Gerardo Hochman: Tiempos que corren

“Con el circo llegás a todo el público”

El actor y director, recientemente reconocido con un Diploma al Mérito Infantil y Juvenil en los Premios Konex presenta este juego acrobático con prendas de vestir, y defiende el formato circense por su lenguaje popular.

Acrobacias, malabares y escenas de clown son los tres elementos que de niño seguramente capturaron la atención de Gerardo Hochman. De grande, el hoy actor, director y docente está actualmente al frente de la escuela de La Arena, una compañía profesional formada por artistas de circo que, al igual que Hochman, son a la vez acróbatas, actores y bailarines. Desde sus comienzos, en 1992, viene creando espectáculos que tienen una gran poesía e impacto visual, que logran emocionar a través de una dramaturgia del movimiento, del espacio y del cuerpo en acción.
Hochman apostó hace años a la estética del circo y dirigió más de 20 espectáculos teatrales y circenses. Ese fue el camino que el actor, que este año recibió el reconocimiento de la Fundación Konex, eligió.

–¿Por qué te inclinaste por el circo para desarrollar tu carrera?
–A mí me gusta mucho contar con el cuerpo, y la acrobacia me dio esa posibilidad de hacer un espectáculo. Lo que más me interesa del circo es su lenguaje popular, que me permite expresar mis emociones y dirigirme a los espectadores sin necesidad de apelar a una formación intelectual. Con el circo llegás a todo el público y eso es lo que me atrajo primero.

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Fernanda Casares: Esencias

“Son situaciones que se dan en la vida real”

Fernanda Casares, directora teatral.

–¿Qué propone Esencias?
–Es una obra de humor que invita a divertirse y reflexionar sobre los encuentros y desencuentros que enfrenta el ser humano al intentar formar una pareja sin perder su propia esencia. Si uno en la búsqueda de la media naranja se encuentra un medio limón... ¿está destinado al fracaso? Eso es lo que queremos contar.
–¿Está basada en hechos reales?
–Es una comedia actual y dinámica, donde los personajes bucean en la búsqueda de sus propias “esencias” y transitan los efectos de sus relaciones, el paso del tiempo, las decisiones tomadas y sus deseos personales en esta lucha por encontrar la “media naranja” o al menos sobrevivir a ella. Nada distinto a lo que puede pasarle a cualquier persona.

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Sábados a las 23. Teatro El Piccolino, Fitz Roy 2056. Localidades $ 40.

Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto, Claudia Tomás y Benito Grande: Los poetas de Mascaró

“Estamos construyendo algo muy bello”

Reunidos para conjugar opiniones y sensibilidades, Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto, Claudia Tomás y el músico Benito Grande dialogan acerca de este trabajo que se estrena el próximo sábado.

Ser puente entre los poetas y el público es la intención de un grupo de actrices, actores y un músico tentados por uno de los poetas del Grupo Mascaró, que se conformó en la década del ’80 y tuvo su antecedente en el taller literario Mario Jorge De Lellis, que funcionó en la Galería Meridiana, de La Boca, y en el Teatro IFT, entre 1974 y 1977. Ese año fueron secuestrados y desaparecidos tres de sus integrantes: Claudio Valetti, María Elena San Martín de Valetti y Claudio Ostrej, todos muy jóvenes, víctimas de la última dictadura militar. El recital de poesía y música que ahora presentan los actores en el Centro Cultural de la Cooperación lleva por título Los poetas de Mascaró, y quiere ser homenaje a los que ya no están y al escritor Haroldo Conti, el autor de Mascaró, el cazador americano (novela de 1975), de quien se cumplieron 35 años de su secuestro (el 5 de mayo de 1976), asesinato y desaparición por la dictadura. Reunidos para conjugar opiniones y sensibilidades, los intérpretes Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto, Claudia Tomás y el músico Benito Grande dialogaron con Página/12 acerca de este trabajo que se estrenará el sábado 11, a las 19, acompañando la programación del Festival de Poesía en el Centro, que se realizará entre el 22 y el 29 de junio.

–¿Cómo ha sido el armado del espectáculo y cuál la experiencia?

Ingrid Pelicori: –Con Leonor Manso hicimos un trabajo anterior, distinto, porque tenía una dramaturgia, pero también se basaba en textos poéticos. Pertenecían a Diana Bellessi, Susana Villalba, Andi Nachon y Claudia Masin. Aquel trabajo aludía a la crisis sociopolítica de 2001, a las protestas y la represión del 19 y 20 de diciembre, y lo que siguió. Tomamos el título de un verso de Bellessi: “Ahora somos todos negros”. En Los poetas de Mascaró, el tema son los poetas, más allá de que se hable del amor y de la familia, y de cuestiones atravesadas por la dictadura: de los que perdieron la vida y los sobrevivientes. Juano nos alcanzó el material y lo seleccionamos. Leonor se ocupó también de coordinar y dirigir.

–¿Presentan poemas completos o fragmentos?

I. P.: –Tomamos fragmentos, pero sin mezclar a los autores. Hay momentos de canto y música. La idea es que se escuche la palabra de los poetas, atravesada por historias que todos reconocemos. Las poesías con temática masculina la leen los varones y las femeninas, las actrices.
–¿Qué es lo esencial en este tipo de espectáculos?

Alejandro Awada: –Nada más y nada menos que poner en escena el valor y la expresividad de la palabra sin ningún agregado actoral. Esto no pasa por hacer un personaje sino por ser puente entre el poeta y la gente. Si logramos eso, nos daremos por satisfechos. Entiendo que la poesía debe ser dicha desde ese lugar, que pretendemos sea liso, llano y limpio. Lo más claro posible. Cuando escucho a mis compañeros, me emociono profundamente, y esto es porque ellos saben cómo “decir” la palabra.

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* Los poetas de Mascaró. Espectáculo de poesía y homenaje. Con Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto y Claudia Tomás. Músico invitado: Benito Grande. En la Sala González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1651 (tel.: 5077-8000 y 5077-8080). Funciones: sábados a las 19. Entrada: 50 pesos.

Gabriela Hillar y Patricia Palmer: Canciones a upa y Circo a upa

Teatro con chupete

Proyecto Upa tiene su propia sala, en la que se pueden ver dos obras dedicadas para bebés a partir de los ocho meses. “Hay una conexión directa con lo que pasa en la platea”, dice Patricia Palmer.

Los chicos más chiquitos tienen sus propios programas de televisión, sus propias marcas de ropa y calzado, desde hace 15 años sus propias obras de teatro de la mano de Proyecto Upa y ahora también, a partir de esta temporada, su propia sala teatral, en la que se pueden ver las dos obras dedicadas especialmente para bebés a partir de los ocho meses. Gabriela Hillar, fundadora del proyecto, explica a Página/12 que una sala de teatro para bebés “no puede ser una sala peligrosa, tiene que garantizar desde que entrás hasta que te vas que tu hijo pueda caminar, pueda andar, pueda experimentar, porque es la actitud natural que va a tener”, analiza. Y cuenta que para ello “armamos plateas blandas con colchonetas, con gradas, para que no haya una platea con butacas, que es otro tipo de experiencia”, compara sobre lo que pueden experimentar padres e hijos, a upa o no, con Canciones a upa los domingos a las 15.30 y el estreno de Circo a upa, a las 16.30, en El Taller del Angel (Mario Bravo 1239).

Junto a Patricia Palmer, propietaria del teatro, apostaron a armar un espacio en el que la experiencia teatral que va a tener el chiquito, seguramente por primera vez, sea una experiencia integral: “Nadie va a hablar puntualmente de las actrices, de la escenografía, del baile o de la música, sino que hay una percepción integral de lo que significa vivir la experiencia artística con un bebé chiquito”, dice Hillar. Y apuesta a que el chico va a ver “una propuesta teatral, la elaboración de una dramaturgia, una puesta en escena, una dirección de actores, de clowns, una coreografía”, propuesta que incluye un trabajo actoral de reformulación de su formación, ya que actuar para bebés implica otro tipo de vínculo entre el escenario y la platea: en las obras para bebés no hay representación, es “un diálogo directo, hay una conexión directa con lo que pasa ahí abajo, que el actor retoma e incorpora dentro de una estructura dramática. Para eso los actores tienen que laburar un montón”, se entusiasma.

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Malena Guinzburg

FM
Malena Guinzburg en La 100

La 100 (FM 99.9), líder en más de un año en audiencia, sigue sumando talentos a su staff. Desde el 1° de junio, Malena Guinzburg llegó a la FM. Todos los días, comparte la tarde de Sarasa con Ronnie Arias, Alejandra Salas y los invitados que semana a semana visitan el ciclo. Malena Guinzburg estudió teatro desde muy chica, es actriz y pertenece a la nueva camada de artistas del stand up . Hace 10 años que tiene un fuerte vínculo con los medios y ha trabajado en la producción de distintos programas de televisión y radio.

