Jorge Marrale: Asociación Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (Sagai)

“Esto es algo que construye esperanza”

Un decreto de Néstor Kirchner en 2006 posibilitó la creación del organismo, que permite a los actores cobrar derechos por el uso de su imagen. La inauguración de la sede de la Sagai, encabezada por Cristina Fernández, incluyó un justo homenaje.

El secretario general de la Asociación Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (Sagai), el actor Jorge Marrale, reivindicó las palabras que utilizó el lunes la presidenta Cristina Fernández en el acto de inauguración de esa institución, cuando dijo: “Las cosas no vienen porque sí. No es la omnipotencia del que está ocupando un lugar de poder, ustedes lucharon por el reconocimiento”.

La sede del organismo está en Marcelo T. de Alvear y Paraná. En ese mismo acto se descubrió una placa en agradecimiento al ex presidente Néstor Kirchner, por el apoyo brindado a la entidad a través de la firma del decreto 1914, de 2006. Esa ley ratificó la creación de la Sagai, que preside el actor Pepe Soriano, un luchador de la primera hora. La Presidenta había recordado que el decreto para la creación del organismo “le sacó algunas de las canas que tenía, por algunas presiones, pero él se emperraba con las cosas cuando consideraba que eran justas”. Como se declaró en el acto, el decreto deriva de la Ley de Propiedad Intelectual que los actores aún no habían logrado. “La ley 11.723 es de 1933; sin embargo, los actores intérpretes, dobladores y bailarines no teníamos ese derecho”, apunta Marrale a Página/12. A modo de sucedáneo recibían un pago por la repetición de la imagen, no eficazmente controlada, porque no contaban con una estructura básica.

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Sebastián Wainraich: Wainraich y los frustrados

“Todos cargamos con alguna frustración”

Wainraich y los frustrados, que debutará esta noche en Samsung Studio, le permite al actor, conductor y humorista vestir la piel de tres personajes muy diferentes. Pero, como para no perder la costumbre, el espectáculo termina con un monólogo.

Si uno supone que el inminente estreno de una obra teatral le podría quitar el sueño a cualquier actor, al punto de condicionarle su humor y templanza, Sebastián Wainraich da señales de que eso no siempre sucede. No es que el debut de esta noche de Wainraich y los frustrados, su primer unipersonal, no le genere cierta ansiedad por salir al escenario del Samsung Studio (Pasaje 5 de Julio 444) y dejar atrás los nervios que toda nueva obra provoca hasta en el actor más longevo. Nada de eso. Lo que ocurre es que por estos días lo que verdaderamente mantiene en vilo a Wainraich es una sola cosa: la posibilidad de que Atlanta, el club de sus amores, pueda ascender a la B Nacional. No es para menos: el bohemio es puntero del certamen, con 12 puntos de ventaja sobre el segundo, a 9 fechas del final. “Estoy mucho más nervioso con Atlanta que con el estreno de la obra”, le dice, seriamente, a Página/12 . “Si bien soy optimista en las dos cosas, lo de Atlanta es lo verdaderamente importante. Si una función teatral sale mal, tengo revancha en la próxima. En cambio, si no llegamos a ascender, la frustración va a permanecer hasta vaya a saber uno cuándo”, reflexiona sin exagerar.

Conductor, humorista y actor, Wainraich ha hecho del uso de la palabra un vehículo para la risa. Desde su etapa de productor y guionista de Fernando Peña hasta su actualidad al frente de Metro y medio (ver aparte), pasando por programas como ardetroya, Duro de domar y TVR, el “pelado” supo hacerse un lugar en el medio a fuerza de un humor basado más en el uso del lenguaje que en el histrionismo. Ese estilo supo desarrollarlo en la radio (X4, Metro) y luego protagonizando tres de las cuatro versiones de Cómico Stand up, obra que lo ubicó como uno de los referente locales del género importado de Estados Unidos. Ahora, él regresa a las tablas dando un paso más allá de la estructura del humorista parado frente al micrófono, porque en Wainraich y los frustrados (jueves a las 22 y domingos a las 20), se anima a la interpretación de distintos personajes, con un denominador común: todos cargan sobre sus espaldas el peso de la frustración. El espectáculo se complementa con un video y un monólogo de cierre. Como para no perder la costumbre....

–¿Quiénes son los frustrados a los que alude el título de la obra?

–En el show hay tres personajes que se relacionan porque van a ver un show de stand up. El que abre el espectáculo es Miguel, un tipo de clase media que soñó con ser cantante, pero no pudo porque había cosas del ambiente que no le gustaban. Tiene una rotisería y es un poco facho, pero su cuota reaccionaria obedece más a la ignorancia que a la maldad o a lo ideológico. Para él, los que se drogan son negros, y los que son negros, se drogan. No me animaría a decir que es un mal tipo. Es esa clase de sujetos que son los más graciosos de sus amigos. El segundo personaje es un futbolista frustrado, que trabaja dirigiendo a un equipo en un club de barrio. Ronda los 40 y hasta el día de hoy tiene una suerte de complejo de Edipo con la madre, que influyó a la hora de no poder llegar a ser futbolista. Cuestiona al stand up diciendo que, además de ser maricones, los que hacen monólogos son pelotudos que hablan de problemas pelotudos, y no de problemas importantes como los de él. Y la última es una mujer mayor, que toda la vida quiso vivir sola, pero nunca pudo hacerlo porque se enamora muy rápido de los hombres. Es una señora que está por morirse y le chupa un huevo todo: no tiene ningún filtro. Es un personaje liberador para mí.

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La radio, la tevé y la política

Sebastián Wainraich: Wainraich y los frustrados

“La felicidad tiene demasiada buena prensa”

Sebastián Wainraich, cómico y monologuista.

–¿Cuál es la propuesta de Wainraich y los frustrados?
–Más que un espectáculo es una obra de teatro que combina un trío de personajes un poco decadentes en tres situaciones distintas: primero un sketch en una pantalla, después una escena compartida sobre el escenario, y al final un monólogo.
–¿Qué te movió a tratar el tema de la frustración?
–No fue buscado. Al hacer los personajes me di cuenta que iba por ese lado, aunque con frustraciones muy distintas

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Ingrid Pelicori, Pompeyo Audivert y Alejandro Awada: El aire del río

El aire del río: la poética de lo colectivo

Con esta obra de Carlos Gorostiza, encarnada por un prestigioso trío de actores, arranca la nueva temporada del Teatro San Martín

El Teatro San Martín, dependiente del Complejo Teatral de Buenos Aires, comienza esta semana su programación 2011 con dos estrenos casi simultáneos: hoy, El aire del río , y mañana, Lo último que se puede esperar , dirigida por Paco Giménez. Ambas interesantes, ambas contemporáneas.

Ellos se venían intuyendo, se venían teniendo ganas desde hacía tiempo. Nunca habían trabajado juntos, salvo algún cruce circunstancial en un tira televisiva tiempo atrás. Pero se conocen y había deseos confesados de trabajar juntos. Y se dio. Ingrid Pelicori, Pompeyo Audivert y Alejandro Awada finalmente se encontraron cuando les llegó la propuesta de Manuel Iedvabni de estrenar El aire del río , de Carlos Gorostiza, en el San Martín. Mucho nombre fuerte como para negarse a semejante desafío, a semejante placer. El texto de "Goro", la mirada de Manolo, cada uno de ellos tres en escena. Todo les daba perfecto para no jugarse una buena ficha.

"Y había algo lúdico en la propuesta, una invitación abierta a jugar para los actores que terminó por ser irresistible", resume Ingrid Pelicori, la Isabel de una historia multiplicada por tres. Es que la comedia dramática que pergeñó Gorostiza en los papeles atraviesa el tiempo de nuestra historia con los mismos tres personajes -Isabel, Domingo y Francisco- y los enfrenta a los vaivenes amorosos -que siempre suceden- y a los políticos y sociales de tres épocas determinantes como la colonia, la inmigración y la actualidad.

Más en La Nación

El aire del río: de Carlos Gorostiza, con dirección de Manuel Iedvabni. Sala Casacuberta del Teatro San Martín, Corrientes 1530. Miércoles, a sábados, a las 21; domingos, a las 20. Entradas: $ 45; miércoles, $ 25.

Un hombre amable entró a orinar, Inventarios, Se alquila, El mágico mundo de Yoyonia, Kadish para mi madre, y Con el rumor del paisaje

Estrenos

Un hombre amable entró a orinar

De Roberto Perinelli, con Mónica Buscaglia y Osvaldo Djerejian, dirigidos por Corina Fiorillo. Sábados, a las 21; y domingos, a las 20.30, en Anfitrión, Venezuela 3340 (4931-2124).

Inventarios

De Philippe Minyana, dirigida por Gonzalo Martínez, con Malena Solda y elenco. Viernes y sábados, a las 20.30; y domingos, a las 19, en la Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131 (4864-3200).

Se alquila

De Diego Casado Rubio, con Emiliano Dionisi, Estela Garelli y Chela Cardalda. Una familia que se transforma. Sábados, a las 21, en La Carbonera, Balcarce 998 (4362-2651).

El mágico mundo de Yoyonia

Varieté musical del grupo Mínimo. Viernes, a las 23, en IMPA, Querandíes 4290 (4981-3730).

Kadish para mi madre

De Patricia Suárez, dirigida por Pino Siano. Humor y dramatismo en un funeral. Con Ana María Colombo, Liliana Simoni, Jorge Noya, Gabriel Molinelli y Lorena Tedeschini. Sábados, a las 21.30, en el Actors Studio, Díaz Vélez 3842 (4958-8268).

