Cuadros de mujer en 2x4

Continúan las funciones de la obra Cuadros de mujer en 2x4, de Marcia Rago, en el Teatro La Comedia. Se trata de una comedia teatral musical de tango con orquesta en vivo, que cuenta con dirección de la propia autora y de Gabriel Wolf.

La obra refleja los sentimientos cotidianos de dos mujeres inmersas en una sociedad en la que constantemente el sexo femenino debe demostrar que puede. Una lucha por pertenecer sin dejar de ser, en la que se mezclan el amor, la alegría, el odio, la desesperanza, las injusticias sociales, las dudas, la vergüenza, el fracaso, la tristeza, la amistad incondicional.

A partir de un trabajo de tesis de una alumna de la Facultad de Música de Villa María Córdoba, surgió la propuesta de escribir una obra de teatro cuyo eje central fuera la mujer vista con ojos de tango.

Actúan Inés Cejas y Laura Garaglia. La música en vivo está a cargo del Cuarteto Típico Porteño -Lucas Ferrara (guitarra), Paula Gluzman (Bandoneón), Pablo Mazzucchelli (Contrabajo) y Maximiliano Cortez (guitarrón)-.

Las funciones son los viernes, a las 23:30, en Teatro La Comedia, ubicado en Rodriguez Peña 1062. Localidades: $40. Reservas al 4815 5665. Venta telefónica por Ticketek al 5237 7200.

Alicia Zanca: La cocina

“Es un mundo coral, donde hay dos fuerzas que se oponen”

En la obra de Arnold Wesker que acaba de estrenar en el teatro Regio, la directora y actriz identifica dos grupos antagónicos: los empleados y el dueño de un restaurante. El tema es la presión que sufren las clases trabajadoras y la violencia que resulta de ella.

Nacido en Londres, hijo de un sastre de origen judío-ruso, y de madre judía-húngara, Arnold Wesker escribió La cocina en 1957, cuando tenía 25 años y trabajaba en un gran hotel. Algo más de 30 años después de que Jorge Hacker hiciera la primera puesta de esta obra, Alicia Zanca estrenó su versión en el teatro Regio (Córdoba 6056), sala perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires. La pieza realiza un paneo crítico sobre las relaciones sociales haciendo foco en la cocina de un restaurante, donde trabajan personas de diferentes nacionalidades en condiciones poco humanitarias. La acción comienza a las 7 de la mañana cuando los empleados llegan a su puesto de trabajo y entre cocineros, camareras y ayudantes se va generando un entramado de amores cruzados, celos y chismes. La temperatura emocional de la cocina va elevándose a medida que surgen los roces del personal con el dueño del establecimiento. El cansancio físico y los entredichos que circulan entre los empleados van creando las condiciones para que se produzca lo inevitable. La situación de violencia que finalmente involucra a todos es generada por el único personaje que no puede amoldarse a un espacio como ése, donde la hipocresía y la maledicencia son prácticas habituales.

Uno de los rasgos más personales del texto de Wesker es el movimiento coral que pide el autor para dar cuenta del trabajo extenuante que día a día se cumple en esa cocina. Zanca convocó a Graciela Galán para generar el espacio escénico y a Carlos Casella y Gabriela Barberio para crear una coreografía alusiva a las idas y venidas de camareras y asistentes. El diseño acrobático pertenece a Hernán Peña, la música a Martín Bianchedi y la iluminación a Gonzalo Córdova. Por otra parte, para volver creíble el movimiento de los cocineros entre ollas y sartenes, parte del elenco asistió a las clases de una escuela de cocina (ver recuadro).

La directora considera que la vigencia de la obra radica en ciertos subrayados del autor que pueden aplicarse al conjunto de la sociedad: lo que importa en esa cocina es la cantidad por sobre la calidad de los alimentos preparados y la explotación es el modelo de relación que entabla el empleador para obtener “lo mejor” del empleado. El elenco cuenta con 19 actores, presentes en escena todo el tiempo, cada uno dueño de un rol que le pauta ciertas acciones corporales: están los pasteleros, los que hierven, los que fríen, los que se ocupan de cortar verduras o limpiar pescado. “Se trata de un mundo ‘coral’, donde hay dos fuerzas que se oponen”, resume la directora en la entrevista con Página/12. “Allí, cada historia muestra recortes de cotidianidad, pero son sólo pedacitos de vida, sin demasiada profundidad, porque parecen ser consumidos por esa cocina”, analiza Zanca.

–¿En qué radica la vigencia de esta obra de Wesker?

–Es un texto valioso, precisamente por su actualidad. Wesker habla de la presión que sufren las clases trabajadoras y por lo tanto se hace eco del enojo de los explotados hacia aquellos que ejercen su explotación. Su experiencia trabajando en una cocina le permite poner en imagen esta visión del mundo. Wesker cuenta aspectos de nuestro mundo actual donde importa más la cantidad que la calidad del producto.

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La ficha
Educación gastronómica
Un autor prolífico

Teatrísimo

Teatrísimo semimontado

“La hostería en que hospedan su vejez y su cansancio los peregrinos del arte”, decía Alberto Vacarezza refiriéndose a la Casa del Teatro, institución creada por iniciativa de Regina Pacini de Alvear. En beneficio de esta entidad que actualmente preside Roberto Dairiens –y cuya finalidad es “albergar y proteger a actores y actrices que en su vejez buscan un lugar digno para vivir”– se organizan periódicamente los ciclos de Teatrísimo con obras en semimontado. Así es que desde hoy hasta el 30 de noviembre se ofrecerán piezas de diferente temática y estilo los lunes a las 20.30, con la única excepción del próximo martes 15. Las funciones se realizarán en el Teatro Regina, ubicado en el mismo edificio de diez pisos donde se halla el sector destinado a la Casa. Hoy se verá Danza de verano, de Brian Friel, dirigida por Jorge Azurmendi, con un elenco integrado por Selva Alemán, Joaquín Furriel, Paola Krum, Leonor Manso, Marilú Marini, Florencia Peña, Arturo Puig y Osvaldo Santoro. La siguiente es Ella en mi cabeza, de Oscar Martínez, también director, con actuaciones de Darío Grandinetti, Juan Leyrado y Natalia Lobos (martes 15/9). La lista continúa con Relojero, de Armando Discépolo, en versión y adaptación de Jorge Schussheim y dirección de Lía Jelín (21/9); Julio Cesar, versión deJosé María Muscari (28/9); La gaviota, de Chéjov, con dirección de Alicia Zanca (5/10); Vestir al desnudo, de Luigi Pirandello, con puesta de Oscar Barney Finn (12/10); Locos de contento, de Jacobo Langsner, dirigida por Santiago Doria (19/10); Cita a ciegas, de Mario Diament, un montaje de Guillermo Cacace (26/10); El león de invierno, de James Goldman y puesta de Daniel Marcove; La mandrágora, de Maquiavelo, con dirección de Willy Landin (9/11); Terapia china (“gentileza de Les Luthiers”), con Marcos Mundstok (Les Luthiers) y China Zorrilla (16/11); y Broadway en Buenos Aires, montaje de Sergio Lombardo con María Concepción César, Juan Rodó, Elena Roger y elenco (23/11). En el cierre del 30/11 se concretarán dos homenajes, a Alejandra Boero e Inda Ledesma. Localidades en venta en Santa Fe 1235 (4811-7678, info@casadelteatro.org.ar).

Fuente: Página/12

Teatrísimo

Una década por la Casa del Teatro

Actores y directores eligen su obra ideal y el elenco perfecto para montarla en este ciclo a beneficio

Un clásico de las tablas porteñas comenzará hoy en el Regina (Santa Fe 1234), y se prolongará durante todos los lunes hasta noviembre: el ciclo Teatrísimo, que cumple diez años, propone valiosos y variados elencos, integrados por figuras de primer nivel, que serán conducidas por muchos de los grandes directores que ha dado la escena local.

De manera excepcional, se sumará también la fecha del martes 15 de este mes. Todas las funciones se realizarán a las 20.30, a beneficio de la Casa del Teatro, con bonos contribución desde 25 pesos.

"La venta de entradas comenzó hace un mes y es conmovedora la afluencia de público deseoso de asistir a esta nueva edición", comentó a LA NACION Luis Mazas, quien junto a Carlos Llorens ideó esta propuesta que lograron mantener viva hasta hoy. "Nadie cobra un centavo por participar, y es necesario destacar la generosidad de los actores y directores, quienes dejaron parte de su tiempo y ocupaciones para estar presentes", expresó con entusiasmo.

Desde hace una década, Teatrísimo presenta esta propuesta de teatro semimontado (que no es sinónimo de teatro leído), donde los elencos representan una pieza en proceso de puesta en escena, con elementos escenográficos, vestuario, marcaciones a los actores, iluminación y música, y lo hacen con el guión en la mano mientras transcurre la trama.

"Lo interesante es que el público puede ver la evolución y el armado de una obra", explicó Mazas, quien destacó, además, que en muchos casos las propuestas luego se mantuvieron en cartel en diversos teatros. "Es que Teatrísimo trae suerte", dijo.

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Reformas para un retiro digno

Auténtico

Lograda proclama en favor de la diversidad

Auténtico es un espectáculo que se sirve de lo bizarro, lo freak y el descarte para parodiar actitudes culturales y de género y desplegar, finalmente, discursos políticos vinculados al compromiso. Para ello, Muscari vuelve a aquella estética de la que proviene y con un espectáculo a la gorra, como forma de homenajear su propio origen.

Y este show (que contiene escenas de sexo explícito, al proyectar cine pornográfico), atravesado por una fuerte dosis de delirio, tiene otro objetivo: la incorrección. ¿Cómo interpretar si no la sucesión de fotos de famosos que son proyectadas como forma de poner sobre el tapete la sexualidad de cada uno?

Auténtico es la exhibición de lo que cada uno es o cree ser. Así, desde la escena se verá a una mujer embarazada con discurso feminista (Mariela Asensio), un hombre heterosexual (Héctor Bordoni) y tres homosexuales que trabajan la diversidad dentro de su propia orientación (Muscari, Rinaldi y Figueredo).

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Teatro de la Comedia, Rodríguez Peña 1062. Funciones: los lunes, a las 21, y los jueves, a las 22.30.

Baraka y Teatro por la identidad

Los Baraka se unieron a favor de la identidad

Jorge Marrale, Hugo Arana, Darío Grandinetti y Juan Leyrado vendieron souvenirs para recaudar fondos para Teatro por la identidad. Protagonistas de Baraka (Metropolitan 2), tras su función pusieron manos a la obra.