Fuente: La Nación

Bimbo Godoy

Bimbo Godoy: “Me callaron toda la vida”

Panelista de “Un mundo perfecto” e hija de Virginia Luque y Lionel Godoy, habla hasta por los codos, sí, pero cuando abre la boca dice cosas que vale la pena escuchar.

Y si la Srta. Bimbo trabaja en Un mundo perfecto , el programa que Roberto Pettinato conduce en las noches de América, por algo será: cuán perfecto sería el mundo (periodístico) si todos los entrevistados fueran como ella. Charlatana, cero solemnidad, con una inagotable capacidad para reírse de sí misma, logra provocar en su interlocutor un curioso efecto antidepresivo. Casi no hay que hacerle preguntas: ella cuenta y cuenta. Eso sí, cada tanto hay que orientarla: los “¿En qué andaba? ¡Me perdí!” son recurrentes.

“¡Qué mítico estar en esta sección, Unas fichas a...

! Espero que no sea como el Martín Fierro revelación, que te lo ganás y no trabajás más”. Bueno, la mítica sección lo exige: hay que empezar por el principio. Tiene 30 años y su nombre real es María Virginia Godoy. “Pero desde los 17 me dicen Bimbo. En inglés, las bimbo son las rubias tontas tetonas: como una Pradón, ponele. Lo adopté porque María Virginia es muy católico y es el nombre artístico de mi mamá. Igual, el nombre no es importante, es sólo una marca. Si mañana me quieren llamar Taza, que me llamen Taza”.

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Gastón Díaz: Cuidar a Boris

Tres hermanos y un conflicto latente

Gastón Díaz, autor y director teatral.

–¿Qué es Cuidar a Boris?

–Es una obra que escribí y dirigí, que cuenta la historia de tres hermanos obligados a convivir en una casa, con un conflicto latente: la responsabilidad de hacerse cargo de Boris, su hermano menor que está imposibilitado de valerse por sí mismo.

–¿Cómo fue el proceso de creación de la obra?

–A partir de unos disparadores literarios, como el cuento “Después del almuerzo”, de Cortazár, y cinematográficos, como las películas de Lucrecia Martel y David Lynch, comenzamos a investigar un tipo de situación que incluyera el misterio como motor de la acción y como voluntad oscura de deseo en los personajes.

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Eduardo Rovner

“En teatro hay un exceso en tratar la disfuncionalidad de la familia”

Con dos obras en cartel y más de 35 estrenadas a lo largo de su carrera, el director asegura que en la actualidad se sigue repitiendo el conficto de Edipo. Elogia a Daulte y asegura que a muchos jóvenes autores les cuesta la profundidad.

En la casa del dramaturgo y director Eduardo Rovner pareciera que siempre hay un ambiente de concentración. En su living hay dos bibliotecas. Una dedicada sólo a los libros de Estética, donde tiene autores como Roland Barthes, Umberto Eco y Slavoj Zizek. En la otra, más grande, tiene novelas y gran parte de los clásicos de la literatura dramática. Un ventanal enorme llena de luz todo el salón, y sus dos gatas, Cuchi y Aurora, se pasean entre las cajoneras del escritor, donde guarda sus piezas traducidas, las publicadas y las críticas a su obra. Se notan en esa casa los hábitos del trabajo. El autor de Y el mundo vendrá cuenta que a las siete de la mañana ya está sentado frente a su computadora y que durante seis horas no deja de escribir. A la tarde, mide su entusiasmo y opta entre seguir con sus historias o caminar por Buenos Aires.

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Una vida de docencia y política

Estese confuso

Estese confuso

No se trata de entender, tampoco de interpretar ni de representar. Se trata de ver, de entrar en comunión, en sintonía. Alfredo Casero no es ni más ni menos que eso. Es lo que se ve y con eso alcanza y sobra. Podría haber ocurrido en el Teatro del Viejo Mercado, como sucedió este viernes, en una sala oficial o en un asado en su casa, El actor de Las locas de amor y de Cha, cha cha es el mismo y su espectáculo puede llamarse Estese confuso, A casaerian extravaganza o The Casero experimendo, qué más da. Si va a cantar magníficamente Schubert cuando le dé la gana, o algo en griego o una canción japonesa a modo de homenaje a ese pueblo que tanto sufre por estos días. Verlo a Casero es dejarse atravesar por su locura, que es la de muchos y es más sana que muchas corduras. Tan ácido y desopilante como profundo es ese Casero que el viernes, estuvo en su máxima expresión. Único, irrepetible como cualquier obra de arte. M.G.M.


Fuente: Tiempo Argentino

Rosa Luxemburgo

La obra "Rosa Luxemburgo", escrita y actuada por Alejandra Arístegui, continúa presentándose en el Teatro del Artefacto.

Rosa Luxemburgo está refugiada en la casa de una familia que le da asilo político una noche en medio del intento de revolución que ocurre en época de posguerra. En esta última secuencia de vida, Rosa navega con su imaginación en sus vastos y diversos mundos paralelos: la naturaleza, el arte, el amor y la política.e lleva a cabo la acción de su pensamiento. Un pensamiento propio en el “aquí y ahora” del complejo primer momento del s. XX.

Las funciones son los sábados, a las 21, en Teatro del Artefacto, Sarandí 760, C.A.B.A. Reservas al 4308-3353 (localidades limitadas). Entradas: $30. Más información en www.rosaluxemburgolaobra.blogspot.com

Sorteamos entradas en Facebook.

No te vayas, con amor o sin él

La obra "No te vayas, con amor o sin él", escrita y dirigida por Norman Briski, continúa presentándose en el Teatro Calibán.

Actúan Carolina Molini y Eliana Wassermann.

Los sábados, a las 21, en Teatro Calibán, ubicado en México 1428, PB Nº 5, C.A.B.A.. Reservas a los teléfonos 4381-0521/4384-8163.

Mario Sapag

Mario Sapag, internado y en grave estado

El actor y popular imitador de 76 años sufre un problema cardíaco. Se encuentra internado desde el 25 de mayo en el Sanatorio Anchorena.

El actor y popular imitador, Mario Sapag, se encuentra internado y "en grave estado" desde el 25 de mayo, en el Sanatorio Anchorena, debido a una insuficiencia cardíaca, según informaron fuentes de Argentores.

En el verano de 2010, Sapag, de 76 años, ya había sido hospitalizadode urgencia por una arritmia cardíaca en una clínica de Mar del Plata, donde se encontraba realizando temporada teatral con la obra "Primera dama se busca", protaginizada por Carlos Perciavalle, Fabián Gianola, María Eugenia Ritó y Gladys Florimonte. .

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Mario Sapag, internado en "grave estado"

El actor y humorista ingresó al Sanatorio Anchorena hace diez días por una insuficiencia cardíaca, según informaron desde Argentores

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Sapag está internado en grave estado

El jueves pasado se agravó su estado y lo pasaron a unidad coronaria, por lo que debió bajarse de la obra "Fortuna", de Ricardo Fort, días antes del debut del millonario en Buenos Aires.

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Nota del 7 de junio

El actor e imitador Mario Sapag se encuentra internado desde el 25 de mayo “en grave estado” en el Sanatorio Anchorena, debido a una insuficiencia cardíaca.

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Pepe Cibrián Campoy

Pepe Cibrián Campoy: “No veo TV de aire desde hace ocho años”

El creador de musicales se queda con el cable: ahora sigue “Game of Thrones”, la serie medieval de HBO. En cine elige a “La fiesta de Babette” y su libro de cabecera es “El banquete”, de Orazio Bagnasco.

Le tengo fobia a la ciudad. Sólo vengo cuando tengo algún compromiso, o para los ensayos o pruebas de actores, cantantes o bailarines”, confiesa Cibrián, en un bar de Palermo. Las que está haciendo son para su producción de Excalibur, una leyenda musical , que estrenará en enero. “Es una versión muy mía, para adultos, de la historia. Tiene actos fuertes. Es mi visión de la magia, del significado de esa espada del Rey Arturo, que para mí es un símbolo que involucra al amor, la generosidad, la entrega”, adelanta, y agrega que antes, en septiembre, subirá a escena Regina , una obra propia, sin música, en torno a “la relación de Regina Pacini y Marcelo T. de Alvear, con Soledad Silveyra, Alejandro Awada y Verónica Llinás.” Entonces, sin más tiempo para anuncios, Cibrián deja el futuro para más adelante, y comparte sus preferencias.