Con el rumor del paisaje

Sobre la migración europea a América, dirigida por Jorge Sánchez, con Morgane Amalia y Marta Cuenca. Viernes, a las 21, en el Teatro del Sur, Venezuela 2255 (4941-1951). $ 40 y $ 30.

Sutottos, lo más mejor

El grupo humorístico de Andrés Caminos y Gadiel Sztryk festeja su quinto cumpleaños. Viernes, a las 23, en la Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131 (4864-3200).

Jungla (un antiguo testamento)

Una reinterpretación en clave de humor de los mitos del Antiguo Testamento. Dirigida por Paula Ransenberg. Viernes, a las 23.30, en Timbre 4, México 3554.

Tan brutas

Comedia negra de Fabio Golpe, con María Laura Rojas, Marienn Perseo, Fabio Golpe y Andrés Zibritovsky. Sábados, a las 20.30, en El Fino, Paraná 673.

El rey se muere

De Eugene Ionesco, dirigida por Lía Jelin. Con Omar Calicchio, Valeria Lorca, Gabriel Rovito, Heidi Steinhardt, Matías Strafe y Agustina Cerviño. Viernes, a las 20, en el C. C. de la Cooperación, Corrientes 1543. $ 70.

Amor Mito

Dos clowns en un sueño erótico. Con Santiago León y Juliana Ramírez Gisbert, dirigidos por Leticia Torres. Viernes, a las 22.30, en el Actors Studio, Díaz Vélez 3842 (4958-8268). $ 30 y $ 40.

Las d'enfrente

Con China Zorrilla, Jorge Rivera López, Fito Yanelli, Marisol Otero y elenco, dirigidos por Santiago Doria. Martes, a las 20, en el Teatro del Globo, Marcelo T. de Alvear 1155.

Perderte otra vez

Unipersonal de Emiliano Dionisi, dirigido por María Rosa Frega. Miércoles, a las 20.30, en El Cubo, Zelaya 3053 (4963-2568).

Fuente: La Nación

Complejo Teatral de Buenos Aires

Las complejidades del Complejo

Algunos actores y directores estrenarán sin haber cobrado sus salarios

Las complejidades presupuestarias en el Complejo Teatral de Buenos Aires adquieren forma de constante. Desde hace unos años, los retrasos en la firma de los contratos o en el cobro salarial se producen, en general, cerca de fin de año. Este vez aparecieron cuando arranca la temporada oficial en las salas del Teatro San Martín, Presidente Alvear, De la Ribera, Regio y Sarmiento.

Un comunicado de la Asociación Argentina de Actores presenta el tema: "Desde el mes de enero, los trabajadores están ensayando las obras previstas para este primer semestre. Sin embargo, la mayoría de los contratos no aparecen y, por lo tanto, nadie está cobrando su salario. Al contrario, son los compañeros los únicos que están poniendo plata de su bolsillo para ir a trabajar". Un caso testigo podría ser el del director Paco Giménez que, anteayer, comentaba: "En mi elenco, algunos pocos firmaron sus contratos, pero la mayoría, no. Nos han dicho que hay problemas con Cultura de la ciudad, pero no sé... Si en estos días no se resuelve la cosa, yo me vuelvo a Córdoba porque allá tengo un trabajo que me paga y no puedo fallarles". Ayer, la dirección del teatro se comunicó con él y le prometió que, para su estreno del sábado, ya habrá firmado su contrato.

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María Onetto

María Onetto

Cambio de vocación Se recibió de psicóloga, pero lo suyo era el teatro. Llegó a la TV con “Montecristo”. Ahora, prueba en la dirección de actores.

Nunca me pasó por la cabeza ser actriz. Era muy aplicada y los libros me entusiasmaban. Mi papá murió cuando yo tenía un año, algo de lo familiar había quedado desmembrado y el estudio organizaba mucho mi vida. Además iba a un colegio en Olivos que pertenecía a mi familia, todos trabajaban allí y yo estaba muy interesada en que nadie pensara que sacaba ventajas de eso.
Cuando terminé se me hizo lógica la idea de seguir en la universidad. Mi hermana es psicoanalista, y yo estudié psicología. Hice la carrera muy rápido, pero me recibí y entré en crisis con la vocación. En ese tiempo estudiaba teatro con Luis Agustoni, aunque mi primer maestro fue Hugo Midón. También hice danza jazz, inglés... Tenía el día ocupado. Pero el teatro empezó a ser muy importante. En principio, me llamó la atención que allí había un tipo de sensibilidad afín a mí, mezclada con intensidad, apasionamiento y capacidad de juego.

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Lo que mata es la humedad

Flor de sainete

Crítica. “Lo que mata es la humedad”. La puesta intenta revalorizar el género, desde lo popular.

Anclada temporalmente a fines de 1975, Lo que mata es la humedad realiza un procedimiento que intenta revalorizar el sainete, pero con formas que deterioran su propio objetivo. Con violencia estilística se vierte en escena un singular trueque: en lugar del conventillo como territorio simbólico se acciona en un café porteño. Y por momentos, lo que sucede en la sala Orestes Caviglia del Cervantes, en su guiño hacia “lo popular”, esta más cerca de Polémica en el bar que de cualquier línea de Vacarezza.

En un abigarrado café, el espectáculo dirigido por Alberto Cattan, en base al texto de Jorge Núñez, aglutina un candoroso puñado de arquetipos. Entre ellos: el estudiante de medicina a punto de recibirse, la pareja de gallegos y su hijo vago, quienes tienen a su cargo el bar; un taxista; el portero de un edificio y su esposa; el rimbombante “Raulito” (Gustavo Masó), mecánico amante de las motos, quien gatilla hasta lo intratable un gag a Cacho (Juan Palomino) para que le “ chupe un huevo ”; y Pinturita (Marcelo Xicarts), un alcohólico de postal, prendado al tinto mientras dispara frases y cabecea en la mesa con un cigarro temblando en la boca.

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Sociedad Argentina de Gestión de Actores e Intérpretes

Cristina inauguró nueva sede de Actores

La presidente Cristina de Kirchner encabezó el acto inaugural de la sede de la Sociedad Argentina de Gestión de Actores e Intérpretes (SAGAI), cuyo titular es José "Pepe" Soriano. La ceremonia se realizó en el edificio ubicado en la esquina de Marcelo T. de Alvear y Paraná, de la Capital Federal.

Cristina de Kirchner afirmó al inaugurar la sede de la SAGAI que "en todas partes se han reconocido derechos" y reseñó que "la sanción de la ley 11.723 era recitada pero muchos no la cumplían".

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Ensayar-nos

El director Jorge Schwanek presenta su obra Ensayar-nos, en el teatro La mueca.

Giro en torno a la historia de un exitoso director teatral, su imaginación, y las mujeres que lo rodean, que son tan siniestramente parte de ella.

Una foto en el proceso de ensayos de una obra teatral, a dos meses del estreno, con escenas trabajadas y otras no, deudas, algo de escenografía, algo de vestuario, el sueño de un director soberbio e inseguro que quiere ser amado por todas sus actrices, que ya no puede diferenciar los sueños de la realidad, un grupo de actrices que compiten entre sí y un productor ambicioso que no solo quiere desplazar al director sino que también quiere ser amado por todas. ¿Cuál es el sueño y cuál
la realidad ?

Elenco: Claudio Bustamante, Laura Martínez, Lucrecia Conti, Martin Dodera, Mery Ribeiro, Micaela Gaudino, Paola Medrano, Poppy Murray

Los viernes, a las 21, en La Mueca, Córdoba al 5300, esquina Godoy Cruz (1° Piso), CABA. Entrada: $40.

Sumergidos

La compañía teatral Mixto continúa presentando Sumergidos en el espacio teatral Entretelones.

Se trata de una apuesta doblemente audaz. Por un lado, ingresa al código del absurdo desde las actuaciones, con dos actores que reflejan el interior humano de los personajes, creando con facilidad atmósferas oníricas y permitiendo al espectador captar la atemporalidad y la multiplicidad de espacios. Por otro lado, presenta la conformación de un texto que sin dejar de ser una creación original, soporta los inter-textos de uno de los mayores exponentes del género: Samuel Beckett (Esperando a Godot) y de una figura emblemática del mundo del teatro, como lo es Antonin Artaud (El teatro y la Peste).

Un trabajo prometedor reúne a los hermanos Carrillo para embarcarse en un viaje del que no habrá retorno. Viéndose confinados a una tarea autómata llegarán a perder los límites, y con ellos la visión de la realidad. La bodega de un barco los sumergirá en un proceso de descomposición, enfrentándolos con su historia, su vínculo y un futuro que no presenta escapatoria.

Este espectáculo que cuenta con las actuaciones de Ezequiel Pandolfi y Claudio Loello y con la dirección general de Fabio Tiberi, puede verse los sábados, a las 22.30, en Entretelones (Enrique Martínez 1427, y Av. Elcano, CABA).

Entrada: $35 (general) y $30 (para estudiantes y jubilados). Más información en http://sumergidos2011.blogspot.com/

Arde

El grupo de teatro-danza Boya continúa presentando Arde en el espacio teatral Entretelones. Se trata de una investigación en teatro–danza que lleva tres años desarrollándose.

La investigación comienza a tomar forma a partir de explorar la estrecha relación entre un vínculo de intimidad hombre-mujer, y el vínculo que hay entre el cuerpo y el espacio que lo sostiene, le da apoyo, le permite lanzarse, le produce miedo. Ese ir y venir constante de cambios.

Los viernes, a las 22, en Entretelones (Enrique Martínez 1427, y Av. Elcano, CABA). Más información en http://ardeboya.blogspot.com/

El regalo de mamá

El próximo sábado 9 de abril se despide de la Sala Luisa Vehil (Salón Dorado) del Teatro Nacional Cervantes, El regalo de mamá, ópera prima del actor, director, profesor de actuación y productor Pablo Ini que desde el 4 de febrero se presenta a sala llena y que el año pasado se estrenó en Junín, en el marco del Plan Nacional de Giras del TNC.

