Sandra Antman: Huevito de ida y vuelta

Títeres, de Buenos Aires a Hong Kong

Por Laura Pérez Diatto

Con el recientemente adquirido premio ATINA a la dramaturgia por su obra Manifonías, la compañía Asomados y Escondidos se prepara para llevar a Hong Kong su obra Huevito de ida y vuelta. No es la primera vez que este espectáculo sale del país. Ya hizo sus viajes de ida y vuelta a Brasil y España. Ahora, con la mente puesta en esta gira, Sandra Antman habló con Blog Teatro sobre esta obra que apuesta a lo visual y se apoya en algunos textos que, más que necesarios, están para ayudar a los más pequeños a abordar el universo mágico de los títeres.

¿Cómo surgió el viaje a Hong Kong?

En noviembre de 2008 fuimos a un festival en Tolosa, País Vasco. Allí nos vio el director del “Ming Ri Institute for Arts Education”. Había visto Manifonías y Huevito de ida y vuelta y le habían encantado. Nos preguntó si teníamos algún mes libre en 2010 como para presentar ambos espectáculos allí. Los eligió por su calidad y porque tienen muy poco texto. Huevito de ida y vuelta tiene apenas 15 palabras.

¿Cómo es llevar esta obra a Hong Kong? ¿Se adapta?

Esta obra la vamos a hacer en inglés. Como Hong Kong fue colonia inglesa hasta 1997, todo el mundo entiende inglés. Nosotros les ofrecimos traducirlas al cantonés pero no quisieron. Vamos a hacer funciones para los alumnos chiquitos, para los más grandes, para los profesores y para el público en general. Ellos promocionan nuestra participación en Hong Kong como compañía extranjera, entonces no tiene sentido traducir las palabras al cantonés o al mandarín. Aparte del texto traducido al inglés, el resto se mantiene igual.

¿Qué expectativas tienen con este viaje?

La verdad es que nos hace mucha ilusión. Cada vez que lo pienso no me alcanza la imaginación. Desconocemos absolutamente el público. No sabemos si es ruidoso o silencioso. Nosotros estamos acostumbrados a un tipo de público. En España el público es totalmente diferente al nuestro, es muy pasivo porque están muy aleccionados por los maestros. Acá al público le gusta intervenir con palabras. Vamos con expectativas de que se abra un mercado laboral.

¿Cuántos años hace que están haciendo esta obra?
Este es el año número 15. Se estrenó en 1995, con Alejandra Bertolotti y Tamara Schmukler. En 1997, la empezamos a hacer Claudia Dallarossa y yo. Claudia falleció en 2004 y en 2005 la reestrené con Mario Marino. Después de que Claudia falleció, yo había decidido no hacerla más. La volvimos a hacer porque Guadalupe Tempestini, la señora que organiza el Festival de Sevilla, nos pidió repetir allí el espectáculo. Yo le dije a Silvina que aceptaba sólo si lo hacíamos con un varón como compañero. Así cambió la lectura de la obra, antes se veía un chiquito con dos mamás y ahora se ve un chiquito con una mamá y un papá. Silvina aceptó y Mario Marino también.

La obra está dirigida a chicos de hasta 5 años. Sin embargo, los chicos y los grandes se mantienen expectantes por igual y el silencio reina en el auditorio. ¿Por qué creés que pasa eso?

Esto nos pasó muchas veces. A mí me sigue sorprendiendo. Los chicos más grandes quieren descubrir el truco, a otros les gusta la historia o se enganchan con la música. Al público adulto le gusta mucho. Yo creo que es porque la obra es sutil, muy tierna y tiene mucha síntesis, pero no lo tengo muy claro.
Una vez nos pasó en González Catán o en Laferrère, no me acuerdo bien la localidad, que teníamos una función en el patio de una escuela, con alumnos de primero y segundo grado. No era una escuela carenciada, pero sí humilde. Estábamos haciendo la función y había un tapial en donde se subieron un grupo de chicos de la escuela secundaria. Nosotros entramos en pánico porque creíamos que iban a hacer ruido. Sin embargo, los chicos se quedaron alucinados y, al final, aplaudieron con un aplauso cerrado, increíble.

¿A quién pertenecen los recursos técnicos?

A Silvina Reinaudi. Ella es autora, guionista, directora y diseñadora plástica. Pero el diseño, además de ser de Silvina, es de Analía Tejeda -una chica cordobesa- y también de Roly Serrano, quien fundó junto con Silvina Asomados y Escondidos. Es muy importante la participación del músico. La obra está ajustada milimétricamente a la música, es un trabajo de relojería.

¿Algún otro recuerdo vinculado a la obra?

Nos han preguntado alguna vez ¿cuántas pilas tiene? Para ese chico nosotros desaparecimos en toda la función. Otro nos dijo “a mí me gusta cuando mueve la boca”, y lo gracioso es que boca no tiene. Otros dejaron el chupete entregándoselo al gusanito. Una abuela con su nieta se fue diciendo que se iba “porque la obra era demasiado artística y no tenía participación del público”. Hicimos una función en las sierras de Huelva, para guardería, con bebés. Creo que el nene más grande tenía 2 años y miraron toda la función sin llorar.

¿Hay Huevito de ida y vuelta por muchos años más?

Yo creo que sí. Lo pensé muchas veces. Mientras yo siga mirando al gusanito y el gusanito me siga haciendo reír y me siga pareciendo tierno, para mí hay para muchos años más.

¿Qué significación o importancia tiene ganar los premios ATINA?

Es un estímulo para seguir trabajando. ATINA es una asociación que se especializa en la infancia y para nosotros es un lindo reconocimiento. Este año a Silvina Reinaudi le dieron el premio a la trayectoria.



Con autoría y dirección de Silvina Reinaudi, Huevito de ida y vuelta recrea con maestría el recorrido de un gusanito desde que nace hasta que alcanza su madurez. Asoma su nariz al mundo con un hambre voraz: “Tengo hambre” es su grito de guerra. Los titiriteros Sandra Antman y Mario Marino se dejan ver todo el tiempo. Es más, muestran –para el que quiera verlo– el artilugio con el cual el gusano es movido.

Los titiriteros, padres putativos del protagonista, le enseñan a ingerir distintos alimentos hasta que, un buen día, será el gusano quien les muestre –y muestre al público–que ha alcanzado otro estadío evolutivo: saciada su hambre física, tendrá otros apetitos. Finalmente, el gusanito dejará el nido de la mano de una compañera por demás femenina.

La historia es narrada en 40 minutos, a través de los cuales la música de Sergio Blostein acompaña cada paso de este tierno héroe mediante diferentes ritmos musicales.

Mariano Pensotti: El pasado es un animal grotesco

Retrato de una generación defectuosa

El dramaturgo y director concibió este texto con la novela del siglo XIX como inspiración. Muestra a cuatro personajes de 25 años durante la década que va desde 1999 hasta 2009, en un intento de concebir “una megaficción con recursos mínimos”.

La última obra de Mariano Pensotti, que bajo su dirección acaba de estrenarse en el teatro Sarmiento (avenida Sarmiento 2715, jueves a domingos a las 21), parafrasea desde su título al de una canción de la banda norteamericana Of Montreal: El pasado es un animal grotesco. El autor de Marea y Vapor, entre otras obras, retrata en abigarrado friso la vida de cuatro personajes de 25 años durante la década que va desde 1999 hasta 2009, en un intento por captar “el momento en el que uno deja de ser quien cree que va a ser para convertirse en quien es”. Interpretada por Pilar Gamboa, Julieta Vallina, Javier Lorenzo y Juan Minujin, la pieza cuenta con situaciones de lo más variadas: una joven abandona el barrio para irse a París robando los ahorros de su padre carnicero, otra descubre que su padre mantiene una familia paralela y se obsesiona escudriñando sus movimientos, un estudiante de marketing recibe en su domicilio una caja conteniendo un brazo cortado, entre otras. El común denominador de todas las historias es que nada sale como los protagonistas sueñan. Será porque, según el propio Pensotti, se trata de una “generación defectuosa”, hecha de individuos que deben empezar siempre de cero, con la necesidad de reinventarse permanentemente. El dramaturgo y director escribió el texto como si fuera una novela más que una obra de teatro, con el objetivo en mente de generar una “megaficción con recursos mínimos”. Si la fuente de inspiración fue la novela del siglo XIX, la puesta en escena, en cambio, se nutre de las experiencias de Pensotti en el ámbito del cine, ya que realizó dos largometrajes, El camino del medio y Soñar lobos y jirafas. De allí la aparición de un narrador en off o del escenario giratorio, que permite variar de locación en instantes para obtener “la sensación de estar viendo un descomunal travelling o plano secuencia de casi dos horas de duración”, según detalla el autor en una entrevista con Página/12.

–¿Por qué le interesó emular desde el teatro a la novela del siglo XIX?

–Creo que cierta novela del siglo XIX consiguió realizar, o casi, la extraña y fascinante fantasía de una obra de arte en la que pudiera entrar todo. Me refiero a obras en las que en autores como Tolstoi, Balzac, Stendhal, o inclusive Sarmiento, desarrollan ficciones complejas y ambiciosas que, a la par de desarrollar una gran inventiva, les permitió incorporar sucesos reales de un tiempo y lugar determinado.

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El último fuego

Una interesante puesta de Ana Alvarado

El último fuego, obra de la alemana Dea Loher

Uno. Dos. Nueve personajes en escena contando un narrador que puede ser usted (o yo). Aparentemente, sólo son vecinos de un barrio marginal de una ciudad germana. Sin embargo, los une un accidente fatal en la calle que se cuenta en las primeras escenas y que los persigue a lo largo del relato de El último fuego , la obra de la multipremiada autora alemana Dea Loher.