La película La fiesta de Babette (1987) de Gabriel Axel

“Me pareció de una belleza, poesía y entrega conmovedoras. Genial. Esa ceremonia de preparación de ese menú. La entrega de esa mujer. Ese mundo escandinavo, esa cosa fría, brutal; esas chozas, esa cosa puritana. Y ver cómo, a través de sus sentidos, el hombre se alegra. Ver que esa gente, a través de algo como la comida, los sabores, el aroma, el paladar, se alegra. Una comida les cambia la vida. Eso me parece mágico.”

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La peli de Batato

fresco y batato

Mito del under de los ’80, tercio de la trinidad en tacos altos que conformó con Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese cuando todavía taconeaban las botas militares, clown, performer, improvisador, cada una de sus interpretaciones es legendaria sin que nadie pueda explicar muy bien lo que hacía. En sus últimos meses, consciente de su muerte, colaboró con su amigo Peter Pank en la elaboración de material filmado para una futura película sobre él. A veinte años de su muerte, finalmente se estrena La peli de Batato. María Moreno reconstruye la época y la trastienda de aquellos años en que se forjó la leyenda que hoy se puede ver en pantalla.

El sabía, sabía porque era clarividente como yo que soy gato de metal, 8 en La Cábala y Jod el alquimista, sabía que vendría un harén de flashes después de que él muriera, una película y otra y otra porque él abría todas las puertas –a Peter Pank, a Seedy González Paz, a Tino Tinto–, no a mí que estaba con él en el mismo convoy de diosas, de las divines y celebrities de la época, porque él era yo (o como si te dijera él y yo éramos Viñas-Castelnuovo) y sabía que habría una biografía y otra como la que yo le prometí e hice porque tenía un pacto con Batato –después Nené me robó el título y escribió Un pacto con Batato.

Fernando Noy debe ser la única persona en el mundo capaz de escribir hablando por teléfono, con subordinadas y todo. Quiere bendecir La peli de Batato y todas las biografías que vendrán, formato libro, dvd, estampitas encadenadas. El, que es biógrafo hiperautorizado de Barea, autor de Te lo juro por Batato, quiere ser un Max Brod al infinito, capaz no sólo de no quemar la obra sino de hacerla resonar y resonar llevada en andas por otras voces, otras cámaras hasta que ya ni exista la misma calle Corrientes dragada por los tacos filosos del Gran Muerto.

La peli de Batato, de Peter Pank y Goyo Anchou, es un documental y, cuando pasen los años, la prueba de vida de un mito como cuando en YouTube se ve la cara de monito de Nijinsky, su salto acelerado de cine mudo. Entrevistas, collages, superposiciones –conmovedora la de Alejandro Urdapilleta cantando Erase una vez una mariposa blanca mientras Tino Tinto cuenta el fin de Batato– enmarcan una larga entrevista de Peter Pank realizada en 1991 (podría titularse Memorias de un comedor de polen): el rostro pálido, la boquita Theda Bara, los ojos de pestañas rubias que los dejan como desvestidos, la cabellera seca de muñeca arman ya una imagen penúltima.

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La peli de Batato se proyecta los viernes de junio y el 1º de julio en el Malba

(Av. Figueroa Alcorta 3415), a las 22.

Hoy, domingo 5, se puede ver en la Casa Brandon una proyección en VHS original de Lo mejor y peor de 3 mujeres descontroladas (76 minutos), una presentación de Batato con Tortonese y Urdapilleta, filmado en el Centro Cultural Rojas en noviembre de 1990.

A las 19.30. Luis María Drago 236 (a dos cuadras de Scalabrini Ortiz y Corrientes). Entrada: $ 20.

Niños del Limbo y Calderon, de Pasolini

Niños del Limbo

Cercano al Parque Rivadavia existe un pequeño taller de escritura creativa. Los participantes se encuentran súbitamente enredados en una trama policial que involucra desde un atentado fallido hasta una diva de la televisión y su columnista estrella. Con excelente repercusión en la crítica y el público, Niños del Limbo fue nominada a premios internacionales en los rubros mejor autor, mejor director y música original. Por su parte, Alejandro Zingman fue nominado al premio Florencio Sánchez como Actor Revelación. La obra está siendo traducida al francés y al portugués, y ésta es su tercera temporada. El elenco está conformado por Amanda Busnelli, Andrea Garrote, Guillermo Jacubowicz, Alejandro Pérez, Javier Rodríguez, Mariano Sayavedra y Alejandro Zingman. Dirección: Andrea Garrote.

Sábados a las 23, en Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556. Entradas: $ 50.

Calderon, de Pasolini

Se trata de una obra de títeres para adultos. El Grupo de Titiriteros aborda esta revisión crítica del mito de Segismundo y del mundo de La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca, donde se inserta el universo poético de Pasolini y su homenaje a la España sometida a la dictadura del franquismo, atravesado a su vez por los acontecimientos de Mayo del ‘68. Los personajes de Segismundo, Rosaura, Estrella y Basilio se resignifican y la cámara real pintada por Velázquez en Las Meninas revela toda la escenografía del poder y la represión. El elenco está compuesto por Laura Novoa, Javier Drolas y los integrantes del Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. Calderon, de Pier Paolo Pasolini, con traducción de Carla Matteini, adaptada para títeres y dirigida por Adelaida Mangani.

Jueves a sábado a las 20 y domingos a las 19.30, en el Teatro Regio, Entradas: desde $ 25.

Fuente: Radar

Daniel Rabinovich: ¡Chist!

“El secreto que descubrimos con los años es aprender del otro”

El grupo presenta ¡Chist!, una antología de sus mejores shows. Reivindican la suma de talentos y el trabajo en equipo, explican por qué siempre estrenan en Rosario y dicen que la TV abierta es poco creativa para hacer humor.

Voz y voto. Fuera de escena, cuando los smoking aún están guardados, la labor de Les Luthiers se asemeja a la de una asamblea. La precisión y efectividad de sus actuaciones obedece al método de trabajo que han sabido adoptar a lo largo de 43 años de tarea en conjunto. Al momento de crear, todos aportan. Por separado, cada uno (Marcos Mundstock, Carlos Núñez Cortés, Carlos López Puccio, Jorge Maronna y Daniel Rabinovich) reconoce con total franqueza que formar parte del grupo es un privilegio; la participación compartida es vivida por ellos como una absoluta suma de sus talentos. Durante las horas de dedicación, en los momentos en los que a veces pueden surgir discusiones y siempre abundan las risas, ninguno pierde la noción de que el resultado logrado entre todos supera a cualquier genialidad individual.
“Uno de los mayores secretos, que descubrimos con los años, fue aprender del otro y valorar lo que el otro hace, dice o piensa”, reconoce Daniel Rabinovich. “Elegimos entre todos, votando si es necesario, pero sabiendo que el resultado mayoritario generalmente es mejor que las posiciones personales”.
Decidir el repertorio de ¡Chist!, espectáculo que están presentando en el Gran Rex, requirió el consenso de los cinco. “Nos llevó más de un mes encontrar el acuerdo de todos”, detalla Rabinovich, develando la cocina de esta nueva antología que acaban de estrenar.

–“¡Chist!” remite a silencio. ¿Por qué escogieron este título?

–Nos gustó la idea de jugar con el chistido de silencio y la cercanía con chiste... No mucho más que eso.

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“Fueron vanguardia, hoy son un clásico”
Agende, sin chistar

Martín Ruiz

Mr. comedia musical

Entrevista. Martín Ruiz. Hizo el rol protagónico en “La Bella y la Bestia” y después resultó un villano seductor en “Chicago”.

Casi sin darse cuenta, Martín Ruiz pasó de calzarse un traje con kilos de tela y otro tanto de maquillaje a plantarse en el escenario con un smoking sencillo y a cara lavada. El actor pasó de ser el monstruo amable y enamorado en La Bella y la Bestia a ponerse en la piel de Billy Flynn, el seductor villano de Chicago. “No puedo creer todo lo que me pasó desde que llegué de Mar del Plata hace diez años. Mis sueños se fueron cumpliendo”, cuenta quien se convirtió en protagonista de varias de las comedias musicales más exitosas de la cartelera porteña de los últimos años. Ahora interpreta al galán que se disputan Roxy y Velma (Natalia Cociuffo y Melania Lenoir), las protagonistas de Chicago, en el Lola Membrives.
“Las cosas se fueron sucediendo muy naturalmente, que es la mejor manera para que sucedan. Lo de Chicago me llegó cuando estaba pensando en tomarme vacaciones. No tenía ninguna expectativa porque no pasé por el casting, fui directamente a las audiciones, jugado y sin presiones. Y funcionó. Un domingo estaba haciendo la función de despedida de La Bella y la Bestia y el lunes siguiente, empecé a ensayar Chicago”, cuenta. Las vacaciones quedaron para otra temporada y el ritmo abigarrado de trabajo volvió a instalarse. Aunque el cambio en los personajes fue drástico. Pasó de interpretar a la Bestia, para lo cual necesitaba horas previas de maquillaje para armar el personaje con kilos de pelo, joroba y asistencia de varios vestuaristas para armar todo el equipo, a usar apenas un poco de gomina con su traje. “Ahora me siento superliviano, además esta producción no quiere que los varones usemos maquillaje por la estética de la obra, así que salgo al escenario muy al natural”.