Fuente: Clarín

Primer Circuito Nacional de Festivales 2009 El País en el País

La escena en expansión

El País en el País Un circuito de festivales que comienza el miércoles 23 en Cipolletti, y termina en Ushuaia.

El Instituto Nacional de Teatro anunció el cronograma de festivales que se realizaran en distintas provincias desde el 23 de este mes hasta el 25 de octubre. Se trata del Primer Circuito Nacional de Festivales 2009 El País en el País, conformado por 46 espectáculos de diferentes regiones que girarán por sedes desde Salta a Tierra del Fuego.

"El circuito nacional de festivales tiene dos objetivos -explicó Raúl Brambilla, director del INT-. En primer lugar, que el teatro llegue al público y, el segundo, abrir un mercado, proporcionar trabajo a los elencos argentinos. Este proyecto congestiona con provincias, municipios, con la Universidad de Tandil, y con Organizaciones No Gubernamentales. Hay ocho provincias y 41 municipios que participan". Algunas obras que integran el catálogo son Acassuso, de Rafael Spregelburd; Tercer cuerpo, de Claudio Tolcachir; Rosaura a las diez, del grupo santafesino La comedia de hacer Arte; Karabali, de Los Amados; La niña invisible, de los neuquinos Atacados por el Arte y Desastres, del grupo cordobés Cirulaxia Teatro.

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Ciclo de Nueva Dramaturgia Europea y Queremos tanto a Niní

Dramaturgia europea

Hoy continúa el ciclo de Nueva Dramaturgia Europea, con la presentación del texto Toda mi vida he sido una mujer, de la autora francesa Leslie Kaplan. Se trata de un espectáculo en formato semimontado que tiene la dirección Vilma Rodríguez y la actuación de Andrea Jaet y Gabriela Ferrero. En Espacio Callejón (Humahuaca 3759), a las 20. Entrada $ 10.

Niní, según Padovani

Este jueves, a las 21, se presentará el espectáculo Queremos tanto a Niní, un recorrido teatral sobre la vida de la gran actriz argentina que transcurre en un clima intimista. Tiene un formato unipersonal y cuenta con la dramaturgia y la dirección de Padovani. Antes de la función se puede cenar. En la Biblioteca Café, Marcelo T. De Alvear 1155. El valor de la entrada con consumición, es de $ 48.

Fuente: Clarín

Elena Roger

Elena Roger

Estrella del arrabal Fue Mina, Evita y Piaf. Con Londres a sus pies, volvió para lucirse en un trabajo que resulta conmovedor.

Mi abuela, la nona, Amalia Castelani Corradi de Danesi, vivió siempre en casa y le tocó padecer una hemiplegia. Mi hermana mayor, como estudiaba italiano, tomó la posta y le escribía las cartas a la abuela. Así manteníamos el contacto con los familiares en Italia. Esa es una enseñanza de respeto a los orígenes que no me olvido.

No tengo auto, tengo mi departamentito. No es que me lo impongo pero soy una mina austera.

Fuimos con la idea de llegar al pueblo de la nona, Urbizalia. Allí conocimos la historia del papá de mi abuela, que tenía una calle con su nombre. Era un conde que al parecer se jugó hasta su titulo de nobleza.

Años después, durante el estreno de Mina... che cosa sei?, me di cuenta que los compañeros de la oficina de mi papá lo saludaban y le decían: "Y vos que te preocupabas tanto". Al parecer mi viejo decía siempre en su trabajo: "Qué problema: la menor quiere ser actriz". A mi nunca me transmitió ese miedo. Nunca lo supe y se lo agradezco mucho.

En algún momento dije: o me tomo en broma el estudio de administración de empresas o me tomo en serio lo de seguir con la actuación. Creo que elegí bien.

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Carlos Portaluppi: El desarrollo de la civilización venidera

Teatro por el viejo continente

¿Por qué ciudades piensan hacer "El desarrollo de la civilización venidera", la versión teatral de "Casa de muñecas"?

Nos vamos a Francia y a España. La obra de Henrik Ibsen, con versión de Daniel Veronese, tiene pautado un recorrido por puntos magníficos, como Barcelona, Mallorca, Cannes. El elenco está integrado por María Figueras, Ana Garibaldi, Mara Bestelli y Roly Serrano. Será en unos meses. Lo considero como un verdadero regalo que me hace la profesión.
C
¿Cómo van a manejar el tema del idioma en Francia?

Vamos a estar subtitulados. Va a ser curioso.

Un año inmejorable para vos luego del Martín Fierro a actor de reparto...

Si, después de Vidas robadas hubo un gran reconocimiento a un trabajo de años. Pero lo mejor fue el haber podido concientizar.

Fuente: Clarín

Teatro General San Martín

Se vienen los 50 años del Teatro San Martín

Macri debe buscar un perfil cultural más alto

Se fastidia fácilmente Mauricio Macri cuando se le echa en cara lo poco que va al teatro o que su presencia es más bien excepcional cuando la propia ciudad que él comanda ofrece un espectáculo de alta calidad. Debería comprender que poco importa lo que él haga o deje de hacer como persona privada. Pero que, en cambio, sí adquiere un inmenso carácter simbólico su actitud pública al respecto, sólo por ser jefe de gobierno de una ciudad que tiene entre sus bienes tangibles e intangibles más preciados abundantes muestras artísticas y culturales de primerísimo nivel.

Por eso fue grato verlo, hace pocas semanas, como un espectador más del primer programa de la temporada del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín.

Asistir implica comprometerse, involucrarse, percibir y compartir sensaciones con el resto del público, es recibir parte de la energía que los artistas brindan desde el escenario, es abrir la cabeza y el corazón a una experiencia distinta que nos sacude de la rutina cotidiana.

Es una pena que la mayoría de los políticos, y no sólo Macri, consideren superflua o innecesaria la costumbre frecuente de entregarse dócilmente a experiencias estéticas y sonoras refinadas. Se pierden, nada más y nada menos, la posibilidad de ser mejores y, consecuentemente, más inteligentes, abiertos y sensibles.

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Raíces

Marta Bianchi se luce en una puesta costumbrista

Escrita medio siglo atrás, los años han mellado el impacto socio-político que la trilogía de Wesker (Londres, 1932) - Sopa de pollo con cebada , esta Raíces y Hablo de Jerusalén - tuvo en su momento. El autor, hoy ennoblecido por la reina Isabel II, fue considerado el representante más notorio de lo que la crítica denominó kitchensink drama , esto es, "drama de la pileta de la cocina", en alusión a su problemática, referida a la baja clase media en la Gran Bretaña de la inmediata posguerra. De la misma generación de John Osborne, Harold Pinter, Edward Bond, Tom Stoppard, Sheilagh Delaney y otros, mientras muchos de ellos evolucionaron hacia formas de expresión más libres e imaginativas, Wesker fue obstinadamente fiel al realismo social, tal como lo entendía la izquierda de entonces.

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Ciclo Homenaje a Roberto Arlt

Nota del 6 de septiembre

Comienza un ciclo en honor a Roberto Arlt

Cuatro semimontados, desde mañana

Mañana, en la sala Carlos Somigliana, del Teatro del Pueblo, comenzará el Ciclo Homenaje a Roberto Arlt, con propuestas de teatro semimontado a cargo de un interesante grupo de directores y actores, provenientes del teatro independiente.

El Teatro Del Pueblo-SOMI (Fundación Carlos Somigliana) se propuso homenajear la rica y vasta obra de Arlt, íntimamente ligada a la historia del teatro independiente y de la figura de Leónidas Barletta su creador. Para eso se han seleccionado varios textos con el objetivo de acercar al público, en forma libre y gratuita, una amplia pincelada de la obra de este maravilloso autor argentino que está a la altura de los grandes clásicos universales. El ciclo continuará los lunes, hasta el 28 de septiembre, en el Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáenz Peña 943 (reservas: 4326-3606).

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Ricardo Behrens

Un argentino en Bogotá. Ricardo Behrens es uno de los referentes locales del teatro de improvisación y, desde hace algún tiempo, ha cobrado notoriedad internacional (incluso trabajó en el Cirque du Soleil). Unos meses atrás viajó a Nueva York para ver la versión de 39 escalones , que se representa en el teatro Helen Hayes. El motivo fue haber sido contratado para dirigir esa obra en el Teatro Nacional la Castellana, de Bogotá y, luego de algunos meses de ensayo, se acaba de estrenar. Es una ingeniosa versión de la que esta sección se ha ocupado varias veces, basada en la película de Alfred Hitchcock. No es el primer montaje que Behrens hace en la capital colombiana. Recientemente dirigió con gran éxito El atolondrado , de Molière..

Fuente: La Nación

Anita Pauls y Naiara Awada

Padres e hijos actores

Heredaron la vocación y el oficio familiar, y hoy, dan sus primeros pasos en la actuación.

Es un fenómeno que trasciende fronteras y épocas. Como en muchas otras profesiones, en la actuación a veces sucede que los hijos siguen el camino de sus padres. Entre los nuevos actores siempre se puede ver nacer el amor por las cámaras o las tablas entre aquellos que pasaron su infancia corriendo por un set de filmación, jugando en un estudio de televisión o mirando desde bambalinas a papá o mamá mientras actuaba.

En el medio local, la lista es larga. Anita Pauls tiene 22 años y viene de familia de artistas. Es hija de Mirtha Busnelli y hermana de Gastón y Nicolás Pauls. Su recorrido la llevó primero a la TV. Los memoriosos la recordarán actuando en Vidas robadas, Mujeres asesinas o Socias. Pero ahora volvió al teatro: el jueves debutó en el papel central de la obra Rosa mística en el Centro Cultural Konex. "Todavía no caigo, todos me felicitaban, mamá estaba babosa. Suele ser crítica, pero esta vez no sé si va a poder", cuenta eufórica.

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María Fernanda Callejón: La mejor carta

En el camino

María Fernanda Callejón dice que se preparó para la actuación, que la vedette fue accidental. Y quiere demostrarlo.

No deja pasar una, María Fernanda Callejón, ante la improvisada tribuna masculina que se arma a su alrededor durante la sesión de fotos. Dirá: "ustedes miran, pero las que pagan la entrada del teatro para verme siempre son sus mujeres, las que realmente laburan y después los invitan". Va a lo que quiere; no da rodeos. Confiesa que está cansada de hablar de su pasado, del incansable kilometraje por una actividad donde el teatro, subraya, "fue siempre mi verdadera pasión. Ahora estoy en el mejor momento de mi vida y quiero hablar de cosas más profundas que mis tapas de Playboy".