En un principio, la reconstrucción de ese hecho en la que pierde la vida un joven se convierte en el nudo de la obra. Pero, a medida que avanza la acción, ese obsesivo rompecabezas comienza a ocupar un segundo plano, el rol del narrador se va apagando y comienza a tomar forma de una manera contundente la vida de estos seres marginados en medio de un relato entre sombrío y melancólico con ciertos rasgos de un efectivo humor ácido. Con dirección de Ana Alvarado, el primer acierto es la estupenda resolución espacial y escenográfica. El público se ubica en tres espacios distintos y por diversos corredores van entrando los personajes en esta especie de trama policial inicial. Al ubicar al espectador alrededor del lugar del accidente parece que fuéramos todos mudos testigos de un hecho del cual también tenemos nuestras responsabilidades sociales.

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Sótano, La paz del hogar, "Alfonsina, el mar y yo", Ken Davenport y Piaf

Catalanes. Por intermedio de Iberescena, Cataluña y la Argentina comenzaron una etapa de cooperación y coproducción entre actores y directores de ambos países. El primer proyecto subirá a escena en un teatro emblemático de la comunidad catalana: el Margarita Xirgu. Y quien ya está en la Argentina dirigiendo la obra Sótano, de Benet i Jornet, es nada menos que el director catalán Xavier Albertí, quien el año pasado estuvo en la Argentina presentando sus obras El dúo de la africana y Crónica sentimental de España , en el Festival Internacional de Buenos Aires. Es una pieza sobre el encuentro de dos hombres que, aparentemente, no se conocían. Uno atiende al otro, que llega turbado, pero parece que no todo es lo que parece ser. Esta historia de sentimientos y resentimientos estará protagonizada por Alejandro Paker y Boy Olmi, y se estrenará a fines de mayo en la mayor sala de San Telmo.

Actor y director. Facundo Ramírez vuelve al teatro, pero esta vez debutará como director. Planea estrenar, en octubre, La paz del hogar , obra Guy de Maupassant, con la compañía Shakespeare en Buenos Aires, que fundó Miguel Guerberoff. Entre los actores confirmados para su elenco están Carlos Lipsic, Gustavo Chantada, Eugenia Capizanno y Carlos Da Silva. Es la historia de un hombre que quiere recuperar a su mujer, que se está yendo con su amante. "Es la reflexión sobre el canivalismo de las relaciones humanas", la definió Facundo.

Del micrófono al escenario. Muchos locutores y animadores debutaron alguna vez como actores en teatro, cine o televisión. Sólo por mencionar algunos: Oscar Casco, Edith Boado, Nelly Prince, Marilú, Orlando Marconi, Miguel Core, Nicolás Repetto, Juan Alberto Badía, Pancho Ibáñez, Juan Alberto Mateyko, Fernando Bravo y Jorge Rossi, entre muchos otros. Ahora quien acaba de debutar sobre un escenario es el conocido periodista y locutor Martin Wullich. Y su debut es un lujo ya que comparte escenario con una dama de la escena: Amelia Bence. Ayer debutaron en el Maipo Club con Alfonsina, el mar y yo, obra con la que, quien fuera estrella del cine argentino, representa desde hace varios años en distintos ámbitos. En esta pieza, conjugan la poesía, el cine y el teatro, a través de la evocación de la vida personal y literaria de Alfonsina Storni. Wullich encarna a La sombra de los poetas, y da detalles que el historiador y biógrafo Carlos Alberto Andreola recopió para la confección literaria de la obra. Están dirigidos por Rodolfo Graziano y acompañados al piano por Horacio San Yar.

Desde Broadway. El reconocido productor teatral neoyorquino Ken Davenport estuvo en Buenos Aires para asistir a la puesta local de Mi primera vez, obra que creó a partir de 40.000 historias anónimas de personas de todas partes del mundo acerca de sus primeras experiencias sexuales. Ken Davenport es un reconocido personaje de Broadway. Entre sus últimas producciones pueden citarse Oleanna , con Bill Pullman y Julia Stiles; Speedthe- Plow , con Raúl Esparza; You?re welcome, America , de Will Ferrell; y Blithe Spirit , con Angela Lansbury y Rupert Everett. Dicen que es el único productor (contemporáneo) que tuvo tres obras simultáneamente en el Off Broadway: Altar Boyz, The Awesome 80s Prom y Mi primera vez .

Piaf, a España. Elena Roger y todo el elenco de Piaf se sacaron esta foto en Ezeiza, minutos antes de embarcar rumbo a Madrid, donde por estas horas ya estarán para comenzar los ensayos de la obra de Pam Gems, que se estrenará el martes próximo en el Nuevo Teatro Alcalá, producida por Lino Patalano. Elena dijo a El País que le preocupa encontrar la adaptación exacta de términos lunfardos o porteños al español de España. "No puedo decir: «Andate a la mierda », por ejemplo".

Fuente: La Nación

Piaf

"Piaf", a España

Elena Roger actuará en Madrid. Se presentará, junto al elenco, con la obra que cuenta la vida de Edith Piaf en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid. Debuta el 13 de abril.

Elena Roger y todo el elenco de la obra Piaf, partieron el lunes rumbo a España. Después del enorme éxito que tuvo la pieza -producida por Adrián Suar y Fernando Blanco- en Buenos Aires, ahora probarán suerte en la Madre Patria. La primera función será el 13 de abril en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid, donde harán temporada hasta el 18 de julio, con una función de gala el 26. La obra, que antes de llegar a Buenos Aires tuvo su debut en los escenarios londinenses (con premios y elogios para Roger) cuenta la vida de la cantante francesa Edith Piaf. Roger se luce dándole vida a esta leyenda de la canción e interpretando maravillosamente sus canciones. Junto a Elena actúan Natalia Cociuffo (que interpreta a otra leyenda, Marlene Dietrich), Romina Groppo, Gipsy Bonafina, Federico Llambi, Pablo Grande, Rodrigo Pedreira, Eduardo Paglieri, Néstor Sánchez, Martín Andrada, Angel Hernández, Pablo Sultani, Mariano Taccagni, y los músicos Néstor Ballesteros y Gabriel Abramovici.«

Fuente: Clarín

Alejandro Viola

Alejandro Viola

El fuego sagrado Se presenta con Los Amados y ensaya, dirigido por Helena Tritek, los sonetos de Shakespeare.

Teatro comencé a estudiar en la secundaria. Vivía en Lanús Este, casi Monte Chingolo, y era la dictadura. Había encontrado una especie de curso de Enrique Guevara, en un café de San Telmo, Ultimo Tango, en el pasaje San Lorenzo: una especie de salvoconducto a otro mundo. Me acuerdo: viajaba los miércoles y domingos. Ese espacio, a las dos de la mañana, por ejemplo, era un lugar oculto y secreto. "¿Documentos tenés, no?", era la pregunta de entonces. Debajo del escenario había tanta teatralidad como arriba. Por ahí aparecía Gogó Andreu a hacer un monólogo y se hacían obras que aludían a estos tiempos oscuros.

Mi viejo tenía una flota de camiones y era un gran cantante tenor. Me parece que habrá tenido su influencia.

Las primeras obras que me mataron fueron La señorita de Tacna, con Norma Aleandro y Adriana Aizenberg, y Camino negro, un texto de Viale, que hacían Miguel Angel Solá y Betiana Blum. Yo miraba eso y decía: no voy a hacer otra cosa que lo que hacen estos tipos.

Estar al frente de un grupo es un trabajo que va más allá de lo que se imagina: me gusta compartir textos con el grupo, orientar, o mejor, compartir. Llevo algo de Brook, un texto sobre la concentración o la puesta en escena. Eso lo aprendí de Helena Tritek. Y nos va muy bien. El disco Karabali, ensueño Lecouna, tendrá invitados de lujo como la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Buenos Aires.

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Alejandro Awada y Federico Andahazi: El Anatomista

“Por suerte, Muscari destrozó la novela”

El protagonista, Alejandro Awada, y el autor, Federico Andahazi, hablan sobre la obra basada en el texto que en su momento escandalizó a Amalita Fortabat, y que sube al teatro Regina, con dirección del niño terrible de las tablas locales.

En el teatro Regina, a una cuadra de la iglesia de San Nicolás de Bari, cuando el almanaque indica que es Jueves Santo y los pronósticos meteorológicos aún no han dado señales de otoño, Federico Andahazi y Alejandro Awada ubican tres sillas de la antesala en ronda para atender una entrevista con Crítica de la Argentina. El motivo que los convoca es el estreno (mañana) de una versión teatral dirigida por José María Muscari de El Anatomista, novela que catapultó a un hasta entonces desconocido Andahazi por su éxito editorial y –aunque él todavía lamente aquella polémica– por el rechazo de Amalita Fortabat a entregarle el premio literario que organizaba su fundación cuyo jurado había decidido otorgarle. “El Anatomista no contribuye a exaltar los valores más elevados del espíritu humano”, había justificado la señora por aquel entonces. Para Andahazi, que hoy, 13 años más tarde, escucha cómo las campanadas de la tradicional iglesia de Barrio Norte se entremezclan con su conversación, la explicación del episodio proviene de otro costal: “La Inquisición que persiguió a Mateo Colón sigue viva. ¿Oís? Ahí suena”.

Awada festeja la respuesta de su compañero de entrevista y, en la misma línea, se entusiasma por “el granito de arena que pueda aportar esta obra a la discusión sobre ciertas instituciones vetustas”. Y sigue: “Cuando Ginés (González García) quiso repartir los preservativos, no sé qué señor de la Iglesia no tuvo mejor idea que sugerir tirarlo al río con una piedra al cuello. Algo nos sigue pasando como sociedad si esas opiniones siguen teniendo un lugar de peso”.