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Federico Salles

Un “loquito”, del teatro a Vidisterra

Federico Salles. Con prestigio en la comedia musical, el actor se hizo popular en “Herederos de una venganza”.

Federico Salles es “el loquito de Vidisterra”, un personaje medio colifa que conoce todos los secretos del pueblo dedicado al cultivo de la vid en Herederos de una venganza (El Trece). Un poco naif, otro poco temeroso, su criatura inspira ternura. El deambula con su bicicleta pareciendo no tener rumbo. Y suele lanzar frases que suenan premonitorias: “Se viene la tormenta”, dice, y muy seguido. Nadie lo duda. En la trama cada vez más complicada de esta historia llena de sangre, venganzas, pasiones ocultas, alianzas y hasta una logia que cree en el fin del mundo, todos los personajes parecen caminar rumbo a un abismo.

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Rubens Correa, Sebastián Blutrach y Roberto Castro

Las fronteras desdibujadas

Rubens Correa, director del Cervantes; Sebastián Blutrach, del Metropolitan, y Roberto Castro, de El Portón de Sánchez, cruzaron pareceres y reflexiones sobre tres áreas de producción que, sostuvieron, ya no están tan diferenciadas.

Si se repasa la historia, se comprueba que la época siempre hizo al teatro en la Argentina. Estuvo ese que halló en la censura a su principal enemiga y el que tambaleó en la democracia, pero recobró esplendor con la creación del Instituto Nacional del Teatro (INT). La actualidad escénica, con 2700 salas en todo el país, es materia de debate. En el Mercado de Industrias Culturales (hasta hoy en Tribuna Plaza, Avenida del Libertador 4404), ofrecieron su mirada Rubens Correa, director del Cervantes; Sebastián Blutrach, a la cabeza del Metropolitan y productor; y Roberto Castro, actor, director y docente de El Portón de Sánchez. La mesa, una iniciativa del INT, se denominó “Modelos de gestión y producción del teatro”.

La idea era poner a dialogar a las tres esferas desde las cuales surge el teatro: la oficial, la privada y la independiente. En efecto, los oradores eran la cara visible de cada uno de estos ámbitos –y la charla se estructuró en exposiciones individuales–, que podrían presuponerse diferenciados. Sin embargo, la mirada de los tres coincidió en una tesis: “Ya no son circuitos estancos”. La “sinergia” fue el eje de la charla. No prendió en todos los presentes: hubo murmullos y comentarios finales –y hasta alguna pregunta– que destilaban cierto desencanto. Es que todavía hay quienes insisten en remarcar la frontera.

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Ariel Nuñez Di Croce

El muchacho de Los errores de Noé

Ariel Nuñez Di Croce, en el cine y la escena off
Desde hace tres temporadas, una obra en la escena independiente crece día tras día. Los errores de Noé , del catalán Yoska Lázaro, se presentó en varias salas porteñas y hoy encuentra su refugio en Timbre 4 (Boedo 640). El programa de mano reza: "Si te vas sin emocionarte, te devolvemos el dinero". Y hasta el momento, nadie ha pedido el reintegro. La obra sube a escena todos los domingos, a las 20 (reservas: 4924 2359).

La pieza está ambientada en la última dictadura militar. Junto con la obra, hay otro crecimiento: el de Ariel Nuñez Di Croce. Un dramaturgo (Fernando García Valle) está obsesionado con escribir una pieza infantil que alerte al resto de los intelectuales sobre la situación que atraviesa el país [esta idea está inspirada en un plan real que concibió en esos año s Osvaldo Bayer,] y pasa sus días en la clandestinidad, acompañado por un asistente, interpretado por Nuñez Di Croce. Este personaje sumiso al inicio atraviesa una evolución notoria, previa a un desenlace que deja perplejo, al menos por unos instantes, al auditorio. "Interpreto -así lo siento- a un tipo del interior, un buenazo de esos que no tienen maldad y prefieren callarse antes que discutir. Imaginé que fue abandonado por su padre y fue criado por su madre y su abuela, lo que le dio a su naturaleza cierta femineidad y algunos movimientos muy sutiles. Comienza siendo un tipo y termina siendo otro totalmente distinto. Tiene un arco muy atractivo."

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Estado de ira

ESPAÑA
Argentinos en Madrid

Estado de ira -suceso de la temporada 2010 porteña- se presentó con gran éxito en España. La excelente propuesta de Ciro Zorzoli se presenta a sala llena en Madrid, en el marco del Festival de Otoño. La obra se presenta con Pablo Castronovo, Carlos Defeo, Marina Fantini, Valeria Lois, Vanesa Maja, Cecilia Meijide, Dalila Romero, Diego Rosental, María Inés Sancerni, Gabriel Urbani y Diego Velázquez. Marcos Ordóñez, de El País, dijo: "Los personajes, dibujados con pocos y certeros rasgos, están servidos por once actores imparables". Y destacó a Valeria Lois, que cubre el papel que aquí hizo Paola Barrientos. "Pasa de gran payasa a gran trágica en un abrir y cerrar de ojos".

Fuente: La Nación

Tiempos que corren

TEATRO
Juegos acrobáticos

Por Carlos Pacheco

Desde esta tarde, Gerardo Hochman vuelve a poner a disposición del público Tiempos que corren , espectáculo que creó con producción de su compañía La Arena. En ese marco, un elenco integrado por jóvenes artistas graduados de la Diplomatura en Artes Circenses de la Universidad Nacional San Martín ponen en escena un juego acrobático con un sinfín de prendas de vestir que se comportan como una piel intercambiable. Una delicia.

El Galpón de Catalinas, Benito Pérez Galdós 93. Domingos, a las 20.

Fuente: La Nación

Diqui James: Fuerza Bruta

“Somos un fenómeno natural inevitable”

Reniega cuando se los trata de vanguardistas y asegura que con su participación en el Bicentenario ratificaron que su arte es para todo el mundo. “No soy un intelectual del teatro”, se autodefine.

"Esta es mi oficina”, dice Diqui James, el fundador de Fuerza Bruta junto a Gaby Kerpel, y señala una pequeña mesa de plástico, con dos sillas, también de plástico. El galpón donde ensaya el grupo de músicos, actores y acróbatas de la compañía está en el barrio de Saavedra y es una mezcla de cables, herramientas, pilas de cartones y equipos, de los cuales no queda muy claro para qué sirven, pero se podría pensar que ayudan a los actores a volar, un clásico de estos espectáculos. De fondo, se escucha un “pum, pam, pum” sincronizado de los artistas que preparan la música primitiva de Wayra Tour, el nuevo show del grupo que tendrá su estreno mundial en el Luna Park y que por primera vez le ofrece al público la posibilidad de ver sus obras desde una butaca, sin participar de la explosión de sus puestas.
“Fuerza Bruta es hoy. No es el teatro del futuro, ni la obra que se repite una y otra vez desde el pasado. Fuerza Bruta es ahora. No inventa nada. Es un fenómeno natural inevitable. El resultado de millones de años. Tiene origen en el fondo del océano, en el fondo de los vasos. Fuerza Bruta no sirve para nada. Es.” Esta es la mejor definición que James encontró para lo que hace desde 2003, cuando nació el grupo, luego de la experiencia de De la Guarda y La Organización Negra, otros dos grupos de teatro que también creó.

