, hasta el punto de que se aferra casi obsesivamente a lámparas y linternas para eludir la noche. Hasta que la repentina aparición de Morena lo introduce en un mundo nocturno pleno de sorpresas, comenzando por el rap que ilumina la negritud de la niña.

Apagando las luces se despeja la penumbra y surgen sonidos y colores en tonalidades inesperadas. Alegres grillos de ritmo caribeño y una rana bataclana que entona un blues, aunque también un búho agorero y aguafiestas, son personajes muy lejanos a las pesadillas de monstruos que temía Alvarito. Apagando las luces se prende la fiesta.

La obra de títeres sobre un escenario amplio y abierto del Grupo Catalinas Sur es una versión libre de La niña que iluminó la noche , el cuento de Ray Bradbury popularizado entre nosotros en una bella versión ilustrada de Ediciones de la Flor, en el que apenas se sugiere poéticamente las posibilidades que despliega la puesta en escena de Ximena Bianchi. Las figuras de los pobladores de la noche enunciadas por el texto toman cuerpo en el teatro, cada uno con su música, que define su personalidad. Así el gato maula que no puede ser sino tanguero de ley a la tenue luz del farol, o los mosquitos mariachis, un tanto beodos y parasitarios en su rincón.

Más en La Nación

En el Teatro de la Ribera, Av. Pedro de Mendoza 1821. Domingos, a las 16. Entradas: 15 pesos.

Mi vida después

Relatos deliciosamente crípticos

Los hijos de la dictadura, bajo la mirada no convencional de Lola Arias

Puede resultar contradictorio -o paradojal para ser más precisos- afirmar que Mi vida después es un espectáculo tan sencillo como complejo, tan correcto como incorrecto en su posicionamiento estético, filosófico y político. Una mirada nostálgica de la modernidad lamentará la falta de un gran relato (tanto ideológico como dramático), pero una más pragmática podrá gozar con un cripticismo que parece permitir cualquier tipo de encuentros y de alianzas.

Aclaremos. Mi vida después es una obra muy altamente influenciada por ciertas estéticas europeas contemporáneas. Y para ser más exactos, puede decirse que hay una fuerte presencia de Rimini Protokoll, colectivo estético al que pertenece Lola Arias junto a Stefan Kaegi, quien a su vez es uno de los más notables representantes de una estética que puso en crisis el concepto de ficción en el teatro. Y este era precisamente el perfil del ciclo Biodrama -creado por Vivi Tellas, para la sala Sarmiento- del que Kaegi participó con un espectáculo llamado ¡Sentate! Un Zoostituto . Y aunque el Complejo Teatral no inscribe a esta propuesta dentro del ciclo ya cancelado, claramente pertenece a él y lo clausura de un modo fecundo.

Más en La Nación

Segunda ópera prima, Galileo sobre la mesa, 3 obras 3, "¡Qué ju lepe! Una de ratones", y Pata de fierro

Estreno. Hoy, a las 16, en el Maipo Club (Esmeralda 449) se estrena Segunda ópera prima , escrita y dirigida por Gustavo Monje e interpretada por la Compañía de Teatro Musical del Instituto Universitario Nacional de Artes que dirige Ricky Pashkus. Continuará sus presentaciones los sábados y domingos, a las 16. Informes: 4322-4882. Entradas: 20 pesos.

Según Galileo. Continúa en el Centro Cultural Rojas (Corrientes 2038) las funciones de Galileo sobre la mesa -con técnica de teatro de papel- del Grupo Ad Hoc, que dirige Horacio Tignanelli. Los sábados, a las 19.30, en la sala Biblioteca. Informes: 4954-8352. Entradas: $ 15 (capacidad de la sala: 30 localidades).

Títeres. En el Museo del Títere (Piedras 905), hay funciones de títeres para niños los sábados y domingos, a las 16 y a las 17.30. Hoy, Guillermo Bernasconi estará con 3 obras 3 y mañana, Mariel Lewitan llevará ¡Qué ju lepe! Una de ratones. Entradas: 12 pesos. Informes: 4304-4376.

Desde Río Negro. Pata de fierro, de la Compañía de Títeres La Hormiga Circular -de Villa Regina, Río Negro- tendrá una función especial en la Sala de la UPB (Campos Salles 2145), mañana, a las 17.30.

Fuente: La Nación

Cuestión de principios

Se estrenó una nueva obra de Roberto Cossa

Cuestión de principios confronta a dos generaciones

Luego de ocho años, el prestigioso dramaturgo Roberto Cossa ("Tito"), el autor de La nona , Gris de ausencia , Nuestro fin de semana , Yepeto y Tute cabrero , entre otras tantas piezas emblemáticas de nuestro teatro, regresó ayer con un nuevo texto. Se trata de Cuestión de principios , que se centra en la relación entre un padre y su hija.