En la novela, la historia gira en torno de Mateo Colón, un anatomista del Renacimiento que, enamorado de una prostituta veneciana llamada Mona Sofía, busca algún tipo de pócima que lo ayude a conquistarla y mantenerla enamorada. Así comienza a explorar el cuerpo femenino y descubre la existencia del clítoris, órgano hasta entonces desconocido por los médicos de Occidente; el hallazgo, en épocas de Inquisición naciente, no le sale barato. En la versión escénica, Awada hará a Mateo Colón, Mona Sofía va a estar a cargo de Sofía Gala, Antonio Grimau será la contrafigura de Colón (monseñor Alessandro) y Romina Ricci se pondrá el traje de la noble Inés de Torremolinos. Completan el elenco Walter Quiroz y Alejandra Rubio.

–Federico, ¿qué te llevó a aceptar una adaptación de una novela al teatro?

Andahazi: –Desde que se publicó el libro hasta la fecha, he tenido una cantidad enorme de propuestas para llevar la historia al cine y al teatro. De hecho, los derechos para cine ya están comprados aunque todavía no se haya hecho el film. Con respecto a las propuestas teatrales, ninguna me convencía, hasta que un día me llamó Luciano Cazaux (que antes había adaptado Eva y Victoria y El día que Nietzsche lloró). Y por primera vez Guillermo Schavelzon, mi agente literario, me dijo: ‘Sentate a tomar un café con él y escuchalo’. Cerramos trato y en 15e días Luciano apareció con la adaptación. Todavía estoy azorado por lo rápido y lo bien que trabajó: en su adaptación está la esencia de la novela.

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La Zaranda: Futuros difuntos

Vuelve La Zaranda, con Futuros difuntos

"Lo que hacemos es un acto de fe", sostienen

Ellos se definen como una familia que, al cabo de treinta años, ha pasado épocas buenas y malas. Han tenido momentos de mucho afecto y también los ha habido conflictivos. Se sostienen porque aman el teatro y siempre tienen fe en el nuevo trabajo que está por llegar. "Lo que hacemos es un acto de fe", dice muy convencido Gaspar Campuzano, uno de los intérpretes del grupo español La Zaranda.

Una vez más, ellos llegan a Buenos Aires para presentar su último trabajo, Futuros difuntos, cuyo estreno está previsto para mañana en el Metropolitan II.

Campuzano, Francisco Sánchez (el emblemático Paco), Enrique Bustos y Eusebio Calonge se muestran entusiasmados de volver a la ciudad en la que saben que tienen muchos adeptos. Vienen de Costa Rica. Hicieron presentaciones en el Festival de las Artes, y el éxito, una vez más, los acompañó.

Futuros difuntos es una producción conjunta con el Teatro Sorano, de Toulouse, Francia, que se estrenó en 2008 y que Calonge define como "un paso más en la historia del grupo. Volvemos a meternos en el laberinto de la historia. Hablar de nuestros espectáculos es como hablar de lo inexplicable, hablar del misterio del teatro; al fin y al cabo de La Zaranda, de ese trozo de vida que ponemos encima del escenario".

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PARA AGENDAR

Futuros difuntos, por el grupo La Zaranda

Teatro Metropolitan, Corrientes 1343. De jueves a domingos, a las 20.

"Uno tiene que empezar a luchar contra el éxito"

Paco Sánchez y Eusebio Calonge: Futuros difuntos

La Zaranda, el poder de la locura

Entrevista. La compañía andaluza estrena mañana "Futuros difuntos", su nuevo espectáculo. Su núcleo es un grupo de locos encerrados en un hospicio que toma el poder luego de la muerte del regente del lugar. En su décima visita a la Argentina, el director Paco Sánchez y el dramaturgo Eusebio Calonge hablan del teatro barroco y el peculiar modo de creación de sus obras.

Al pasar los veinte años de trabajo empieza a pesar el tiempo y se puede decir que somos una compañía. Ahora, que ya superamos los treinta, sólo podemos confiar en que cuando estamos creando, pese a los momentos en que te desesperas, vamos a tener una recompensa. Aquéllo que buscas viene a tu encuentro".

De este modo, Paco Sánchez, director y actor de La Zaranda, habla del devenir de esta compañía que trajo a Buenos Aires su última creación: Futuros difuntos.

Tanto Sánchez como sus actores Enrique Bustos y Gastar Campuzano, que trabajan juntos desde hace más de veinte años, tejen un reiterado lamento por interrumpir una siesta. Estuvieron por la mañana buscando un pequeño ventilador, que sumarán como objeto de su próxima obra, Nadie lo quiere creer que comenzaran a ensayar en Toulousse luego de la breve temporada que inician mañana en el Metropolitan. "Nosotros siempre vamos recogiendo objetos que nos miran. No te hablo en plan fantasía. En Futuros difuntos hay montones de objetos de distintos lugares. El pequeño avión es de un mercadillo de Uruguay. Además, no hay un solo trabajo nuestro que no tenga algo de Buenos Aires", continúa Sánchez.

Futuros difuntos tiene en su derrotero más de cien funciones, tanto por Europa como en diversos festivales latinoamericanos. De hecho, vienen de Costa Rica. "Estrenamos en octubre de 2008 y la obra llega a la Argentina en un equilibrio donde muchas cosas han sido aceptadas por nosotros. Nuestros trabajos necesitan venir una vez a América para tomar envergadura. El año pasado, por ejemplo, tuvimos que venir a Quito para que el espectáculo logre otros sentidos. No sé explicarte por qué. Puede que el público respire más al unisono con la obra que en Europa.", señala Eusebio Calonge, dramaturgo de La Zaranda.

Los creadores asumen que la obra, donde tres locos subvierten la situación de un hospicio luego de la desaparición del regente, es un homenaje a la pintura española. Una posible línea argumental de su última creación es el mundo como manicomio expresado lo más pictóricamente posible. Sin embargo, hablar en un sentido unívoco de argumento en los espectáculos de la compañía andaluza es hacer añicos cualquier expectativa, ya que las líneas de sentidos que abren sus trabajos son múltiples.

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Un teatro visceral e intuitivo
Sabiduría andaluza

Gabriela Acher

Ahora, la idishe mame 2.0

¿Y? ¿Estuviste de gira?

Casi todo el año pasado. Bueno, tuve la oportunidad de ir a Perú, donde hice El amor en los tiempos del colesterol. En septiembre hice temporada en Madrid, con El amor..., después hice temporada en Miami con Algo sobre mi madre (todo sería demasiado), y en septiembre hice temporada en Madrid...

¿Cómo te encargás de discriminar? En este lugar, tal unipersonal, en éste, tal otro...

En Miami me contrató una organizacion judía y Algo sobre mi madre... es ideal. En Madrid elegí El amor... y me parece que para entrar en España -yo hice televisión, pero nunca teatro- estaba bien: la mujer es un tema más universal.

¿Fue la elección correcta?

Fue una temporada maravillosa, fueron muchos españoles, un público nuevo. Yo pensé que iba a trabajar para la colonia argentina, pero nada que ver... Funciones de martes a domingos en una sala de 200 personas. Fue un tour de force, pero los españoles la pasaron más que bien.

Fuente: Clarín

(Desde el 17, viernes y sábados en La Casona del Teatro).

Francisco Donovan

Francisco Donovan

"Soy ambicioso hasta el cielo" Hace de tatuador en "Alguien que me quiera" (El Trece). Además, prepara una película y ensaya una obra de teatro en la que canta y baila.

Pudo haber sido delantero de Boca Juniors -llegó a probarse en las inferiores del club- y hasta periodista -estudió Comunicación-, pero en apenas cinco años de actuación saltó de "pegar carteles con engrudo" para promocionar sus obras en "salas enanas ilegales" a convertirse en un "chico Pol-ka". Francisco Donovan, el tatuador del viejo mercado en Alguien que me quiera (El Trece), jura que "estudios esotéricos" indican que su vocación actoral data "de otras vidas". Y le pone rótulo a lo suyo: "Vivo todo con la misma intensidad. Siento la tele como si estuviera haciendo una de Shakespeare".

A los 25 años, Willy, su personaje de la ficción, una suerte de Pierre Nodoyuna hecho carne, lucha con un costado violento y una autoestima inquebrantable. "No le importa cuánto pese o mida el que tiene enfrente. Y se está poniendo más pesado. Le interesa Bianca (Luisana Lopilato), pero vive sin pensar en mañana", desmenuza. "Le sale todo mal. Le pueden decir que no y pegar una piña y vuelve con el mismo ímpetu. Cree mucho en sí mismo".

Criado en Palermo Viejo, "Frankie", así lo llaman, probó con la universidad, pero un curso de teatro con Susana Pampín terminó desviando el camino. "En realidad lo que quería indirectamente era ir acercándome a este medio, era muy telebobo", detalla. Al cabo de seis meses, ya estaba participando de su primera obra y "metido hasta el cuello", asegura, no hubo más dudas. Siguió su formación con Alejandro Catalán y Pompeyo Audivert hasta que entendió que "había compatibilidad entre el off y la televisión".

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Lutherapia

Vuelve Les Luthiers

La tercera temporada de Lutherapia, el espectáculo que ya arrasó en el teatro en años anteriores, se estrenará el 21 de mayo; las entradas ya están a la venta en el teatro Gran Rex y por Ticketek

Más de 109 funciones convocaron a cerca de 260 mil espectadores. Pero van por más. Les Luthiers regresan a la escena porteña con su aclamado espectáculo Lutherapia, el 21 de mayo en el teatro Gran Rex

Con textos, música, arreglos y dirección de los propios actores, Lutherapia recorre una sesión de psicoanálisis desde la comicidad típica del grupo, con virtuosas escenas musicales y diálogos de lo más divertidos y ocurentes. Así, en el espectáculo se suceden cuadros cómicos que ellos dieron en llamar El cruzado, el arcángel y la harpía (Opereta medieval), Las bodas del Rey Pólipo (marcha prenupcial), El flautista y las ratas (oratorio), Aria Agraria (tarareo conceptual) y El día del finas (exorcismo sinfónico ?coral).