Ha sido, quizás, la mujer argentina con más tapas en esa revista. Cinco veces: una con su hermana Sandra, otra con Karen Reinhard, y tres veces sola. De hecho, su último desnudo fue el año pasado. "Me llamaron a modo de homenaje -dice- cosa que me dio un poco de miedo porque pienso que todavía no estoy para eso. Cuando te empiezan a homenajear en vida está todo mal. Pero no reniego de nada. Creo que me acostumbré a estar en el imaginario popular y quiero trascender. La sensualidad es algo natural en mí, más allá del cuerpo. Está en mi naturaleza. Cuando las mujeres estamos muy expuestas de jóvenes es fuerte lo que provoca el paso del tiempo y no poder hacer nada. Eso no lo toleraría, por eso busqué mi vocación genuina: ser actriz."

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Roberto Arlt

Por amor a Arlt

Los homenajes se asocian a la memoria y en algunos casos al descubrimiento. Por eso genera expectativa la propuesta de la Fundación Carlos Somigliana –a cargo de la dirección artística del Teatro del Pueblo– de recordar al escritor, dramaturgo y periodista Roberto Arlt (1900-1942) a través de la programación de un ciclo de semimontados que se ofrecerá a partir del lunes en el histórico subsuelo de Roque Sáenz Peña 943. Este es uno de los espacios que ocupó el director, actor, autor y periodista Leónidas Barletta (1902–1975), pionero de los independientes, fundador de ese teatro y quien, entusiasmado con los textos de Arlt, lo impulsó a escribir para la escena. Y el estreno se produjo, pero años antes de que Barletta y sus artistas hallaran refugio en el subsuelo de Diagonal Norte. Allí recalaron después de peregrinar por una ex lechería de Corrientes 465 (entre 1930 y 1934), una sala de Carlos Pellegrini 340 (cerrada en 1935) y otra de Corrientes 1528, donde el grupo permaneció cinco años de los veinticinco acordados en principio con las autoridades. Aquella permanencia fue abortada por el intendente Basilio Pertiné, quien anuló el contrato. Pertiné ocupó ese cargo cuando el golpe de Estado del 4 de junio de 1943.

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Teatro Nacional Cervantes

Se inician las obras en el Teatro Cervantes

Paralelismos con los trabajos en el Colón

El nuevo secretario de Cultura de la Nación, Jorge Coscia, fue el miércoles al Teatro Nacional Cervantes para dar a conocer el plan de restauración y actualización tecnológica que comenzará en el alicaído edificio (el mismo plan que LA NACION adelantó en abril ). "Llegó la hora de que el Cervantes recupere su esplendor", dijo el arquitecto Jorge Petrina, director nacional de Patrimonio y Museos y, a la vez, vicepresidente de la Comisión Nacional de Museo y Edificios Históricos.

Al encuentro asistió el embajador de España, Rafael Estrella. Su presencia no fue simbólica: el gobierno español invertirá unos 300 mil euros en la primera etapa que está comenzando. El trabajo es de tal complejidad que, a lo sumo, para el Bicentenario estará lista parte de la fachada.

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Cuentos animados

La payasa que provoca risas de felicidad

Con maestría, Cuentos animados combina la actuación de Daniela Fiorentino con dibujos animados en vivo y narraciones movilizantes

Muchos de los grandes montajes escénicos ofrecidos a la platea infantil a partir de historias y personajes conocidos a través de la televisión apelan a recursos tecnológicos para generar la ilusión de que se sigue frente a la pantalla y para atrapar la atención con efectos espectaculares. Queda, en general, relegado al teatro independiente la búsqueda de tramas originales y el énfasis puesto en la interpretación actoral.

Cuentos animados , un espectáculo pequeño -por su producción, por el espacio en que se presenta, por ser un unipersonal- rompe sin embargo esa dicotomía de un modo sorprendente, al utilizar la tecnología multimedia para enriquecer la calidez del personaje protagonista, para regalarle al espectador una inmersión cercana, casi palpable en mundos de fantasía narrativa.

Una clown despliega a partir de un viejo libro de cuentos y dibujos infantiles las historias que se hilvanan sobre imágenes proyectadas, prefiguradas unas, dibujadas las otras en vivo con lápiz óptico, que interactúan con la actriz, completan sus palabras, extienden su gestualidad o bien marcan un contrapunto teatral a su personaje.

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Teatro Pan y Arte, Boedo 876, domingos, a las 17. $ 18.

Marzenka Nowak: Marzenka

Una historia de vida fuerte y conmovedora

Su unipersonal es un elocuente canto de posguerra

Hace diez años, Marzenka Nowak asomaba, en la escena porteña, con un conmovedor unipersonal: Marzenka , un canto de posguerra. Creado junto con el director Manuel González Gil y con música de Claudio Martini, el proyecto mostraba un recorrido singular, el de una niña, hija de uno de los líderes de la resistencia polaca durante la Segunda Guerra Mundial, hasta llegar a este país cuya realidad ponía fin a duros momentos de sufrimiento.

Nowak se animó, entonces, a contar su historia y la de su familia, en un trabajo conmovedor en el que no faltaban ciertas canciones que resultaban fundamentales para completar un discurso escénico. Es más: la obra comenzó a gestarse cuando la actriz extrajo de sus recuerdos algunos temas musicales que tenía muy guardados. Luego llegaron los textos.

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Marzenka, dirigida por Manuel González Gil.

Sala Hugo del Carril, Rawson 42. Sábados, a las 20.30. Entrada libre y gratuita. Informes: 4981-0139.

"Manifonías, tocata y fuga para títeres", Circo Fokus Bokus, El maravilloso viaje de Maese Trujamán y su extraordinaria compañía, y otras

Estreno I. Un músico solemne se enfrenta al sabotaje de los títeres irreverentes, en Manifonías, tocata y fuga para títeres , protagonizada por Mariano Cossa, Sandra Antman y Mario Marino, con dirección de Néstor Caniglia. En el Cervantes, Libertad 815. Domingos, a las 16. $ 25.

Estreno II. El Grupo Kukla, dirigido por Antoaneta Madjarova, presenta Circo Fokus Bokus , teatro negro con títeres y clowns. En el Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543. Sábados y domingos, a las 16.30. Desde 25 pesos.

Vuelve Trujamán. El grupo de titiriteros del Teatro San Martín repone este fin de semana, con dirección de Adelaida Mangani, El maravilloso viaje de Maese Trujamán y su extraordinaria compañía , una antología de escenas de los 30 años. Teatro San Martín, Corrientes 1530. Sábados y domingos, a las 14.30. $ 15.

Despedida. Ultimas funciones en Buenos Aires antes del inicio de una gira por el interior de Doña Disparate y Bambuco , la excelente versión circense de la obra de María Elena Walsh, protagonizada por Anita Martínez y Diego Ramos. En el Broadway, Corrientes 1155, sábado y domingo, a las 16. Desde 50 pesos.

Musiqueros. En Mirlitón se hilvanan los temas de Los Musiqueros en el marco de un despliegue teatral vistoso, con puesta en escena de Javier Margulis. En el Teatro Nacional Cervantes, Libertad 815. Sábados y domingos, a las 16. $ 25.

Fuente: La Nación

Liquidó, Sencilla, Ella merece lo mejor, El infierno son los otros, Y la luna se cayó, y Todo está previsto

Un montaje en un baño

Celeste Veleda presenta Liquidó , una obra sensitiva, con un espacio para el espectador dividido en dos, en el que el público se encuentra a ambos lados de la acción. Viernes, a las 22.30, en el Corralón de Floresta, Av. Gaona 4660. Entrada al balde. Reservas: 15-30855002.

Díptico

Dos obras dirigidas por Lisandro Rodríguez suben a escena en Elefente, Club de Teatro, Soler 3964. Sencilla, sábados, a las 21; también Ella merece lo mejor , sábados, a las 21.15. Desde 20 pesos.

El infierno son los otros

Vicky Buchino protagoniza la pieza de su hijo, Víctor Dupont, quien además la dirige. Sábados, a las 21.30, en el Teatro del Sur, Venezuela 2255.

Pueblos originarios

Rodrigo González dirige ...Y la luna se cayó , donde música y acción se fusionan. Domingos, a las 20, en Espacio Urbano, Acevedo 460. Desde 15 pesos.

Versión de Beckett

José Cáceres dirige Todo está previsto , basado en una trilogía de Beckett. Domingos, a las 18, en Cámara de Teatro, Aráoz 1025. Desde 25 pesos.

Fuente: La Nación

Ana María Cores

Canciones de mujeres solas

¿De qué se trata "Tres mujeres con equipaje"?

Es una obra escrita y dirigida por Fabrizio Origlio, que tiene canciones. Se trata de tres mujeres que se encuentran en el aeropuerto. Como tienen que esperar las valijas y eso se demora, se ponen a dialogar entre ellas y se cuentan sus vidas: las une una misma situación, que es la soledad. Las canciones se van intercalando. Yo canto un chamamé que compuso Carlos Núñez Cortés (Les Luthiers). También hay canciones de Carlos Gianni y de Diego Vila.

Es una reposición.

Sí, esta obra la hicimos hace dos años. Yo hacía otro personaje. Ahora interpreto el papel que hacía Mónica Núñez Cortés (hermana de Carlos), quien falleció hace cuatro meses. Surgió la idea de volver a hacer la obra como un homenaje a ella. Actúan también Florencia Róvere y Geraldine Farat.

¿Estás con otros proyectos?

Estuve haciendo Juana Azurduy, de Manuel González Gil y Marisé Monteiro, y creo que vamos a seguir de gira por las plazas, contratados por el Gobierno de la Ciudad. Además, estoy preparando shows cantados. Me gusta generar proyectos y no esperar a que me llamen.

(El Tadrón, Niceto Vega 4802, desde hoy, por 8 funciones).

Fuente: Clarín

Centro Cultural Ricardo Rojas

Un espacio para jugar en serio

El clima under encontró allí un lugar bajo el sol. Es lógico que una sala lleve el nombre de Batato Barea, uno de los referentes. Aquí, algunos de los hitos.

Recién instalada la democracia, un teatro absurdo y violento como la realidad vivida estalló, después de haberse gestado en catacumbas, en bares y boliches, en el Parakultural y en pequeñas salas. Y, sin dudas, el Centro Cultural Ricardo Rojas fue uno de sus catalizadores importantes. Batato Barea (no por nada una sala lleva su nombre) con provocaciones como La soledad del puto o, más inocente, el Clú del Clown con sus gags al estilo Los cinco grandes; o revisitando la poesía de Pizarnik en El puré de Alejandra con Noy, con Alejandro Urdapilleta. Emeterio Cerro, sus títeres con Arturo Carrera y su extraño teatro que ponía en práctica todo lo que hoy se enuncia sobre teatralidad pura. Mientras Beby Pereira Gez, dirigía a Damian Dreizik (integrante de Los Melli) teatralizando poemas. En tanto, Vivi Tellas, que luego de las Bay Biscuit comenzó con su "teatro malo", tomando pésimos textos pero dotándolos de sentido a través de sus puestas, preanunciando así la dramaturgia en escena.

