“Nos atrajo esa combinación de humor y cosa espeluznante”
La actriz y el director subrayan qué fue lo que los atrapó de la novela Las primas, de Aurora Venturini, para llevarla a la escena. Ferradás define al personaje de Yuna Riglos como “una mujer que emerge del horror familiar y se salva por el camino del arte”.
“Las primas es una novela única, extrema, de una originalidad desconcertante, que obliga al lector a hacerse muchas de las preguntas que los libros suelen ignorar o mantener cuidadosamente en silencio.” Con esas palabras, el jurado integrado por Juan Ignacio Boido, Juan Forn, Rodrigo Fresán, Alan Pauls, Sandra Russo, Guillermo Saccomanno y Juan Sasturain fundamentó en 2007 la decisión de otorgar el Premio de Nueva Novela Página/12 a Las primas, obra de la platense Aurora Venturini. Por entonces, la autora contaba con 85 años. Licenciada en psicología, con más de treinta libros en su haber, premiada en el país y en el exterior y luego olvidada, Venturini tiene hoy la satisfacción de saber que su novela ya lleva vendidos en todo el país más de 35 mil ejemplares y está pronta a convertirse en un éxito en España e Italia. Dueña de un estilo contundente, perturbador y hasta capaz de escandalizar a muchos, Aurora experimenta –según quienes la conocen de cerca– un espectacular cambio de rutina desde que este premio la hizo retornar a la vida literaria.
Cuando supo que su novela fue premiada, la autora declaró haberla escrito de un tirón, en dos meses. Yuna Riglos, la protagonista de Las primas y también su voz narrativa, se presenta así: “Soy una minusválida reeducada pero –créanme– el temor a la caída nunca me abandonó porque yo soy descendiente de una familia degenerada y maltrecha”. Ni común ni normal, tal como el mismo personaje lo asegura, el entorno familiar de Yuna se compone de varios personajes a cual más singular: su madre (“maestra de puntero y guardapolvo blanco”), una hermana paralítica, una tía descentrada y dos primas: Petra, una enana liliputiense que acabará ejerciendo la prostitución hasta su casamiento, y Betina, que muere tras haber quedado embarazada de un vecino. También vive en su casa el profesor de dibujo que ocupa un lugar de importancia en la trama. Porque Yuna se perfila como una pintora de fuste desde temprana edad. Y esto es lo que, finalmente, le cambia la vida.
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Textual
Lo mejor de la temporada
Los premios de la Asociación de Cronistas del Espectáculo (ACE) correspondientes a la temporada teatral 2009/2010 se entregarán en el Teatro El Nacional el martes a las 22.15, con la conducción de Gabriela Rádice. La ceremonia será transmitida en vivo y en directo por Canal 7. Entre las obras con más nominaciones se encuentran: Todos eran mis hijos (drama, protagónico masculino por Lito Cruz, protagónico femenino por Ana María Picchio; actor de reparto por Esteban Meloni y Federico D’Elía, actriz de reparto por Vanesa González y revelación femenina por Marina Bellati) y Ala de criados (obra argentina, actor en teatro alternativo por Alberto Ajaka y Esteban Bigliardi; actriz en teatro alternativo por Laura López Moyano, dirección en teatro alternativo por Mauricio Kartun, escenografía y producción). También, Rey Lear (siete nominaciones), El descenso del monte Morgan (seis nominaciones) y Un dios salvaje (seis nominaciones). Las siguientes son las principales categorías: Drama (Marathon, Medea, Raíces, Rey Lear, Todos eran mis hijos), comedia (El descenso del monte Morgan, La gran magia, Los 39 escalones y Un dios salvaje), obra argentina (Ala de criados, Mauricio Kartun; El pasado es un animal grotesco, Mariano Pensotti; Illia. Quién va a pagar todo esto, Eduardo Rovner; Un informe sobre la banalidad del amor, Mario Diament), director de drama (Claudio Tolcachir, Todos eran mis hijos; Manuel Iedvabni, Un informe sobre la banalidad del amor; Rubén Szchumacher, Rey Lear; Pompeyo Audivert, Medea), director de comedia dramática y/o comedia (Daniel Veronese, El descenso del monte Morgan; Gabriela Izcovich, Aráoz y la verdad; Javier Daulte, Un dios salvaje; José María Muscari, Fuego entre mujeres), actor protagónico en drama (Alfredo Alcón, Rey Lear; Arturo Bonín, Illia. Quién va a pagar todo esto; Boy Olmi, Sótano; Lito Cruz, Todos eran mis hijos; Osmar Núñez, Un informe sobre la banalidad del amor) y actriz protagónica en drama (Alejandra Darín, Un informe sobre la banalidad del amor; Ana María Pi-cchio, Todos eran mis hijos; Cristina Banegas, Medea; Melina Petriella, Raíces).
Fuente: Página/12
Aro y trapecio a contraluz
Mariana Sánchez dirige esta compañía que presenta sus Grandes Éxitos en un espectáculo lúdico que apuesta a la estimulación de los sentidos.
Para algunos el circo es cosa seria. Y para Mariana Sánchez lo es. Ella dirige la compañía de acróbatas, trapecistas y bailarines llamada Circo Negro, que tiene en cartel el espectáculo Grandes éxitos en el Club de Trapecistas.
Este es el tercer trabajo de la compañía que está integrada por alumnos del Club que fueron formados por Sánchez. “La primera puesta fue Mamushka. Para eso convoqué a diez de mis alumnos, y estuvimos en cartel dos años. Tres años después, estrenamos Mandhala, y ahora estamos haciendo Grandes éxitos, una combinación de los dos.”