Cómo, cuándo y dónde

Lutherapia se presentará a partir del 21 de mayo en el teatro Gran Rex todos los viernes y sábados a las 21.30 y los domingos a las 20.30.Las entradas, desde 50 pesos, pueden adquirirse en el teatro o por teléfono llamando a Ticketek: 5237-7200

Fuente: La Nación

José María Muscari y Federico Andahazi: El anatomista

El director rebelde hace al escritor rebelde

José María Muscari, al frente de El anatomista , versión del libro de Federico Andahazi

Sumarle al libro El anatomista, de Federico Andahazi, la impronta irreverente y corrosiva del director José María Muscari suena explosivo. Es que es difícil no poner la imaginación en movimiento con la historia de Mateo Colón -el anatomista descubridor del clítoris y, con él, de la mayor fuente del placer físico femenino-, que en el siglo XVI enfrentó a la Inquisición en un furibundo proceso judicial.

Pero más allá de hacia dónde dispare la cabeza del lector (y potencial espectador) a partir del modo en que sexo e Iglesia se convierten en los pilares en este trabajo, sus responsables apelan a la más absoluta falta de prejuicio para encararlo y también para verlo. "Nada de lo que aparece en la obra es gratuito, las transgresiones que surgen son las que comete en su espíritu libre el mismo protagonista de la obra y que están porque cuentan algo", arranca Muscari, quien dirige por primera vez una obra no escrita por él.

El anatomista llegará a escena pasado mañana a partir del empeño de Luciano Cazaux en conseguir los derechos de la obra y en trabajar en la adaptación. Muchos, cientos de proyectos teatrales llegaron a las manos de Andáis en los trece años que pasaron desde que publicó la novela, pero ninguno tuvo la seriedad artística como para que el escritor diera el sí.

Y la verdad es que cuando escuchó a Cazaux -que ya tenía en su haber la adaptación de Eva y Victoria y de El día que Nietzsche lloró- pensó que iba a ser otro más que integrara la lista, pero su representante literario lo llamó y le dijo "sentate y escuchalo".

"Lo hice y a los quince días de la primera entrevista apareció con la adaptación hecha y me dejó con la boca abierta. Es la esencia misma del libro", se suma Andahazi, quien se entusiasmó aún más cuando supo que Muscari se subió al proyecto.

"Es un tipo que no tiene ni un solo prejuicio, y si a mí hay algo que me enferma de los ambientes literarios, de los ambientes artísticos son los prejuicios, ya que desde ahí no se puede construir absolutamente nada."

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El anatomista, de Federico Andahazi, adaptada por Luciano Cazaux.

Regina, Santa Fe 1235. Miércoles a sábados, a las 21; y domingos, a las 20.Desde 70 pesos.

Y. O. (Yoko Onda)

Leticia Torres: tierna y entrañable

Encarna a una payasa perdedora, pero incansable buscadora del amor eterno

El clown cuidado y bien interpretado es, sin duda, un encanto. Eso es precisamente lo que consigue la talentosa Leticia Torres con su unipersonal Y. O., en el que no hace otra cosa que hablar de ella misma, de su vida. Quizás hay un poco de ella de verdad (de la actriz) y quizás haya otro poco de un "yo" personaje. Cualquiera que fuere la raíz que la llevó a narrar esa historia de vida en la que, además de repasar ?con ayuda de unas bien aprovechadas diapositivas? su infancia, adolescencia y adultez de payasa, hace un balance (el debe y el haber) de lo que hasta aquí lleva actuado.

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En Tadrón Teatro. Viernes, a las 21.

Los sesenta de Esther

Propuesta teatral

Matías Puricelli y Francisco Ruiz Barlett presentarán esta noche y luego, los viernes, a las 21, Los sesenta de Esther, una experiencia teatral que "intenta desestructurar ciertas nociones clásicas del teatro, buscando llevar al espectador hacia un acercamiento más vívido del conflicto teatral". Las localidades se pueden reservar telefónicamente al 4706-3080, o al e-mail esthernunezcortez@yahoo.com.ar.

Fuente: La Nación

Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia

Un doloroso cuadro familiar

Cinco mujeres de diferentes generaciones hablan de un hombre que ha regresado al hogar en el que viven, después de mucho tiempo. Su estado de salud es terminal. El descansa en su cuarto o ha muerto en él ?la duda es permanente?, después de haberse desplomado en el piso y de haber sido trasladado a la habitación por ellas.

En la casa, su llegada ha provocado un verdadero revuelo. Lo estaban esperando, necesitando. Querían tenerlo con ellas porque, de esa forma, parecerían encontrarse con sus propias vidas, fortalecer el roto vínculo familiar y hasta descubrir en plenitud unos sentimientos que venían ocultando desde aquella partida.

Como en Apenas el fin del mundo ?también de Lagarce? la llegada del hijo ¿pródigo? devela el interior de una familia y hay en ese acto ternura y crueldad, dolor y un sinceramiento extremo que provoca una fuerte inquietud.

El texto de Jean-Luc Lagarce posee una oscura belleza. Lo atraviesa esa vigilia que precede a la muerte o esa calma patética que, sabiendo que la muerte está llegando, promueve reflexiones sobre la vida de manera desordenada. Allí se mezclan recuerdos felices y sentimientos encontrados. Imágenes poderosas del pasado se cruzan con dolores del presente. En ese momento, tan vital y entero, donde las miserias asoman a contra luz del deseo, las lágrimas resultan un verdadero alivio.

Más en La Nación

En el Teatro San Martín (Corrientes 1530)

José María Muscari y Alejandro Awada: El anatomista

El clítoris, de la novela al escenario

José María Muscari y Alejandro Awada hablan de "El anatomista", que estrenan este miércoles.

La versión de El anatomista que se estrena el miércoles, con dirección de José María Muscari, vende cierta transgresión en la combinatoria de los elementos que pone en juego. Como trasfondo, el hit editorial de Federico Andahazi. Su novela, que fue adaptada por Luciano Cazaux, transita el descubrimiento del clítoris por un científico del Renacimiento, Mateo Colón, y la relación de este hallazgo al estrellarse con la concepción del cuerpo femenino que esgrime la Iglesia Católica.

Alejandro Awada compone al anatomista que indaga en el goce de la mujer. Para ello, se rodea de tres mujeres interpretadas por Sofía Castiglione, Romina Ricci y Alejandra Rubio. Completan el elenco Antonio Grimau y Walter Quiroz. "No había leído la novela -asume Muscari-, me llegó directamente la adaptación. Pero cuando supe del tema de la obra pensé que era un texto que lo podría haber escrito yo, salvo por el encuadre histórico que tiene. Trata sobre el cuerpo femenino y el goce pero también sobre la polémica que se genera al mezclar la religión y el sexo."

Cuenta Awada que al definir su personaje se le planteó un hombre "muy jugado en su quehacer y comprometido con su ciencia. Mateo Colón por casualidad descubre este continente de placer femenino. Y me fascinó la ambición que lleva por adueñarse de lo descubierto."

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"El anatomista" estrena el miércoles 7, en el teatro Regina/TSU.

Silvana Roth

Murió la actriz Silvana Roth

Tenía 86 años. Brilló en los años ´40, actuó en casi 30 filmes y fue parte de la época del oro del cine argentino.

La actriz y ex diputada nacional Silvana Roth falleció a los 86 años tras haber sido sometida a una operación de cadera en una clínica porteña. Roth brilló en la década del '40 y llegó a actuar en alrededor de treinta películas. Hoy sus restos serán llevados al Panteón de Actores del cementerio de la Chacarita.

Silvana Rota, su nombre real, nació en Buenos Aires el 17 de febrero de 1924 inició su carrera en 1939 al ser elegida en un concurso organizado en un cine de barrio por periodistas. Debutó ese año en el filme La casa del recuerdo, de Luis Saslavsky, con Libertad Lamarque en el rol protagónico.

Luego participó en Fragata Sarmiento, de Carlos Borcosque, y compartió elenco con Mirtha Legrand en Los martes, orquídeas.

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Silvana Roth fue actriz y política

De ser una de las grandes estrellas del cine nacional pasó a la militancia en el PJ

Luego de una larga y fecunda trayectoria en la cinematografía nacional falleció anteanoche, a los 86 años, y tras una operación de cadera, Silvana Roth, una de las actrices más populares de la pantalla que ocupó un lugar de prestigio en más de cuarenta films entre las décadas del cuarenta al setenta. Había nacido en Génova el 17 de febrero de 1924 como Silvana Rota, aunque vivió su primera infancia en Buenos Aires. Atraída desde muy joven por las películas que presenciaba en las salas de su barrio, decidió inscribirse en un concurso que, en busca de nuevas figuras, organizó el periodista Chas de Cruz. Su rostro ingenuo y ya por entonces dueña de un especial carisma hicieron que fuese una de las ganadoras de esa elección y así, en 1940, participó en un pequeño papel, junto a Libertad Lamarque, en La casa del recuerdo, de Luis Saslavsky, al que siguió su participación, ese mismo año, en Fragata Sarmiento, de Carlos Borcosque. Fue el puntapié inicial para convertirse en una de las actrices más sólidas de la década del 40.

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Adiós a una actriz

Silvana Roth, actriz y ex diputada justicialista entre 1973 y 1976, murió ayer a los 86 años. La intérprete apareció en 26 películas en los años ’40 y ’50, trabajó en radioteatros y sobre las tablas, con la obra Jacobowsky y el coronel, junto a Narciso Ibáñez Menta en teatro El Nacional. Su última película fue El ayudante (Mario David, 1971); en 2001 recibió un Cóndor de Plata a la trayectoria, y en 2003 fue distinguida por la Asociación Argentina de Actores.