–¿Por qué no les gusta que califiquen su teatro como de vanguardia?
–Nosotros somos hoy. Todo depende de qué se entiende por vanguardia. Por un lado, porque lo que nosotros hacemos es totalmente primitivo, pero con la incorporación de tecnologías modernas. No estamos inventando nada nuevo. Estamos tomando las partes más primitivas del teatro que tienen que ver con el Carnaval, con la fiesta. No siento que estoy inventando ningún lenguaje. Por otro lado, me molesta la asociación de la vanguardia con una élite, como si yo estuviera haciendo algo que entienden unos pocos. Cuando se dice vanguardia, pareciera que lo entienden solamente los que estudian cine. Y yo siento que lo nuestro pasa por otro lugar. Y es lo que pasó con el Bicentenario. Me encantó que nos eligieran para hacer el espectáculo, porque fue una forma de ratificar lo que nosotros decíamos: que lo nuestro es para que lo entienda todo el mundo. Esto nos pasa desde la organización negra, que venía por ejemplo la familia del soldador, que nunca había visto una película en el cine, tenían poca relación con la literatura. Jamás se les hubiese ocurrido ir al teatro, pero cuando vieron lo que hacemos, se emocionaron. Después, vinieron otras personas del Shakespeare Theatre y nos dijeron que les encantaba. Para mí eso es lo que tiene que ver con el lenguaje. Es lo que pasa con un carnaval, salen todos a la calle, los ricos, los pobres, los profesionales, los que trabajan. Y por eso digo que lo de vanguardia aparece en un lugar donde no me siento para nada involucrado.

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La fiesta de los argentinos
Los números de un grupo único

Un hombre amable entró a orinar

Un hombre amable entró a orinar

Una propuesta pequeña, la de Corina Fiorillo, con esta fugaz historia de amor que imaginó y escribió Roberto Perinelli. La directora vuelve a apelar a la sensibilidad, al humor y a actores carismáticos para subir a escena una obra que ella, con sus ideas, vuelve encantadora, como lo hiciera en su momento con Desdichado deleite del destino o con Kalvkött, carne de ternera . Y esta vez la idea motriz pasa por la música. Fiorillo transforma en pequeños cuadros musicales los momentos sobresalientes en la vida de dos seres solitarios que se encuentran inesperadamente.

Ella es Zulema y él, Silvio. El azar y la osadía los pone frente a frente y los desafía al encuentro. Casi completamente inverosímil el relato, sirve, sin embargo, para abrir el juego a los deseos de estos personajes que descubren en el otro (al menos por un momento) mucho de lo que andaban añorando.

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TEATRO: ANFITRION, VENEZUELA 3340 FUNCIONES: SABADOS, A LAS 21, Y DOMINGOS, A LAS 20.30

Calderón

Calderón

Pasolini retomó el siglo de oro español para retratar las miserias de la guerra

Seguramente no es casual que Pier Paolo Pasolini haya decidido retomar el barroco español para el diseño y el armado de lo que finalmente sería una de sus obras teatrales de mayor trascendencia: Calderón . En ella, el artista italiano trabaja fuertemente parte de lo que ha sido el legado del Siglo de Oro ibérico para analizar, a partir de sus premisas y presupuestos, el siglo XX y sus guerras y miserias.

Rosaura desplaza en su protagonismo a Segismundo y se convierte en el motor de la pieza que se hace eco de la imposibilidad de establecer, con niveles de certeza, los niveles de verdad de las experiencias vitales. Así como Segismundo padeció la torre del castillo como encierro y cierto día se despierta en la habitación del rey, Rosaura será víctima de una sucesión de sueños y despertares que la ubicarán en una cama a la que no reconoce como propia, y con una hermana tan desconocida como la habitación misma.

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Funciones: de jueves a sábado, a las 20.30; domingos, a las 19.30. Sala: Teatro Regio, Córdoba 6056

Alejandro Ullúa: Africa... un continente y Judy... un homenaje a Judy Garland

Dos viajes distintos

Entrevista Alejandro Ullúa. Estrenó un par de obras en pocos días: una pieza compleja, y un musical tributo a Judy Garland.

Parecía una locura arrancar con dos cosas casi al mismo tiempo, pero se presentaron las oportunidades y tengo equipos muy sólidos que me sostuvieron”, dice Alejandro Ullúa, dramaturgo, docente, director y regisseur, que nació en Buenos Aires, pero se crió en Santiago del Estero. Y que hace más de 20 años, cuando descubrió el teatro, estudiaba Letras y era empleado de limpieza en una sastrería. Ahora, a los 47, es un apasionado teatrista.

Africa... un continente , escrita por Patricia Zangaro y dirigida por Ullúa, se presenta los domingos a las 20, en el Teatro del Pueblo.

Judy... un homenaje a Judy Garland se estrenó este fin de semana en el Moliere.

Primero, entonces, Africa... un continente . “El espacio es ascético. Son cuatro actores en un lugar desnudo. Lo que se cuenta puede suceder en cualquier época y remite a cualquier ciudad”, resume. Los personajes se cruzan en la terraza de un rascacielos mientras alguien agoniza abajo. “Es una obra compleja, porque a través del lenguaje, que comunica, habla de la incomunicación y refleja la violencia psicológica, física y emocional que nos rodea. Todos los personajes están atrapados en su propio infierno. Y está la posibilidad inmediata de que alguno se tire o agreda a otro”, expresa Ullúa.

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Teatro x la Identidad

Ciclos de teatro y de cine con conciencia social

Importantes elencos inician hoy un nuevo año de Teatro x la Identidad, y en el Malba arrancó ayer la muestra “Cine y diversidad sexual”.

Durante este mes, los equipos teatrales de los principales espectáculos de la cartelera porteña se unen a la lucha de Abuelas de Plaza de Mayo, leyendo un manifiesto al final de sus funciones.
La novedad de esta temporada 2011 reside en que participarán obras que ya están en la cartelera porteña y que decidieron sumarse a la lucha de Abuelas por la recuperación de sus nietos desaparecidos-apropiados. Tal es el caso de Un tranvía llamado deseo (hoy en el Teatro Apolo), Los 39 escalones (miércoles 8 en el Picadilly), Toc Toc (jueves 9 en Multiteatro), Espejos circulares (viernes 10 en Paseo La Plaza) y Ala de criados (sábado 11 en Teatro del Pueblo).

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Walter Jakob, Agustín Mendilaharzu, Juan Pablo Gómez y Mariana Chaud: La edad de oro, Los pactos y El horticultor autosuficiente

Instrucciones para obras teatrales

Las tres obras creadas y dirigidas por la dupla Agustín Mendilaharzu-Walter Jakob, Juan Pablo Gómez y Mariana Chaud están basadas en distintos manuales de instrucciones que tienen algo en común: una falta de acción dramática que provoca una ruptura.

¿Qué más alejado de la clásica esencia teatral, poblada de conflictos y fuerzas en pugna, que un manual de instrucciones, cuyos pasos a seguir prometen el éxito en una determinada tarea? Acaso motivado por esta distancia, Matías Umpiérrez, responsable del área Teatro del Rojas, convocó a un puñado de directores jóvenes a elegir un manual como punto de partida para la creación. “Quería proponer un proyecto de experimentación que indague sobre variables no dramáticas, que invite a partir de un material que no contenga nada de teatralidad, de acción dramática en términos concretos”, asegura el curador. La propuesta no fue fácil: “De antemano uno puede pensar que en un manual no hay ninguna respuesta en términos teatrales, sin embargo cada espectáculo se apoyó en un procedimiento relacionado con la matriz de cada material”. Los resultados ya están listos. Hoy a las 23.30, en la sala Cancha (Corrientes 2038), Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu (los creadores de Los talentos, uno de los hits de la actual escena independiente) presentarán La edad de oro, una obra que tomó el manual para el armado del exhibidor para comercio Mueblemar, y que ahonda en el mundo del coleccionismo. Juan Pablo Gómez (director de Vuelve la rabia y Un hueco) dará a conocer Los pactos desde el próximo martes a las 21, en el mismo espacio: el espectáculo se articula con el manual del juego de mesa T.E.G. y muestra a cinco personajes en conflicto. Mientras que Mariana Chaud (la autora de Budín inglés y Sueños de Cohanaco) propone los miércoles a las 21.30, en la sala Biblioteca, El horticultor autosuficiente, una pieza basada en una mítica guía de jardinería que devela la relación entre una mujer y su jardinero.

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Kalvkött, carne de ternera y Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA)

CORINA FIORILLO
Un regreso sensible: Kalvkött, carne de ternera

EN PATA DE GANSO, PASAJE ZELAYA 3122. DOMINGOS, A LAS 18. ENTRADAS ENTRE 30 Y 40 PESOS. 4862-0209Sobre el desarraigo, apela al humor y a la sensibilidad para retratar la familia a la distancia, la migración forzada, la identidad y la experiencia del amor entre seres distintos. Tras recibir muy buenas críticas el año pasado, la obra de Silvina Chague -dirigida por Corina Fiorillo- vuelve este domingo a la escena porteña. Con Alejo Mango, Susana Di Geronimo, Belén Brito y Nelson Rueda.