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Un fantástico viaje al país de la imaginación
Diego Ramos invita al juego en una puesta de raíz circense contemporánea basada en la obra de María Elena Walsh
Las palabras juegan. Sobre el escenario se convierten en piruetas de saltimbanquis, en imágenes de sorprendente creatividad. El cancionero de María Elena Walsh reencuentra su veta profundamente innovadora a medio siglo de haber nacido, en una feliz conjunción con la estética del nuevo circo y una puesta en escena que saca provecho lúdico de cada verso.
En Descubriendo el País de Nomeacuerdo , vuelve a protagonizar Diego Ramos una versión de la obra de la juglaresa de la infancia, para dar continuidad al hallazgo que fue la puesta de Doña Disparate y Bambuco durante la temporada pasada, en ambos casos con dirección de Juan Bautista Carreras. Alguna coincidencia con la estética del Cirque du Soleil , aunque fuera casual, es bienvenida en este caso.
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Teatro ND Ateneo, Paraguay 918. Entrada $ 40.
Una familia muy poco normal
Comenzaron haciendo dos funciones semanales y ahora hacen 6 con igual éxito
La información "oficial" del espectáculo teatral La omisión de la familia Coleman cuenta que la obra trata de "una familia viviendo al límite de la disolución". En otro párrafo habla de "una convivencia imposible". A la luz del tiempo transcurrido, parece un chiste. Es que los Coleman resisten, aguantan y superan barreras casi infranqueables dentro del esquema de producción y exhibición del circuito alternativo. De hecho, hoy, el espectáculo de Claudio Tolcachir festeja su quinto año de vida.
Comenzaron el rito de contar la trama de esta familia al borde de la disolución permanente otro fin de semana de agosto de 2005. La función de aquel sábado fue a las 21, en un PH ubicado al fondo de un largo pasillo, en un departamento devenido sala teatral, que se llamó Timbre 4. Barrio de Boedo, para más datos.
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Circo. La acrobacia convertida en lenguaje poético en Grandes éxitos , de la troupe Circo Negro, dirigida por Mariana Sánchez. Club de Trapecistas Estrella del Centenario, Ferrari 252. Sábados y domingos, a las 19. Desde $ 20.
En el museo. Quinquela y los barcos ofrece una introducción teatral a la obra del pintor de La Boca, en una puesta en escena de Osvaldo Tesser. Museo Eduardo Sívori, Paseo de la Infanta 555, frente al Rosedal de Palermo. Domingo, a las 14.30. Gratis.
La Galera. Héctor Presa vuelve a encontrarle una vuelta de tuerca de humor a un clásico con El payaso de Oz . Teatro Larreta, Mendoza 2250. Sábado, a las 16, y a las 17.30; domingo, a las 17.30. Entrada: $ 30.
Títeres. Sergio Ponce sube al retablo tres breves obras para títeres de guante. Museo del Títere, Piedras 905. Sábado, a las 16, y a las 17.30. Entrada: $ 20.
Fuente: La Nación
Una delirante comedia dramática
Luciano Cáceres, en su rol de director, logra sostener un ritmo intenso
Cuatro clones de Elvis Presley. Una mujer que responde a los intereses de la empresa Elvis Group Corporation y su torpe asistente. Un ambiente tecnologizado al extremo y dos historias en paralelo. En la primera, la intención de encontrar al rey del rock and roll, quien parecería no estar muerto. En la segunda, los clones ansían su libertad. ¿Por qué no la tienen? Porque poseen una misión: la de generar investigaciones que permitan encontrar a Elvis que, en apariencia, está escondido en algún lugar del mundo.
Esa búsqueda se torna cada vez más agotadora porque los resultados son siempre negativos. La Elvis Corporation no se resiste. Los clones deberán llegar a buen puerto, de lo contrario corren el riesgo de permanecer encerrados de por vida. Cada uno de ellos posee cualidades muy distintas, tanto en lo que hace a sus conductas como a sus físicos.
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La transformación de una gatita
La actriz y vedette se anima a un unipersonal de la mano del director Claudio Gotbeter, el autor del texto
Una nota corta sobre Sandra Villarruel, ¿se acuerda? Era Lolita, una de las gatitas y ratones de Porcel. Nunca se alejó del ambiente artístico, pero en este tiempo, con un poco más de ropa, se puso a entrenarse mucho como actriz dramática, de hecho, mañana, a las 21, estrenará Si alguien lo sabe por favor que lo diga , unipersonal con libro y dirección de Claudio Gotbeter, en el Espacio Colette del Paseo La Plaza, apto para toda la familia.
"El personaje se llama Cala y, como la flor, es muy exótica. Está llena de dudas e incertidumbres. Cuando leí el guión por primera vez pensé que no podía existir una persona así. Sin embrago, con el tiempo descubrí que esas dudas e incertidumbres son las mismas que de alguna manera todos llevamos dentro", desliza Villarruel, que luego de ser gatita de Porcel estudió actuación, narración infantil y danza jazz con importantes docentes como Norman Briski, Lito Cruz, Carlos Evaristo, Héctor Esteves y Moira Chassman.
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Si alguien lo sabe por favor que lo diga, con texto y dirección de Claudio Gotbeter.
Espacio Colette, Corrientes 1660. Domingos, a las 21. Entradas: $ 40, con consumición.
El actor, director, autor y régisseur fantasea sobre el encuentro entre Eva y Miguel de Molina, “artistas alcanzados por la historia”.
En el imaginario del argentino-francés Alfredo Arias es posible relacionar a Eva Perón con el cantante español Miguel de Molina y crear una dramaturgia desde lo emocional. El resultado es Tatuaje, obra concebida en Buenos Aires junto con un elenco argentino, vista en un ensayo abierto en 2009, estrenada en el Théâtre du Rond Point de París, formando parte de un tríptico, y ahora –con los mismos intérpretes– en el Teatro Presidente Alvear. Si bien dice no interesarse por las piezas que registran encuentros de grandes personajes, Arias halló paralelos en Eva y Molina al tomar conocimiento de un encuentro real. Anudó fantasía e historia, y armó un music hall que pretende ser “un poema sobre marginados”, seres que –más allá de su poder o sus cualidades– difícilmente logran la aprobación de los estamentos tradicionales de una sociedad.