Más en Clarín

El maravilloso viaje de Maese Trujamán y..., Cantata de Pedro y la Guerra, Doña Disparate y Bambuco, La niña de la noche, Mirlitón, y otras

Nota del 5 de septiembre

El maravilloso viaje de Maese Trujamán y...

sábado y domingo 14.30 TEATRO SAN MARTIN, CORRIENTES 1530, $15

Se reestrena la obra para grandes y chicos dirigida por Adelaida Mangani e interpretada por el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín.

Cantata de Pedro y la Guerra

sábado 21 »gdomingo 18.30 AUDITORIO UPB, CAMPOS SALLES 2145, $20

Para chicos a partir de 9 años. Cuenta el vínculo que se desarrolla entre un niño y un adulto en una situación extrema: la guerra. Música de Carlos Gianni.

Doña Disparate y Bambuco

sábado y domingo 16 TEATRO BROADWAY, CORRIENTES 1155, 4381-1180, DESDE $50

Anita Martínez y Diego Ramos estrenan una versión libre de este clásico de María Elena Walsh. Despedida.

La niña de la noche

domingo 16.30 TEATRO DE LA RIBERA, AV. PEDRO DE MENDOZA 1821, 4302-9042, $15

Espectáculo para toda la familia creado por el Grupo de títeres Catalinas Sur a partir del cuento La niña que iluminó la noche, de Ray Bradbury.

Mirlitón

sábado y domingo 16 TEATRO NACIONAL CERVANTES, LIBERTAD Y CORDOBA, 4816-4224, $25

Con este espectáculo, el tradicional grupo Los musiqueros saldrán del formato tradicional de recital sin perder la esencia del trabajo que realizan desde hace 25 años.

Moc y Poc

sábado y domingo 16 TEATRO SARMIENTO, AVENIDA SARMIENTO 2715, $15

Basada en el libro de Luis Pescetti Historias de los señores Moc y Poc, dirigida por Román Lamas e interpretada por el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. Para chicos a partir de 6 años.

María Elena

sábado y domingo 15 TEATRO SAN MARTIN, CORRIENTES 1530, $15

Se repone el premiado espectáculo en homenaje a María Elena Walsh, con autoría y dirección de Héctor Presa y la participación del grupo La Galera Encantada.

El show de Topa

este sábado »ja las 15 y 16.30 AUDITORIO DE SAN ISIDRO, AV. DEL LIBERTADOR 16138

Topa, el anfitrión de Play House Disney propone un viaje a través de las canciones, bailando y jugando con chicos y adultos, uniendo las generaciones a través del lenguaje universal de la música.

Fuente: La Nación

Circo Fokus Bokus

Unos clowns muy sueltos y originales

Lo nuevo del Grupo Kukla es un varieté de números circenses con títeres, clowns, teatro negro, láser y efectos.

El Grupo Kukla celebra sus 20 años y estrena un nuevo espectáculo Circo Fokus Bokus, un varieté de números circenses con títeres, clowns, teatro negro, láser y efectos especiales, creado y dirigido por Antoaneta Madjarova.

Cinco personajes llegan por la platea escapando de la lluvia en un vehículo imaginario que frena en la puerta de un circo. Se dan cuenta que no hay clowns para comenzar la función. Ellos se animan y dan comienzo al show en el que se suceden los números: dos bailarinas contorsionistas, un malabarista chino, tres gatos con zancos que tocan rock and roll, un Tangram -antiguo juego chino de figuras geométricas animadas que generan diferentes animalitos y objetos-, un show de láser, bailarines y acróbatas rusos, un domador de leones, monos acróbatas y malabaristas y hasta un mago invisible.

La música juega un rol preponderante, ya que a diferencia de los últimos espectáculos de Kukla la selección es ecléctica e incluye ambient, jazz, rock and roll, música electrónica, percusión africana y clásica.

(Sábado y domingo a las 16,30 en el Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543, entradas $20 y $25).

Fuente: Clarín

Vanesa González

Vanesa González: "De chica me armé un mundo de fantasía"

Dice que en su infancia hacía de "mamá perro", su juego favorito. Admiradora de Norma Aleandro y Meryl Streep, a los 12 comenzó a formarse como actriz. Diez años después, se luce como Ana Frank.

Hace siete años, cuando era una niña bonita de 15, viajó de Banfield a la Capital Federal con una amiga y lo que pudo haber sido un paseo que se perdiera con el tiempo en las callecitas de la memoria, hoy esa salida sabe a señal: "Fuimos a una librería de Recoleta y me compré El diario de Ana Frank. Lo empecé a leer ahí y cuando llegué a casa lo dejé porque había cosas que no entendía. Y a los 18 lo leí entero y fue conmovedor. Sentí de todo mientras lo leía: impotencia, compasión, me divertí con sus berrinches, sufrí, la imaginé sufriendo. La admiré de inmediato". Y si bien Vanesa González ya era actriz, jura que "no se me cruzó por la cabeza la idea de hacer ese personaje, nunca, jamás". Pero el año pasado, Helena Tritek la eligió para interpretar a la chica que relató sin eufemismos la crueldad del Holocausto. La eligió para reencontrarlas.

"Toda la información que tengo que dar en esa obra es de una sabiduría tremenda. Es muy loco que haya escrito eso con 13 años... Yo, con 22, me sigo sorprendiendo. Es un personaje soñado, clave en mi carrera", reconoce la protagonista de El diario de Anna Frank (registrado con doble "n"), que se estrenó en el Regina el año pasado y ahora sube a escena en el Multiespacio Los Angeles. "Cuando fui al casting hice un monólogo y me sentí la peor del mundo. Soy un desastre, no sirvo, le dije a un amigo que me había acompañado. Al mes me llamaron y me preguntaron: ¿Seguís teniendo ganas de hacer el diario? No lo podía creer: Nunca dejé de tenerlas y me metí en esa aventura. Y, además, no hay directores como Helena, es única. Trabaja desde un lugar no sólo humano, sino desde un plano muy consciente de lo que es la actuación. No podés sentir miedo con ella, te sabe llevar a lugares muy hondos y no te suelta, te acompaña siempre", dedica apasionada, un condimento muy suyo, sin que por eso pierda una suavidad de terciopelo que tiene al hablar.

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Enrique Pinti

Nota del 4 de septiembre

Enrique Pinti, declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad

El humorista Enrique Pinti recibió hoy el título de Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en la Legislatura porteña durante una ceremonia que reunió a numerosos compañeros de trabajo, familiares y amigos del reconocido artista.

El acto de reconocimiento se desarrolló en Salón Dorado-Hipólito Yrigoyen del Palacio Legislativo de la Ciudad merced a una iniciativa de la legisladora Liliana Parada, del bloque Igualdad Social.

"Me siento muy feliz porque a esta Ciudad no la cambio por ninguna otra. A mi me gusta ser porteño", afirmó Pinti al recibir el diploma que lo distinguió Ciudadano Ilustre y agregó que "cuando era joven, consideraba este tipo de homenajes como algo mortuorio, pero ahora lo veo como un gran reconocimiento".

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Nota del 5 de septiembre

El ilustre Enrique Pinti

El humorista Enrique Pinti recibió ayer el título de Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en la Legislatura porteña durante una ceremonia que reunió a numerosos compañeros de trabajo, familiares y amigos del artista. El acto se desarrolló en el Salón Dorado-Hipólito Yrigoyen del Palacio Legislativo por una iniciativa de la legisladora Liliana Parada, del bloque Igualdad Social. Pinti bromeó al asegurar que estaba “contento por recibir la distinción a un mes de cumplir los 70 años, cuando todavía me acuerdo de quién soy y gozo de buena salud”.

Fuente: Página/12

Verónica Llinás: Caperucita

Verónica Llinás ya es leyenda

Con Valeria Bertucelli y Alejandra Flechner encabezan la pieza de potente humor negro. La ex de Gambas al Ajillo hace treinta años que se dedica al arte y dice que además de dibujar y escribir, aspira a un proyecto de autogestión.

En la platea del Multiteatro, a Verónica Llinás se la ve contenta con su papel de la abuela, que se convierte en lobo, en la versión para adultos, de "Caperucita" que el autor y director Javier Daulte, acaba de estrenar, en la sala de Corrientes y Talcahuano.

Llinás que comparte protagónicos con Valeria Bertucelli, Alejandra Flechner y Héctor Díaz, dice que fue un "desafío hacer este doble papel (abuela y lobo). Antes del estreno, me preguntaba si iba a poder hacer los dos personajes". El resultado es una suma de elogios de público y crítica.

-La pieza habla del universo femenino, a través de una mirada no muy complaciente, ¿qué piensa usted de ese aspecto?

-Mujeres y hombres quedan conmocionados con lo que les contamos. Si bien el público femenino es el más sorprendido. Es un relato muy humano, porque todos tenemos un lado monstruoso y otro en el que demostramos buenas intenciones y nos gustaría dar amor, aunque a veces no se puede. El autor habla del exceso de amor, de lo posesivo, destructivo, paralizante.

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El regreso del Tigre

Un humor con aporte inteligente

Son los recordados intérpretes de "Made in Lanús" de Nelly Fernández Tiscornia y "Buscavidas", exitosa serie de la televisión argentina. Se llaman Luis Brandoni y Patricio Contreras y después de tantos años se reencuentran teatralmente.

Un profesor, Dimas Soto, pensador en ejercicio, en pareja con una linda mujer, sufre el regreso del Tigre, que hace poco más de veinte años tuvo una hija con esta mujer elegida por Dimas que ahora canta rock en Europa.

"El regreso del Tigre" es una comedia dramática de Luis Agustoni ("Brujas"). Con un liviano inicio que preanuncia un divertimento pasatista, la obra, en un suave crescendo y con una profundización de los caracteres y situaciones, va transformándose en un interesante estudio de las relaciones de pareja.

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Luis Saez: El alivio

Aluvión de necesidades insatisfechas

Una prostituta, su “representante” y un habitué ciego son los protagonistas de esta obra, dirigida por Alejandro Giles. “Los tres tienen en común que habitan mundos solitarios, así como distintas formas de marginalidad”, señala su autor.