Fuente: Página/12

Anamarta de Pizarro: XII Festival Iberoamericano de Bogotá

Inclusión social a través del arte escénico

La nueva directora, Anamarta de Pizarro, explica cuáles son los objetivos y los actos concretos de este gran evento

BOGOTA.- Ese explosivo e imparable espíritu de Fanny Mikey permanece en todos los ámbitos del XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Y aquellos colaboradores que la acompañaron de cerca son los encargados de lograr que nada de aquello que logró aquella mujer amada por los colombianos no se quiebre ni desaparezca. En un alto porcentaje, lo han logrado. Aunque ahora el Teatro Nacional vaya por un lado y el Festival, por otro.

Una de las responsables de preservar lo más intacto posible el FITB es Anamarta de Pizarro, nueva directora de este gran evento internacional del que los colombianos tan justamente se enorgullecen.

"Este festival tiene algo muy especial: el homenaje a Fanny Mikey, quien inventó esto. Ella logró que en una ciudad y en un país donde no hay tradición teatral como en la Argentina, se puedan realizar once versiones de un festival y convertirlo en uno de los más importantes del mundo. Para eso se necesitaba el empuje suyo. Por eso se merece este homenaje. A su vez, mantenemos las características que lo hicieron importante: la calidad, el nivel artístico y la diversidad.

-Lo hizo intuitivamente, ¿no?

-Creo que así fue. Pero era lo que había que hacer en una ciudad como Bogotá. Ella se inventó esta mezcla maravillosa para que la ciudad entera se convierta en una fiesta, para que todo el mundo sintiera como suyo el festival y que lo convierta en el carnaval que no tiene. Es impresionante ver que, durante los 17 días, muchas personas que nunca han ido al teatro o no lo frecuentan, estén presentes durante toda la programación. Por ejemplo, el desfile inaugural congrega multitudes absurdas. Es impresionante. Queremos que sea una fiesta para todos y que el festival de calle sea incluyente y puedan participar distintos estamentos de la sociedad. Por ejemplo estamos trayendo un espectáculo de Holanda, de gran formato, que sólo lo podemos presentar en un circo. Decidimos llevarlo al parque del Tunal, una zona muy popular, de gente de muy bajos recursos. Y eso es una fiesta.

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Apostillas

Querida mamá o guiando la hiedra

Un cordón que nunca se corta

La relación entre una madre y una hija, según la dirección de Laura Yusem

Dentro de las complejas relaciones humanas, las más difíciles probablemente sean las que se establecen entre progenitores e hijos. En este caso, basado en los cuentos de Hebe Uhart, se trata del vínculo entre una hija y su madre, donde pareciera que existió una comunicación plagada de diálogos a medias, de conversaciones interrumpidas, con estridentes silencios acerca de los sentimientos y de los pensamientos reprimidos en su oportunidad.

Quizás ese sea el motivo por el cual la hija escribe cartas a su madre que ya no está, como una forma de encarar una conversación sobre temas pendientes más allá de la dimensión temporal, una manera de eliminar esos pequeños resentimientos que se acumulan imperceptiblemente y que terminan por estallar en un grito mudo que ahoga las lágrimas. Hay sordos reproches que en la escritura señalan la fragilidad de un espíritu carente de afectos que busca en el recurso epistolar un alivio a su alma.

Pero ella no estará sola en escena porque la madre se hará presente para hablar de cosas cotidianas que le importan a ella sola y parece no registrar la evocación que realiza su hija, casi como si estuvieran en dos planos temporales y en dos espacios físicos distintos. En algún punto parece como si fuera ésta la forma definitiva de armar una despedida que nunca tuvo lugar.

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En Patio de Actores, Lerma 568 (4772-0732), los sábados, a las 21.

Por tu padre

Por tu padre indaga una difícil relación filial

Luppi y Navarro no llegan a lograr un duelo actoral

La antesala de una capilla donde se va a celebrar una misa de cuerpo presente es el lugar propicio para meditar sobre la relación que mantuvo un joven con su padre fallecido. Así comienza esta obra del brasileño Dib Carneiro Neto. De esta evocación, lo que va a quedar expuesto es el resentimiento del protagonista por circunstancias de la vida propia y de terceros, entre los que se incluye a su madre y al socio del padre.

Allí en una espera beckettiana, el que es nominado como "hijo" recibe al socio del padre y remueve situaciones de la infancia, recuerdos del pasado que movilizan el rencor y odio por ese personaje que se insertó en la familia y que tendrá graves implicancias en su presente, gracias a una vuelta de tuerca, muy desconcertante, que propone el autor.

Este es, a grandes rasgos, el argumento, con un texto muy verborrágico, que adolece de frases sentenciosas y por momento parece remedar, por el contenido de los diálogos, a una sesión terapéutica.

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Ciencia con experiencia

El mundo de la ciencia, en escena

Paka Paka, el programa que emite la señal Encuentro, en su versión teatral

Los personajes surgen de la pantalla chica, de Paka Paka , la interesante programación para chicos del canal Encuentro que se está preparando para saltar a constituir una señal de aire propia. Dardo Win y Luz Violeta son los científicos que suben al escenario del coqueto Auditorio Hugo del Carril para emprender la lucha con Virus, Bacteria, Vinchuca y Mosquito, enemigos feroces que acechan por doquier.

Las amenazas microscópicas adquieren tamaño visible a través de las gigantescas lupas de los protagonistas y se corporizan en títeres que intentan atacar a todo ser humano a su alcance, incluso a los que se sientan en las butacas del público. Pero ahí están Win y Violeta para impedirlo, guiados por la consigna redentora de la prevención.

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Domingos, a las 15, en el Auditorio Hugo del Carril, Rawson 42. Entrada libre.

Los fabulosos Grimm, El ruiseñor y María Elena

Cuentos. Los recopiladores de las narraciones más populares protagonizan Los fabulosos Grimm junto a los personajes de sus cuentos, con dirección de Gustavo Monje y Giselle Pessacq. C. C. de la Cooperación, Corrientes 1543, sábados y domingos, a las 16.45. $ 25.

Canto encantador. Basada en un cuento de Andersen, El ruiseñor , dirigida por Eva Halac, narra la historia del ave que cautivó al emperador de la China, con bellos títeres con música de Schubert. La Nube, Jorge Newbery 3537, sábados y domingos, a las 18. $ 25.

Reestreno. Vuelve María Elena, lúdico homenaje de La Galera Encantada a la gran poetisa y trovadora, con dirección de Héctor Presa. En el Apolo, Corrientes 1372, sábados y domingos, a las 17. $ 50.

Fuente: La Nación

Cuentos mágicos

Imperdibles

Cuentos mágicos

Hoy, a las 16, se hará la función de despedida de Cuentos mágicos , espectáculo de magia y teatro llegado de Barcelona. Con la actuación de Ana Ter Akopov, la obra se presentará en Liberarte, Corrientes 1555, con entradas a 20 pesos.

Fuente: La Nación

Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá

Encuentro cercano

Con obras de jugada estética, unipersonales y teatro callejero, el Festival ya es un orgullo nacional de Colombia. La Argentina llevó "Baraka" y Brenda Angiel sorprendió con "Air Condition".

El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, que atraviesa aquí con muy buena salud el final de su edición número doce, ya ha encarnado en la larga lista de orgullos nacionales que incluye, entre tantas cosas, el café Juan Valdez, la reconocida amabilidad colombiana hacia los extranjeros, el perfume de la palta, la prosa de Gabriel García Márquez y los cinco goles en el Monumental que todos los taxistas se empecinan en recordar.

En este primer encuentro sin la conducción de la recordada argentina Fanny Mikey, que murió en agosto de 2008, se agotan las localidades en lo que se denomina teatro de sala -donde conviven propuestas de diversos grados de riesgo artístico, a un promedio de cuarenta dólares la platea- y al mismo tiempo la Ciudad Teatro tiene una concurrencia masiva y generosa a la hora de participar con clowns locales que desfilan vestidos de uniforme militar, encuentros de improvisación vertiginosos, rastros de un hombre ensangrentado de la compañía polaca Biuro Podrozi Macbeth y los acróbatas del circo Gran Fele, de España, que hacen estiramiento desde temprano porque tienen función a las diez y media de la mañana.

Refrendando laureles, en uno de los puntos más altos del festival, desde Suiza pudo verse Por qué, Por qué, obra protagonizada por Miriam Goldschmidt, con dirección de Peter Brook. Junto a la actriz, en escena, está el músico italiano Francesco Agnello que responde con la levedad de un instrumento de percusión llamado hang a las profundidades de un texto intervenido por Peter Brook y Maríe-Helene Estienne.

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Fanny Mikey, la mentora argentina

Diego Topa

Topa, el conductor orquesta

Está al frente de Playhouse Disney, y tiene dos espectáculos teatrales A los 34 años, habla de sus orígenes humildes en Caseros. Y se refiere al amor que siente por su oficio de actor infantil.

El anfiteatro es enorme y el promedio de público es de dos mil personas. Las butacas están bárbaras para sentarse, per cuando empieza el show, invito a todos a estar de pie, bien cerca del escenario. Hasta hay un momento en el que bajo a bailar con los chicos y con los papás", cuenta Diego Topa, quien a sus 34 años lleva ya una larga trayectoria en el rubro infantil. Actualmente se presenta los fines de semana en el Parque de la Costa. Y también ofrece, a partir de hoy, a las 18, un espectáculo en el Auditorio de San Isidro.

Por otra parte, Topa es (junto a su coequiper, la simpática y entusiasta Muni), el conductor de la señal Playhouse Disney, desde hace 10 años.

Además de su show en el Parque de la Costa, en el que presenta sus dos discos (Topate con Topa y El show de Topa), y de su puesta en San Isidro, prepara el espectáculo que llevará a cabo durante las vacaciones de invierno, aunque todavía no definió dónde lo hará.