Su espectáculo desarrolla episodios vividos por “dos artistas alcanzados por la historia”, de modo que, echando mano de un recurso muy suyo de insertarse en la realidad y comentarla sin desdeñar fantasmagorías, Arias convierte a Eva en Eva del Sur, “actriz en un teatro que va desde las Cataratas del Iguazú a la Patagonia”, y a Molina en Miguelito Maravillas, “quien desarrolla su arte en los teatros de Buenos Aires”. Señala que una y otro “se inventaron un personaje” y que esto les facilitó la sobrevivencia. Según este actor, director, régisseur, y esta vez también autor, “convertirse en personaje es protegerse; colocarse la coraza que permite el ingreso al mito: Eva es un mito total y Molina es el mito del ser flotante y poético”. Tatuaje nació luego de la lectura de Botín de guerra, libro de memorias del cantante. Arias se interiorizó en lo vivido por este artista perseguido por el franquismo –según se dijo, por homosexual–, nacido en Málaga en 1908 y fallecido en Buenos Aires en 1993. Molina fue encerrado y apaleado en su país y tuvo que exiliarse. Luego de varias peripecias y ya en la Argentina fue expulsado, buscó refugio en Uruguay y desde allí pidió a Eva Perón el ingreso.
–¿Hacer foco en los aspectos emocionales le proporciona mayor libertad?
–Tatuaje no es una pieza política ni histórica, aunque se comente la persecución padecida por Molina. En su libro, él cuenta su detención en dos pueblitos y recuerda el sufrimiento de una paliza descomunal. No tenía armas, era sólo un cantante y, sin embargo, se vio obligado a atravesar un infierno, desafiando con su sobrevivencia a un régimen autoritario.
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La ficha
El regreso a Francia
Detalles de la puesta
De dioses muy salvajes
Paseo La Plaza, Corrientes 1660. Viernes, a las 21.30; sábados, a las 20, y a las 22, y domingos, a las 20.30. Entradas: desde $ 80.
El director Javier Daulte se convierte aquí en un genial manipulador de tiempos y tensiones escénicas. Hay que reconocerle que la primera medida que tomó, la elección del elenco, fue una de las más inteligentes y efectivas. Ellos son Fernán Mirás, Gabriel Goity; María Onetto y Florencia Peña.
Fuente: La Nación
Gente marcada por la persecución
Hoy se estrena Tatuaje, un musical que explora la vida de Eva Perón y Miguel de Molina. Alejandra Gadano y Sandra Guida, dos de sus protagonistas, explican por qué los realities “les pudrieron el cerebro a la humanidad”.
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El camino del encuentro
Humor negro para celebrar el VIPCentenario
Germán Akis, autor y director.
–¿De qué trata tu última obra?
–Fiambres argentinos es una comedia negra que deambula por la historia argentina. Se cuentan todos los pormenores cómicos de la historia de nuestro país, y las protagonistas son dos mujeres que no mueren nunca y se divierten envenenando a todos. Sostienen que el país está lleno de gente indeseable.
–¿Por qué lo definís como humor negro?
–Porque se hace humor con lo terrible. Tiene mucho que ver con la muerte. Las dos mujeres son descendientes de (Julio Argentino) Roca y a él lo tienen como un adalid. Buscábamos mostrar cómo un arquetipo como Roca, a quien siempre hemos admirado, no es tan arquetipo.
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Evita y Miguel de Molina unidos
El director, actor y dramaturgo se basó en acontecimientos reales e imaginarios que hicieron a la vida de ambos personajes. Esta pieza de teatro-musical se dio a conocer el año pasado en París y mañana llega al Presidente Alvear.
En su departamento de Barrio Norte, Alfredo Arias, dice a La Prensa, que "Tatuaje" -que estrena mañana, a las 21, en el Presidente Alvear- surgió a partir del descubrimiento del libro "Botín de guerra", la biografía de Miguel de Molina. cantante español que hasta su muerte vivió exiliado en Buenos Aires
"Miguel de Molina fue un artista (Málaga, 1908-Buenos Aires, 1993) cuenta Arias-, perseguido, torturado y obligado a exiliarse por el gobierno tras la Gueeea Civil De él me atrajo su voluntad de supervivencia, como artista perseguido y su encuentro con Eva Perón (1919-1952), en la Argentina. A Molina lo veo como el anunciador de una estética sofisticada y desde ese aspecto lo relaciono con personalidades como Marlene Dietrich, Caetano Veloso o David Bowie, que proponen algo distinto en el escenario".
"En este espectáculo de teatro-musical -agrega Arias- hay un degradé de la palabra hacia el canto. Yo hago un primer relato, Marcos Montes canta y cuenta y Carlos Casella canta varios temas. A Eva Perón la interpreta Sandra Guida y Alejandra Radano evoca a Conchita Piquer (la gran rival de Miguel de Molina), la que además hace el papel de una burguesa argentina, que se enamora de este artista y pretende casarse con él. En esta ficción los personajes se llaman "Eva del Sur" y "Miguelito Maravillas".
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La escena en pantalla
Cada vez son más los ciclos que, en televisión, muestran las maneras de hacer teatro. Aquí, un paneo sobre algunos programas y opiniones de varios protagonistas: Mauricio Dayub, Ricardo Bartís y Ricky Pashkus, entre otros.