Para esta pieza, Cossa convocó a Hugo Urquijo, quien dirige a Víctor Hugo Vieyra y a Adriana Salonia. Ambos le dan vida al reencuentro, luego de años de un doloroso silencio, entre un sindicalista y su hija, una exitosa editora, quien se enfrenta con el pedido de padre para terminar de darles forma a sus memorias. Estas dos generaciones se enfrentan en una lucha entre las utopías y los ideales de los setenta, por un lado, y el pragmatismo y escepticismo de los noventa, por el otro.

Más en La Nación

Sala: Teatro Sarmiento. De jueves a domingo.

Luisa se estrella contra su casa

Las formas de escapar del dolor

Ariel Farace construyó una impecable pintura de la soledad y lo cotidiano como fórmula de evasión

Hay algo que me golpea. Ocho directores en acción fue el nombre del proyecto que, en 2007, presentó el Festival Internacional de Buenos Aires y donde Ariel Farace mostró un avance de este ahora acabado espectáculo, Luisa se estrella contra su casa.

La experiencia tiene una protagonista particular: Luisa, una mujer que ha perdido a su pareja en un accidente de tránsito, vive en soledad y casi encerrada en su casa. Y sólo dos acontecimientos la mantienen conectada con el mundo real: la radio y la salida a un supermercado. Hay también un vecino que la molesta con su música, pero como esa presencia es perturbadora, ella opta por no incluirlo en su mundo íntimo.

Aun su desgracia personal y su profunda soledad, Luisa se muestra activa; describe su vida con interés y obliga a prestarle una atención extrema y, no porque la mujer haga muchos esfuerzos, sino porque de continuo su vitalidad es arrasadora. Claro que su memoria traerá por tiempos a su pareja muerta y, en otros, sus diálogos con el polvo limpiador poseerán una creatividad inusitada. Luisa está anclada a ese tiempo personal que la convierte en entrañable. Su debilidad es una señal intensa pero es tan reconocible que no hay manera de escapar de ella. Es un hermoso personaje.

Más en La Nación

Soñar en Boedo

Soñar en Boedo

Los viernes y sábados, a las 21, dirigida por Julio Baccaro, con Rubén Stella, Mimí Ardú, Haydée Padilla y elenco. En la sala Carlos Carella, B. Mitre 970 (4345-2774).

Fuente: La Nación

Ariel Barchilón: Paisaje después de la batalla

Las pulsiones de la historia

El dramaturgo cuenta el origen de su premiada "Paisaje después de la batalla", que se estrena hoy en el San Martín.

Una joven morena, que borda un tapiz donde se representa una batalla, es sorprendida por su amante. El sobresalto hace que se pinche un dedo con la aguja y que una gotita de sangre caiga sobre el dibujo del pecho del general vencedor de esa batalla", reprodujo el dramaturgo argentino Ariel Barchilón en los apuntes sobre la génesis de su obra Paisaje después de la batalla. El sabía desde hacía tiempo que esa imagen que le había surgido en un ejercicio de escritura tenía una enorme potencialidad. Dos años después de concebirla, cuando el Instituto Nacional de Teatro abrió la convocatoria a una beca para doce dramaturgos, esa imagen comenzó a germinar. Fue así que escribió Paisaje después de la batalla en el taller de dramaturgia que dictó Mauricio Kartun, gracias a la beca obtenida. Recibió, luego, el Primer Premio Ciudad de Buenos Aires, por el bienio 2002-2003. Y esta noche, la pieza se estrenará en la sala Cunill Cabanellas del teatro San Martín.

Barchilón nació en la provincia de San Juan en 1957. "A los 16 años empecé a ir a un taller de teatro que era de la universidad. Yo siempre escribí, desde muy chico, pero hasta entonces nunca había visto teatro. Mi primer clase de teatro me partió la cabeza", confiesa Ariel. A los 18 se vino para Buenos Aires y por unos años fue actor. Es Licenciado en Letras por la Universidad de Buenos Aires y fue docente de Literatura Argentina. "Los temas que trato en esta obra tienen que ver con cosas que he estudiado".

Antes de escribir teatro, se dedicó a la narrativa y a la poesía. "El teatro requiere madurez y es una escritura mucho más difícil", dice. El primer texto dramático suyo que se estrenó fue Los impunes, que dirigió Lorenzo Quinteros. Barchilón fue uno de los fundadores del Proyecto Puentes. Y actualmente se dedica a la dramaturgia y a la docencia.