MICA
Música, teatro, danza, circo y mucho arte

HOY, MAÑANA Y EL DOMINGO, EN TRIBUNAPLAZA, AVENIDA DEL LIBERTADOR 4405. En medio de charlas, mesas redondas y laboratorios, el Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA) también presenta recitales, obras y performances. Hoy, las obras ¿Podés silbar? (a las 10); Marionetas Orsini (imperdible, a las 14); El elixir del amor (a las 17), y El gran fracaso (a las 19). También hoy, a las 21.30, la Orquesta Filiberto interpretará música de películas y mañana, a las 20, Elena Roger brindará un concierto.

Fuente: La Nación

Marisa y Simón

Marisa y Simón

Travesuras en clave de musical

Un aula de escuela pública, que fácilmente se convierte en patio de recreo. Una maestra que ensaya la coreografía para el acto de fin de curso y un profesor de matemática que se siente más seguro entre sumas e hipotenusas. En el medio, un grado de finales de la primaria, en el que la división tajante entre mujeres y varones es el preámbulo de algún cruce de miradas en busca del encuentro.

La trama de Marisa y Simón , como sugiere ya el nombre de la obra, lleva a ese encuentro, motorizado por la danza, no sólo como situación argumental, sino ante todo como expresión gestual y corporal de la actitud hacia los demás, tanto como de la situación anímica de cada uno de los protagonistas. Todo ello, en clave de hipérbole cómica, propia de esa edad en que todo da pie para la burla, pero en la que a la vez están a flor de piel sentimientos de timidez, osadía, transgresión, enamoramiento, rivalidad y amistad. Simón quiere asumir el rol de partenaire de Marisa en la coreografía, pero teme la risa de sus compañeros, que insinúan con poco disimulo que hay algo más que una relación "profesional" entre ellos.

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Lisboa, el viaje etílico

Lisboa, el viaje etílico

La melancolía impera en toda la obra, sobre todo en sus personajes

La ciudad de Lisboa asoma como el gran germen provocador de esta nueva creación de Mariela Asensio ( Hotel melancólico , Mujeres en el baño ). El paisaje va modelando a unos personajes bien diferentes, aunque unidos por una misma constante: son dueños de una existencia vacía, que parece desarrollarse con más fuerza en el marco de una sociedad impregnada de la melancolía del fado.

De uno en uno, esos seres, esos turistas, se cruzan en escena y no se reconocen. Están impregnados de una pátina de profunda soledad; de una tristeza añeja, dan señales de sus vidas de manera apática, pero siempre son muy provocadores.

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SALA: TEATRO DEL PUEBLO, ROQUE SAENZ PEÑA 943 FUNCIONES: VIERNES, A LAS 23

Perderte otra vez

Perderte otra vez

Una obra donde confluyen el drama, el humor, la acrobacia y la música

Un joven ha concertado una cita. La persona esperada llegará a su casa y todo deberá prepararse para la ocasión. Ya desde la mañana, el despertar parecería tener otro sabor. Al cabo del día, las fantasías irán ampliándose, la ansiedad adquirirá una dimensión inesperada y el cuerpo de ese ser encontrará múltiples motivaciones para expresar su excitación. A medida que las horas avanzan, esa persona invitada no llega y, entonces, cierto dejo de frustración irá empañando aquella algarabía del comienzo.

Con una dramaturgia sin palabras, construida con acciones, pequeños gestos y donde diversos temas musicales (el marco es muy amplio: desde temas interpretados por Olga Guillot, Nat King Cole, Camilo Sesto o Ana Belén) irán, a su manera, explicitando algo de lo que siente, sufre o ansía el personaje. El espectador va ingresando en el mundo personal de ese ser siempre conmovedor que, desde que hace su aparición en escena, se habrá comprado a la platea con su ternura.

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TEATRO: EL CUBO (ZELAYA 3053) FUNCIONES: VIERNES A LAS 20.15

Robin Hood, Un ovillo con pelusa, El ratón de invierno, "Esa nena ríe, esa nena llora, esa no hace nada" y El gran circo

EN LOS BOSQUES DE PALERMUS
Robin Hood cómico

Osqui Guzmán, Omar Calicchio y María Rojí en una versión cargada de humor de las aventuras del héroe medieval inglés, escrita y dirigida por Héctor Presa. En el Apolo, Corrientes 1372. Sábados y domingos, a las 16.30. $ 70.

PARA LOS MAS CHICOS
Una oveja afinada

Un ovillo con pelusa , una obra del grupo titiritero El Nudo, dirigida al público más pequeño, con una oveja como protagonista. En el C.C. De la Cooperación, Corrientes 1543. Sábados y domingos, a las 16. $ 35 (menores de 2 años gratis).

TITERES
Una de ratones

Para pasar el frío invernal hace falta algo más que alimentos y leña. A esa conclusión llegan los personajes de El ratón de invierno . Por el Grupo Catalinas Sur, con dirección de Ximena Bianchi. En el Galpón de Catalinas, Pérez Galdós 93, La Boca, el domingo, a las 16.30. Función preestreno con entrada gratuita (se entregan una hora antes).

DESDE AUSTRALIA
Tres destinos paralelos

Las trillizas recorren el mundo cada una a su modo en Esa nena ríe, esa nena llora, esa no hace nada . En el reencuentro, después de mucho andar, ya no serán tan parecidas. Del autor australiano Finegan Kruckmeyer, con dirección de Solange Perazzo. En el Auditorio UPB, Campos Salles 2146, domingo, a las 16.30. $ 30.

CLASICO
De Ariel Bufano

La troupe de El gran circo , de Ariel Bufano. En el Regio, Córdoba 6056, sábado y domingo, a las 16. $ 10 y $ 15.

Fuente: La Nación

Diana Cortesina

ZARZUELA
Murió Diana Cortesina

El 22 de mayo murió Diana Cortesina, actriz perteneciente a una destacada familia de artistas españoles. Nació en Madrid en 1928, se dedicó a la zarzuela y huyendo de la Guerra Civil se radicó en Buenos Aires. Actuó en los teatros Comedia, Maipo, Avenida y El Nacional. De espectaculares piernas y gran simpatía durante años frecuentó también las pasarelas de la revista. En cine actuó en Milagro de amor y El pecado de Julia. También se destacó en teatro. Su padre fue Roberto Fugazot, integrante del celebre trio Irusta-Fugazot-Demare.

Fuente: La Nación

Les Luthiers: ¡Chist!

Les Luthiers: un repaso de la historia

Entrevista. Vuelven con “¡Chist!” Una antología de algunos de los mejores momentos. Lo estrenaron en Rosario y ahora llegan a la escena porteña. Ellos defienden actuar en vivo, el clima familiar y la calidad de siempre.

Les Luthiers es una familia”. Lo dice Marcos Mundstock respondiendo a una de esas preguntas obvias, absolutamente prescindibles que te salen tratando de mantener la tensión de una entrevista con cinco personas. No es fácil el trabajo de Fantino, pensás en ese preciso minuto de limbo laboral. “Una famiglia ...”, refuerza Marcos quizá buscando un remate o una repregunta que no llega.

Ellos, los Rolling Stones y no muchos ejemplos más -¡alrededor del mundo!- para explicar el milagro de la larga vida en equipo. “Te mentiríamos si dijéramos lo contrario: estamos cada vez mejor, nos llevamos bárbaro. Un dato: antes de este nuevo show nos tomamos vacaciones, algo impensado en otra época”, cuenta Carlos Núñez Cortés.

Es una noche ventosa en Rosario y lo de ventosa es una excusa para situarnos en esta ciudad donde el grupo acostumbra hacer retoques antes de aterrizar en Buenos Aires con la versión definitiva.

Más en Clarín

De memoria
Todo queda en familia
En Rosario, locales otra vez
Información

Mercado de Industrias Culturales de Argentina (MICA)

Nota del 2 de junio

Un espacio para generar identidad

El encuentro se realizará en el Complejo Tribuna Plaza y se extenderá hasta el 5 de junio. Entre los invitados internacionales estarán Peter Greenaway y Fernando Trueba. Habrá conciertos gratuitos de Elena Roger, Litto Nebbia y Susana Rinaldi.