La crítica apoyó este espectáculo del que Pablo Ini es además director junto a Héctor Díaz, e integra el elenco junto con los actores María de Cousandier, Luis Gianneo y Carla Vidal.

Tres hermanos se reúnen con el fin de decidir qué le van a regalar a su madre para su cumpleaños número 60, lejos de presentir lo que va a ocurrir luego de ese encuentro: una convivencia familiar forzada en la que cada uno lucha como puede por sobrevivir a la debacle económica, a una madre descompensada y a los conflictos legales de un padre prófugo. Este encierro entra en tensión con la voluntad individual de estos personajes de independizarse o satisfacer, al menos por un rato, los deseos y sueños que tienen guardados celosamente dentro de sí.

El regalo de mamá tiene música de Iván Wyszogrod, diseño de iluminación de Magali Acha, de vestuario de Sol Canievsky y diseño de escenografía de Alicia Leloutre. La asistencia de dirección es de Vanesa Campanini.

Últimas funciones: viernes 8 y sábado 9 de abril, a las 19. Localidades: $40.

Claudia Carbonell y Alejandra González: La obediencia

De cómo elaborar el dolor

La obra que presentan en El Camarín de las Musas parte de la correspondencia entre el filósofo vienés Günther Anders y Claude Eatherly, piloto del avión que lanzó la bomba en Hiroshima: un intercambio sin lugares comunes sobre el pacifismo.

En un hospital de veteranos un hombre recibe una carta de Günther Anders, filósofo vienés comprometido con el desarme nuclear. El destinatario de la misiva es Claude Eatherly, el hombre que en 1945 (con sólo 26 años), sobrevoló el objetivo y dio el visto bueno al bombardero Enola Gay para que arrojase la primera bomba atómica sobre Hiroshima. Imprevistamente, entre ambos surge una larga correspondencia que, además de contribuir a la transformación emocional del arrepentido Claude, promueve un espacio de reflexión que apunta a la formación de un movimiento antiatómico y pacifista reconocido internacionalmente. La serie de cartas fue editada con el nombre de Más allá de los límites de la conciencia. Sobre este libro, las dramaturgas Claudia Carbonell y Alejandra González escribieron La obediencia, obra que puede verse los domingos en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960). Producida por el área de artes escénicas de la Universidad Nacional de General Sarmiento, la obra cuenta con la interpretación de Fernando Armani, Mariano Guerra, Amadeo Pellegrino y Carlos Ponte. La dirección es de la misma Carbonell.

Las autoras habían leído hace algunos años la primera carta escrita por Anders. Pero cuando quisieron saber más acerca de esa relación se dieron cuenta de que no había casi información al respecto. “Cuando nos pusimos a investigar –cuentan en la entrevista con Página/12– descubrimos que éste es un caso censurado, explícitamente no difundido. Tampoco es estudiado en el ámbito de la filosofía o de las ciencias políticas, donde la posición de un intelectual como Anders es muy poco conocida”, afirman sobre el hombre que no solamente escribió a Eatherly sino también al hijo de Eichman, “sin obtener en este caso respuesta alguna”, según apuntan las autoras.
–¿Qué valor le asignaron a esa primera carta que leyeron?

Claudia Carbonell: –No se trata de una carta al azar, se trata de una posición teórica acerca del mal, del papel de la ciencia, de la responsabilidad política e incluso del destino de la humanidad.

Alejandra González: –En estos días en particular, después del terremoto y la contaminación radiactiva en Japón, consideraciones tan atinadas sobre el peligro atómico son imprescindibles.

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Javier Daulte

Javier Daulte Puro teatro

Entrevista. Un año para trabajar El prolífico director y escritor encara el 2011 con seis obras teatrales, un proyecto en cine y otro en TV. Y, sin embargo, aclara: “Mi sensación es que no estoy haciendo nada”.

La carrera de Javier Daulte ha sido acelerada y sin descanso. Quien es uno de los directores más prolíficos del teatro porteño encara este 2011 con seis obras (entre ellas el reestreno de Baraka ) que involucran a los circuitos alternativo, comercial y oficial. También una adaptación en cine de ¿Estás ahí? , en España, y un proyecto en TV: “Todos dicen que trabajo mucho y mi sensación es que no estoy haciendo nada. Quizás sea porque me gusta demasiado lo que hago, y estoy lejos de colmar ese deseo. Ensayar, escribir son cosas que haría, aunque nadie me contratara”.

Proveniente del off, Daulte fue fundador del extinguido grupo Caraja-ji, que en los ‘90 reunió a jóvenes dramaturgos, entre los que estuvieron Alejandro Tantanian y Rafael Spregelburd. En sus puestas se destaca el acertado trabajo con los actores, desde los elencos nóveles hasta los más consagrados. “Siempre me gusta combinar actores que conozco con otros nuevos. He trabajado con María Onetto, Gloria Carrá y Héctor Díaz. También Mirta Busnelli y Carlos Portaluppi: me encantaría -agrega- poder dirigir a Alfredo Alcón, Mercedes Morán y otros más inalcanzables como Javier Bardem”.

Tu próximo estreno es “Espejos circulares”, de la estadounidense Annie Baker. ¿Qué te atrajo de este proyecto? Esta es una obra que me pasó el productor Pablo Kompel hace casi un año y fue instantáneo: un amor a primera lectura. Es un texto realista y, dramatúrgicamente, de una economía e inteligencia fantástica. Consta de treinta escenas muy breves y el relato aparece como si fuera un montaje cinematográfico. Soledad Silveyra interpreta a la profesora de un taller de teatro semanal para amateurs, al que asisten su marido, un carpintero, una mujer recién separada y una adolescente. Un aspecto muy divertido de la pieza es ver a estos personajes no profesionales haciendo ejercicios básicos de teatro y cómo ellos se van comprometiendo con la disciplina. Ahí está resumida la esencia de la obra, el profundizar y comprometerse con cosas que parecen no tener sentido para otros, pero que le dan sentido a la propia vida.

Más en Clarín

La letra grande
“Baraka” y “para vestir santos”, los títulos que lo volvieron popular

Omar Calicchio: El rey se muere

Calicchio, el artista inconsciente

Tras una larga carrera en el musical, será el protagonista de El rey se muere, de Ionesco

Se autodefine como un artista "inconsciente" y dice de él que no tiene formación actoral. Sin embargo, Omar Calicchio atesora en su currículum un sinnúmero de papeles en musicales tan disímiles como El jorobado de París y Bocatto di cardi nale, y sus comienzos en las tablas se remontan a 27 años atrás. No obstante esta abultada experiencia, prácticamente carece de antecedentes en obras en las que no tuviera que cantar. Hasta que el teatro de texto llamó a su puerta, y lo hizo desde un género, en sus palabras, muy apropiado para él: el absurdo. Protagonizará El rey se muere , de Eugène Ionesco, obra que subirá a escena el viernes en el Centro Cultural de la Cooperación, con la dirección de Lía Jelín. Completan el elenco Valeria Lorca, Gabriel Rovito, Heidi Steinhardt, Matías Strafe y Agustina Cerviño.

Como por ósmosis, el nombre de Omar se asocia al teatro musical argentino y no es una etiqueta caprichosa. Trabajó con todos los más reconocidos hacedores del género a nivel local: Pepito Cibrián, Hugo Midón, los Bottom Tap, entre muchos otros. "Sin querer, acá todo se encasilla y parece que un actor de musicales no puede hacer otra cosa", explica el actor, en diálogo con La Nacion.

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El rey se muere: de Eugène Ionesco, con dirección de Lía Jelín. Centro Cultural de la Cooperación: Corrientes 1543. Los viernes y los sábados, a las 20. Entrada: $ 70.

Don Arturo Illia

Don Arturo Illia

La obra alterna los datos de la actividad oficial del mandatario con su vida doméstica

Nueva versión de Illia: ¿q uién va a pagar todo esto?, estrenada en septiembre de 2009 en el teatro 25 de Mayo, con Arturo Bonín como protagonista y el cineasta Alberto Lecchi en la dirección, esta obra de Eduardo Rovner ( Volvió una noche, Almas gemelas , entre otros muchos títulos) se propone enaltecer la figura singular de Arturo Umberto Illia (1900-1983), presidente de la Nación entre 1963 y 1966, derrocado por los militares pese a su excelente, patriótica y honestísima acción de gobierno, y lo logra con creces.

Figura singular porque, lejos del habitual maquiavelismo que caracteriza al político profesional, la transparencia fue clave en la gestión de Illia (médico de profesión, radicado en Cruz del Eje, Córdoba). Y es casi seguro que su modestia y su llaneza en el trato conspiraron para derrocarlo. Carecía de ese rasgo que parece indispensable en un gobernante latinoamericano para merecer la adhesión de estos pueblos: una fanfarronería teatral y despectiva, pesada herencia del viejo machismo hispanocriollo que se obstina en perdurar. Illia fue todo lo contrario: un hombre sencillo y recto, fiel a la Constitución y a los principios republicanos, jaqueado simultáneamente por la demagogia populista y por conservadores anacrónicos (pero poderosos).

Más en La Nación

En el teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062.

Román Podolsky: Mundo Fabril

Fábrica, metáfora y espejo

“La fábrica es un sustrato sobre el que transcurre la vida cotidiana”, dice el director y autor, que en el Teatro del Abasto utiliza ese ámbito para dibujar una lógica y un hilo de historias que va mucho más allá de lo relacionado con el mundo laboral.