Más en Clarín

Fiesta Nacional de Teatro

La noche del adiós

La XXIV edición de la Fiesta Nacional de Teatro culmina esta noche en Resistencia, Chaco. En este encuentro se reunieron elencos de varias provincias que convocaron una gran afluencia de público. Tan sólo en la capital chaqueña se realizaron 55 funciones con 14 mil espectadores. Las entradas de la fiesta nacional fueron gratuitas y el público chaqueño colmó la capacidad de las salas.

En el cierre de la fiesta se presentarán Martha Stutz, de Javier Daulte, en versión del grupo sanjuanino Círculo de Tiza. De Capital Federal, habrá una función Lote 77; y del Chaco, La cacería, una obra la experiencia de hombres atrincherados que trabaja un cruce entre el cine y el teatro. La dirigió Fabián Díaz.

En los diez días que duró la fiesta Nacional del teatro, La Fonda Cordobesa, de Paco Giménez, Pan de cada día, de Bandfield, y La Bohemia, de Mendoza, fueron tres de los espectáculos de muy buen recibimiento de público.

La Fiesta se extendió a seis localidades chaqueñas. Allí realizaron 25 funciones y reunieron 7.300 espectadores. Uno de los pueblos donde hubo funciones fue Sauzalito, en una comunidad Wichi. Allí se presentó Escrito en el barro, de Andrés Bazzalo. La fiesta se extendió, además, a Formosa, Misiones y Corrientes.

Fuente: Clarín

Segunda Opera Prima, "La Aurora, chinita linda si las hay", El Ratón Pérez superpoderoso, Patito feo, HI-5 Cinco sentidos en vivo

Hay mucho para ver

Un musical sobre Mozart, los regresos de "Hi-5" y "Patito feo" y un homenaje a los textos clásicos criollos, entre lo más destacado de la programación infantil.

Por estos días se presentan varias nuevas propuestas para los chicos. Hoy a las 16, en el Maipo Club se estrena Segunda Opera Prima, el primer espectáculo infantil de la Compañía de Teatro Musical del Instituto Universitario Nacional de Artes, que dirige Ricky Pashkus. Se trata de un acercamiento a la ópera pensado para los más pequeños, llevado a escena de manera dinámica. La pieza, escrita y dirigida por Gustavo Monje, cuenta la historia de Marita, una nena a la que no le gusta la ópera. Se podrá ver sábados y domingos a las 16 en Esmeralda 449, piso 2, 4322-4882, $20.

Mañana se estrena La Aurora, chinita linda si las hay, un homenaje a los textos clásicos criollos argentinos (como el Martín Fierro, Don Segundo Sombra y Juan Moreira) creado especialmente para chicos por la Cía. El Globo.

Con música interpretada en vivo, cuenta la historia de Martín, un joven gaucho enamorado de Aurora, a la que también pretende el insensible y autoritario Don Fernando, alcalde del pueblo. Domingos a las 17 en No Avestruz, Humboldt 1857, 4777-6956, $20.

Por otra parte el jueves 9 llega una megaproducción: El Ratón Pérez superpoderoso, que promete espectacular escenografía y efectos especiales para contar una aventura que lleva a sus protagonistas al fondo del mar. Sólo podrá verse hasta el domingo 12.

Como todas las semanas, el Ratón Pérez va en busca de las monedas que le da el joyero Morientes, para poner bajo las almohadas de los chicos, pero esta vez se encuentra con una muy mala noticia: no hay más monedas. En el Teatro Gran Rex, Corrientes 857, entradas al 5237- 7200.

En la misma sala, pero en un horario más tarde, a las 18.30, el viernes y el sábado el espectáculo teatral de la famosa tira juvenil Patito feo realiza dos funciones de despedida. El show -según cuenta la propia Laura Esquivel- "es como un resumen de los dos años de Patito, con canciones una atrás de otra".

Por último el espectáculo, HI-5 Cinco sentidos en vivo, se presentará del viernes 10 al domingo 12, como parte de su gira por Latinoamérica. Jenn, Kimmie, Shaun, Curtis y Karla, los personajes de la famosa serie de televisión pensada para chicos de entre 2 y 8 años, vuelven a Buenos Aires, acompañados de los reconocidos puppets Chats y Jup Jup.

El show permitirá a los chicos bailar y cantar con Canciones favoritas de la semana, La hora del cuento, disfrutar de una intrépida aventura de Piratas o la historia de una Banda de Rock. En el Teatro El Nacional, Corrientes 960, 4326-4218, únicas funciones del 10 al 12, a las 15 y a las 17.15.

Fuente: Clarín

La Flauta Mágica, Pequeñas Hadas y Sirenas, Cuento con mascotas, y De Paraguas

La Flauta Mágica

sábado 16 ANDAMIO 90, PARANA 660, 4373-5670, $15

Luego de una exitosa gira por el país recorriendo desde Tilcara a Ushuaia, se presenta de nuevo en capital, la exquisita ópera de Wolfang Amadeus Mozart en versión para títeres del grupo Babelteatro.