Uno de los sectores más dinámicos de la economía nacional está sacando su certificado de madurez: el primer Mercado de Industrias Culturales de Argentina (MICA) abrirá sus puertas hoy a partir de las 10.30 en el Complejo Tribuna Plaza (Av. del Libertador 4405). Hasta el 5 de junio rondarán por ahí productores, artistas y doscientos invitados extranjeros, entre ellos el cineasta español Fernando Trueba; el productor de Diarios de motocicleta, Edgard Tenembaum, y el prestigioso director galés Peter Greenaway. Se trata del primer espacio en América latina que concentra, en el mismo sitio, las diversas ramas que componen a los ámbitos audiovisual, editorial, musical, de videojuegos, de artes escénicas y del diseño. No es casual: las industrias culturales aportan el 3,5 por ciento del Producto Bruto Interno y –como le gusta repetir al secretario de Cultura Jorge Coscia– “son generadoras de identidad”. El MICA será un laboratorio para hacer negocios, tantear el mercado o simplemente curiosear. Durante cuatro jornadas, el predio estará disponible de 10 a 22 para quienes se hayan inscripto en la página web (www.mica.gob.ar). De yapa, cada día a partir de las 18 habrá espectáculos gratuitos para el público en general (ver aparte).

(***)

Habrá más. Resumir lo que se propone desde las artes escénicas es imposible. Aparte de las conferencias, se exhibirán –a un ritmo de tres o cuatro funciones diarias– diez piezas de teatro independiente seleccionadas por el Instituto Nacional del Teatro. Cuatro mesas redondas posibilitarán el contacto con distintos aspectos de la actividad teatral y con programas que desarrolla el Estado en favor de la creación.

Más en Página/12

Los shows gratuitos
Un presente auspicioso

Flavia Palmiero: La ola verde

Flavia Palmiero: "Nunca mostré mi cuerpo ni me peleé con nadie para existir"

Veinticinco años después de su debut en programas para chicos, la animadora habló con lanacion.com sobre el regreso de sus clásicos al teatro; "Yo decidí volver y de golpe hay un renacimiento", ironizó sobre su competencia

Todavía era una adolescente cuando, a los 19 años, Flavia Palmiero se convirtió en una figura adorada por los niños. Su comienzo en la actuación tuvo un giro inesperado hacia la animación infantil en 1986, y allí encontró una "magia" que le costaría lograr en otros ámbitos.

Las pegadizas canciones y los simpáticos personajes se terminaron seis años más tarde, cuando comenzó a alternar su carrera entre la actuación, la conducción y otros emprendimientos. Luego, regresó a la pantalla de la mano de "Bailando por un sueño". Sin embargo, nada se sintió como esa magia que había experimentado en la juventud. Por eso, decidió combatir los prejuicios que la frenaban y regresar al infantil. Así, La ola verde renació en un disco de grandes éxitos, ya tuvo dos presentaciones y desde el próximo sábado, volverá a subir al escenario del Maipo, aquel teatro que la vio pasar hasta cuatro veces por día cuando su ciclo infantil era furor y alcanzaba los 30 puntos de rating.

"El espíritu y la esencia parece que está intacta. Pero ahora soy soy una mamá experimentadísima, soy una mujer de 44 años y estoy saliendo a la cancha desde este lugar", destaca en una entrevista con lanacion.com en la que demuestra que el tabú de la edad no es un problema para ella. Flavia está exultante al hablar de este regreso y cuando intenta exponer el origen de su "natural conexión" con los chicos, se resigna y declara: "Es como el amor, no tiene explicación".

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Dónde verla. La ola verde se presentará desde este sábado todos los fines de semana, a las 15, en el teatro Maipo (Esmeralda 443). Más información: www.laolaverde.net

La edad de oro, Sólo por hoy, Muñecas rotas, Nosotros los vivientes y El hipnotizador

Estrenos

La edad de oro

* Obra apertura de la edición 2011 de Proyectomanual, del C.C. Rojas. Un joven coleccionista de discos de vinilo llega a la guarida de un veterano decidido a desprenderse de su tesoro. La llegada del joven es también una versión posible y tal vez mejorada del pasado del veterano. Dirección de Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu. Viernes, a las 23.30, en el C.C.Rojas, Corrientes 2038. $ 20

Sólo por hoy

* Historias románticas que se entrelazan para demostrar que enamorarse a primera vista es tan posible como imposible. Dirección y dramaturgia de Marisa Brédice. El Porteño. Corrientes 1630. Todos los viernes de junio, a las 21. $ 40.

Muñecas rotas

* La obra ganadora del Estrella de Mar 2011 al mejor espectáculo off, y que aborda la temática de la trata en la voz a dos mujeres abandonadas luego de ser víctimas de una red. Dirección y puesta de Mauro Molina. Con Celeste Gerez y María Viau. Viernes, a las 20.30, en Puerta Roja, Lavalle 3636. $ 40.

Nosotros los vivientes

* El extraño vínculo del hombre con el hombre representado a partir de escenas que aparentan ser situaciones cotidianas. Basada en la película La comedia de la vida, de Roy Andersson. Dirección de Adriana Desanzo. Sábados, a las 19, en el C.C. Adán Buenosayres, Directorio y Lacarra. A la gorra.

El hipnotizador

* Unipersonal del músico y artista plástico Marcelo Márquez sobre las técnicas más vanguardistas en la práctica de la hipnosis. Dirección de Paco Zarzoso y Lola López. Jueves, a las 20.30, en el Sha, Sarmiento 2255. $ 30.

Fuente: La Nación

Los Premios Hugo en la calle Corrientes. Musicales al aire libre

ANTICIPO
Musicales al aire libre

El domingo 12, a las 15.30, se llevará a cabo un gran evento llamado Los Premios Hugo en la calle Corrientes. Musicales al aire libre , como un adelanto de la entrega de premios que se realizará en octubre. En diversos cuadros participarán, sin ánimo competitivo, espectáculos como Avenida Q, Sweeney Todd, Drácula, Chicago, El patio de la Morocha, El pasajero, Bocatto di Cardenale y Esperando la carroza , entre muchos otros. Participarán Karina K, Mariano Chiesa, Germán Tripel, Juan Darthés, Claribel Medina, Miguel Habud, Roxana Fontán, Juan Rodó, Candela Cibrián, Leo Bosio, Ivana Rossi, Melania Lenoir, Natalia Cociuffo y Mónica Buscaglia, entre otros. Gratis, frente al Obelisco, entre Cerrito y Libertad.

Fuente: La Nación

Marcela Rapallo: Cuentos animados

El imaginario infantil a través del dibujo

Marcela Rapallo, directora de Cuentos animados.

–¿En que consiste Cuentos Animados?
–Es un viaje a través del cuaderno de dibujos de la protagonista: una clown, interpretada por Daniela Fiorentino. Hay una pantalla que proyecta todo el tiempo la creación de dibujos en tiempo real. Hablamos del imaginario de la infancia a través del dibujo. En escena estamos las dos, la clown y la dibujante, que soy yo.
–¿A qué público está dirigido?
–Está dirigida a niños de entre cinco y nueve años, pero es un espectáculo para toda la familia.

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Rubens Correa: Spaghetti

El arte culinario de Da Vinci

El director del Cervantes montó en el Teatro del Pueblo una obra que retrata con humor y abundantes datos históricos la vida de Leonardo en la corte del rey Francisco I, donde funcionaba como organizador de las comilonas reales.

Obra escrita en 2007 por Gabriel Pasquini y Mariano Co-ssa, Spaghetti obtuvo al año siguiente el primer premio del Concurso Nacional de Obras de Teatro organizado por el Instituto Nacional del Teatro. El año pasado, los mismos autores convocaron a Rubens Correa para la puesta y dirección de esta obra, que ya puede verse en el Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943) con la actuación de Héctor Bidonde, en el rol de Leonardo Da Vinci, y Alejandra Balado, Mariano Gladic y Federico Barroso Lelouche, como la cocinera, el rey Francisco I de Francia y Francesco Melzi, asistente del pintor, respectivamente. Al frente de la conducción del Teatro Cervantes, Correa agradece el hecho de volver a la dirección, porque le significa “una especie de descanso de la cantidad de tareas que demanda el Cervantes”, según cuenta en una entrevista con Página/12. La puesta de este texto le dio, además, un motivo para investigar “una época que, para mal y para bien, hizo que el mundo cambiara para siempre”, dice en referencia a los primeros años del siglo XVI, cuando tiene lugar la acción de la obra, “una época en la que está naciendo el capitalismo y surgiendo, con él, el individualismo, un tiempo en el que se abandona el sentido medieval de lo anónimo y lo corporativo, así como el poder de la Iglesia por sobre todas las cosas”, según concluye.