En la fábrica imaginada por Román Podolsky y sus actores, una trabajadora se pierde en anécdotas familiares de sus antepasados peronistas y nunca termina de contar el micro-emprendimiento que la tiene tan entusiasmada. Otra, enfurecida porque no le dan el cambio de turno que le permitiría ayudar a sus hermanos en los estudios, ve con buenos ojos a un compañero y, en un descanso de trabajo, lo saca a bailar un lento, bien apretaditos. Otra le practica masoterapia a un trabajador que está desencajado. Otro confiesa hablarle a la máquina para que no se descomponga, antes de ejemplificar las ridiculeces que le enuncia cada día. Otro siente que el montacargas que maneja diariamente es como una montaña rusa. ¿Deliran? Nada de eso, simplemente exponen sus mundos internos cuando el ritmo productivo se interrumpe y se abre un espacio para la humanidad.

Claro que el ámbito de Mundo Fabril –espectáculo que el director y autor de piezas elogiadas del off como Harina, Guardavidas y Aureliano estrenó el lunes pasado en el Teatro del Abasto– poco tiene de una usina real; más bien es un lugar desangelado y vacío en el que unos paneles grises sugieren distintos ámbitos teñidos de una música industrial. Allí once personajes desnudan su intimidad en forma fragmentada, como pinceladas que delinean contornos. Entre confesiones y movimientos mecánicos, repetitivos y absurdos que ejecutan, asoma un humor que brota pesar de ellos mismos, además de reclamos e injusticias laborales dolorosamente reconocibles, incluida la figura del delegado que no resuelve nada, los accidentes de trabajo y las enfermedades asociadas a la manipulación de elementos tóxicos.

Más en Página/12

* Mundo Fabril puede verse los lunes a las 21 en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3549) con las actuaciones de Patricia Alonso, Valeria Borges, Ramiro Echevarría, Hernán Herrera, Max Mirelmann, Rodolfo Pérez, Diego Rinaldi, Leticia Torres y Magdalena Usandivaras.

Gabriela Biebel y Andrés Sahade: La tempestad

Un Shakespeare nac & pop

Surgida del proyecto Interáreas, la versión que proponen Gabriela Biebel y Andrés Sahade le quita solemnidad a la clásica historia de poder, ambición y disputa familiar. Los responsables de la puesta plantean “una comedia de gags”, para volver más “popular” al dramaturgo.

Tal vez ésta no sea la puesta más apta para los fundamentalistas del teatro isabelino –algunos dirán, “¿qué diablos le están haciendo a Shakespeare?”–, ya que propone un abandono total de la solemnidad que los clásicos ganan con el tiempo: la conforman una estética colorida que recuerda a Tim Burton, recursos del clown, humor fácilmente digerible, contacto con el público, y folklore y danza argentinos. A grandes rasgos, la intención es que la obra llegue a todo el mundo. Un Shakespeare nac & pop: eso es lo que buscan Gabriela Biebel y Andrés Sahade con su versión de La tempestad (jueves a las 21 en el Centro Cultural Rojas, Av. Corrientes 2038). “La persona que la ve y no sabe nada tiene que poder entenderla y disfrutarla dentro del código que plantea”, explica Sahade, quien, al igual que Biebel, es docente en la escuela de Daniel Casablanca.

Al clásico hay que hacerle el amor, sin drama, con locura y pasión. Pero con “cariño” y ciertos cuidados. “Se puede hacer cualquier cosa con responsabilidad”, recalca Sahade. El director es muy consciente de las operaciones que aplicó –junto con el elenco, que jugó un rol activo– a la historia de poder, ambición y disputa familiar que tiene por protagonista a Próspero, duque de Milán a quien el trono le ha sido arrebatado. “La convertimos en una comedia de gags. La tempestad tiene una música original que tratamos de traducir a folklore. Ubicamos la acción en la costa bonaerense del 1600, sin dar demasiadas precisiones”, detalla el director en la charla con Página/12.

Detrás de los cambios no hay capricho, sino una ideología que se resume en volver a la esencia de Shakespeare, más “respetado” detrás de la puesta que arriba del escenario. “Los clásicos llegaron a serlo porque son muy populares”, define Biebel. “A eso tenemos que acercarnos más, a partir de preguntarnos cómo tiene que ser el texto para ser popular hoy”, concluye. Sahade completa: “Lo peor que le pasó a Shakespeare fue Lawrence Olivier, porque lo volvió formal o de culto. Shakespeare era popular. Toda la gente del pueblo iba a ver sus obras, no había cine ni televisión, y las podían entender todos. Aspiro a que a la gente que va al teatro le pase lo mismo. Que pase un buen momento y salga con ganas de volver”. El director fue sacando sus propias conclusiones: cuenta que los teatristas hacen “comentarios” nacidos de “preconceptos” y que, en contraste, la obra gusta más a los que van poco al teatro.

Esta versión de La tempestad surgió de un proyecto denominado Interáreas, del C. C. Rojas, que implica el trabajo conjunto de las áreas de Programación y de Cursos: a la formación se la complementa con una puesta en escena, que el Rojas apoya económicamente. La obra se preparó en los seis meses que duró el taller de montaje dictado por Biebel y Sahade, destinado a actores con experiencia o años de estudio. Los alumnos tuvieron también un intenso entrenamiento actoral y se ocuparon de la producción. “Le pusimos un agregado al taller: que fuera autogestivo”, recalca Biebel. “El objetivo era que los alumnos tomaran conciencia de todas las etapas de producción de la obra: en escenografía y vestuario hicieron un trabajo de reciclaje. También se ocuparon de la música. El grupo eligió dónde poner la plata y la capacidad de trabajo.”

Esta forma de hacer teatro, colectiva y autogestiva –que es la que se enseña en la escuela de Casablanca–, también traduce a Shakespeare, según deja entrever Sahade. Cuando se le pregunta cuál es el foco a nivel temático en la puesta que dirige junto a Biebel, recuerda una frase de Javier Rama, fallecido director de Los Macocos: “Yo pienso que toda obra es una excusa para contar las relaciones entre el grupo”. Y continúa: “Ahí está puesta nuestra mirada, en el grupo. Comulgo con eso. Shakespeare escribía para un grupo determinado y sabía cómo se relacionaban los actores. Tratamos de balancear la carga escénica en todos, ideológicamente. No es una creación colectiva pura pero algo de eso hay”. Los actores son Gonzalo Amor, Sara Calla, Soledad Cardigni, Laura Castro, Ana Conde, Camila Cruz, Tamara Cuesta, Gabriela Goldenberg, Mora Montemurro, Mercedes Najman, Javier Nichela y también Sahade, que encarna al emblemático Calibán.

–¿Por qué el clown sirve para abordar textos clásicos?

Gabriela Biebel: –Parte del entrenamiento fue en el género del clown, pero no encaramos la obra como clownesca, sino que quisimos usar algunos recursos, como la mirada al público habilitada para algunos personajes, la legalización del regocijo o del disgusto en alguna parte del texto o la complicidad con el público. Algunos personajes tienen esto más permitido, como Próspero. Javier Nichela, quien lo interpreta, es un actor con mucha experiencia en el clown así que se siente muy cómodo dentro de esos juegos, que le permiten que su discurso se mezcle muy efectivamente con el de Shakespeare.

Andrés Sahade: –Más allá de lo clown o no, cuando encaramos el trabajo no nos preguntamos “¿cómo es este personaje?”, sino que pusimos a los actores a jugar con pautas concretas y órdenes simples para que el cuerpo se expresara con máscaras variadas. En función de eso empezamos a ver las relaciones entre ellos, dónde fluían más y cuáles eran las duplas o tríos con mejor dinámica, y armamos un camino paralelo al texto. Hay una cuestión de fe: apostamos a que en algún momento se junten ambos caminos.

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Vitello Tonnato

Vitello Tonnato

La familia conflictiva vuelve a ser el tema en esta propuesta de Mario Segade, encarada con un estilo neogrotesco, que permite asimilar el conflicto con una sonrisa amarga, sin que por ello se pierda la carga dramática. Una familia como muchas es la protagonista de esta historia en la que la necesidad de una vivienda y la carencia de afectos verdaderos llegan a enfrentar a una madre, viuda, con los hijos, los yernos, la nieta, la nuera. Todo tipo de relación afectiva aparece teñida de ambiciones, envidias y por eso se hace sospechosa. En realidad, a nadie le importa el otro.

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En el Camarin de las Musas, Mario Bravo 960, los viernes y sabados, a las 21.

Hugo Midón

Apto todo público

Una canción sobre el inventor del balde, por ejemplo. En “Profesor Bald”, tres payasos hablaban sobre el tal Bald, que no tenía baldecito para jugar y un día, él solito, agarró y lo inventó. En canciones como ésas, emergía nítidamente algo de la libertad que Hugo Midón pregonaba cuando hablaba del teatro infantil, desde donde disparaba todo tipo de fantasías en los receptores amateurs. Esos espectadores en formación eran los que salían de sus shows con ganas de actuar, bailar y cantar, de ser los protagonistas de las obras que acababan de ver. A ellos –y a todos los que estuvieran dispuestos– se les entregaba un universo lindante con lo absurdo (como Bald, pero también una canción dedicada a los changarines del aeropuerto). Sus canciones tienen siempre tenía un pie en el mundo “real” (escuchar, por ejemplo, la emocionante y acertada “Derechos torcidos”). Sus espectáculos tuvieron siempre diversidad. Narices, el primer espectáculo después de la dictadura, mostraba a los payasos que tenían que volver del olvido, envueltos en telarañas alegóricas. Vivitos y coleando, el que seguramente más recuerden los treintañeros, recogía algo de un espíritu primaveral para una generación que nacía con la democracia. Playa Bonita, el último show, hecho con actores jóvenes formados en su escuela Río Plateado, transcurría íntegramente en una playa, con trajes de baño sin edad y un espíritu de comparsa y chiste.