Pequeñas Hadas y Sirenas

sábado y domingo 16.45 COLETTE, PASEO LA PLAZA, CORRIENTES 1660, 6320-5346, $20

Un nuevo estreno del Grupo Alas. Dirección General: Gustavo Bernal. Esta nueva comedia musical del Grupo Alas transporta a los chicos al mundo fantástico de las Hadas.

Cuento con mascotas

sábado y domingo 16.30

TEATRO DE LA ASOCIACION ITALIANA DE BELGRANO, MOLDES 2157, 4781-0371, $18

Por el grupo Los títeres de don Floresto, una creación de Miguel Fontana, María del Carmen Hernández, Fernando Amarilla y Andrés Olguín.

De Paraguas

sábado17 TEATRO DEL PASILLO, COLOMBRES 35, 4981-5167, $15

Un mágico viaje para abrir los ojos y el corazón al increíble universo de los paraguas. Todo puede pasar y al finalizar sólo nos resta esperar a que llueva para seguir jugando. Coreografía: Mecha Fernández. Música: Rony Keselman. Libro y Dirección: Silvia Copello. Siete únicas semanas.

Fuente: Clarín

Griselda Siciliani

Una rosa roja que vino de Suar

Griselda Siciliani cumplió años y lo festejó. Pero eso sí, Gri no dejó de trabajar. Después de la función de La forma de las cosas, en el Multiteatro, su pareja, Adrián Suar, la pasó a buscar para llevarla a comer a un lugar top. Y la sorprendió con un ramo de flores. A pesar de que hace pocos días, Griselda recibió la triste noticia de la muerte de su abuela, los mimos de Adrián y sus amigos la reconfortaron. Sus compañeros en la obra, Fernán Mirás, Magela Zanotta y Sergio Surraco se sumaron a la cena.

Fuente: Clarín

Las dos carátulas y La ronda de los teatros

Vuelve un clásico. El próximo lunes se iniciarán las grabaciones de la temporada 2009 de Las dos carátulas, por Radio Nacional (AM 870). Con su histórica consigna ("El teatro de la humanidad") el ciclo celebra este año su 59° aniversario y se abrirá con Pancho Ramírez, obra de Graciela Tesaire, adaptada por Ivonne Fournery y basada en la historia del caudillo entrerriano conocido como "El Supremo", a quien personificará Rubén Stella. El elenco se completa con Stella Maris Closas, Beatriz Dellacasa, Susana Fernández Anca, Jesica González, Laura Mobilia, Karina Pittari, Viviana Salomón, Carlos Ameijeiras, Domingo Basile, Rodolfo Caraballo, Hugo Cosiansi, Mario Labardén, Marcelo López Foresi y Néstor Hidalgo. La cartelera del mes de abril se completará con ¡Qué noche de casamiento!, de Ivo Pelay, protagonizada por Víctor Hugo Vieyra, y Vestir al desnudo, de Luigi Pirandello, con María Concepción César. Con producción y dirección general de Nora Massi, Las dos carátulas cuenta con un equipo integrado por Leonardo Liberman (presentación del autor y relatos), Marithee Reale (locución), Javier Chiavone (edición de arte) y Patricio Schultze (asistente de producción). Las grabaciones se realizarán los tres primeros lunes de cada mes, a las 19.30, y con entrada libre y gratuita, en el estudio mayor de Radio Nacional, Maipú 555, y el programa se emitirá los domingos, de 20 a 22.

Otra vuelta teatral. A partir de mañana, todos los sábados, a las 14, estará en el aire de Radio de la Ciudad (AM 1110) La ronda de los teatros, noticiero del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA), con la conducción de Pablo Zunino, la producción periodística de Laura Rosso y la producción ejecutiva de Federico Lucini. El programa, que durará una hora, ofrecerá información de todas las obras que se presentan en las distintas salas del CTBA, junto a datos sobre publicaciones y otras actividades. Habrá notas y entrevistas con todos los artistas y técnicos que participan en cada puesta en escena, además de secciones fijas y la presencia de personalidades "extrateatrales" (historiadores, escritores, filósofos, psicoanalistas) con aportes desde distintas disciplinas. En la emisión inaugural hablarán las directoras Lola Arias, Mónica Viñao y Eva Halac, responsables de tres puestas en otras tantas salas del CTBA.