Autor de Camellos y Monos con navaja, entre otras piezas, Luis Saez es un autor que comenzó a destacarse en los ’90. Sus obras ofrecen una serie de personajes de características marginales, siempre embarcados en situaciones signadas por la amenaza y la violencia. “Sus personajes son seres tan huérfanos que parecen los únicos habitantes del mundo –escribió sobre su obra Bernardo Carey, uno de sus maestros–, asediados por bólidos semejantes a meteoros que pasan azotándolos amenazantes, representantes de un mundo con el cual no tienen ya ningún contacto.” Recientemente estrenada en el teatro El Nudo (Corrientes 1551) bajo la dirección de Alejandro Giles, El alivio (jueves y viernes a las 20) presenta a un singular trío: una prostituta (Silvana Sosto) que ofrece sus artes camuflados bajo el aspecto de simples clases de baile, su “representante” (Claudio Salama) y un habitué ciego (Felipe Colombo) que, lejos de buscar alivio sexual, tiene la intención de calmar en ese recinto ansiedades de orden literario. La extraña situación inicial va enrareciéndose cada vez más hacia un desenlace que no decepciona.

“Los tres tienen en común que habitan mundos solitarios –opina el autor en una entrevista con Página/12–, así como distintas formas de marginalidad”, afirma, si bien en el personaje del ciego estas características asumen un costado peculiar, ya que no hablan de exclusión social: su deseo es estar en esa habitación equívoca para ser otro, para descubrirse diferente a como su madre lo concibe. La prostituta, por su parte, es requerida para leer y conversar: entre ambos surge “una relación plagada de contrastes y equívocos permanentes, una especie de duelo que equivale a correr el riesgo de quedar en evidencia y entender que al otro le ocurren cosas demasiado parecidas”, según analiza el autor.

–¿Cuál es el alivio que, en particular, busca cada uno de los personajes de su pieza?

–Buscan alivio a necesidades insatisfechas y a desamores que los han marcado profundamente, acaso en forma irremediable. De todas maneras, existen diferencias en el deseo y en la voluntad de cada uno. Morel es un ser condicionado por su ceguera y por la relación con una madre-lazarillo. Se ha propuesto transitar una relación que significa para él un espacio de riesgo donde puede jugar a ser otro, aquel que su madre y el afuera desconocen.

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Jorge Gómez: Memorias del agua

Un futuro que provoca sed

“La falta de agua es, además de una tragedia, un tema político”, afirma el autor, director e intérprete de una obra que plantea un futuro distópico, en el cual las reservas de agua han desaparecido y una multinacional experimenta con el cuerpo humano.

En Memorias del agua, comedia dramática escrita, dirigida e interpretada por Jorge Gómez, que se presenta los viernes a las 21 en el Teatro De La Fábula (Agüero 444), lo que se da como cierto es un universo distópico: las reservas de agua han desaparecido por la desidia del hombre y el apocalipsis ha dejado un baldío inmenso tras las puertas. Hacia adentro, la corporación internacional Waters United ha montado una selva de tubos de ensayo, bidones y máquinas, con el fin de purificar los líquidos emanados por la única fuente posible, el propio hombre. En los laboratorios, mangueras y venas confluyen en cyborgs esclavizados que corren sobre cintas de gimnasio para sudar lo que la empresa venderá, lo que la población comprará y beberá por la supervivencia. El caos ecológico impone un nuevo contrato social que, no obstante, aún replica las relaciones de poder entre dominantes y dominados, finalmente nudos de la misma caña.

“Tenía cierto temor al observar que la falta de agua es un tema que ya está hoy, pero que quizá no está advertido en toda su magnitud, porque todavía abrimos la canilla y sale agua”, explica el autor a Página/12. En seguida, anota dos influencias: por un lado, el libro Las guerras por el agua, de Elsa Bruzzone, y el documental Sed, invasión gota a gota, de Mausi Martínez; por el otro, su querida Avellaneda: “Todos los días cruzo el Puente Pueyrredón y veo el estado del Riachuelo, que es una fuente de aspiraciones nauseabundas. Y tenía ganas de trabajar con algo de eso, pero no sabía cómo sin caer en lo clásico. Una vez que me atrapa un tema para laburar, me gusta bordearlo con otra cosa que tenga un sustento en la realidad”, explica Gómez, que además es periodista y profesor de Historia.

–Por el nombre, se podría pensar que la obra reflexiona sobre un problema ecológico latente, pero en realidad el eje está puesto en los vínculos...

–Sí. Hace dos años me puse a investigar, di con el libro de Bru-zzone y fue un “click”. Me di cuenta de que la falta de agua es, además de una tragedia, un tema político. Es cierto que tiene que ver con lo cotidiano, que sería no dejar que chorree el agua de la canilla, pero básicamente hay una decisión política para que la falta sea una realidad. Por ejemplo, el Acuífero Guaraní es una de las reservas subterráneas más importantes y la comparten Argentina, Brasil, Uruguay y Paraguay. Actualmente, hay cierta intención de las grandes potencias, Estados Unidos entre ellas, de ubicar estratégicamente tropas alrededor del acuífero bajo otras excusas. Afortunadamente, hoy abrimos la canilla y el agua sale, pero si dentro de veinte años eso no ocurre...

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Elogios de Dario Fo

El misterio de dar

Un poco de amor salva la vida

Adriana Aizenberg es la intérprete perfecta para esta historia sensible
cuento del libro Lo mejor que se tiene se traslada al teatro y su autora, Griselda Gambaro, parecería redescubrir en él a su personaje: la señora Schneider. Una mujer mayor, viuda, que habita una pequeña habitación cargada de recuerdos y donde, todavía, el alma de su marido parece no haber querido dejarla sola. O, al menos ella, necesita tanto a ese hombre que lo reconstruye en su mente y dialoga con él mientras desarrolla unos actos cotidianos que parecerían tener un mayor sentido cuando cruza su pequeño devenir con los recuerdos de quien fuera su esposo.

En el presente de la escena, ella llega de la calle. Salió a cobrar su jubilación y una situación la ha dejado conmocionada. Es que se ha encontrado con una madre y su hijo y les ha dado el poco dinero que tenía y con el que pensaba manejarse durante el mes. Ese acto de dar al otro lo poco que tiene la redescubre de una manera singular, como si todo su ser se hubiera engrandecido de golpe. La vuelta al hogar, entonces, tiene otro valor tanto que, en su relación con lo pequeños objetos que la acompañan, no hará más que demostrar que su vida que, hasta ese momento era casi intrascendente, ha modificado su sentido. Una revelación parece haberle cambiado su situación en el mundo.

Más en La Nación

En el Teatro Nacional Cervantes (Libertad 815). Jueves a sábados, a las 19; y domingos, a las 18.30.

Teatro Cervantes

Nota del 3 de septiembre

Un patrimonio común

Se anunció ayer un plan integral de restauración y actualización tecnológica. El gobierno español donará los 300.000 euros que se requieren para llevar adelante la primera etapa de la obra.

El teatro Cervantes es monumento histórico-artístico nacional desde 1995. Sin embargo su fachada se ha ennegrecido, sus ornamentos no brillan y parte del revestimiento de las paredes de la sala principal cuelga tristemente despegado. Y esto es sólo lo que está a la vista. Afortunadamente, la Secretaría de Cultura de la Nación junto con las autoridades del teatro han anunciado ayer que se pondrá en marcha un plan integral de restauración y actualización tecnológica del recin- to de Libertad y Córdoba, que fue inaugurado hace casi nueve décadas, el 21 de septiembre de 1921.

La iniciativa constituirá la principal contribución de España a la conmemoración del bicentenario en Argentina, pues será el gobierno español el que donará los 300.000 euros que se requieren para llevar adelante la primera etapa de la obra. Durante los primeros seis meses se realizarán todos los trabajos previos a la restauración integral: estudios acústicos, patológicos, de electricidad, cañerías, desagüe y todos los cateos y pruebas referidos a la restauración de estucos, dorados, azulejos y demás ornamentos. A modo de yapa, los funcionarios han prometido que una parte de la fachada estará restaurada y será iluminada durante los festejos de 2010.

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La cocina

El mundo cabe en una cocina

Mañana llega La cocina, de Arnold Wesker, obra en la que Alicia Zanca dirige a un multitudinario elenco

La cocina de un restaurante y un cruel paralelo con este mundo. Cocineros, pasteleros, encargados de distintas carnes, de verduras, aprendices y demás conforman el micromundo que pintó el dramaturgo británico Arnold Wesker con una pluma despiadada. Con la dirección de Alicia Zanca, este universo culinario llegará mañana al escenario del Regio, con el nombre de La cocina , parar hincar el cuchillo y desmenuzar esas relaciones de poder que no sólo se dan entre las puertas que separan el elegante salón de restaurante en cuestión y la cocina de la que hace referencia el título de la obra, sino también dentro mismo de esa suerte de fragua. Allí también hay jerarquías y leyes que marcan quién toma decisiones y quién sólo debe obedecerlas.

Si bien el planteo colorido y musical que rescata la directora Alicia Zanca (de la mano del coreógrafo Carlos Casella) de las mismas indicaciones del autor, lo que allí sucede está lejos de ser una comedia, aunque por momentos se acerca. "Uno de los grandes hallazgos de esta comedia dramática es que si bien habla de un mundo capitalista, no se juzga ni al dueño del lugar ni a los obreros; no es maniquea. Se muestran las vidas de cada uno, las exigencias del trabajo, la necesidad de sobrevivir y cómo cada uno encara su transcurrir por esta vida", comienza Zanca, que juega en un código que no es hiperrealista, a tal punto que los sueños, las aspiraciones y los deseos tienen forma de coreografías.

Más en La Nación

La cocina, dirigida por Alicia Zanca.

Teatro Regio, Córdoba 6056. Estreno: mañana. De jueves a sábados, a las 20.30; domingos, a las 19. De 25 a 40 pesos.

El regreso del tigre, Aureliano, La Ilíada. Un himno a la guerra contra la guerra, Quete toque teque, Muñeca, Más allá del tiempo, y otras

El regreso del tigre

Con P. Contreras, L. Brandoni. De miércoles a viernes, a las 20.30; sábados, a las 20 y a las 22; y domingos, a las 20, en La Plaza , Corrientes 1660. Desde 60 pesos.

Aureliano

De Román Podolsky, con Roxana Berco y Mariano Pérez de Villa. Sábados, a las 21.30, en Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730 (4307-1966).

La Ilíada. Un himno a la guerra contra la guerra

De Gianluca Barbadori, con Lola Banfi y Luigi Petrolini. Viernes, a las 21, en Crisol Teatro, Arismendi 2658. $ 25.