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Lote 77

El hombre es como el toro

Forjada y estrenada durante el conflicto de la 125, ambientada en un corral de ganado y un baño de hombres, Lote 77 cumplió 150 funciones y una serie de viajes por Latinoamérica desgranando los secretos de la iniciación masculina en el campo. Y lo consigue con crudeza, pero también con lirismo.

El peso y la musculatura, el pelo y su corte, el desempeño como semental, la cantidad de hembras que se fecundan. Ser un varón es sorprendentemente parecido a ser un toro. O eso percibió poéticamente Marcelo Mininno cuando empezó a concebir lo que terminó siendo Lote 77. Y la metáfora fue fructífera: después de cuatro temporadas, ocho mil espectadores, ciento cincuenta funciones en total, Lote sigue en cartel, genera reflexiones diversas y viaja por Latinoamérica como una de las mejores propuestas teatrales que ha dado el Off de Buenos Aires.

La obra se estrenó en plena crispación por el conflicto de las entidades agropecuarias. Mientras la resolución 125 dividía aguas en el terreno de la política, y los dirigentes rurales con las venas del cuello hinchadas llamaban a cortar rutas, en un galpón del barrio del Abasto se estrenaba este trabajo que, a través de la retórica del campo y las ideas y costumbres que recubren el faenado del ganado en nuestro país, se animaba a poner en crisis arraigados presupuestos localistas. Si en ese 2008 la pregunta que se destilaba de los televisores era hasta qué punto el campo era el corazón de lo argentino, Marcelo Mininno y su equipo les dieron una dimensión provocadora y vital a esos tironeados simbolismos. Se preguntaron: ¿Cómo un hombre se construye en varón? ¿Del mismo modo que un novillo se vuelve toro o termina sus días como carne al asador?

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Se puede ver los viernes a las 23.30, en el Teatro del Abasto, Humahuaca 3549. Entrada: $ 40.

Suerte y Vivo, y Sutottos, lo más mejor

Suerte y Vivo

El reestreno de las obras de Marcelo Savignone Vivo y Suerte supone el punto de partida de los festejos de Belisario Club de Cultura en el marco de su décimo aniversario. Estos unipersonales interpretados por Marcelo Savignone marcan los extremos de una misma poética. En Suerte la destreza performática del actor pone en escena un catálogo de muertes, con un material inspirado en el suicidio y enfocado desde un lenguaje tragicómico. En Vivo, por el contrario, se trata de un espectáculo experimental de improvisación, donde el intérprete despojado de todo artificio lleva la actuación a sus estados más primitivos y carnales a partir de máscaras balinesas.

Sábados a la.s 21.30 y 23.30, en Belisario Teatro, Corrientes 1624. Entradas: $ 40.

Sutottos, lo más mejor

Andrés Caminos y Gadiel Sztryk invitan al festejo por el quinto cumpleaños de su dúo. La fiesta incluye copetín, cotillón y las mejores escenas del grupo desde los inicios hasta las últimas producciones, celebrando su historia a través de su particular humor. Los Sutottos nacieron en el 2005, se iniciaron con Roberto Saiz, quien dirigió su primer espectáculo titulado como el grupo. En 2007 estrenaron su segundo espectáculo, Rococco Amplagued bajo la dirección del Macoco Daniel Casablanca quien seguirá siendo colaborador artístico del grupo. Ya en el año 2008 dieron a conocer su tercera obra, Sujeto Tácito, y en 2010, Colapso. El grupo también ha sido convocado por distintos festivales internacionales. Después de tal recorrido era hora de festejar con un popurrí de todos estos espectáculos.

Viernes a las 23, en el Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131. Entrada: $ 40.

Fuente: Radar

Nuestro fin de semana

Espiar la sociedad por una hendija

En la obra que se acaba de reponer en la sala El Duende, no son necesarios los grandes conflictos para revelar el alma de una serie de personajes de clase media que llevan como pueden su existencia en la Argentina de los ’60.

Evidentemente, las “pequeñas tragedias del hombre común” que siempre movieron a Roberto “Tito” Cossa son argentinas, universales e irrefutables. Eso, además de políticas, económicas, amorosas, sociales. Si no, ¿cómo se explica que Nuestro fin de semana, escrita entre 1958 y 1962, todavía guste y –además– genere empatía e incomodidad? Son efectos muy bien logrados por la nueva versión del director Lizardo Laphitz (en Teatro El Duende, viernes y sábados a las 21 y domingos a las 19), quien respeta a ultranza las coordenadas de tiempo y de lugar del original (la Argentina de los ’60). Así y todo, ese mundo, al que la platea accede a través de la intimidad de una casa de San Isidro, es antiguo pero no lejano. De él es ¿víctima? la clase media, en la obra vacía y egoísta, el combo heterogéneo que en la actualidad es capaz de apoyar desde una toma en defensa de la educación pública hasta un lockout patronal agropecuario. Aquí brota su cara más oscura.

Más que abrir una ventana a la sociedad de una época, la obra invita a espiarla por una hendija, porque lo que el espectador conoce es apenas la cotidianidad de unos personajes que son, precisamente, “hombres comunes”. A ellos, sobre todo a Raúl (Julián Echezarreta), un asalariado que sueña con convertirse en vendedor independiente de máquinas de escribir (“crearse una posición”, “ser alguien”), les tocó en su momento hacer carne un contexto. La obra, ópera prima de Cossa, llegó a escena en 1964 –la protagonizaron Juan Carlos Gené y Federico Luppi en el Teatro Río Bamba–, cuando gobernaba el país Arturo Illia. En palabras de su autor, está atravesada por “la desilusión de Frondizi y los ímpetus de la revolución cubana”. La opinión sobre un país desesperanzado y detenido se materializa en el bloque ínfimo y sagrado de tiempo que es un fin de semana desde la vivencia subjetiva, en el que Raúl invita a sus amigos nada más que a pasar el tiempo.

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La ficha

Héctor Alterio y Javier Harguindeguy

ESPAÑA
Alterio, de estreno

Después de dos años junto a José Sacristán representando Dos menos , Héctor Alterio protagoniza una nueva propuesta en el Bellas Artes, de Madrid. La sonrisa etrusca es la adaptación teatral de la novela homónima de José Luis Sampedro, quien, a los 94 años, es el decano de las letras españolas. Alterio protagoniza esta vez un amor maduro, encarnado por Julieta Serrano, una de las actrices preferidas por Pedro Almodóvar, en otros tiempos. Bruno, el protagonista, recuerda sus historias pasadas mientras cuida de su nieto, llamado igual que él. Dirige el montaje José Carlos Plaza.

ESPAÑA
La impronta de Pacheco

Javier Harguindeguy es un actor y director argentino que reside en España. En la Argentina conoció la labor del Grupo de Teatro Libre, de Omar Pacheco, y se propuso llevar adelante el trabajo de investigación y producción que propone el director de Cinco puertas, Cautiverio y La cuna vacía , entre otras. "No existe una forma similar de trabajo teatralmente hablando", explica el joven director, que tiene su epicentro alternativo en el Espacio Parakultural Goméló, en Zaragoza. "Las distancias son grandes pero cuando se está tan seguro y convencido como lo estamos con el maestro, ese mar se estrecha y nos deja crear un puente que nos acerca fortaleciendo nuestro vínculo en la forma de crear", explica. En diciembre último, estrenó la obra Labrando sueños , un homenaje al poeta Miguel Hernández, en el Teatro del Mercado, de Zaragoza. Allí trabajan también la actriz española Sheila Tejada y Thierry Mba Ubuy, oriundo de Guinea, también formados por Pacheco, quien viajó especialmente para dirigirla. "Se generó una interesante respuesta por parte de la sala que no está acostumbrada a ver un teatro de ruptura. Ahora mismo esta puesta es presentada en festivales de carácter internacional", cuenta Harguindeguy. Esa producción es el principio de una cooperación que ya continúa entre las compañías Grupo de Teatro Libre (Argentina) y Romperlanzas (España), cuyo fruto será un trabajo que se estrenará simultáneamente en la Argentina y Europa a fines de este año.

Fuente: La Nación

El pasajero

El pasajero

Diego Reinhold vuelve a lucirse, esta vez en un registro diferente

Se podría decir, sin temor a equivocarse, que se trata de un gran recital de rock. Esa es la energía con la que músicos y actores suben a escena, y esa es la energía con la que el público sale de la sala luego de casi dos horas de función. Está claro que no es un recital en términos estrictos; allí arriba, hay actores que cuentan una historia, la de un músico y su banda. Y, en realidad, no siempre se trata de rock, pero está en el aire aunque suene una balada con fuertes tintes bluseros. Así, que quede claro que la música es el motor de eso que sucede en escena, por lo que no es casual que sean cinco los músicos que se apoderan de ella desde el comienzo y que se la prestan al grupo de actores/cantantes que tienen el compromiso de ponerle el cuerpo a la historia de este joven que interpretan el talentosísimo -imposible no decirlo una y otra vez- Diego Reinhold y un hallazgo (actoral) como Javier Malosetti (sus dotes como músico son por demás conocidos).

Ambos interpretan al mismo músico en distintos tiempos; uno narra con el cuerpo; el otro recuerda con la voz. Y allí está uno de los puntos más fuertes de Malosetti: tiene la capacidad para ir y venir de la canción a la narración casi sin solución de continuidad. No hay quiebres; no hay zanjas; por momentos, es difícil saber cuándo terminó de cantar y comenzó a hablar, y viceversa.