Fuente: La Nación

Noelia Noto

Fue premiada Noelia Noto

Es probable que muchos recuerden a Noelia Noto como la pequeña protagonista de la comedia musical Annie, otros como integrantes de programas de TV como Pelito, Clave de sol, Casi todo, casi nada y Gasoleros. En 2006 se radicó en España y allí acaba de ganar el prestigioso premio Max, de teatro, por su trabajo en la obra Carnaval, de Jordi Galcerán, dirigida por la niña mimada de ese país: Tamzin Townsend. Fue la mejor actriz de reparto, en la 12ª edición de los Max, que se celebró en las Canarias. En España comenzó haciendo publicidades, y siguió en cine y televisión. "Cuando me avisaron que quedé elegida en la terna, entre 50 actrices no lo podía creer. Estoy supercontenta", dijo la actriz.

Fuente: La Nación

Alfredo Casero

Alfredo Casero está de vuelta

Teatro IFT, Boulogne Sur Mer 549. Hoy,a las 24. Entradas desde 40 pesos.

El actor estrenará esta noche Estese Confuso, una nueva versión de su espectáculo The Casero Experimendo. "Mi teoría del Experimendo se ha esparcido, como bolitas de rulemán que caen de un camión andando, bastante rápido, pero con un agujero. Caen a la ruta, como desperdigadas, saltarinas y peligrosas", dijo el actor a modo de ¿aclaración?

Fuente: La Nación

Silvio Lang: La señora Macbeth

Exorcismos para un clásico

El teatrista pampeano montó La señora Macbeth, de Griselda Gambaro, en un escenario no convencional: un ex molino de Santa Rosa. Este sábado la obra tendrá como invitada especial a su autora. Lang prepara además otros dos espectáculos: Oratorio pagano y Nada de Dios.

“El Molino Werner se hallaba entre la laguna Don Tomás y las vías del ferrocarril. Había sido construido en 1946. Tiempo después fue abandonado y pasó a ser una ruina emblemática de la ciudad de Santa Rosa.” Así resume el director pampeano Silvio Lang la historia del espacio que utiliza para el montaje de La señora Macbeth, de Griselda Gambaro. Ubicado en una zona que fue residencia de los trabajadores y patrones, el establecimiento sobrevivió malamente a décadas de abandono, usurpaciones y robo de maquinarias hasta que la Caja de Previsión Profesional se hizo cargo del edificio. Ese era el momento de proponer “una pequeña intervención teatral y fue así que Lang llevó La señora... al molino”. Claro que las historias no terminan ahí. El director cuenta que en el sector ahora habilitado para la escena “cayó tiempo atrás un rayo que derrumbó el techo e hizo un agujero en el piso, justo al lado de una caldera de 15 metros”. Un desastre que devino en inspiración, pues el director y su equipo transformaron ese hueco en fondo de escena al incorporar esculturas y objetos diseñados por Rubén Schaap. Cabe aclarar que la carencia de techo convirtió a la obra en espectáculo al aire libre. Tanta anécdota merecía una función de honor. Esta será el próximo sábado y estará dedicada a los invitados: la dramaturga y novelista Griselda Gambaro y su esposo, el escultor Juan Carlos Distéfano.

Estudioso de las artes escénicas, el cine y el video, docente e investigador con obra propia (Tango nómade), Lang prepara además dos espectáculos para estrenar en Buenos Aires: uno sobre Olga Orozco, poeta pampeana nacida en Toay en 1920 y fallecida en 1999, y otro inspirado en la obra de la poeta montevideana Idea Vilariño (1920). Entre las puestas de este director premiado e invitado a festivales internacionales figuran Berenice, de Jean Baptiste Racine, La música, de Marguerite Duras; Lo que no se dice, de Tennessee Williams; Lady Aoi, de Yukio Mishima; Kadish, de Graciela Safranchik; El deseo de la Petra Polanco, de Juan José Sena; La intemperie, de Alejandro Urdapilleta, y Cámara Gesell, de Daniel Veronese.

–¿Es una característica suya gestionar la ocupación de espacios no convencionales?

–En La Pampa estrené varias obras con esa modalidad: Lady Aoi, en el Museo de Bellas Artes; Cámara Gesell, en una discoteca, algo inaudito para mi provincia; un espectáculo sobre textos del escritor pampeano Juan José Sena, nuestro Juan Rulfo, en bibliotecas; y ahora La señora Macbeth, en el ex Molino Werner.

Más en Página/12

El batacazo

Un golpe de suerte

La obra escrita y dirigida por Mauricio Dayub, tiene mucho humor. Habla sobre el hombre y sus miserias.

A usted le va mal, a mí me va mal: ¡Juntémonos!", le dice Cobra al Nene. Dos seres a los que no les ha ido nada bien en la vida, unidos fortuitamente por el juego de un parque de diversiones. Dos criaturas llenas de carencias, que se parecen en sus faltas, pero se diferencian en el modo en el que se enfrentan a la adversidad. En El batacazo, Mauricio Dayub y Osqui Guzmán componen a estos personajes que, cada uno a su manera, despiertan pronto en los espectadores un sentimiento de afecto.