Quete toque teque

De Pablo Tagliani. Jueves, a las 21, en Gargantúa, J. Newbery 3563. Desde 20 pesos.

Muñeca

De Armando Discépolo, dirigida por Teresa Sarrail y Sandra Torlucci. Viernes, a las 20.45, en Del Borde, Chile 630. Desde 25 pesos.

Más allá del tiempo

Musical de Matías Puricelli y Francisco Ruiz Barlett. Miércoles, a las 20, en Liberarte, Corrientes 1555. $ 30.

Yo, Olga Orozco

De Silvio Lang. Sábados, a las 21, en El Excéntrico de la 18°, Lerma 420. $ 30.

Collar de Cuentos

Textos de Patricia Juárez, Clara Carrera y Elba Degrossi. Sábados, a las 18, en Sala Mediterránea, Tucumán 3378. $ 25.

Vení que te cuento...

Domingos de septiembre, a las 17, en Jazz Voyeur Club, Posadas 1557. $ 90 (té y show).

Rosa Mística

De Ignacio Apolo. Jueves, a las 21, en C.C. Konex, Sarmiento 3131. Desde 25 pesos.

Nada de Dios

De Silvio Lang. Viernes, a las 21, en Del ArteFacto, Sarandí 760. Desde 25 pesos.

El lesionado

Dirigido por Carlos Evaristo, con Miriam Lanzoni y Sebastián Basalo. Sábados, a las 22, en El Túnel, Bonpland 2050. $ 25.

El juego

Dirigida por Victoria Malena. Domingos, a las 20, en el palacio El Victorial, Piedras 722 (15-5061-6614). $ 25.

Fuente: La Nación

Gael García Bernal

Gael García Bernal hará teatro en la Argentina

Será el año que viene, junto con Diego Peretti

Parece que Dolores Fonzi no tendrá que estar mucho tiempo más lejos de su familia. Es que ayer, el sitio de Internet infobae.com adelantó que el galán mexicano de proyección internacional Gael García Bernal ( Diarios de motocicleta, Babel, La mala educación ), quien es su pareja y padre de su pequeño hijo Lázaro, recibió una propuesta muy concreta para hacer una obra de teatro en Buenos Aires.

Junto con el argentino Diego Peretti son los candidatos firmes para protagonizar la adaptación teatral de Rain Man , la película de Barry Levinson que, en 1988, protagonizaron Dustin Hoffman y Tom Cruise. Parece que las conversaciones estarían muy avanzadas y la pareja ya está planeando instalarse en las cercanías de Buenos Aires. Gael García Bernal encarnaría a Charles, el papel que interpretó Tom Cruise, un joven independiente que, tras la muerte de su padre, debe hacerse cargo de su hermano mayor, que es autista, rol a cargo de Peretti. Actualmente, Gael está filmando Silence , dirigido por Martin Scorsese, con Benicio del Toro y Daniel Day-Lewis.

Fuente: La Nación

Mauricio Kartun: Ala de criados

"Siento amor por la mescolanza estética"

A los 63, dice que el gusto por el cruce de géneros deviene de su historia familiar. Recientemente estrenó "Ala de criados" en el Teatro del Pueblo, sobre un verano en la costa de una Mar del Plata señorial mientras sucede La Semana Trágica. También habla de cine: cuenta su participación en "Tetro", de Francis Ford Coppola, y adelanta que Luis Puenzo filmará "El niño argentino".

Es la tercera obra de Mauricio Kartun (63), desde que agregó a su antiguo oficio de dramaturgo el peso de la dirección propia. Primero fue La Madonnita, una historia de principios de siglo en un pueblo de la llanura: la sordidez de la renguera de la bella esposa, manipulada por su marido fotógrafo ante ese viajante envenenado de deseo. Después, El niño argentino: la bodega de un barco hacia Europa en los tiempos de la manteca al techo con una vaca para calmar, en el trayecto, el apetito de los niños ricos. Ahora llega Ala de criados, la costa de una Mar del Plata todavía señorial y la pólvora que serpentea, llegando con los anuncios de La Semana Trágica.

¿Cómo se modificó la perspectiva de tu dramaturgia desde que sabés que también tendrás que resolver aquello que se te ocurra escribir?

Más allá de alguna sensatez y de entender mejor a los directores con los que alguna vez me he trenzado, intento que no se me resuelvan. En mi humilde credo personal escribir teatro pensando en un escenario es condenar al imaginario a imaginería. Limitar esa cosa inconmensurable al estado más acotadito de representación virtual. Me parece que la riqueza de un lenguaje está en la riqueza de sus signos y a estos los hace cada soporte: cuando escribo, trabajo con palabras, con imágenes de todo tipo, huelo, toco, puedo volar, qué sé yo¿ Cuando dirijo, acepto la nueva maravilla de escribir ahora a través de esos objetos, esa luz, esos cuerpos, que ya no son el personaje sino su encarnación. Otra realidad. Esta es la maravillosa dialéctica del teatro, su apareamiento: dos cosas que hacen a una tercera que no es simple suma de sus partes. Habiendo algo tan bonito como la cópula ¿Qué ventajas te daría hacerte unicelular?

Más en Clarín

Un referente
No se puede veranear en paz

Mauricio Kartun: Ala de criados

“Yo recelo de la dramaturgia que busca traducir, aclarar”

Autor de obras tan notables como La madonnita y El niño argentino, Kartun cuenta que comenzó a escribir esta obra con un “impulso chejoviano” que después se fue modificando. “Sigo creyendo en ese fenómeno algo anacrónico de la literatura dramática”, señala.

La ambición de los que tienen vuelo de criados y la soberbia de una burguesía porteña acostumbrada al mando hacen de la placidez tragedia en la más reciente obra de Mauricio Kartun, nuevamente en la dirección. Ala de criados construye una situación y un clima de rara bonanza sobre el fondo de la Semana Trágica de 1919, como se denominó a las jornadas de huelga en la que obreros y sindicatos, anarquistas y diferentes agrupaciones de izquierda, fueron ferozmente reprimidos. Un ataque que incluyó a la comunidad judía y sus sinagogas. Aquel hecho fue motivo de una temprana pieza de Kartun, escrita en 1970, a la que tituló Agua de colonia y nunca estrenó. En Ala de criados, la puesta que se presenta en el Teatro del Pueblo, se parte de un grupo de señoritos que veranea en la Mar del Plata de comienzos del siglo XX. El lugar elegido es la playa y el histórico Torreón que se levanta frente al mar y durante años guardó una leyenda de fantasmas inventada con fines turísticos. La escena primera muestra a unos jóvenes que pasan con naturalidad de la indolencia a la desmesura al momento de humillar o aniquilar a quienes consideran enemigos. En la terraza de tiro del Pidgeon Club, Emilito, “tilingo con pedigrí”; Pancho, cadete naval metido a cura; Tatana (o Albertina), devenida en amante y poeta, y Pedro Testa, palomero, “krumiro rompehuelga”, servidor que medra, son los protagonistas de una obra singular.

Creador de piezas que hicieron historia, Kartun no se pierde en las metáforas ni en los juegos del lenguaje que maneja a la perfección entre anacronismos y expresiones populares. En el Torreón funcionó el tiro a la paloma, deporte que “reunía a una elite en una actividad de tardecita en la playa amenizada con drinks”. Esta diversión era justificada por los tiradores con el argumento de que “todas las palomas que morían y quedaban dentro de la pedana de tiro, o sea la terraza, eran donadas como alimento a sociedades de caridad”, observa Kartun, quien ha indagado sobre esa misma clase en El niño argentino: “Cuando en Europa se hablaba de alguien aparatosamente rico se decía ‘rico como un argentino’, o sea alguien con ganas de gastar y figurar, de mostrar una magnificencia que contrastaba con las otras clases sociales, porque se estima que la clase media como tal (con aspiraciones de acumular riqueza y ascender socialmente) nace a comienzos de la década del ’20”, puntualiza.

–Una clase que necesitaba sirvientes, quienes, como se vio en El niño argentino y ahora en Ala de criados, no tienen otra alternativa que obedecer...

–En este caso Pedro Testa no es exactamente un criado, porque se desprende de ese rol para ser cuentapropista. Ese sería el punto social del enfrentamiento.

Más en Página/12

Sobre el arte de escribir
Detalles de la puesta

Luis Brandoni y Patricio Contreras: El regreso del tigre

El retorno de una dupla taquillera

Después de dos décadas, Patricio Contreras y Luis Brandoni vuelven juntos con una obra sobre los vínculos

La sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza está casi en penumbras. En el escenario una luz mortecina ilumina la silueta de dos hombres que hablan a gritos, gesticulan y, por momentos, ríen a carcajadas. Ellos son Luis Brandoni y Patricio Contreras durante uno de los últimos ensayos de El regreso del tigre , de Luis Agustoni (el autor de Brujas ), que se estrenará hoy. Ambos hacen un alto en sus labores para dialogar con LA NACION acerca, dicen casi a coro, de "una pieza que nos entusiasmó muchísimo desde el mismo momento en que llegó a nuestras manos y hallamos en Luis Romero a un director que, como nosotros, supo interpretar el texto con enorme inteligencia".

-¿El regreso del tigre se inclina hacia el drama o hacia la comedia?

Brandoni: -Es, fundamentalmente, una comedia dramática que habla de la necesidad de viviseccionar un grupo familiar en conflicto? Pero ello está relatado con cierto humor que permite que la pieza se abra hacia situaciones que buscan la sonrisa y la complicidad del espectador.

Contreras: -Lo interesante de El regreso del tigre es que permite seguir su devenir con grandes expectativas acerca de cómo podrá llegar a su final? Es la historia de un hombre que formó pareja con una mujer que fue abandonada por su marido cuando se enteró de que estaba embarazada, y que siempre vivió a la sombra del que huyó. Luego de varios años de convivencia, el marido vuelve a querer tomar las riendas de la pareja y allí se desatará una serie de dilemas, reproches y cuentas pendientes.

Más en La Nación

El regreso del tigre, de Luis Agustoni.

La Plaza, Corrientes 1660. De miércoles a viernes, a las 20.30; sábados, a las 20 y a las 22; y domingos, a las 20. Desde 60 pesos.

Caperucita

Una Caperucita apoyada en grandes actuaciones

Verónica Llinás, la mejor de un cuarteto sin desperdicio

No es otra cosa que una historia de amor la que pergeñó Javier Daulte cuando decidió subir a escena a la abuela, a la madre, al lobo y a Caperucita. Amores varios, con formas diversas, desamores, amores rotos y alguno imposible. Todos feroces. El primero y el más grande, entre la abuela Elo y Silvia, la nieta. El de mamá Cora y Silvia, como hija, luce roto. Y el que se intuye imposible es el que fogonea desde las sombras, Víctor, el lobo.