La acción de Spaghetti transcurre en Francia, donde Leonardo Da Vinci vive, junto al aprendiz y secretario personal Francesco Melzi, bajo el mecenazgo del rey Francisco I. Entre retratos, proyectos de invenciones y apuntes de cocina, Leonardo pasará éste, el último año de su vida. Entretanto, el rey intentará robarle la receta de los spaghetti, un extraño plato que lo obsesiona. La obra retrata con humor y abundantes datos históricos la vida del maestro en la corte. Correa lo caracteriza como un excéntrico en su época: “Era un gourmet y hasta en la ropa se distinguía de los demás: usaba túnicas cortas, de color rosa. Además, escribía al revés para que no pudiesen robarle las ideas, algo que podría objetarse como contradictorio, porque Leonardo y la Nueva Ciencia estaban a favor de la divulgación del conocimiento”, opina el director.

Como también se da a entender en la obra, además de ser el amante de Da Vinci, Melzi consagró toda su vida a ordenar los papeles del maestro. “Mientras se trasladaba de un lado al otro con Leonardo, transportaba estos papeles dentro de unas 1500 carpetas –según cuenta Correa–. Estos documentos fueron abandonados en un granero, perdiéndose así las dos terceras partes de lo que había escrito Leonardo. La cocinera, un enigmático personaje que en la obra ironiza sobre temas relacionados con la comida, separa con su presencia las escenas y ubica al relato en un sitio extrañante. Sin embargo, también ella fue un personaje que existió. Se llamaba Battista di Vilussis y heredó de Leonardo la mitad de un viñedo”, aporta el director.

A propósito de la obsesión que la obra le atribuye al rey, que llega a la traición por conseguir la receta del famoso plato, Correa afirma que, según sus lecturas, Da Vinci tenía la costumbre de ponerse en rebeldía con aquellas personalidades que lo mantenían bajo su tutela: “Leonardo tuvo una relación muy extraña con sus mecenas, porque proyectaba y prometía cosas que luego no cumplía”, afirma Correa, que recuerda haber leído que Da Vinci estuvo encerrado dos años, comiendo y bebiendo con sus asistentes, antes de comenzar a pintar La Ultima Cena en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, en Milán, pretextando averiguar qué estaban comiendo Jesús y sus apóstoles durante la Ultima Cena. El caso es que, como cuenta el director, “cuando los priores del convento no pudieron solventar más los gastos, le pidieron al mecenas Ludovico Sforza que convenciera a Leonardo para que comenzara a pintar la obra”. En Spaghetti, se lo ve a Leonardo como un organizador de las comilonas reales: “Organizaba verdaderas puestas en escena porque fue un refinado para su época. Sabía cómo presentar las comidas y en qué orden. Incluso, tuvo un restaurante con Boticelli y fue, se podría decir, un precursor de la nouvelle cuisine: poca comida, poca carne, muchos vegetales y buena presentación”, resume el director.

–Da Vinci era todo un adelantado a su época...

–Leonardo representa el ansia generalizada por el conocimiento, que es algo muy de su época, pero a la vez, tenía una mirada sobre la realidad que no se correspondía con el tiempo que le tocó vivir. Sus inventos, por ejemplo, no pudieron ser llevados a la práctica porque la tecnología que él necesitaba no existía.

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* Spaghetti. Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943). Sábados a las 22.30, domingos a las 17.30.

Roberto Cossa: Escribo para estrenar

Todo sobre Tito Cossa

Cuando el abogado y escritor Guillermo Gasió le propuso a Roberto “Tito” Cossa escribir un libro sobre su vida, el dramaturgo respondió: “¿Por qué? Va a ser un libro muy aburrido”. Tiempo después, Ediciones Corregidor publica Roberto Cossa: Escribo para estrenar (2010), un libro que reúne memorias, textos y testimonios sobre el hombre de teatro. Para la investigación, Gasió entrevistó a Cossa en varias oportunidades entre agosto de 2009 y octubre de 2010. “Se inició, durante un año, una tarea que me llevó a un viaje sobre mi vida, mi obra y la opinión que mis obras despertaron en su momento –cuenta Cossa–. Descubrí opiniones que no había leído en su momento o que había olvidado.”

Fuente: Página/12

Alejandro Ullua: Africa... un continente y Judy...un homenaje a Judy Garland

Nota del 1 de junio

Entre el drama y el musical

El director y dramaturgo se mete en dos ámbitos sustancialmente diferentes

Dos proyectos muy opuestos lo tienen como director y, con diferencia de unas semanas, se estrenan en espacios de cualidades también diferentes. Alejandro Ullua viene pensando ambas propuestas hace tiempo y ahora las concreta mostrando un interesante abanico de su capacidad creativa.

Hace ya unos domingos, en el Teatro del Pueblo, comenzarán las funciones de Africa? un continente , pieza de Patricia Zangaro. Un fuerte drama de personajes. Cuatro seres se cruzan en la terraza de un edificio discurriendo sobre sus realidades, mientras un hombre negro agoniza abajo.

Pasado mañana, por otra parte, en el Molière, Ullua estrena Judy...un homenaje a Judy Garland . Aquí el creador volverá a una de sus pasiones: el teatro musical. Según se anticipa, se trata "de una experiencia musical de café concert que antes que un recorrido fiel por la vida y carrera de la genial artista norteamericana, intenta reflejar su sinceridad emotiva al interpretar cada canción como si fuera un drama, una comedia o una tragedia, en formato breve".

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PARA AGENDAR

Africa... un continente, de Patricia Zangaro, con dirección de Alejandro Ullua. Teatro del Pueblo, Roque Sáenz Peña 943. Funciones: domingos, a las 20. Entrada: $ 50.

PARA AGENDAR

Judy... un homenaje a Judy Garland, con texto y dirección de Alejandro Ullúa. Molière, Balcarce 682. Funciones: viernes, a las 20.30.

Neón

Neón

Dos hermanas viven en medio de una ciudad que atraviesa un estado de ebullición cercano al caos y a la devastación. Un mínimo departamento oficia de búnker, de refugio, de escondite. Hasta allí llegan tres hombres: uno de ellos acaba de arribar de Berlín y dice ser primo del novio de una de las hermanas. La otra también está de novia y su pareja es el último en llegar a ese refugio un tanto desvencijado. Falta un personaje, cierto: una vecina que vive algunos pisos abajo. Allí, a su manera, sobreviven mientras una ciudad parece desintegrarse.

A medida que avanza la historia de Neón , el último trabajo de la talentosa Agustina Muñoz, comienza a tomar forma la trama de estas tres mujeres y sus respectivas historias de (des) amor. Apoyado en los relatos de las dos hermanas, roles a cargo de Laura Paredes y Elisa Carricajo, Neón alcanza sus picos máximos de tensión. Apelando a ese realismo corrido de registro que ciertos montajes de la escena alternativa porteña manejan con suma inteligencia, la obra se expande, crece, encuentra su comicidad allí donde anida algo cercano a la desesperación. En esas fibras, Paredes y Carricajo, integrantes también del grupo Piel de Lava, despliegan una batería de recursos admirables cargándose la obra al hombro.

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Recorrido sentimental por el mundo de los amores y desamores femeninos

¿Qué implica querer poco? ¿Es medible el amor? ¿Qué se hace cuando te arrojan un "te quiero, pero poco"? Una serie de interrogantes sirven como puntapié inicial para lanzar al vacío a una joven que acude a su psicóloga para sobrellevar un desamor. Así arranca esta pieza dirigida por Juan Arenas en la que tres mujeres estarán todo el tiempo presentes en escena: una, Sonia Kovalivker, al piano acompañada siempre con su música y hasta por momentos con su voz; Ximena Seijas y Cecilia Pertusi son las dos actrices que irán deslizando y profundizando un sinfín de situaciones amorosas.

Ella, Juana, sufre; la quieren "poco" y la abandonan. Su psicóloga la ayuda a transitar por los laberintos de la mente, pero ése es sólo el principio. En adelante, la intención de la obra es bucear en los sentimientos de una mujer, pero para tratar de comprender. La platea no puede no sentirse interpelada, porque ¿quién no ha sufrido alguna vez por amor? ¿Quién no ha sido abandonado o ha abandonado y querido poco? Y eso se nota en las risas tímidas que aparecen ante un relato patético que ilustra lo que es capaz de hacer una persona con tal de que la quieran o en los comentarios de la amiga confidente que escucha siempre, siempre, las mismas frases.

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Reflexión sobre los 70

Después de presentar la obra durante todo el año pasado se repuso en Ofelia Casa Teatro (Honduras 4761) Esa extraña forma de pasión , obra escrita y dirigida por Susana Torres Molina, una intensa reflexión sobre los años 70. Las funciones son los miércoles, a las 21. Entrada: $ 50.

Fuente: La Nación