El lleva el hilo conductor de la historia de su personaje. El -ya músico consumado- cuenta con ternura, con humor, con nostalgia y con mucho cariño su propia historia, esa que Reinhold y compañía desandan gustosos.

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Después del borde

Después del borde

Heidi Steinhardt vuelve a sorprender con seis monólogos brillantes

Después del borde es la nueva propuesta de Heidi Steinhardt, aquella joven dramaturga, directora y actriz conocida ya por su exitosa obra El trompo metálico . Pero en este caso se anima a más y no sólo ocupa el lugar de directora sino que también se sube al escenario para duplicar la apuesta.

Seis mujeres cuentan sus desgracias en unos monólogos desgarradores pero perfectos. No interactúan entre ellas en ningún momento de la obra. Lo único que las une es el espacio, y no es poco. El escenario lleno de algodones en el piso arroja la sensación de mundo onírico, de cielo, purgatorio, limbo, por cierto algo irreal, imaginado. Las seis mujeres esperan, están en un tiempo muerto. Todas aturdidas por la soledad y el desamparo, el abandono, pero cada una con una historia particular y triste hasta al límite nos va contando sus desdichas y nos van haciendo cómplices. Con problemas como la anorexia, el abandono, el incesto, el suicidio y la soledad, esta pieza va rasgando la esencia del ser humano y nos cuenta todas sus miserias.

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Sala: El extranjero (Valentín Gómez 3378) / Funciones: Domingos, a las 21

Paula Robles

La nueva vida de Paula Robles

Lejos quedaron "Bailando por un sueño" y Marcelo Tinelli. Paula Robles decidió volver con su primer amor: la danza. Lo hizo de la mano del coreógrafo francés Redha Benteifour, en la obra Crash, que se anticipó la semana pasada y se estrenará en septiembre. "Siento que es una gran oportunidad para mí ", expresó la bailarina a lanacion.com, sobre la propuesta que conjuga baile, acrobacia y teatro, que comparte junto a quien la entrenó en el certamen de baile de ShowMatch, Gustavo Carrizo. "Nunca me fui de la danza. Es algo que siento muy profundamente", contó Robles. En este inicio de una nueva faceta de su carrera, la pregunta es: ¿volverá a participar en "Bailando por un Sueño"? "No creo, por ahora no", contestó.

Fuente: La Nación

El aire del río y Lo último que se puede esperar

TEATRO
Arranca el san martin

Por Pablo Gorlero

* Aunque la temporada del Complejo Teatral de Buenos Aires arranca con obras ya programadas por Kive Staiff, esta semana comienza un nuevo ciclo de los teatros oficiales dependientes de la ciudad. El primer estreno es en la sala Casacuberta, del San Martín. Se trata de El aire del río , una epopeya histórica de Carlos Gorostiza, dirigida por Manuel Iedvabni, que despierta gran curiosidad. Entretanto, al día siguiente, en la sala Cunill Cabanellas, la vanguardia se hará presente con el grupo La Noche en Vela, dirigido por el cordobés Paco Giménez, que presenta Lo último que se puede esperar , una performance de 90 minutos que dará que hablar.

Teatro San Martín, Corrientes 1530.

Fuente: La Nación

Javier Malosetti: El pasajero

Musical impensado

Entrevista. Javier Malosetti. El músico, que odia los musicales, debuta como actor precisamente en “El pasajero”.

Un día de septiembre de 2010, Javier Malosetti daba una clínica de bajo y guitarra en una escuela de Belgrano. Pero no podía concentrarse: en su bolsillo, su celular no paraba de vibrar. En un intervalo, vio que su amigo Mariano Otero le había hecho tres llamadas y mandado una decena de mensajes de texto. Cuando devolvió los llamados, recibió un ultimátum: “Nos tenemos que ver ya”. “Cuando llegué a la casa, me recibió su mujer, Florencia Peña, y en la puerta me dijo: ‘Tenemos los derechos de una obra y queremos que seas uno de los protagonistas. Si nos decís que no, nos los tenemos que meter en el culo”. No le quedaron opciones: por eso el jueves debutó como actor en El pasajero , compartiendo cartel con Diego Reinhold en el Tabarís.

“Mariano no me lo decía por teléfono, porque le cortaba. Toda la vida odié los musicales: eso de cantar lo que va pasando, con un estilo afectado... Horrible”. Pero en persona todo cambió. Porque El pasajero no es un musical de esos que Malosetti detesta. Por empezar, en escena hay un quinteto que toca rock, soul, blues, funk. Esa banda está dirigida por Otero; Malosetti, además de tocar la guitarra, es narrador del espectáculo.

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Información: “El pasajero” va miércoles, jueves y domingo a las 20.30, y viernes y sábado a las 21 en el Tabarís (Corrientes 831).

Gerardo Hochman: Tiempos que corren

Gerardo Hochman: “Busco renovar el circo"

Desde su compañía y escuela La Arena, contribuyó a aggiornar y darle una nueva estética al género. Tiempos que corren, su nuevo espectáculo, está armado a partir de elementos de vestuario.

Malabaristas manipulando objetos, acróbatas que hacen flic flacs, mortales y saltos o equilibristas entre cuerdas son los componentes fuertes en las puestas de Gerardo Hochman y también un claro reflejo de los “números” de los circos de antes. Pero sus obras no son sólo eso. Cada una desarrolla una historia, sigue un relato, continúa una secuencia. Y, sobre todo, muestra una estética depurada y simple.

En Tiempos que corren –su estreno reciente, protagonizado por doce acróbatas de la carrera de Artes de Circo que se dicta en conjunto en La Arena, su escuela, y la Universidad de San Martín- ideó el universo poético a partir de ropa de todo tipo, perchas y percheros de camarín. “Los elementos relacionados con el vestuario reemplazan a los aparatos tradicionales del circo y proponen los juegos y figuras acrobáticas encadenadas, que limitan, potencian o cambian los roles de los personajes”, explica en la entrevista con Clarin.com.

- ¿Estos espectáculos marcan la línea actual del circo?

- Creo que desde hace un tiempo la disciplina no es la misma. Siguen existiendo los circos convencionales. Y, a su vez, conviven con una nueva generación de directores y acróbatas que miramos hacia otro lado y buscamos reeditar las habilidades circenses. Partimos desde el mismo lugar y tenemos una única materia prima. Pero movemos otras cuerdas, buscamos otros registros. Creo que esto le dio mucha creatividad al género.

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"Tiempos que corren" se presenta hasta el 10 de abril. Las funciones son los viernes, a las 21 hs, sábados, a las 19 y 21, y domingos, a las 19. Entrada: $ 30. En Polo Circo (Combate de los Pozos y Juan de Garay).

Lidia Catalano: Tierra y Luna. Poeta en Nueva York

“La poesía es, esencialmente, emoción”

En el espacio cultural El Búho, la actriz presenta su espectáculo Tierra y Luna. Poeta en Nueva York, basado en versos del gran poeta granadino. “Es necesaria una respiración especial para la poesía; el cuerpo acompaña ese ritmo, como en la música y otras artes.”

Se cuenta que en julio de 1936, el poeta y dramaturgo Federico García Lorca llegó hasta la oficina de su amigo escritor José Bergamín, fundador de la revista Cruz y Raya, de Madrid, y al no hallarlo dejó un texto y una esquela que decía “Querido Pepe: he estado a verte y creo que volveré mañana. Abrazos. Federico”. El texto era el borrador de Poeta en Nueva York. No hubo encuentro. Lorca debió abandonar Madrid y partió a Granada, donde fue apresado y, días después, en la madrugada del 19 de agosto, fusilado por fuerzas franquistas, junto a dos banderilleros y un maestro de pueblo. Las ediciones de Poeta... y Tierra y Luna fueron, por años, materia de discusión. Algunos críticos afirmaban que eran dos libros, y otros uno. El profesor e investigador español Mario Hernández sostuvo que Lorca “creaba libros unitarios, no poemarios con piezas que se juntan sin intención”. Sobre este material, la actriz Lidia Catalano y la directora María Esther Fernández crearon un espectáculo que denominaron Poeta en Nueva York. Lo estrenaron en 1987, en el Teatro Nacional Cervantes, y luego en el Teatro del Notariado, La Gran Aldea (de Mar del Plata) y el Auditorio de la Universidad Caece. Por su actuación, Catalano recibió en 1989 el Premio Federico García Lorca. Desde entonces a hoy se produjeron nuevas revelaciones que Catalano y Fernández incorporaron a la versión que acaban de estrenar en El Búho, Espacio Cultural, ahora bajo el nombre compuesto de Tierra y Luna. Poeta en Nueva York. En diálogo con Página/12, la actriz alude a su experiencia: “Cuando en 1984 gané el Premio Molière, utilicé el pasaje para recorrer varios países –apunta–. En uno de esos viajes llegué a Nueva York, donde no había estado nunca. Recuerdo que en la noche me atrajo la luz de una luna inmensa que giraba al compás de las horas. La habían colocado en lo alto de un enorme edificio. En la mañana, la imagen era otra: un grupo de negros trabajaba y bailaba al compás de la música de sus radiograbadores. Era invierno. Después me llevaron a conocer el barrio neoyorquino de Harlem y el distrito financiero de Wall Street, donde la gente corría de un lado a otro. Otro espectáculo. Eso parecía el infierno. Entonces necesité leer Poeta en Nueva York y pedí a una amiga que vivía en Estados Unidos que me lo enviara. Lo releí y pensé que estaba sintiendo algo que Lorca había experimentado poéticamente antes”.

–¿La sensación de hallarse en una ciudad al mismo tiempo mágica y hostil?