La historia es sencilla -un poco menos que la del cuento infantil-, pero le sirve de excusa al dramaturgo y director para poner sobre la mesa sus juegos escénicos preferidos, en donde aparece el humor, el delirio, la magia, la angustia y la desesperación en equilibradas proporciones. La mano de Daulte tiene ese sello tan reconocible que logra que el más grande disparate se sienta como real y conmocione. En este sentido, Caperucita tiene grandes puntos de encuentro con ¿Estás ahí? , aunque no llega a la altura de esta obra que el dramaturgo escribió y dirigió en 2004.

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Lutherapia, Escoria, Eva y El bello engaño

Nuevo Les Luthiers. Por el lapso aproximado de un mes, Daniel Rabinovich no podrá participar en las actuaciones de Les Luthiers. El querido músico y actor se sometió a una cirugía que, aunque no reviste gravedad, lo obligará a guardar reposo durante ese tiempo. Superada la operación, Rabinovich se reincorporará plenamente a todas sus actividades. Pero no se interrumpirán las funciones de Lutherapia, ya que los reemplazantes estables de Les Luthiers siempre están listos para salir a escena. Este año, a Tato Turano se le sumó Marcelo Trepat, actor y cantante que encabezó musicales como Te quiero, sos perfecto, cambiá, Mi bella dama y Cabaret . Turano y Trepat ya trabajaron un fin de semana a sala llena en el Gran Rex, con muy buenos resultados, y el fin de semana debutaron en el Orfeo, de Córdoba. "Marcelo Trepat demostró que tiene su propia personalidad de luthier, ya que no cae en la tentación de imitar la ausencia", dijo La Voz del Interior .

Regresados. Un grupo de actores espera la llegada de un productor que podría darles una nueva oportunidad. Para ello le preparan un cumpleaños sorpresa con todos sus rituales, además de dejar aflorar en la espera sus ansias de escenario, sus mejores recuerdos artísticos y anécdotas. Es el argumento de Escoria , el nuevo trabajo de José María Muscari, al que define como "una telenovela que ya no hay, un varieté que ya no existe, una comedia familiar en baja, una serie televisiva en extensión y un teatro de revistas arrancado del túnel del tiempo". Muscari quiso que los protagonistas de este trabajo sean esos actores famosos que él veía en la televisión y que hoy son olvidados por los "nuevos" productores. Ellos son: Cristina Tejedor, Héctor Fernández Rubio, Liliana Benard, Nancy Anka, Paola Papini, Osvaldo Guidi, Gogó Rojo, Marikena Riera, Julieta Magaña, Willy Ruano y Noemí Alan. La obra se estrenará la semana que viene en el Teatro del Pueblo, y tendrá la singularidad de que los espectadores podrán participar de la comida con los actores. Entretanto, Muscari ya armó su elenco para hacer la versión teatral de El anatomista , la novela de Federico Andahazi, que hará en abril del año que viene, en el Regina, con producción de una compañía de cosméticos. Integran el elenco Walter Quiroz, Antonio Grimau, Sofía Gala Castiglione, Romina Ricci y Alejandro Awada.

Eva Perón espera a Nacha. Parece que estaría casi todo listo como para que, el año próximo, el musical Eva (de Nacha Guevara, Pedro Orgambide y Alberto Favero) pueda volver a escena. Pero no en Buenos Aires, sino en España. Sus productores recibieron una propuesta concreta para hacer una temporada en ese país, aunque están a la espera de una respuesta de Nacha Guevara, ya que seguramente estará muy ocupada con su rol de diputada electa.

Teatro e historia. El grupo de teatro El Convento está preparando una obra que recrea un encuentro fortuito entre tres figuras de la historia: Leonardo Da Vinci, Maquiavelo y César Borgia. El bello engaño está basada en el alzamiento que sufrió este último a manos de sus capitanes. Con esta propuesta quieren plantear una reflexión sobre la difícil relación que existe entre el hombre, el poder y la política, con un revestimiento de actualidad. Esta obra, dirigida por Martín Barreiro, con Pablo Camaití, Fernando Blanes, Luciano Crispi, Diego Verni y músicos, se estrenará en octubre, en esa sala del microcentro.

Fuente: La Nación

Eduardo Rovner: Illia (¿quién va a pagar todo esto?)

Una obra que le rinde tributo a Illia

¿Por qué escribió una obra sobre Arturo Illia?

La escribí hace más de 10 años. Era la década de los '90, época en la que yo sentía que a la orden del día estaban la corrupción, la ostentación de la corrupción y la venta del país. Y pensé que el modelo exactamente opuesto a eso era Illia, un ejemplo de honestidad y austeridad. Todo lo que hizo fue para tener un país independiente y soberano. Para escribir Illia (¿quién va a pagar todo esto?) —que se estrenará el lunes en el Teatro 25 de Mayo—, me reuní mucho tiempo con Emma, la hija de Illia, y con Luis Caeiro.

¿De qué se trata?

La obra tiene dos ejes: por un lado, la vida privada y política de Illia. Y por otro, el avance del Golpe hasta que lo sacan. Es una obra histórica y polémica, porque toma partido ético e ideológico. Illia fue el único presidente de la historia que disminuyó la deuda externa. Lo admiro.

¿Quiénes integran el elenco?

Arturo Bonín hace de Arturo Illia. Patricia Viggiano interpreta a la esposa, y Mercedes Funes, a Emma. También actúan Alex Benn, Fabián Rendo, Miguel Dao y Hernán Jiménez. La dirección es de Alberto Lecchi.

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Guillermo Cacace: Stéfano y Babilonia

Los caminos de Discépolo

Habla de su puesta de "Stéfano", que ganó gran cantidad de premios, y de su versión de "Babilonia".

Guillermo Cacace recibió el premio Trinidad Guevara por su dirección de Stéfano; también el María Guerrero, Teatro del Mundo y otros premios o nominaciones, así como Raúl Ramos fue multipremiado como actor por esa obra. Mientras con esta versión fiel Cacace muestra la vigencia de Armando Discépolo, presenta paralelamente una versión de Babilonia reescrita y contemporánea. "A Stéfano no le falta nada, mi único problema como director es lograr que suceda, encontrarle las acciones. Era una deuda conmigo, desde la primera vez que uno lee a Discépolo y tiene ganas de hacerlo. Pero Babilonia, aunque también tiene una estructura dramática impecable, me resulta ingenua para el desgarramiento que hoy tiene lo racial y las migraciones obligadas. Me interesaba mucho encarar esto; porque percibo cotidianamente el miedo al vínculo con el otro, que que está estigmatizado como el extranjero. El proyecto fue hacer las dos obras, desde que iniciamos el trabajo en el estudio teatral Apacheta con otros actores, porque Discépolo se asocia a nuestra sensibilidad. Y a mi manera de concebir el teatro: apela inmediatamente al cuerpo. Hay una animalización del cuerpo, de la persona que desesperadamente trata de aferrarse a un rayito de luz en esa gruta a la que remite el grotesco; y no es que cuando cae la máscara social aparece el rostro como dicen los estudiosos: para mí aparece la nada. Lo grotesco habla de nosotros sin forzar un mensaje, sin especulaciones; Stéfano habla por sí sola y conmueve. Además, coincidió con la muerte de mi padre; siempre monto la obra hasta el final y luego trabajo los detalles; pero en este caso me resistía a la última escena. Cuando viajé a España a escribir mi versión de Babilonia, fui también a Italia a conocer a los Cacace que quedaban allí."

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Maxi Ghione

Nota del 1 de septiembre

Un "contrera", como dice que es él

Pasado mañana se estrena "La cocina" (en el teatro Regio).

Sí, hace cuatro meses, cuando yo estaba grabando Casi ángeles, me llamó Alicia Zanca (la directora de la puesta), con quien ya había trabajado, para convocarme. Mi personaje se llama Pedro, es un revolucionario, un rebelde, medio contrera, como soy yo. Está muy enamorado, aunque su amor no es correspondido. Y en la cocina, está a cargo del sector de los pescados.

Justo vos, que sos dueño de un restaurante...

Exactamente. Se llama Agora y está en La Plata, lo tengo junto con un socio y amigo. Si bien nací en Bahía Blanca, viví varios años en La Plata, entre los 15 y los 23. Agora lo inauguramos hace poco más de un año y es un lugar familiar.

Además, estás por empezar a grabar.

A mitad de mes arrancan las grabaciones de Botineras (saldrá por Telefé), donde voy a interpretar a Marcos, un periodista de policiales. Estrenamos La cocina y enseguida empiezan las grabaciones de Botineras. Por suerte, no se superpusieron con los ensayos.

¿Tu mujer está en algún proyecto?

Está armando un proyecto teatral junto con Agustina Lecouna. Mi mujer, Ana Carolina Valsagna, es mexicana. Nos casamos hace casi cuatro años y ahora que nuestro hijo, Juan, tiene 3 años, está tratando de insertarse laboralmente.

Fuente: Clarín

Noveno festival de Dramaturgia Europea Contemporánea

Intercambio de talentos

Se desarrolla en Buenos Aires y Santiago de Chile el encuentro entre autores europeos y jóvenes directores locales.

Casi en simultáneo, la Argentina y Chile comparten el intercambio entre jóvenes directores locales y nuevos autores europeos. Se trata de espectáculos en formato semimontado, lecturas dramatizadas y sesiones de trabajo. En Santiago, por estos días, se desarrolla la novena edición del festival de Dramaturgia Europea Contemporánea, uno de los eventos teatrales más prestigiosos del país junto al Santiago a Mil y la muestra nacional de dramaturgia. Mientras que en Buenos Aires, existe un ciclo de similares características hasta fines de septiembre.

En este corredor de textos hay autores alemanes, franceses, italianos, suizos, austríacos, españoles y croatas. Varias obras que se vieron en formato semimontado, en las sucesivas ediciones del ciclo tanto en Santiago como en Buenos Aires, luego fueron estrenadas incluso en teatros oficiales. Entre los directores argentinos, participan Carolina Balbi, Agustina Muñoz y Analía Fedra García. De chile, algunos de ellos son Luis Barrales, Ana Harcha y Luis Ureta. Miradas sumamente distintas entre sí.