Muestran lo que sucede detrás de la escena, entrevistan a los generadores de hechos teatrales en plena tarea, avanzan sobre lo que queda, detrás, o debajo, de la experiencia teatral que siempre parece evaporarse tras su ejecución. Actualmente distintos canales de cable despliegan en su grilla una docena de programas que indagan el proceso de creación teatral. Ya sea desde el acercamiento a los clásicos que propone Obra en construcción ; pasando por las grandes producciones internacionales, como la Sydney Theatre Company y su versión de Hedda Gabler ; hasta un ciclo dedidado el género musical con Ricky Pashkus en Un, dos, tres, cua… y la mirada a la creación en diversas provincias que presenta el ciclo que fogonea el Instituto Nacional de Teatro, Picadero TV .
Buenos Aires es una de las cinco ciudades del mundo con mayor actividad teatral. Y eso, como se ve, se refleja en la pantalla chica.
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Un poco de aire
Tras los pasos de un clásico
Un poco de historia
Tras los pasos de un clásico
“La televisión comienza a reconocer que el teatro argentino se ha convertido en un motor cultural potente, en el país y en el exterior. Y los medios captan ese interés”, dice Mauricio Dayub, conductor de ¿Por qué es un clásico?, que va por Canal Encuentro. El actor, director y dramaturgo participó en la concepción del programa que analiza, en su primer ciclo de trece capítulos, Esperando a Godot , de Samuel Beckett y La mala sangre , de Griselda Gambaro, entre otras obras.
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Pura fantasía pop
Mañana se estrenará Tatuaje , una obra de Alfredo Arias sobre el encuentro entre Evita y Miguel de Molina
Bar de Corrientes. Las dos entrevistadas, Sandra Guida y Alejandra Radano, terminan de hacer una nota con otro diario y, antes de volver a sentarse alrededor de una mesa, dicen tímidamente: "Ya volvemos". Alejandra parte raudamente entre las mesas toda vestida de negro con unas medias que podrían ser un fondo de alguna pintura de Paul Gauguin. Sandra la sigue. También está de negro; arrastra entre las mesas una valijita, como si estuviéramos en un bar de Ezeiza. Van al baño. Al ratito reaparecen como si vinieran del free shop con retoques de maquillaje, sus peinados en perfectas condiciones y cambio de vestuario. Lo que se dice "glamour total".
¿Se pusieron de acuerdo para vestirse así? Lo niegan con suma naturalidad. No les creo. Se lo digo. Insisto. Ellas insisten en la negativa. "Esto pasó desde el primer día que empezamos con Chicago . No sabemos por qué, pero siempre estábamos combinadas sin ponernos de acuerdo previamente. Después de tantos años, ya nos conocemos...", reconoce Sandra. Su compañera de ruta define la sincronización como algo relativo al mutuo entendimiento. Concluye la idea con una expresión contundente: "Esto [por ese cuidado look, por ese tapado naranja que resalta sobre el negro o por el juego de encajes y escotes] es el final de una idea". En ellas, parece cierto.
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Tatuaje, creación de Alfredo Rodríguez Arias, con vestuario de Pablo Ramírez y arreglos musicales de Diego Vila.
Presidente Alvear, Corrientes 1659. De miércoles a sábados, a las 21; y los domingos, a las 19.30. Desde 10 pesos.
Estrenos
Recién llegados. Ocho nuevas propuestas se suman esta semana en la cartelera porteña; abunda el humor.
UnosDos
Carolina Tejeda (protagonista de Harina) y José Mehrez (de Ars Higiénica y Absentha) escribieron, dirigieron y desde ahora protagonizan esta pieza que habla de un hombre y de una mujer con un pasado en común y un presente distante. Los lunes, a las 21, en el Teatro del Abasto, Humahuaca 3549. Entradas: $ 40.
Soja
Marina Filoc escribió y dirige esta obra que se mete en un pueblo de la provincia de Buenos Aires llamado Viboratá, en el que la soja está de parabienes, o no. Actúan Claudio Loello, Camila Vanore, Marina Cohen y Leo Méndez. Los viernes, a las 22, en Templum, Ayacucho 318. Entradas: $ 30.
Si alguien lo sabe por favor que lo diga
Sandra Villarruel, un ícono de los años 80, vuelve al teatro con esta pieza escrita y dirigida por Claudio Gotbeter. Una mujer intenta descubrir si está o no dormida; curiosamente, esto la enfrenta a resultados absurdos y contradictorios por tener cada vez más conciencia de sus actos. Los domingos, a las 21, en el Espacio Colette del Paseo La Plaza, Corrientes 1660. Entradas: $ 40, con consumición.
Lástima bandoneón mi corazón
La comedia de Eduardo Grilli cuenta qué le puede pasar a un dúo de tangueros cuando uno de ellos se enferma justo cuando les toca participar en un importante concurso. José Luis Quiroz dirige aquí a Alberto Mosquera, Nora Z. Mercado y Aldo Onofri. Los viernes, a las 21, en el Espacio Colette del Paseo La Plaza, Corrientes 1660. Entradas: $ 35, con consumición.
Password
Llega a escena esta comedia escrita y dirigida por Jorge Huertas que relata, en clave de humor, los intentos de varias estafas que se realizan al mismo tiempo. Caro Pofcher, Carlos Orlando, María Barrena, Daniel Reyes y Juan Pablo Repetto son sus protagonistas. Los viernes, a las 21, en Caras y Caretas, Venezuela 370. Entradas: $ 30.
Flor de viaje
Este es el nombre del último trabajo del grupo de teatro musical Ciertas Petunias, que cuenta con la dirección de Jorge Maronna, uno de los integrantes de Les Luthiers. El grupo -compuesto por guitarra, percusión, bajo, teclado y accesorios- utiliza recursos musicales, actorales y coreográficos para lograr en cada canción una escena diferente y singular. Los jueves, a las 21.30, en La Carpintería, Jean Jaurès 858.
Yo me quiero matar ¿y usted?