–Era todo muy extraño. Sentí que debía trasladar todas esas sensaciones al teatro. Al regresar le conté a María Esther mi experiencia. Empezamos el trabajo reuniendo los textos de una conferencia que Lorca ofreció en Buenos Aires, en 1933, donde introdujo estos poemas. En los primeros párrafos, su lenguaje es cotidiano, pero a medida que avanza, lo eleva hasta convertirlo en poesía. El estreno en la sala mayor del Cervantes fue hermoso. La gente estaba ubicada en el escenario y yo avanzaba desde la platea vacía y en penumbras, entre luces diminutas. Subía al escenario, me sentaba ante una mesa y comenzaba la conferencia.

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* Tierra y Luna. Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca (1898-1936). Versión y dirección de María Esther Fernández. Intérprete: Lidia Catalano. En El Búho. Espacio Cultural, Tacuarí 215. Funciones: viernes y sábado a las 20.30. Reservas: 4342-0885. Entrada general: 45 pesos. Estudiantes y jubilados: 20 pesos.

Con sangre en la frente

Reina Reech: El arco iris de Rocío

Reina Reech: "Los adultos somos modelos de los niños"

Entrevista. Vuelta a la infancia Ya fuera del jurado de “Bailando por un sueño”, la actriz y coreógrafa creó una obra para chicos, que protagonizará Rocío Guirao Díaz en el Broadway. Su escuela de danza cumple 15 años.

Es una mujer realmente ecléctica: directora general de La revista de Buenos Aires , que se da actualmente en el teatro Broadway, en el mes de junio próximo, Reina Reech llevará a la misma sala El arco iris de Rocío , una obra para chicos que protagonizará Rocío Guirao Díaz. “La obra es una idea mía, y los diálogos los escribe Esteban Villareal, con quien yo ya había trabajado en la época de Colores y a quien le produje El bosque de chocolate . El ahora está radicado en Miami, y trabajamos vía Skype”, cuenta Reina, en la casona de Belgrano donde funciona su escuela de danza, que ya tiene 15 años y otras dos sedes, una en Caballito y otra en barrio Norte. “La obra tiene muchos recursos tecnológicos y un contenido que va a sorprender, pero que no quiero adelantar, para que no me lo copien”, dice quien supo cautivar a los niños de los ‘90 con el ciclo Reina en colores y todos sus derivados: teatro, discos, publicaciones. “Si bien el espectáculo incluirá el aspecto naif que implican el canto y el baile -sigue diciendo-, el argumento será un auténtico modelo 2011, y casi futurista”.

¿Por qué elegiste a Rocío Guirao Díaz como protagonista? Porque canta y baila muy bien. En “ El musical de tus sueños ”, hace dos años, en ShowMatch (El Trece), quedé encantada al verla interpretar Mary Poppins y el deshollinador . Me fascinó el zapateo americano que hizo, con coreografía de Vanesa García Millán, quien va a ser la coreógrafa de El arco iris...

Más en Clarín

La jueza ganada por el agobio
Largo camino con los bajitos
Un poco de rélax

Juan Carlos Fontana: Borges y Muñequita o juremos con gloria morir

El díptico de Juan Carlos Fontana

El director hoy estrena Borges, del niño terrible español, y reestrena Muñequita o juremos con gloria morir

El es un director y autor casi de culto dentro de cierto circuito teatral europeo. En los últimos años, España y Francia le prestan mucha atención. En Buenos Aires se lo divulga poco. Rodrigo García, de él se trata, dejó el Gran Buenos Aires en 1986 y se radicó en Madrid. Desde entonces, no para de producir. Sus espectáculos forman parte de la programación de importantes festivales internacionales.

La primera obra suya que se conoció entre nosotros fue Macbeth imágenes a fines de los 80 en el teatro San Martín, con dirección de Guillermo Heras. A comienzos de 2000 García presentó, en el marco del FIBA, Conocer gente, comer mierda , una experiencia que causó mucha polémica. En esos mismos días, en El Portón de Sánchez, dio a conocer After Sun y Borges .

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Borges y Muñequita o juremos con gloria morir: Dirigidas por Juan Carlos Fontana. Sala: Teatro del Abasto, Humahuaca 3549. Sábados, a las 18.

Historias centenarias del jardín

Historias centenarias del jardín

Te dicen esto: una recorrida teatral por el Jardín Botánico... Hum... Dudás. No siempre estos espectáculos temáticos son atractivos. Por eso emprender un recorrido con estas Historias centenarias del j ardín es una grata sorpresa. Allí uno se entera de la historia del lugar, pero no a partir de un relato didáctico, sino de espacios narrados entre historias que van recorriendo el período de vida del Jardín Botánico. Hay que ir a buscar una entrada temprano, hacer la fila un ratito y entrar. Allí los espectadores son recibidos por una agradable banda de músicos, cuyo vestuario propone un viaje al pasado, concretamente a los últimos años del siglo XIX. Luego, un actor interpreta a Carlos Thays, fundador y creador del Jardín Botánico porteño. Además de contar un poco su historia, propone un paseo por la historia. La excusa perfecta como para recorrer un pequeño circuito de los casi 70.000 metros cuadrados del lugar. El horario elegido es ideal: el atardecer. Eso se vuelve un marco espléndido y, por momentos, furioso para estos relatos.

En el primero, situado en 1898, un muchacho de clase baja se encuentra en una cita furtiva con la hija de su patrón, perteneciente a una clase más acomodada. Hay amor, pero ese amor puede ser casi imposible por aquellos años. El prejuicio de ella es tan fuerte, como la paciencia de él, que promete esperarla allí cuanto tiempo sea necesario.

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La sonrisa del ganador

Entre la belleza y la monstruosidad

Mañana se estrenará La sonrisa del ganador, de la nueva dramaturgia española

La directora Iris Pedrazzoli y su grupo teatral Pasos vuelven a trabajar otro texto de un dramaturgo español contemporáneo. Mañana estrenarán La sonrisa del ganador , una obra del dramaturgo español Gerard Vázquez.

Esta obra presenta historias que se enlazan en un juego temporal, revelando los secretos de las víctimas y de los victimarios. La trama gira en torno a un grupo de seres que libran pequeñas batallas personales que, a la vez, develan otra lucha más profunda, la de las elecciones. La historia prueba, una y otra vez, que sólo basta con que una persona elija el bien o el mal para determinar el rumbo de toda la humanidad. Ellos son: un anciano, en una residencia de lujo para mayores en Alemania, y la mujer que lo protege, un oficial de la SS encargado de un campo de concentración y una mujer judía deportada que fue su antiguo amor, una presa en el corredor de la muerte en los Estados Unidos, devenida en exitosa escritora de best sellers y el alcalde de la prisión.

Más en La Nación

La sonrisa del ganador: de Gerard Vázquez, dirigida por Iris Pedrazzoli. Sala: Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730 (4307-1966). Domingos, a las 20.30. Entrada: $ 40.

El águila guerrera

El águila guerrera

Un multimillonario invita al mismo ex guerrillero que lo secuestró años atrás a asociarse e integrarse a la burguesía acomodada. Brillante obra política de Alberto Mario Perrone y Alejo Piovano, con Matías Castelli, Pablo Shinji, Florencia Lavalle y Oscar Trussi. Sábados, a las 23, en La Ranchería, México 1152.

Fuente: La Nación

La amante inglesa, Nomeolvides en la niebla, Las aventuras del Fausto, Evelyn Goldfinger y Doble de humor

ESTRENO
Marguerite Duras

Mañana se estrena La amante inglesa , obra de Marguerite Duras, con traducción de Begoña Zabala Aguirre. Dirigida por Lina De Simone, con Susana Benítez, Laura Sardin y la voz en off de Mario Aitel. Domingos, a las 20, en el Taller del Angel, Mario Bravo 1239 (4963-1571). Entradas: $ 25 y $ 40.

EN CABALLITO
De amores imposibles

Hoy vuelve a escena Nomeolvides en la niebla , historia de un amor imposible, escrita y dirigida por Anahí Ribeiro. Con Agustín Quiroga, Geraldine Farhat, Javier Mele, Graciela Levaggi y Rocío Esclavo. Sábados, a las 20, en Garrick, Avellaneda 1359 (3526-7436); $ 25 y $ 40.

ENTRADAS
Teatro Negro de Praga

Ya están en venta las entradas para Las aventuras del Fausto , del Teatro Negro de Praga, que se presentará el 7 y el 8 de mayo, en el Coliseo. Hay que llamar al 5327-7200.

TEATRO INFANTIL
Premio internacional

Evelyn Goldfinger acaba de recibir el Premio Juan Cervera a la Investigación en el Teatro para Niños y Jóvenes en su V edición, otorgado por Assitej España. Es uno de los premios más prestigiosos en materia de teatro infantil.

HUMOR
Peyronel y Kohanoff

Los domingos, a las 21, se presenta Doble de humor , un show protagonizado por Chamaco Peyronel y Rody Kohanoff. Sketches, con textos y canciones humorísticas. En Moulin Bleu, Rodríguez Peña 411 (4371-8672). $ 40.

Fuente: La Nación

Urraka, historias musicalizadas con objetos reciclados

Sonidos de la vida cotidiana

Esta tarde, a las 17, sube al escenario de La Comedia Urraka, historias musicalizadas con objetos reciclados , un recorrido humorístico por milongas y tangos, chacareras y chamamés, rock y reggae, jazz y música electrónica que busca resaltar la cultura de nuestro país en los últimos 70 años y les da vida escénica y musical a diferentes objetos reciclados.