"Es un recital para chicos, en el que me acompañan las Topitas, Lucía y Nicole, y algunos personajes: el Topo Tito, la Elefanta Tita y el Sapo Pepe", cuenta acerca del show del Parque de la Costa. "Allí -explica- interpreto versiones de las canciones de antes. De Gaby, Fofó y Miliki, de María Elena Walsh, los Parchís, Julieta Magaña y otros autores conocidos por grandes y chicos. Mi motor es unir a las distintas generaciones a través de la música. Y creo que lo logro". Enseguida agrega: "Trato de rescatar los valores que para mí son importantes como decirle 'te quiero' a mamá y a papá, dar las gracias o pedir 'por favor'".

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Circo Fokus Bokus, Ñok, Los fabulosos Grimm, Malas palabras, El Ruiseñor, Playa Bonita y "¡Qué julepe!, una de ratones"

Recomendados

Circo Fokus Bokus

sabado y domingo 16,30 Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543 5077-8000 $25

El espectáculo, con el que Grupo Kukla continúa celebrando sus 20 años de trayectoria. Un show en el que se suceden los números de dos bailarinas contorsionistas, un malabarista chino y mucho más.

Ñok

sabado y domingo 16 Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543, $25

Ñok y su papá, dos Neanderthales tan hoscos como queribles, emprenden la marcha hacia el lugar donde abunda la comida de la que tanto habla el papá de Ñok.

Los fabulosos Grimm

sabado y domingo 16,45 Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543, 5077-8077, $25

Gustavo Monje y Giselle Pessacq se embarcan en una nueva propuesta que toma como fuente de inspiración cuatro cuentos de los Hermanos Grimm. En esta oportunidad convocaron a cuatro directores para crear dentro de la magia del teatro, una película de cine mudo, un radioteatro, un vodevil y famosos personajes de la época.

Malas palabras

este domingo a las 15 y a las 17,30 Teatro La Galera, Humboldt 1591, 4771-9295, $25

Esta nueva obra de la compañía cuenta cómo se enteró Flor a los 10 años que había sido adoptada. Y rescata el amor de una familia que puede lograr que los lazos del corazón sean tan importantes como los de sangre. Para chicos desde seis años.

El Ruiseñor

sabado y domingo 18 La Nube, Jorge Newbery 3537, 4552-4080

Versión para teatro de títeres de Eva Halac. Narra la historia de un pajarito cantor y el Emperador de la China. Un teatrino de muñecos y antiguos decorados, imágenes de fantasía de postales victorianas. Con melodías de Schubert y música china. Además se podrá ver una exposición sobre Hans Christian Andersen.

Playa Bonita

sabado 15 y 17 domingo 17 La Comedia, Rodríguez Peña 1062, 4815-5665, $60

Vuelve la exitosa producción de Hugo Midón, autor y director de títulos como Vivitos y Coleando, La Trup Sin Fin, Derechos Torcidos y Huesito Caracú, entre otros. Un lugar encantador donde sucede de todo: lo desopilante, lo extraordinario, lo raro, lo imprevisto, lo mágico. Entre buzos, bañistas, mozas y castillos de arena, se tejen insólitas situaciones típicas de una playa.

¡Qué julepe!, una de ratones

sabados de abril 16,30 La Nube, Jorge Newbery 3537, 4552-4080, $20

Espectáculo de Títeres por el Grupo El Yeite. Dirección y Titiritera: Mariel Lewitan. Música original: Sebastián Díaz. Escenografía: Javier Cancino y Romina Campitelli. Dramaturgia: Mariel Lewitan, Mario Marino.

Fuente: Clarín

Sofía Gala

Sofía Gala: "Soy cero femenina"

Tiene 23 años, una lengua afilada y un largo recorrido en los medios. Dice que el apellido le "jugó muy en contra". Retrato de una niña grande.

No la desviven las notas, pero cuando las da, se da. No se guarda nada. Como no se guardó esta vez, cuando se abrió en cuerpo y alma, y no sólo metafóricamente: pasó de mostrar los moretones de sus largas piernas a cuento de "lo torpe que soy, me choco con casi todo", a confesar que "ser mamá me dio la capacidad de darme cuenta de hasta dónde puede llegar el amor". Una charla con ella es una interesante travesía por aguas tan movedizas como claras. No hay intriga en su discurso. Contesta franca, como cuando dice que "a mí el apellido siempre me jugó muy en contra". Curiosa frase en boca de la chica conocida como Sofía Gala. A secas.

Ni el Castiglione real de su padre, ni el Casán elegido de su madre le resultaron livianos a la hora de pisar un escenario: "No me pesa ser hija de ellos, al contrario, los amo. Pero al principio sentí muy fuerte la mirada del otro, como si tuviera que dar examen. Había gente que estaba esperando 'a ver qué hace la hija de Moria'. Y algunos hablaron de acomodo. Y te juro que siempre me rompí el culo laburando, tratando de dar lo mejor de mí. Siempre la peleé desde mí".

A metros de ella juega Helena, su hija de un año, hermosa criatura que se obsesionó con subir y bajar la escalera alfombrada del Teatro Regina, dando cuenta de los genes de familia. "Es divina mi chinita... ¿no es igual a Bruce Lee? Va y viene, para sólo cuando duerme. Le gusta potrear", define la madre, antes del ensayo de El anatomista, la obra que se estrenará el miércoles, dirigida por José María Muscari.

¿Vos eras varonera?

Era y soy. Soy cero femenina, casi un macho... cabrío. Encima soy una letrina, digo muchas malas palabras y me importa poco la coquetería. ¿Sabés lo que me pasó una vez en el colegio? Me mandaron a casa porque tenía los pantalones de gimnasia rotos en las rodillas y no me habían puesto los pitucones. De ese día tengo una foto con mis compañeros y yo soy la que está adelante, con las manitos acá, tapándose las rodillas.

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Fanny Mickey

Bogotá es una invención argentina

La ciudad no tenía historia teatrera hasta que llegó desde Buenos Aires la actriz Fanny Mickey, fundadora del encuentro que la sobrevive. Daniel Álvarez Mikey, hijo de la legendaria artista, continúa la tradición de su madre y filmó una película sobre ella.

La Casa del Teatro Nacional de Bogotá es un hervidero. Desde el 19 de marzo y hasta el domingo en que finaliza el XII Festival Iberoamericano de Teatro, uno de los más importantes del mundo, entran y salen actores de diferentes colores y se escuchan conversaciones sin subtítulos. En todas las paredes de esta sala y de todas las salas de la capital colombiana, por las calles, en los cafés y en el aire hay un rojo fuego inextinguible, el rojo Fanny, el de su cabellera ardiente multiplicada en el logo del Festival, su creación en 1988 que, por primera vez, se cumple sin su presencia. Fallecida en 2008, Fanny Mikey, la argentina que revolucionó a los colombianos con el desenfado de las medias red y que soñó con hacer explotar de teatro a una ciudad sin esa tradición, tuvo cuatro maridos y un único hijo, que por estos días enloquece de llamados telefónicos, pedidos, agendas y esa alegría, la que forma parte de cualquier locura, de hacer lo que quiere.

Daniel Álvarez Mikey es uno de los dueños de la productora Areavisual, junto a Gustavo Gordillo y Darío Silva, a quienes conoció estudiando cine en Vancouver, Canadá. Tiene a su cargo, además, el canal del Festival y es uno de los asesores en esta gran fiesta bienal. No estaba obligado, pero algo aprendió criándose entre escenarios y giras, testigo de planes y discusiones de pioneros al lado de una madre, digamos, inusual. Adoptado por Fanny y Enrique Álvarez, que murió hace diez años, Daniel tiene 33 y es el responsable del documental Fanny por siempre presentado en estos días de homenaje sin tregua, obvio para los colombianos y un tanto excesivo para los forasteros, envidiosos de no pertenecer a ninguno de esos círculos que declaran haberla conocido.

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Stella Galazzi: Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia

“Es un texto poético y filosófico”

En Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia, que se estrena mañana en el Teatro San Martín, el autor francés imaginó a cinco mujeres que giran alrededor de una ausencia. “Piensan y hablan, sin dejar de hacer”, dice Galazzi.

Ese hermano que recordaban perplejo ante una situación injusta apareció un atardecer en la casa familiar. Luego de la ausencia de años que sobrevino a la furia del padre que lo echó, regresaba maltrecho y silencioso. Así se desplomó en el vano de la puerta. El padre –con quien tantas veces discutió fiero– había muerto, pero quedaban las mujeres: madre, abuela y tres hermanas. ¿Qué siguió al dolor de la partida? ¿Qué sostuvo a las mujeres en la espera? ¿Qué delito cometió el hermano tan violentamente echado por el padre? ¿Ellas lo defendieron? ¿Las cacheteó el padre? En Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia, obra del francés Jean-Luc Lagarce, que se estrena mañana sábado en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, los interrogantes no tendrán respuesta. La directora Stella Galazzi –también actriz, pero no en esta obra– señala el ocultamiento como una actitud normal en el seno de toda familia, así como el armado de cada integrante de un rompecabezas personal sobre el pasado. “Tomo básicamente aquello que en la obra se relaciona con la necesidad de crear algo que justifique la propia existencia. La espera de estas mujeres es una creación, como lo es la proyección que hacen sobre un futuro posible que incluya al hermano. Ellas lo quieren en la casa”, puntualiza.

–¿Por qué en todo grupo de mujeres aparece algún elemento siniestro?