El parque está cerrado al público; ellos aparecen sin hacerse notar -al menos eso intentan-, para que ninguna alarma delate su presencia en el lugar. Cobra y el Nene ingresan por la platea, vienen hablando entre ellos, suben al escenario e inmediatamente transportan al público a su universo. Toda la obra tiene mucho humor, pero particularmente el arranque de El batacazo está plagado de gags que hacen que los personajes se presenten a través de diálogos muy graciosos.

Dayub está caracterizado de modo que por momentos no se parece en nada a sí mismo. Osqui logra ese efecto con su gestualidad, que combina resignación, pesimismo y desazón. Cobra tiene esperanzas. La suerte se atrae, dice, y en eso está, en hacer que la suerte vaya hacia él. El Nene cree que en su caso particular, la suerte lo esquiva. Estos opuestos se ensamblan con inteligencia en la trama de una pieza escrita y dirigida por el propio Dayub, que se estrenó en el Chacarerean Teatre.

Más en Clarín

Cuestión de principios, Justo en el vacío, ¿En qué idioma te estoy hablando?, Sangre, Buenas y santas, Minetti, Soñar en Boedo, Ego, y otras

Estrenos

Trece estrenos: muchas opciones para todos los gustos renuevan la cartelera

Cuestión de principios

Hugo Urquijo dirige una nueva obra de Roberto Cossa, con Víctor Hugo Vieyra y Adriana Salonia. Viernes y sábados, a las 21. Teatro del Pueblo, Roque Sáenz Peña 943 (4326-3606). $ 35.

Justo en el vacío

Alejandro Cervera dirige a Susana Tale y Emiliano Samar, en un texto de Román Podolsky. Sábados, a las 21.30. Centro Cultural Rojas, Corrientes 2038. $ 20.

¿En qué idioma te estoy hablando?

De Savyon Liebrecht, dirigida por Manuel Iedvabni, con Natalia Señorales, y elenco. Domingos, a las 18, en El Nudo, Corrientes 1551 (4373-9899). $ 20.

Sangre

Versión libre de Otelo, a cargo de Laura Silva, con Osvaldo Peluffo, Martín Dodera, etc. Viernes, a las 21. La Carbonera, Balcarce 998 (4362-2651). $ 30.

Buenas y santas

Una pieza escrita y dirigida por Alberto Fernández San Juan, con Inés Jordana, Cecilia Colombo, etc. Viernes, a las 21.30. Sala Apacheta, Pasco 623 (4941-5669).$ 25.

Minetti

Juan Carlos Gené y Maia Francia, en un texto de Thomas Bernhard dirigido por Carlos Ianni. Sábados, a las 21; domingos, a las 20, en el Celcit, Moreno 431 (4342-1026). $ 60.

Soñar en Boedo

Ruben Stella, Mimí Ardú y Haydeé Padilla en una pieza de Alicia Muñoz, con dirección de Julio Baccaro. Viernes y sábados, a las 21. Teatro Carlos Carella, Bme. Mitre 970 (4345-2774). $ 50.

Ego

De María Candelaria Sabagh, quien también dirige a cuatro actores en torno a una mesa de pool. Sábados, a las 23. Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáenz Peña 943 (4326-3606). $ 30.

Los Rocabilis

Bernardo Cappa dirige a un numeroso elenco en un texto de creación colectiva. Sábados, a las 23. Abasto Social Club, Humahuaca 3649 (4862-7205). $ 30.

Paisaje después de la batalla

Daniel Fanego, dirigido por Mónica Viñao, en un texto de Ariel Barchilón. De miércoles a domingos, a las 21. En la sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín, Corrientes 1530. $ 35.

Argentina improvisada

Nueva obra del Mosquito Sancineto. Sábados, a las 22. Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 330 (5346-6618). $ 30.

Fuente: La Nación

Eduardo "Tato" Pavlovsky, Susy Evans, Mirta Bogdasarian, Eduardo Misch, y Norman Briski: Sólo brumas

Nota del 1 de abril

“Es una forma de conectarse poéticamente con la realidad”

El autor, el director y los protagonistas hablan de la pieza que se reestrena este viernes, cuyo primer disparador fue la noticia de las muertes de niños en Tucumán y la estratagema utilizada para ocultarlas del ojo público.