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Jonathan Elías y Michael Feigenbaum: Momentum

Nota del 1 de septiembre

“Lo que se ve aquí no se ve en todos lados”

El dúo se refiere a la respuesta que suele encontrar en el público local, y no parece un lugar común: su última presentación aquí terminó con una “zapada” con público en el Obelisco. Esta vez, el espectáculo gira alrededor del concepto del tiempo.

El lobby del hotel céntrico donde se encuentra el elenco de Mayumana en Buenos Aires parece la sede de un encuentro internacional: españoles, holandeses, israelíes, suizos, costamarfilenses, brasileños, belgas, haitianos y, claro, argentinos, van de un lado para otro. Pero no vienen a debatir sobre política mundial, vienen a presentar a partir de este jueves Momentum, el nuevo espectáculo del grupo. Y ese eclecticismo de nacionalidades, sumado a las diversas habilidades, técnicas y destrezas en las que se especializan, hace que no sea tarea sencilla intentar definir qué es Mayumana. Ni siquiera Jonathan Elías (el argentino del grupo) ni el suizo-israelí Michael Feigenbaum, en diálogo con Página/12, pueden definirlo exactamente: “Para este tipo de shows se necesita gente muy polifacética porque todos bailamos, todos tocamos percusión, todos cantamos... No alcanza con ser el mejor percusionista del mundo, porque si no te puedes mover, no vas a trabajar nunca en Mayumana”, coinciden.

Elías se sumó a Mayumana el año pasado para el estreno de Momentum, que se realizó en España (donde vive desde 2001); Feigenbaum ya suma diez años en el elenco. Y, a pesar de la experiencia, tampoco les resulta sencillo describir con precisión cuál es su tarea dentro del grupo, pero –después de tanto tiempo– lo toman con humor. “Yo digo ‘artista’. Fácil”, lo resuelve el argentino. “Y ahí entra actor, músico, todo. Pero si alguien me dice ‘Dale, de qué trabajás’, y contesto que soy actor, a veces insisten `No, pero un trabajo de verdad’”, se ríe. Feigenbaum, por su parte, cuenta que “la última vez en Migraciones escribí ‘bailarín’. Y me preguntaron ‘sí, pero ¿qué vas a hacer realmente?’. Es como si me preguntaran ¿y de grande qué quieres ser? ¡Ya soy grande! Y hago cosas muy buenas, tocando la basurita, los cubos y todo eso... Hago de todo: en Mayumana bailo, actúo, clown, toco la guitarra, percusión, beat box, rap, viviendo con mis amigos”, se entusiasma.

–¿Cómo se incorporaron a Mayumana?

M. F.: –Yo no quería ir al casting, y mi novia me dijo “Tú vas al casting, y basta”, y enamorado fui al casting... ¡ahora no estoy con ella pero sigo en Mayumana! Diez años ya... Yo creía que no podía hacer esto. Los había visto en un programa de televisión y dije guau, pero pensaba que no tenían nada que ver conmigo, que no tenía la posibilidad de hacer esas cosas, pero estaba equivocado... Entré por el mundo del hip hop, haciendo beat box y rap, y ahí empecé con la percusión, y tomar clases de baile de varios estilos, árabe, capoeira, cantar, actuar, clown...

J. E.: –Yo los vi en 2003 en Madrid, y en 2006 trabajaba en (la compañía española) Yllana, que es de humor y música también, y se hizo una coproducción con Mayumana, un espectáculo juntos. Ahí tomé más contacto con ellos y tal, y dos años después hice el casting para Momentum... y aquí estoy. Empecé de muy chiquito con la música, familia de músicos: mi viejo es músico frustrado y peluquero. Empecé por ahí y de más grande me interesé por la actuación, las acrobacias, los malabares, el baile. De a poco vas descubriendo, por más que te guste más la música..., digamos que el árbol va abriendo las ramas.

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* Momentum se presenta del 3 al 10 de septiembre (lunes, miércoles, jueves y viernes a las 21, sábado a las 19 y 22 y domingo a las 17 y 20) en el Gran Rex, Av. Corrientes 857.

Norman Briski

"No soy más judío ni peronista ni izquierdista"

Tiene cinco obras en cartel; es el psicólogo de Tratame bien; el jueves estrenará en cine Los chicos desaparecen, y dice no saber si se está muriendo o naciendo para otra cosa

Cinco proyectos lo tienen en este momento como director. No actúa en ninguno y esto le parece "algo exótico". Norman Briski hoy despunta el vicio de la actuación en TV y eso puede parecer extraño (también lo hace en el cine: el film que protagoniza, Los chicos desaparecen, de Marcos Rodríguez, se estrenará pasado mañana en las salas). Pero el psicólogo que interpreta en Tratame bien, por El Trece, es el único pequeño espacio que le ha dado a su ser actor. "Y lo paso fenómeno ahí con Cristina Banegas, Julio Chávez y el resto de la gente ?cuenta?. Es que mi práctica escénica hoy se da por los lugares de la dirección".

Y también por la divulgación de su producción como dramaturgo, ya que varios de los trabajos que presenta son de su autoría. Un campo que ha venido desarrollando con fuerza en los últimos años y que lo llevó también a publicar sus textos. Sin ir más lejos, acaba de estrenar en Calibán, su espacio, Cabezas trocadas, una peculiar obra en la que la magia y la política parecen darse la mano.

El creador dice que "al teatro uno no lo hace cuando se lo propone sino cuando las cosas se dan. Este es el único país del mundo donde muchísima gente está trabajando sin otro interés que jugar con esto que es tan lindo y que es el teatro. ¿Pertenezco a una raza en extinción? No da la sensación porque el teatro como deporte sigue muy vivo".

¿En eso también entra tu experiencia de dramaturgo?

Es un placer muy distinto al de la actuación y la dirección. Lo paso bárbaro. Ojalá pueda tener más tiempo para escribir, aunque va a venir solo, porque una gamba no va a querer andar más o un brazo tendrá su problema. Y ahí me dedicaré de lleno a la escritura. Probablemente vaya amasándome con la escritura, como un varón domado que escribe. Recién ahora da la impresión de que escribo bien. Me doy cuenta de que las palabras se parecen a lo que uno piensa cuando les das tiempo. Las palabras tienen su propia iniciativa. Por suerte he vivido el tiempo social histórico de la lengua anterior a esta informática. Hubo un momento en que los hombres pusieron la lupa en el lenguaje. Adoro a Benjamin, a Roland Barthes, a Jean-Paul Sartre, a toda esa gente que me ha dado un instrumento humanista del lenguaje, no un instrumento posmoderno del lenguaje. Con la informática aparece ese vaciamiento tan doloroso.

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Vidé/La cinta fija se presenta los jueves, a las 20, en el Centro Cultural Caras y Caretas (Venezuela 370). En su sala Calibán (México 1428 PB 5), ofrece Cuentos para el coco, los lunes, a las 21; La posta de los generales, los sábados, a las 20.45, y Cabezas trocadas, los sábados, a las 22.30. En tanto que los viernes, a las 21, sigue en cartel en el Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543) Solo brumas, de Eduardo Pavlovsky, con su dirección.

Vidé/La cinta fija, un desafío casi brechtiano

Centro Cultural Ricardo Rojas

Nota del 1 de septiembre

Cumple 25 años un baluarte de la renovación

Como festejo, habrá una amplia programación

En lo que va del actual período democrático, ninguna otra institución pública supo entender, contener y expandir a los artistas emergentes como lo hizo (y en cierta manera, lo sigue haciendo) el Centro Cultural Ricardo Rojas.

A fines de los ochenta y principios de los noventa, por allí pasaron todos los viejos peinados nuevos de la época que, desde la nada, comenzaron a romper las estructuras establecidas. Desordenadamente y sin intención cronológica alguna, se subieron al escenario Los Melli; el escritor César Aira daba una charla; el grupo Las Gambas al Ajillo hacía furor; la directora Vivi Tellas creaba un ciclo que tendía un puente entre los museos y la investigación escénica; Beatriz Sarlo y Ricardo Piglia reflexionaban sobre cultura y democracia (en esa mesa redonda, según cuentan, en 1984 nació el Rojas); la coreógrafa Adriana Barenstein fundaba una compañía de danza-teatro; tomaba impulso el ciclo Molotov, mientras Jorge Gumier Maier armaba la galería de arte. Claro que frente a cada una de estas experiencias había un público que, después de los años de dictadura, buscaba aire casi con desesperación. En retrospectiva, el Rojas fue eso: una maravillosa bocanada de aire fresco que supo sintetizar las necesidades de su tiempo.

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Laura Yusem, Griselda Gambaro y Adriana Aizenberg: El misterio de dar

Telón abierto en el Cervantes

Laura Yusem dirige la obra de Griselda Gambaro, con Adriana Aizenberg, mientras que Manuel Iedbavni lleva adelante la creación de Mario Diament

Las tres señoras se juntan a tomar el té unos minutos antes de que comience uno de los ensayos. Adriana Aizenberg trae masitas: es una manera de compartir alegría y chochera por el reciente nacimiento de su primer nieto. Laura Yusem y Griselda Gambaro reparten besos, abrazos y congratulaciones. Hacen comentarios sobre la ropa que viste impecablemente Yusem ("No deja al azar ni el menor detalle", afirma Aizenberg), y sobre el viaje de Gambaro desde la zona sur del conurbano. Esta escena -totalmente alejada de la ficción- ocurrió hace ya un par de meses, justo antes del cierre de los teatros por la gripe A, de la Feria del Libro Teatral, y de algunas complicaciones de orden técnico y económico que rondaron por los pasillos del Cervantes. Todas estas situaciones parecieron haberse complotado como para que el estreno de El misterio de dar , obra de Griselda Gambaro, que protagoniza Adriana Aizenberg con dirección de Laura Yusem, sucediera casi sorpresivamente este último sábado (la obra tiene funciones de jueves a sábados, a las 19, y los domingos, a las 18.30). Algo parecido ocurrió con la obra de Mario Diament, Un informe sobre la banalidad del amor , que desde anoche se adueñó de la sala Orestes Caviglia del mismo teatro.

A la hora del té, las tres parecen íntimas amigas. Es la consecuencia de los encuentros, de los ensayos, de la confianza y de la entrega, ingredientes indispensables para que el trabajo sea disfrutable, dichoso, productivo y festejado, cosa que las señoras en cuestión se apresuran a aclarar.

"Yo soy una especie de tábano con Griselda, que le está siempre encima; cada seis meses la llamo y le pregunto si tiene algo nuevo. Y siempre me dice que no", dice Yusem, pero con cierto humor, ya que ha estrenado obras de Gambaro casi como ningún otro director, desde aquella La malasangre de 1982 (que dirigió varias veces) que puso en escena en el viejo teatro Olimpia.

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