Espectáculo de humor a cargo de Martín Amuy, Silvio Bertero, Martín Font, Patricio Franco y Emiliano Lobo. Los viernes, a las 23, en El Piccolino, Fitz Roy 2056. Entrada: $ 30.
Romance con lobos
El director Martín Barreiro pone en escena esta pieza de Ramón del Valle-Inclán "porque refleja en su trama a un pueblo de desheredados, plagado de marginales, enfermos y locos; pero también a esa clase dominante cuyos rasgos de identidad siguen siendo la ambición, la lujuria y la violación constante de lo humano". Los viernes, a las 21, en El Convento, Reconquista 269. Entradas: $ 25.
Fuente: La Nación
“No pienso en el futuro”
La actriz inauguró Parir, una muestra que permite asomarse a sus otros costados creativos. Dice que busca “expresarse” y cuenta por qué no quiere que sus hijas vean El Anatomista.
Romina Ricci dice que siempre hace lo que tiene ganas. Quiere pintar al óleo, entonces pinta y arma una exposición. Tiene ganas de sacar fotos, viaja a París –una ciudad para inspirarse–, lleva una cámara profesional y se introduce en el mundo de la fotografía. En un momento quiso hacer un cortometraje, dijo “¡acción!” en la puerta de su casa y se puso a filmar. Ahora, tanto trabajo ecléctico de esta actriz con inquietudes se puede ver en la muestra que bautizó Parir y se presenta hasta el 28 de agosto en la Alianza Francesa (Billinghurst 1926). En este trabajo refleja su búsqueda multifacética. Cuenta con una reseña de Fito Páez, su ex pareja y padre de su hija, Margarita.
“El arte es puro gasto. Todo este trabajo es simplemente una expresión que necesito sacar afuera. Lo estoy haciendo con los medios que puedo”, cuenta Romina sobre su necesidad de abarcar tantas expresiones artísticas. Ella misma es la actriz de sus cortometrajes: varias veces le tocó estar en una escena, tirada en el piso y desde ese lugar gritó “acción”. “No me gusta pensar si esto me va a dar plata en algún momento. No pienso en el futuro. Tengo mi vida organizada de acá a unos días, nada más”, dice.
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Liz estudia en Londres
Decidida a seguir creciendo en su carrera, Liz Solari está por estos días en Londres, perfeccionándose en actuación y canto. Antes de viajar posó para la campaña de verano 2011 de una marca de zapatos y carteras. De a poco va dejando atrás el duelo por la repentina muerte de su novio, ocurrida en enero de este año.
Fuente: Clarín
Continúan las funciones de La imagen fue un fusil llorando, con autoría y dirección de Julio Molina y la actuación de Gabriel Fernández.
El texto de esta obra se genera a partir de "He visto morir de Arlt", una de las Aguafuertes que escribió Roberto Arlt luego de haber observado como cronista el fusilamiento de Severino Di Giovani
En La imagen fue un fusil llorando se parte de la observación del fusilamiento como situación dramática, la imposibilidad del regreso a la cotidianeidad a partir de haberlo visto.
Los domingos, a las 20, en Teatro Delborde, Chile 630, Capital Federal (San Telmo). Teléfono: 4300-6201.
Los vicios de una maestra de grado
Juan Pablo Geretto presenta un nuevo unipersonal donde interpreta a una docente de escuela pública que, entre la ternura y el hartazgo, convive a diario con sus alumnos y colegas. Nadie queda afuera de un código casi universal.
Desde una bruma de tiza, tal vez de borradores recién usados, aparece ella: la vieja maestra de escuela pública. Lo primero que se ve es su cara, con un corte de pelo carré con flequillo, bien parejito en las puntas, los ojos fijos en el público –como si buscara retar a algún alumno que habla en clase– y con un gesto de orgullo. Esa solemnidad es la que siente esta docente en un acto escolar, ante padres, docentes y chicos. Así presenta Juan Pablo Geretto a uno de sus personajes más conocidos en su último unipersonal Yo amo a mi maestra normal: un viaje hacia las costumbres de la educación pública, las frases más conocidas de los profesores y las golosinas de antes.
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“Siempre fui el típico plomo del colegio”
Alejandro Gardinetti, humorista.
–¿De qué trata Catarata de chistes?
–Es un unipersonal de humor. Dura una hora y media. Son todos chistes enganchados uno detrás de otro. Hay de judíos, de borrachos, de matrimonios, políticos. Lo que yo hago es tipo Verdaguer, de traje, paradito en el escenario y voy desarrollando los temas.
–¿Por eso “catarata”?
–Sí, porque es el estilo que me define. Cuento un chiste atrás del otro. No es como otros humoristas que cuentan cuatro chistes y hacen un bache. Lo mío es totalmente dinámico.
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Pizarnik, a la búsqueda de un jardín
La actriz y la directora prefirieron escapar del lugar común de indagar en la vida tormentosa de Alejandra Pizarnik. Hicieron uso de varios textos para investigar la potencia de su poesía.
Atrapadas por la poesía de Alejandra Pizarnik, la actriz Fabiana Rey y la fotógrafa Nora Lezano crearon Tapiz Pizarnik, performance que “cruza metáfora y cuerpo con la libertad que da el texto poético”, al decir de Rey, con trayectoria en esta línea de espectáculos. Ha realizado presentaciones sobre poemas y textos de Olga Orozco, Adelia Prado, Oliverio Girondo, Jorge Enrique Ramponi e Ivonne Bordelois, Allen Ginsberg y Cristina Piña, con quien estrenó Minimalas, Surrea... ¿Qué, parodia en torno del surrealismo y la poesía minimalista. Sus presentaciones sobre el material de Orozco fueron numerosas, entre otras Relámpagos de lo invisible, dirigida por Nora Lezano. “Viajé por el país a través de los programas culturales de Café Cultura, llevando poemas de Orozco y Atahualpa Yupanqui, como ‘El Cebadal Azul’. Trabajar con Nora me ayudó a crecer y Pizarnik era una asignatura pendiente”, resume la actriz. Esta vez, relacionó párrafos, versos, canciones y armó un relato que, en principio, denominó “Espacio Pizarnik”, porque –dice– “empecé escribiendo ‘Espacio. Gran espera. Nadie viene. Esta sombra... ’ (de Los trabajos y las noches). Era la búsqueda del espacio permanente, el jardín al que debía llegar. Ahí tomé conciencia de haber elaborado un cuento, y traté de evitar la palabra muerte”.