Cerebro en brumas o país de brumas o alarido que se silencia. ¿Cuánto más despierta el título de la más reciente obra de Eduardo “Tato” Pavlovsky? En la presentación de Sólo brumas se alude a lo monstruoso instalado en lo cotidiano y a la cotidianidad de lo monstruoso, de modo tal que el espectador no tiene escapatoria: se compromete ante el teatro de intensidades de Pavlovsky o lo desecha. Singulares en lo que le toca a cada cual como protagonista, Pavlovsky, Susy Evans, Mirta Bogdasarian y Eduardo Misch, dirigidos por Norman Briski, reponen esta obra este viernes en el Centro Cultural de la Cooperación, donde habrá funciones hasta mayo, cuando el equipo viaje a Francia, invitado al festival de teatro político que organiza el Centro Dramático Nacional de Dijon-Bourbogne. Un intervalo apenas para continuar en junio en el complejo de la calle Corrientes, donde fue estrenada en julio de 2008 con un recibimiento acorde a una pieza que descoloca. Experiencia a la que el elenco le pone palabras: “La aceptación fue en un momento muy fuerte; disminuyó después por el clima social y político, pero mantuvimos el interés del público hasta noviembre, final de la temporada”, puntualiza el autor, en diálogo con Página/12, junto a sus compañeros.

–¿El público se muestra reticente a la obra?

Eduardo Pavlovsky: –El tema no es agradable, sobre todo porque hoy nuestro teatro pasa por un “posmodernismo divertido”. En Francia me dijeron algo así cuando seleccionaron Potestad y Sólo brumas para el Festival Internacional Teatro en Mayo, de Dijon. Las seleccionaron por ser las únicas estrictamente políticas que encontraron. Las otras que hoy se ven están muy bien escritas, pero cuentan historias que pueden ocurrir en cualquier otro lugar; éstas, en cambio, son nuestras.

Más en Página/12

La ficha
La mirada en Francia

"Karabalí, ensueño Lecuona", Darío Grandinetti, El Bergatín, La Funeraria, Patricia Palmer y Patricio Contreras

Nota del 1 de abril

Un Lecuona en el Xirgu. En el final de una de las funciones de Karabalí, ensueño Lecuona, del pasado fin de semana, subió inesperadamente al escenario al ritmo de la conga y, en medio de una profunda emoción hasta las lágrimas, Rafael Lecuona, sobrino y heredero del padre de la zarzuela cubana, Ernesto Lecuona. Es hijo de Fernando Lecuona, también compositor y letrista de su hermano Ernesto. Llegó desde Texas, y advertido por sus familiares del homenaje musical, Rafael contó a Los Amados anécdotas maravillosas sobre el compositor, habló de su buen humor y se atrevió a aseverar que si su tío viviera se hubiese divertido muchísimo con Karabalí, ensueño Lecuona .

Grandinetti, familiero. Luego de la función de Baraka , Darío Grandinetti se apuró para llegar a tiempo a Insoportable , el biodrama de Romina Mazzadi Arro y el grupo rosarino los Hijos de Roche, en el que trabaja su prima Mirna Pecoraro. Aunque la función ya había comenzado, Grandinetti los visitó en los camarines y le rindió homenaje al nombre de la sala: ofició como anfitrión en una cena con el elenco.

Hincha del Globo. En la sangre de la familia Cappa se encuentra la vocación por la dirección. El padre, Angel, comanda desde hace dos campeonatos la primera división de Huracán, mientras que el hijo, Bernardo, es el autor y responsable de El Bergatín y La Funeraria , que pronto se repondrán en la cartelera porteña, así como de Rocabilis , que este año se estrenará en El Abasto Social Club, y Amor a tiros , que tendrá su espacio en El Camarín de las Musas. A pesar de su agitada agenda, el dramaturgo y director siempre dice presente en los partidos del Globo a los que concurre con sus compañeros de elenco.

Patricios. La semana pasada, Patricia Palmer y Patricio Contreras comenzaron a ensayar Telémaco o el padre ausente , del chileno Marco Antonio de La Parra, dirigidos por Dora Milea. Es una reflexión sobre el poder y sus mecanismos. Los acompañan Ricardo Díaz Mourelle, Joselo Bella, Roxana Berco, Mariana Gióvine, Marcelo Martínez y Nicolás Mateo.

Fuente: La Nación

Por el placer de volver a verla

Nota del 1 de abril

Un reestreno placentero

Virginia Lagos y Manuel Callau reestrenan hoy Por el placer de volver a verla , dirigida por Manuel González Gil. En el Multiteatro (Corrientes 1283), de miércoles a viernes, a las 20.30; sábados, a las 20 y 22.30, domingos, a las 20. Entrada: 50 pesos.

Fuente: La Nación

Centro Argentino de Teatro Ciego

Nota del 1 de abril

El imperio de los sentidos

Un fenómeno de la cartelera porteña: espectáculos para ciegos realizados, en gran parte, con actores ciegos, a los que asiste todo tipo de público. La historia se inició con "La isla desierta" y ya son cinco los espectáculos que se desarrollan en la oscuridad y potencian el resto de los sentidos.