–En esta situación, lo siniestro es el hecho de que el hermano regrese, no hable y se desplome. Pero si lo siniestro aparece entre mujeres es también porque ellas no lo niegan, lo reconocen, y hablan, discuten o pelean. Es raro hallar ese comportamiento en el varón. Aquí, el hermano, por ejemplo, cae sin decir palabra, y el padre, después de aquella pelea, decide apartarse de las mujeres y guardar silencio hasta su muerte. En general, el varón no sabe qué hacer con su dolor; la mujer, en cambio, parece hallar en el dolor una manera de motorizar una continuidad, aunque sea un poco dañina, y de ninguna manera la mejor, pero intenta ir hacia adelante.

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Una trayectoria que empezó en La cocina

Stella Galazzi y Graciela Araujo: Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia

Mujeres fuertes que deciden esperar

Hoy sube a escena Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia, de Lagarce, con dirección de Stella Galazzi

"Esperaba la lluvia; esperaba que cayera; esperaba como, de alguna forma, siempre esperé; esperaba y lo vi; esperaba y entonces lo vi; ese, el joven hermano, tomando la curva del camino y subiendo hacia la casa, esperaba sin esperar nada preciso y lo vi volver; esperaba como espero siempre, desde hace tantos años, sin esperar nada, y es en ese momento exacto, cuando se viene la noche, es en ese momento exacto cuando apareció, y cuando lo vi."

La más vieja, la madre, la mayor, la segunda y la más joven aguardan al joven hermano. Cinco mujeres deciden detener sus vidas durante años, y las dejan pendientes de la llegada de ese hombre que un día se fue y que se las llevó con él, aun sin saberlo.

En su llegada está puesta, entonces, la recuperación de esas vidas, el volver a vivir, aunque sea a través de sus relatos, eso que no pudieron o no quisieron. Y el hermano regresa, así, sin más, un día, pero -paradójicamente- la espera no termina.

Un universo de extrema melancolía en el que pareciera no haber redención posible se presenta en la obra del dramaturgo francés Jean-Luc Lagarce Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia que hoy, a las 20, sube a escena en la sala Casacuberta del Teatro San Martín. Este es un mundo de mujeres en el que decidió meterse Stella Galazzi ?en su debut como directora? e invitó para que la sigan a Graciela Araujo, Marta Lubos, Valentina Bassi, Paula Ituriza y Paloma Contreras. Entre todas reconstruyen, paso a paso, esos momentos plagados de silencio, reproches, secretos y esperanza mezquina.

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Asesinas anónimas y Encuentro en el parque peligroso

La escena venezolana, en un ciclo de La Ranchería

Se estrenan dos obras de Rodolfo Santana

En el marco de un ciclo de teatro y cine documental venezolano centrado en temáticas sociales de la región latinoamericana, este fin de semana se estrenarán dos obras del dramaturgo Rodolfo Santana. Hoy, será el turno de Asesinas anónimas, obra en la que cinco mujeres movidas por cierta necesidad de venganza cuentan sus historias de vida. El espectáculo tiene dirección de Jesús Gómez (con la codirección de Roberto Giovanetti) y las actuaciones de Julia Amore, María Elena Mobi, Emma Rivera, Paula Acuña, Valeria Leiva, Giovanny García, Félix Tornquist, Andrés Greaven y Angel Piccarreta.

Mañana será el estreno de Encuentro en el parque peligroso, en la que una tal Ana y un tal Pedro contraponen los sueños de la infancia con una actualidad en la que la sociedad actual los trata como mercancía. Con la actuación de Gabriela Murúa y Mauricio Minetti, dirigidos por Daniel Di Cocco. Ambas obras sirven para presentar en Buenos Aires la dramaturgia de este autor nacido en Guarenas que, en 1970, obtuvo el Premio Nacional de Teatro en su país de origen y que ha desarrollado una extensa carrera como guionista.

Ambos espectáculos, en los que el humor se cruza con textos de denuncia social, se presentarán los viernes y sábados, a las 21, en La Ranchería, México 1152, con entradas desde 20 pesos. El ciclo, que se extenderá hasta junio, cuenta con el auspicio de la embajada de Venezuela.

Fuente: La Nación

Mi propia playa, Postal de vuelo, Historias centenarias del jardín, y Proyecciones Krause, una deconstrucción familiar

Recuerdos de un noviazgo

Hoy se reestrena Mi propia playa, de Agostina López, con Denise Groesman, sobre una chica que se va transformando al recordar un viaje con su novio. Viernes, a las 23, en Elefante, Soler 3904 (15-66883776).

Un póquer oscuro

Los viernes y sábados, a las 21.30, sube a escena Postal de vuelo, obra de Víctor Winer, dirigida por Rubén Santagada, con Alejandra Brol, Alejandro Rivarola, Santiago Ojea y Jorge Capussotti. Es un mundo de oscuridades donde las palabras y situaciones se iluminan con preguntas. Viernes y sábados, a las 21.30, en el Teatro de la Fábula, Agüero 444 (4862-6439). $ 30.

Gratis, en el Botánico

Ahora, las Historias centenarias del jardín se presentan los sábados, a las 17, en el Jardín Botánico, Santa Fe 3951. Son escenas escritas por Ileana Ledesma, dirigidas por Ana Padilla, con Rodrigo Peiretti, Sergio Vigo, Cecilia Lohrmann, Carolina Barrera, Iván Bortolín y Ana Padilla. Para recorrer el parque, con historias dramatizadas.

Estreno teatral

Hoy se estrena Proyecciones Krause, una deconstrucción familiar, de Nahuel Cano. En un intento por salvar a su madre de la soledad, cuatro hermanos se reúnen en la casa familiar. Con Haydée Aristizábal, Celina Font, Carola Picasso, Felisa Soffiantini y Gastón Tajes, dirigidos por Cano. Viernes, a las 22.45, en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 (4862-0655). De 25 a 35 pesos.

Fuente: La Nación

Niní

Niní, de la televisión al Gran Rex

Gran Rex, Corrientes 857. Hoy, a las 15.30; mañana, a las 15.30 y a las 18.30; el domingo, a las 15.30, y se agregaron nuevas funciones para el sábado 17 y el domingo 18.

El show teatral Niní, la búsqueda, agregó funciones y sigue con éxito, en el Gran Rex, con un elenco encabezado por Florencia Bertotti y Federico Amador, acompañados por Paula Morales, Vanesa Butera (ex protagonista de Hairspray ), Sebastián Mogordoy, un grupo de bailarines y todos los chicos de la tira. Este gran espectáculo musical, que despliega todas las canciones ya conocidas por los seguidores del programa, tiene puesta en escena y dirección de la creativa Valeria Ambrosio ( Pimpinela: la familia, Mina... che cosa sei?, Rent, Ella ).

Fuente: La Nación

La Bella y la Bestia

Gran musical de Disney

Teatro Citi (ex Opera), Corrientes 860. Viernes, a las 20.30; sábados, a las 17 y a las 21, y domingos, a las 14.30 y a las 18.30. Desde 75 pesos.

La Bella y la Bestia volvió a Buenos Aires con el brillo de siempre y con un elenco impecable. Martín Ruiz y Magalí Sánchez Alleno, fantásticos protagonistas, junto a Federico Moore, Carlos Silveyra, Ricardo Bangueses, Marisol Otero y Roger González, entre otros..

Fuente: La Nación

Luciano Cáceres

Perfiles de villanos

Contame cómo es tu personaje en la película "La mosca en la ceniza".

Es un tipo que se dedica a la trata de blancas, pero con un perfil muy ambiguo porque hay cierto encanto en él a pesar de eso. Además él también está preso de esa engranaje opresivo del que es casi imposible salir una vez que entraste. Me interesó trabajar en la película de la directora Gabriela David, porque tiene un enfoque del tema que no cae en la obviedad. Y además de la denuncia, muestra una historia de amistad entre dos de las chicas que le da un poco de aire al tema. Es una película realizada con mucho esfuerzo y valor que merecería tener más posibilidades de difusión.

Además estás componiendo a otro villano.

Si, en la miniserie Sin tetas no hay paraíso, la versión para Italia. Ahí soy Centoni, la mano derecha del protagonista. A diferencia del otro villano, éste es un trastornado, un sacado cuya única debilidad es su padre enfermo.

¿Algún personaje más tranquilo?

Sí, la semana que viene, me verán en Ciega a citas como un nuevo pretendiente de Lucía.

Fuente: Clarín

Stella Galazzi: Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia

Cinco mujeres, una familia y un regreso

"Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia". Es la obra de Jean Luc Lagarce que Stella Galazzi pone en escena.

Luego de la semana de montajes y lecturas dramatizadas dedicada a difundir en distintos teatros los textos de Jean Luc Lagarce en 2007, una movida que involucró a Marilú Marini, Alfredo Arias, Enrique Pinti y Alejandro Tantanian, entre muchos otros; el teatro San Martín estrena hoy en la Casacuberta Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia.

Esta propuesta cuenta con la dirección de Stella Galazzi, sin duda una de las actrices cuyo trabajo ingresa cómodamente entre lo mejor en el plano interpretativo de la escena porteña+. La traducción del texto fue especialmente concebida por Laurent Berger, un francés que conoce desde la práctica escénica la estrategia dramática de Lagarce, ya que dirigió un elenco de actores argentinos en Ultimos remordimientos antes del olvido.

"El proyecto creció de una manera inesperada porque Kive Staiff nos ofreció la sala Casacuberta, ya que es la primera vez que se monta este autor en el teatro oficial y porque las actrices del elenco merecían llegar a esa sala. Disfruto dirigir. En Zárate, donde comencé con el teatro, dirigí 13 obras. La diferencia es que cuando integro un proyecto como actriz trabajo de una manera menos racional y organizado. Cuando dirijo, en cambio, tengo una mirada mucho más obsesiva en lo que quiero de la escena. Es un vínculo más intelectual", explica Galazzi.