–¿Para no asociarla con el suicidio?
Fabiana Rey: –No quería caer en cosas oscuras. La imagen de Alejandra está muy pegada a ese final. Preferí destacar su mimetización con las artes plásticas: ella había tomado clases con el pintor Juan Battlle Planas. La poeta Ivonne Bordelois (autora del revelador ensayo El país que nos habla) nos mostró dibujos de Pizarnik que no están en Internet y decidimos incorporarlos al espectáculo.
Nora Lezano: –Uno de los que fotografié aparece en Tapiz...
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* Tapiz Pizarnik, performance poético-teatral con textos de Alejandra Pizarnik. Dramaturgia e interpretación de Fabiana Rey. Filmación y edición de video: Esteban Perroud. Música y sonorización: Ignacio Viano. Asistencia de dirección y animación: Alejandro Pippa. Dirección y puesta en escena de la fotógrafa Nora Lezano. En la Sala Raúl González Tuñón del C. C. de la Cooperación, Corrientes 1543. Funciones: viernes a las 20.15. Hasta el 20 de agosto. Localidades: 35 pesos. Descuentos a jubilados y estudiantes. Reservas: 5077-8077.
La escena pasa por la imprenta
Desde hoy, y hasta el domingo 15, tendrá lugar la VIII Feria del Libro Teatral. Como todos los años, el evento se desarrollará de 17 a 21 en el foyer del Teatro Nacional Cervantes (Libertad 815). Además de personalidades de la cultura, en el acto inaugural estarán presentes las autoridades de la Feria, incluida María Kodama, su madrina en esta edición. En homenaje al Bicentenario, Julieta Díaz, Luisa Kuliok, Ingrid Pelicori y Horacio Peña, entre otros, leerán fragmentos de Mayo, de Alberto Wainer, sobre textos de Juan Bautista Alberdi y Juana Manso. También en el día de la apertura se ofrecerá un taller sobre crítica teatral, a cargo de Jorge Dubatti. Además de la exhibición de ediciones nuevas y rarezas, todos los días habrá presentaciones de libros y fragmentos de obras, mesas redondas y conferencias.
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Prepotencia de trabajo
A punto de estrenar nueva sala y un nuevo espectáculo. También dirigirá una obra de Gorostiza.
No concibo mi vida sin el trabajo. Creo que si tuviera que dejar de trabajar me muero.
La sala El duende tuvo que cambiar de espacio. Allí enseñé y ofrecí obras durante cuarenta años. Estoy a punto de estrenar, en el nuevo lugar, un espectáculo: dos obras cortas, El largo adiós de Tennessee Williams y Voces de familia de Harold Pinter. Dos textos que se conjugan muy bien: tratan el mismo tema, pero son opuestos desde el punto de vista escénico. Y eso es lo atractivo: en el contraste, lograr una unidad. Las obras aluden a la desintegración familiar y no hay intervalo: encontré la manera de unirlas. La unión forma parte del espectáculo.
Gorostiza, mire usted, con noventa años, ha escrito una nueva obra. Me llamó por teléfono y me pidió que la dirija yo: para mí, es un honor. La leí y me encantó la pieza: la vamos a hacer en enero. Con Daniel Fanego, Emilia Mazer y una actriz que estamos buscando. Será en algún teatro de la avenida Corrientes y se va a llamar Vuelo a Capistrano. Gorostiza tiene, para cada una de sus obras, una estructura muy precisa; y un lenguaje específico para cada personaje de esa obra. Nunca suena mal el texto que pone en boca de un protagonista. Tiene un oído especial. La obra tiene un bello mensaje, muy vital.
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De divas famosas y fonomímicas
Frankie Kein y Manuel Arte, en un clásico: la versión de Liza Minelli en Cabaret
Días atrás, Liza Minnelli apareció en el programa del Actors Studio , en el canal Film & Arts, entrevistada por James Lipton. Se la vio con varios kilos de más y avejentada, aunque con la voz, la expresividad y la energía de siempre. En el Margarita Xirgu, Frankie Kein nos devuelve la imagen juvenil de Liza en Cabaret , con treinta años menos: es el número de clausura y el más fuerte de su espectáculo, cuando va despojándose lentamente de la ropa y el maquillaje hasta mostrar que es varón y que todo ha sido una fantasía, un juego ilusorio.
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Nueva edición de la Feria del Libro Teatral
Homenajes, presentación de publicaciones y obras
Hoy, a las 18, en el Teatro Nacional Cervantes (Córdoba y Libertad), se inicia la octava edición de la Feria del Libro Teatral. María Kodama será la madrina de esta movida que incluye una variedad de eventos.
Por ejemplo, hoy, después del brindis de apertura de rigor, en el marco del Bicentenario, se hará un homenaje a Juan Bautista Alberdi durante el cual Julieta Díaz, Patricia Etchegoyen, Marta González, Horacio Peña y otros intérpretes leerán textos de Alberdi y de Juana Manso. Mañana, a las 19, se presentará un libro que reúne a la producción dramática de Susana Torres Molina, el evento incluirá la representación de fragmentos de su obra. El viernes, a 100 años del nacimiento de Manuel Mujica Lainez, se ofrecerá la obra De casas y melancolías , con Thelma Biral, Lucrecia Blanco, Antonio Grimau, Duilio Marzio y elenco, y la dirección de Oscar Barney Finn.