A la salida de la obra La isla desierta. Después de cenar y escuchar música en el espectáculo A ciegas con Luz. O luego de seguir las historias de Juan Carlos Puppo en Cuento puro o puro cuento. En cualquier caso, al terminar la función, si uno se asoma y juega a escuchar frases entrecortadas entre el público, se repetirá, inevitablemente, la palabra experiencia.

Si hubiese que escribir una pequeña historia del teatro ciego, en la primera página figuraría Caramelos de limón, que dirigió Ricardo Sued a inicios de los '90 en Córdoba. Luego llegó La isla desierta y, desde hace algunos meses, la cartelera porteña comenzó a sumar espectáculos que se desarrollan en total oscuridad. En suma: aquel espacio vacío del que hablaba Peter Brook; en este caso, vacío de luz, pero con otras vías de lectura y espacios de goce.

Algunos ya hablan de un nuevo subgénero dentro del teatro. Otros dicen que es sólo un recurso que debe ser trabajado para no caer en la obviedad. Lo cierto es que en la ciudad ya hay un puñado de obras sin bambalinas ni ademanes; unas cuantas piezas con escenografías sonoras que se ajustan sólo al antojo del director y no a los límites presupuestarios. Y elencos formados por un 50 por ciento de actores ciegos para los que este tipo de obras significan una salida laboral.

El inicio del recorrido por la oferta de teatro ciego debe comenzar por La isla desierta, la obra más aceitada, que ya es un clásico de la cartelera. Lleva ocho años en cartel y más de mil funciones. Luego de pasar por varias salas, ahora se presenta en el Centro Argentino de Teatro Ciego, una institución que alberga a este tipo de obras desde el año pasado.

Más en Clarín

La isla de la fantasía

El último encuentro

Nota del 1 de abril

El último encuentro

Con dirección de Gabriela Izcovich, Duilio Marzio, Hilda Bernard y Fernando Heredia llevan adelante, en el Teatro La Comedia, la adaptación de la bella novela de Sándor Márai. Ya la vieron 10.000 personas.

Llegan los tres muy temprano. Casi dos horas antes de la función de El último encuentro (de Sándor Márai), Duilio Marzio, Hilda Bernard y Fernando Heredia dicen "presente" en el Teatro La Comedia, ubicado en Rodríguez Peña 1062. Bajo la dirección de Gabriela Izcovich estrenaron el espectáculo a principios de enero y tienen previsto continuar en cartel.

El barcito del hall del teatro es el punto de partida de ese ritual que cada uno realiza antes de salir a escena, de jueves a domingos. "Mi camarín es muy caluroso, así que mi estancia allí es muy acotada; me apuro, para no estar mucho", explica Duilio sentado en una butaca, a mitad de camino entre el cafecito que se tomó en la entrada y el camarín, donde irá a vestirse para la función. "Ponerme la ropa es el paso para empezar a concentrarme", expresa. Con el traje del personaje, se sienta luego en el escenario y repasa la letra. Permanece en ese lugar hasta que le avisan que el público está por ingresar a la sala. "Lo más lindo es ir a comer después de la función, siempre que haya con quién", anticipa.

Más en Clarín

Ricardo Darín

Nota del 1 de abril

Darín, premiado en familia

Un galardón más para la vitrina de Ricardo Darín: el embajador de España Rafael Estrella le entregó el Premio Equinoccio cultural 2009 por "contribuir al desarrollo y fortalecimiento de un vinculo cultural entre España y Argentina, a través del cine y el teatro, logrando de una manera profunda la integración cultural entre ambos países".

El acto se realizó en la mansión del Four Seasons, donde Darín llevó una hinchada propia abultada de familiares y amigos. Desde sus afectos más cercanos (su esposa Florencia, sus hijos Ricardo y Clarita, su madre Renée Roxana, su hermana Alejandra más sobrinos y cuñados) hasta Fito Páez, que se atrevió a prescindir del elegante sport. Otros que no le fallaron al actor de Nueve reinas y El hijo de la novia —entre tantas otras películas— fueron Arturo Puig y su esposa Selva Alemán, Boy Olmi, Susú Pecoraro, Fernán Miras, Mercedes Morán, Andrea Pietra con su pareja Daniel Grinbank, Katja Aleman, Enrique Pinti, Julio Bocca, Lino Patalano, Eleonora Cassano, Alfredo Leuco, Silvina Chediek, Fernando Bravo y Carlos Perciavale. Una de las mejores vestidas de la jornada fue, claro está, Mirtha Legrand, quien se calzó un vestido plateado y hasta guantes de seda al tono.

"Me siento muy honrado y orgulloso de recibir este homenaje, que no hace más que ratificar lo que sentí cuando me tocó vivir en España haciendo teatro, donde me hicieron sentir como en casa", soltó el homenajeado.

Fuente: Clarín