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Inda Ledesma

Homenaje a la mujer que supo volar

Un nutrido grupo de teatristas cumplió con lo que se había prometido el 26 de enero, día en que murió la actriz: reunirse para recordar la trayectoria de una profesional que brilló sobre tablas, peleó por los suyos y debió soportar censuras.

Mujer brava e inteligente, la actriz y directora Inda Ledesma fue celebrada en un acto realizado en la Asociación Argentina de Actores al que asistieron personalidades del teatro deseosas de dar testimonio sobre esta intérprete, fallecida el pasado 26 de enero. Susana Di Gerónimo, actriz a cargo de Cultura de la institución, destacó su compromiso y excelencia: “Ella sabía que su militancia estaba en la vida pero también en el arte”, dijo, destacando su carácter “profundamente popular al llevar conflictos del pueblo a los escenarios, manteniendo los pies en la tierra y volando como artista”. Propuso no caer en la desmemoria y cedió la palabra a Hugo Urquijo. “Estábamos despidiéndola en el cementerio cuando decidimos este encuentro en coincidencia con la fecha en que cumpliría 84 años”, apuntó el director, que sumó legados de Inda: “Uno fundamental fue su inconformismo, en el sentido de búsqueda permanente. Ella contaba que su maestro Antonio Cunill Cabanellas había formado actores de traje para los hombres y de soirée para las mujeres, el teatro que predominaba en los ’50, pero que ese conocimiento, necesario, no significaba cerrar el camino a las audacias del oficio”. Urquijo memoró trabajos que lo impactaron, como el desempeño de la actriz en Mi querido mentiroso, junto a Ernesto Bianco; su visión del método Stanislavski y lo relacionado con la memoria sensorial: “En Vestir al desnudo, de Luigi Pirandello, se colocaba bolsas de agua caliente entre la ropa para que su personaje se comportara como lo había querido el autor. El personaje debía ser una mujer que está en carne viva. En escena –ya sin las bolsas– trabajaba con la memoria sensorial”.

Medea impactó a quienes tuvieron el privilegio de verla, también su dirección de Israfel, de Abelardo Castillo, estrenada en 1966, en el Teatro Argentino (destruido por un incendio intencional), con Alfredo Alcón en el papel de Edgar Allan Poe y Milagros de la Vega en el de Muddie; y su composición de Amanda Wingfield en El zoo de cristal, de Tennessee Williams, donde actuó Ingrid Pelicori, presente en este encuentro. Urquijo pidió proyectar escenas de esta obra, que dirigió, y fotografías incluidas en el cuadernillo que acompaña al CD con poemas de Jorge Luis Borges, que editó el Complejo Cultural San Martín.

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La Bella y la Bestia

La Bella y la Bestia: la misma magia, con caras nuevas

Después de doce años, el musical de Disney volvió al teatro Opera con un elenco casi renovado; las protagonistas de las dos versiones hablaron del espectáculo que despierta aplausos en todo el mundo desde 1994; mirá el video

Una producción importada directamente desde la meca del musical llega a un remodelado teatro Opera para narrar un cuento de hadas que incluye fantasía, romanticismo y humor. La nueva versión argentina de La Bella y la Bestia parece seguir paso a paso a su antecesora, la de 1998. Y, a pesar de los doce años de distancia, el resultado es invariable: La Bella y la Bestia cautiva al público en Buenos Aires.

El 26 de noviembre de 1998, y tras largos meses de preparación, Marisol Otero y Juan Rodó, como Bella y Bestia, inauguraron un teatro Opera que había sido refaccionado. El empresario Daniel Grinbank, en asociación con el grupo CIE, había comprado la sala el año anterior para dejar al Opera acondicionado para ser sede de las producciones que llegarían de Broadway.

El viernes último, La Bella y la Bestia, esta vez protagonizada por Magalí Sánchez Alleno y a Martín Ruíz, estrenó el nombre "Citi" para el tradicional teatro de la avenida Corrientes, que fue nuevamente remodelado.

El espectáculo llegó con la misma estructura que Disney dispuso para que recorra el mundo, y con un elenco casi renovado de aquel de hace doce años: sólo dos caras serán conocidas para aquellos espectadores que quieran volver a disfrutar del musical. Marisol Otero forma parte nuevamente del elenco, aunque ya no encarna a la joven Bella, sino a la Señora Potts, la cocinera que tras un hechizo toma la forma de una tetera. La otra cara conocida, aunque difícil de distinguir debajo de una caracterización como un viejo inventor, es la de Rodolfo Valss quien, doce años más tarde, sigue siendo Maurice, el padre de la protagonista.

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Julie Taymor

Leones, jaguares y Beatles

Julie Taymor, creadora del musical El rey león y de las películas Frida y Across the Universe, anunció sus planes en América latina

BOGOTA. Quien haya tenido la dicha de presenciar la versión teatral de El rey león seguramente se habrá preguntado: "¿Cómo se le ocurrió esto a alguien?". Quien tuvo esa fantástica visión de trasladar una película animada sobre animales a un escenario, con intérpretes envueltos en máscaras y marionetas, fue la directora Julie Taymor, cuyo nombre saltó a la fama inmediatamente. A los dos años hizo su primer film para la pantalla grande, Titus; en 2002, su película Frida tuvo seis nominaciones al Oscar; y en 2007, sorprendió a todos con Across the Universe, un film musicalcon una espectacular visión existencialista de las canciones de los Beatles. Todos esos trabajos han dejado una huella muy fuerte por la combinación de valores artísticos que Taymor ha conseguido. Pero mucho antes de todos ellos concibió una obra de teatro musical, junto a su compañero de la vida y de trabajo Elliot Goldenthal: nada menos que Juan Darién: Misa de carnaval, basada en uno de los mejores cuentos de Horacio Quiroga. "Juan Darién es un trabajo que concebimos en 1988, pero lo estrenamos en Broadway en 1996. Aunque se crea lo contrario, esa obra me ayudó a inspirarme para El rey león."

Ambos pasaron unos días por la capital colombiana para presentar un acuerdo entre el Music Theater Group y Salón Volcán, junto con el XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, para reponer y estrenar una nueva versión de Juan Darién en Colombia en 2011, seguido por una gira por las principales ciudades de América latina y los Estados Unidos. Aunque en un principio el montaje se hará en Colombia, también es casi seguro que pasará por Buenos Aires y México, entre otras ciudades.

Basada en un cuento del uruguayo Horacio Quiroga, la obra combina la poesía litúrgica de la Misa de Réquiem para contar la historia de Juan, un pequeño tigre de la selva (jaguar) que se hace hombre gracias al amor de una madre que ha perdido a su hijo y que, años más tarde, al morir ella, es obligado a recuperar su forma animal, como resultado del odio, el miedo y la intolerancia de los hombres. En su montaje, Taymor utiliza las más variadas técnicas escénicas, desde máscaras hasta bunraku y teatro de sombras, para contar esta fábula que transcurre en un pequeño pueblo perdido de la selva. "Siempre fue nuestro sueño traerla a América latina, porque, claramente, la inspiración proviene de la historia original uruguaya. Nuestro montaje está inspirado en varios países latinoamericanos y en sus artistas. Los espectadores de América latina se sienten conmovidos y sorprendidos. Además, no es para un solo tipo de público y no es en inglés. No tiene ningún lenguaje.

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Estrenos

Una Semana Santa bien teatral. Diez obras llegan estos días a la cartelera porteña, entre ellas una comedia de éxito veraniego, Valientes

Estaba en mi casa y esperaba que llegara la lluvia

El sábado, a las 20, sube a escena la obra de Jean-Luc Lagarce con dirección de Stella Galazzi y un elenco formado por Graciela Araujo, Marta Lubos, Valentina Bassi, Paula Ituriza y Paloma Contreras. En el Teatro San Martín, Corrientes 1530, de miércoles a domingos, a las 20. $ 45; miércoles, $ 25.

Valientes

La obra protagonizada por Mariano Martínez, Gonzalo Heredia, Luciano Castro y Alejandro Müller (foto) llega a Buenos Aires por tres únicas funciones: hoy, mañana y pasado mañana, a las 21. En el Coliseo, Marcelo T. de Alvear 1125.

Asesinas anónimas

La obra del dramaturgo venezolano Rodolfo Santana habla de la mujer en un mundo machista, y va del drama y al humor. La Ranchería, México 1152, los viernes, a las 21. $ 30.

La heladera

La Tertulia, Gallo 826, recibe esta obra escrita y dirigida por Martín Piñol. Los sábados, a las 21. $ 35.

New York

La obra de Daniel Dalmaroni estrena -con su propia dirección- en el Andamio 90, Paraná 660. Con Mariano Bicain, Jorge Brambati, Viviana Suraniti y Ana Luz Kallsten. Sábados, a las 21. $ 30.

Todos quieren lágrimas

Con la dirección de Maximiliano de la Puente, estrena esta pieza en la que actúan Valeria Carregal, Pablo Ciampagna y Sebastián Saslavsky. En sala Escalada, Remedios de Escalada de San Martín 332, los domingos, a las 20. $ 25.

La otra

La obra de Javier Daulte llega con dirección de Esteban Avila. En Fray Mocho, Perón 3644, los viernes, a las 21. $ 30.

Camaralenta

Lootro Teatro Ensamble sube a escena esta pieza de Eduardo Pavlovsky, con dirección de Sergio Fuda. En Abre Club de Arte, Elpidio González 2764, Villa del Parque, los sábados, a las 22.

Siento por ella

El amor, la posesión, el equívoco y la negación de una payasa frente a un amor desesperado en esta obra de Violenta Naón. En Belisario, Corrientes 1624, los domingos, a las 21.

Ningún lugar

Darío Szraka dirige esta obra de Rodrigo Tanoira en la que ambos actúan junto a Juan Pablo Sousa. En Templum, Ayacucho 318, los domingos, a las 20. $ 30.

Fuente: La Nación