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Clown latinoamericano
Esta noche, a las 21.30, Víctor Stivelman presentará su espectáculo de clown Abriendo mundos , que estrenó en Quito (Ecuador), con la asesoría dramatúrgica de Arístides Vargas. Este clown argentino -radicado en Colombia- ofrecerá esta única función en El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034). Entradas: 30 y 40 pesos.
Fuente: La Nación
Una araña en el Opera. Ya está confirmado que La Bella y la Bestia (que en vacaciones de invierno logró más de 17.000 espectadores) terminará a fines de septiembre. En su lugar, subirá a escena nuevamente la obra multimedia para toda la familia El Hombre Araña, acción y aventura , que el año pasado se representó en el Coliseo. El estreno está previsto para octubre, pero aún no está confirmado si Gastón Ricaud volverá a vestir el traje del superhéroe. En el mismo teatro, a fines de año ya estaría casi confirmado que Elena Roger vuelva con Mina... che cosa sei? , el elogiado musical que protagonizó hace unos años, dirigido por Valeria Ambrosio.
Elogios en vivo. Incansable caminador de teatros, el gran Jorge Luz fue a ver Rodolfo Walsh y Gardel hace unos días al Teatro del Pueblo. Su protagonista, Alejo García Pintos, le agradeció su presencia al finalizar la función y, cuando terminó de decir sus palabras, Jorge Luz se puso de pie y dijo: "Ahora quiero hablar yo". Y se despachó con una catarata de elogios que puso colorado al actor platense. Entre otras cosas, contó que la primera obra que García Pintos hizo en Buenos Aires fue con él y con Aída Luz. "Sentí como que me entregaban todos los premios juntos", dijo Alejo, emocionadísimo.
Africa. Alejandro Ullúa y Patricia Zangaro volverán a trabajar juntos el año próximo. El director dirigirá Africa (un continente) , obra que Zangaro escribió hace algunos años. Se estrenará a mediados de 2011 en el Teatro del Pueblo, y el elenco estaría integrado por Stella Matute, Luciano Suardi, Nacho Medina y Ana Pauls. Es una obra sobre cinco personajes alienados, que habla de la desolación y de la segregación que se genera en las grandes ciudades.
Todo es historia. Tras haber formado parte del elenco de Illia, ¿quién va a pagar todo esto?, Daniel Roncoli vuelve a ponerle el cuerpo a personajes de la historia reciente. Es uno de los protagonistas de La librería , obra de Bernardo Carey, que traza desde el interior de ese local de Villa Freud un mapa de la Argentina que transcurrió de 1964 a 1978. Se estrenará el próximo 4 de septiembre en el Teatro del Pueblo con dirección de Jorge Graciosi. Completan el elenco Leonardo Azamor, Carlos Silva, Eugenia Carraro, Melody Llarens, Pablo Cerri, Gabriel Fernández y Jorge Lozada.
Fuente: La Nación
Los domingos a las 18.30, en ElKafka –Lambaré 866, Capital Federal– continúa presentándose Voto de silencio, un espectáculo con dramaturgia y dirección de Verónica Mc Loughlin.
La acción transcurre en una habitación de una casa perdida en un pueblo. Allí un hombre y una mujer se encuentran, en silencio. Juntos vivirán una historia de amor, el primer beso, la felicidad posible.
Voto de Silencio pone en escena una historia pequeña, entre un hombre y una mujer que logran, a pesar de ellos mismos, terminar con una vida marcada por la pena.
El planteo escénico apuesta a la actuación centrando la atención en los intérpretes y en la historia que sus personajes viven. Por ello, tanto el espacio como el vestuario son neutros. El contexto se traza desde un trabajo minucioso del sonido y la iluminación.
Por este espectáculo, Verónica Mc Loughlin recibió el Premio S 2009, distinción que se entrega anualmente desde 2003 a la excelencia de teatristas jóvenes en dirección, dramaturgia y/o actuación teatral. Este premio consta además de un estímulo económico que debe ser invertido en nuevas producciones. Actualmente, Verónica prepara La Boticaria, adaptación de un cuento de Anton Chéjov que estrenará en octubre.
Localidades desde $40. Reservas al 4862-5439.
La obra La idea fija, de Pablo Rotemberg, se estrenó el sábado pasado en El Portón de Sánchez. Con las actuaciones de Alfonso Barón, Rosaura García, Vanina García, Juan González y Mariano Kodner, puede verse los sábados, a las 23, en Sánchez de Bustamante 1034, Capital Federal. Entradas: $35 (descuento a estudiantes y jubilados). Reservas al 4863-2848.
Clásico con transgresiones
La versión del catalán actualiza la estructura formal de la obra de Pedro Calderón de la Barca y pone a prueba conceptos sobre la sumisión y la voluntad despótica. Actúan Muriel Santa Ana, Joaquín Furriel y Patricio Contreras.
El “gracioso” característico del teatro del Siglo de Oro español es aquí un personaje desenfadado y proclive a las descripciones caóticas; adopta posturas de torero y orina a Segismundo cuando éste, promediando la obra, discursea sobre el honor. Segismundo pasa de prisionero en una torre a príncipe, mostrando inclinación homicida en su primer despertar en palacio. Quitadas las cadenas, arroja a un criado enano por un balcón y amenaza a su tutor Clotaldo, quien viste un contemporáneo traje de militar. Escenas como éstas atraviesan el drama del hijo encadenado por su padre Basilio, el rey astrólogo que creyó ver en el príncipe “un compuesto de hombre y fiera” que lo destruiría. Ese vaticinio, en caso de derrota, lo convertiría, y no simbólicamente, en un rey desnudo. El otrora niño y hoy joven ha crecido en soledad y arrastra cadenas, pero ésta y otras violencias no generan vértigo. La violencia –como la amenaza– decanta y abre paso a la humorada o al patetismo que trasluce el enternecido rey Basilio al surgir desde las sombras cargando en sus brazos un caballito de juguete.