La propuesta se fortalece con coreografías donde el cuerpo de los intérpretes se convierte en el único instrumento sonoro a través de palmas, chasquidos de dedos y diversos timbres sonoros; ritmos como el rock y el reggae suenan a través de cajas percutidas y zapateos. También entran en juego tachos de metal como base para el ritmo folklórico de la chacarera, cumbias de antaño, milongas de botellas y un electrorock que cierra el espectáculo con sartenes y chapitas de gaseosas, con la firme intención de que el público no pueda hacer otra cosa que terminar a puro baile.

Más en La Nación

Urraka, historias musicalizadas con objetos reciclados. La Comedia, Rodríguez Peña 1062. Sábados y domingos, a las 17. Entradas: $ 60.

Hugo Midón y Huevito de ida y vuelta

EN TV
Recordando a Hugo

Mañana, a las 20, Canal (á) pondrá en pantalla un capítulo especial de la serie Materia p rima -con la conducción de Carlos Ulanovsky-, que repasa de manera profunda la obra del actor, autor y director teatral Hugo Midón. Un encuentro para descubrir las historias que el artista guardaba tras sus libros y discos, y la influencia que éstos tuvieron en su disciplina artística.

MUSEO DEL TITERE
Huevito de ida y vuelta

Esta tarde, a las 16 y a las 17.30, la Compañía Asomados y Escondidos presenta la pequeña gran historia de Huevito de ida y vuelta en el Museo Argentino del Títere (Piedras y Estados Unidos). Entrada: $ 25 (ideal para los más chiquitos).

Fuente: La Nación

Esa no fue la intención

Cuatro amigos, diez años después

Dos versiones de una recordada obra

Joaquín Bonet tenía 26 años cuando montó su propia obra Esa no fue la intención en el Andamio 90, hace diez años, junto con un grupo de amigos. Allí estaban los jovencísimos Luciano Cáceres, Sergio Surraco, Lautaro Delgado, Leonardo Saggese y Adriana Pregliasco. Fue un éxito y hoy todos ellos son grandes referentes de su generación. Durante todo un año, no hubo función que no estuviera con la platea rebosante de público de todas las edades, sobre todo de adolescentes. "Lo que disparó la obra es que no veía a la gente joven bien representada en ningún texto dramático -decía por entonces Joaquín Bonet a La Nacion-. O se la pinta demasiado caótica, o estúpida, o por contraposición como la esperanza salvadora de la sociedad. Son miradas demasiado lineales, sin matices."

Más en La Nación

Esa no fue la intención. Teatro del Abasto, Humahuaca 3549. Sábados, a las 23.30. Entradas: $ 40.

Pablo Alarcón

Pablo Alarcón

“Se me pasó la hora del galán” A los 65 años y con un nutrido pasado en telenovelas, el actor prepara su vuelta al teatro. Y repasa su infancia, en la que descubrió su vocación... Y soltó entonces la idea de ser bombero.

Infancia en el campo, pueblo chico, fantasías grandes. “Me imaginaba un mundo a partir de las cosas que tenía a mano. Tuve una niñez simple, con mi gallinero, mi caballito, Turbio , que era mi amigo... Yo me divertía con poco, me inventaba mis historias y decía que de grande iba a ser bombero, pero un día llegó un circo y me acerqué a ver cómo armaban la carpa”, cuenta Pablo Alarcón, criado en Pellegrini, provincia de Buenos Aires. Recuerda que “en el circo había también un sainete y me preguntaron dónde podían conseguir muebles a cambio de entradas. Fui a casa y le dije a mi madre si se los podíamos prestar nosotros. Les dimos una mesa ratona y dos sillas”.

¿Y cuántas entradas te dieron? Cuatro, y me dejaron ir gratis los tres días que estuvieron. Cuando descubrí ese ambiente dije ‘Yo quiero hacer esto’.

Tendría 6 ó 7 años y no podía creer que el tipo buenazo que me había pedido las sillas, de golpe fuera el malo.

‘¿Qué es esa magia, cómo hace?’ . Eso me volvía loco.

¿No se te cruzó la idea de que fuera malo y no te devolviera nada? No sólo me los devolvió, sino que me dio un sentido en la vida. Al otro día, con mi hermano, armé un teatrito en casa.

Más en Clarín

Teatro SHA

Vuelve el Teatro SHA

Tal vez alguno recuerde a Pedro Almodóvar y Carmen Maura presentando por primera vez en Buenos Aires sus películas en esa sala; o a Vinicius de Moraes y Toquinho, en 1982; o la conferencia sobre Baruj Spinoza ofrecida por Jorge Luis Borges, allí también. El Teatro SHA, esa sala de Sarmiento 2255 manejada por la Sociedad Hebraica Argentina, vuelve a abrir sus puertas este mes, luego de una década de inactividad, con conciertos de Baglietto-Vitale (el viernes 15), Luis Alberto Spinetta (el sábado 16), la Falta y Resto (viernes 29) y Elena Roger (sábado 30).

Fuente: Página/12

Crash

Con ruido y por los aires

Se estrenará en septiembre, en El Galpón de Guevara, nueva sala porteña

La cita era en El Galpón de Guevara, un flamante teatro de Chacarita, montado donde hasta hace poco funcionaba un garaje. El motivo: la inauguración del espacio, con la presentación del work in progress de un espectáculo de teatro físico. "¿Teatro físico?", era la pregunta que muchos de los asistentes comenzaron a contestar con la referencia a ejemplos como Mayumaná y De la Guarda.

Sin embargo, para disipar la duda, hubo que esperar a que terminara el fragmento de la obra Crash , dirigida por el coreógrafo francés Redha Benteifour. Es que el frenético ritmo de la exhibición no daba tiempo para detenerse a pensar qué era lo que se estaba mirando. Saltos, gritos, coreografías sincronizadas o individuales; aire, piso, elementos en escena; efectos especiales; tres músicos en vivo y once bailarines. Hasta el director aparecía al costado de la escena, marcando el ritmo y tocando el bajo; una conjunción de sensaciones que apabullaron primero y dieron lugar a la reflexión después, en un relato que pretende alejarse del teatro tradicional.

Más en La Nación

Tierra y luna - Poeta en Nueva York

Entre el realismo y la poesía

Homenaje a Federico García Lorca, en el cuerpo de una gran actriz del teatro y la TV

El teatro y la televisión siempre la tienen presente. Es una suerte que una exquisita actriz como Lidia Catalano se permita transitar experiencias y personajes de los más variados. Los más serios los deja para el teatro (su último trabajo en Andamio 90 fue Afterplay , junto a Daniel Moyano); los que le posibilitan explotar su costado de comediante aparecen en la televisión, como el año pasado en Ciega a citas (Canal 7) y, en esta temporada, en Un año para recordar, por Telefé.

Lidia Catalano suele ganarse con facilidad un lugar en cada producción que encara, y es que su calidad de artista se lo permite. En 1987 estrenó, con dirección de María Esther Fernández, nada menos que en la sala mayor del Teatro Nacional Cervantes, Federico García Lorca: Poeta en Nueva York y Tierra y luna. El desafío era grande: una sola intérprete, parada en el escenario, usando las palabras del poeta, debía adueñarse de ese gran espacio. Y, mágicamente, lo hizo. La experiencia conmovió a los espectadores y a la crítica. Luego el espectáculo continuó su camino por otras ciudades, otras salas.

Más en La Nación

Tierra y luna - Poeta en Nueva York: Dirección: María Esther Fernández. Sala: El Búho, Tacuarí 215. Viernes y sábados, a las 20.30.

La novicia rebelde

La novicia rebelde
Romance, tensión y chicos cantantes

Sábados, a las 16 y a las 20, y domingos, a las 15 y a las 19. En el Opera Citi, Corrientes 860 (4326-1335). De 80 a 250 pesos.

Luego de 42 años de su estreno en Buenos Aires, vuelve este clásico de la comedia musical, dirigido por Jonathan Butterel. Laura Conforte es quien encarna a María, la protagonista. Es una intérprete brillante que se vuelve pilar de esta propuesta. La acompañan, en ese nivel, Diego Ramos, Rodolfo Valss, Coni Marino, Patricia González, Julieta Nair Calvo y Fernando Dente, además de un gran elenco y un encantador grupo de chicos.

Fuente: La Nación

De eso sí se habla

Radio

FM
Radioteatro en Argentores

Organizado por el Consejo Profesional de Radio, comienza en Argentores la cuarta temporada del ciclo "De eso sí se habla". El miércoles 6 de abril a las 19.30, en Pacheco de Melo 1820, con entrada libre y gratuita se presentará el radioteatro Esclavas sexuales, con dirección de Julio Baccaro y la interpretación de Viviana Salomón, Laura Mobilia, Alejandro Rattoni y Domingo Basile y, en los relatos, Oscar Naya. Luego con la participación como panelistas de los profesionales: Dr. Daniel Smechow, Dr. Enrique Rozichner y la Lic. Gladys Sragowiz, se realizará un debate con el público presente. La capacidad es para 120 personas.

Fuente: La Nación

Castigo de sábado y Tanto tiempo

TEATRO
Estreno

Hoy se estrena Castigo de sábado , obra dirigida por Noemí Dora Morelli. La acción transcurre en la biblioteca de un colegio secundario; un profesor castigó a los alumnos y allí están todos, contra su voluntad. Con Santiago Alvarez Rodríguez, Leandro Demichele, Jorge García Marino,

Esteban Kukuriczka, Julia Perelrozen y Gina Said. Viernes, a las 23, en La Ranchería, México 1152 (4382-5862); $ 30.

RELATOS
Ana María Bovo

La actriz, directora y narradora vuelve a encontrarse con relatos entrañables que hace tiempo no visita, en su unipersonal Tanto tiempo . Domingos, a las 20.30, en Clásica y Moderna, Callao 892 (4812-8707). Entradas: $ 50.

Fuente: La Nación