La vida es sueño deviene en esta puesta del catalán Calixto Bieito en interesante mezcla de asuntos filosóficos y actos comunes que se potencian al incorporar técnicas y estilos actorales diversos. Sucede, entre otros ejemplos, cuando se inserta música flamenca desafiando climas, pues la acción transcurre en Polonia y el autor es madrileño. También, al yuxtaponer el lenguaje poético-filosófico con las vulgaridades del “gracioso”, cuya función es aquí enredar conflictos, incluido el irresuelto drama entre padre e hijo. ¿Cuánto habrá influido en Calderón el hecho de haber padecido a un padre tiránico?
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Una trama que se mezcla en dos tiempos
Llega La secreta amistad de sor Juana y Dorotea
Hoy y mañana, a las 21, desembarcará en el Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943) el grupo mexicano Cómico de la Legua para presentar La secreta amistad de s or Juana y Dorotea, de Guillermo Schmidhuber. Se trata de una pieza en siete escenas, dirigida por Román García, sobre la amistad imaginaria de sor Juana Inés de la Cruz -poetisa y dramaturga mexicana, interpretada por Penélope Corral Campuzano - con la crítica norteamericana Dorothy Schons (Deborah Elizabeth Cepeda), dos mujeres que, asegura Schmidhuber, privilegiaron su intelecto por sobre sus otros talentos.
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Soplar en la gira
Jorge Corona cumplió años el domingo, mientras estaba de gira con Ileana tiene corona , en Comodoro Rivadavia. Allí, festejaron en el escenario, donde el cómico fue sorprendido con una vela gigante. Luego bailaron chacarera en el hotel de Comodoro donde Ileana repartió, cuándo no, su famoso tiramisú.
Fuente: Clarín
Entre las alternativas para festejar el Día del Niño, este fin de semana se presentará el espectáculo Encuentro Loqui. El Musical Infantil.
En la mágica casa del árbol, los Loquis vivirán sorprendentes aventuras, pero se tendrán que enfrentar al malvado Kugo, que querrá apoderarse del libro en el que escriben todas sus historias.
Este espectáculo infantil, dirigido por Leonardo Basso -guiniosta de Paka Paka teatro-, es un proyecto de jóvenes artistas que busca reflejar valores tales como el compañerismo, la integración, la amistad y el encuentro. Es una propuesta para que toda la familia comparta un momento divertido y didáctico.
Actúan: Juan Ignacio Bianchi, Florencia Cappiello, Turco Fernandez, Mariano Cozzi, Rocio Merlo, Constanza Paniagua y Carolina Santos.
Sábado 7 y domingo 8 de agosto, a las 15, en el Auditorio Pio IX, Yapeyú 151, CABA (Almagro). Entradas: $20 (menores de 10 años: promo 2x1). Informes y reservas al 154 193 5906 y al 155 157 3508.
“Voy hacia el teatro del absurdo”
La actriz y directora, hija de Alberto Ure, propone un montaje que integra lenguajes diversos, demás de conjugar influencias de todo tipo, desde Cortázar hasta los Ramones. “Es una obra que pasa en la cabeza de la protagonista. Es pura fantasía”, dice.
En Quién sabe, Marta, de Francisca Ure, aparece un personaje que es uno y muchos a la vez. Constituida por siete mujeres singulares, Marta tiene, a pesar de eso, una sola convicción: llegar a ser ella misma. “¿Quién quiere ser Alicia si se puede ser la Reina de Corazones?”, podría ser el lema de este personaje que se fragmenta y recompone como los cristales dentro de un calidoscopio. Dirigida por la propia autora, la obra puede verse los sábados en Huella Teatro, de Medrano al 500, interpretada por Clarisa Hernández, Sol Tester, Cinthia Guerra, Laura Aneyva, Nadia Marchione, Luciana Sanz y María Florencia Savtchouk. “Las personas no tienen un solo vértice”, afirma Ure en una entrevista con Página/12. “En la obra hablo del deseo de ir al paraíso, de ir al encuentro de lo que está por venir, algo que se manifiesta con mayor fuerza en la juventud”, describe la autora y directora, y concluye: “Marta tiene el coraje de llevar sus deseos e ideas adelante, tiene la valentía de renunciar a la vida socialmente establecida como correcta”. Por su parte, el montaje tiene la virtud de integrar lenguajes diversos (tanto en lo actoral como en lo audiovisual), además de conjugar influencias de todo tipo: “Están Ella Fitzgerald, Lewis Carroll y Juana Molina –enumera Francisca–, pero también los Rolling Stones, Manu Chao y los Ramones, mucho Julio Cortázar y también Mary Poppins y su universo de fantasía”.
Hija del director teatral Alberto Ure, la actriz y directora resume así sus primeros contactos con el mundo de la actuación: “Toda la infancia fui a los teatros a ver ensayos con mi viejo –recuerda–, pero fue recién a los 10 años, en las grabaciones de Montaña rusa, cuando linkeé y me di cuenta de lo que él hacía. Claro: ahí estaban todos los famosos”. Poco tiempo después, en 1997, su padre sufrió el accidente cerebrovascular que, hasta el momento, lo mantiene “alejado de todo y de todos”. Francisca resume: “Después de eso se dejó de hablar de teatro en casa. Papá tenía una presencia tan fuerte que su silencio pesó mucho más”. Fue por eso que su familia se sorprendió cuando ella anunció que iba a dedicarse a la actuación. Había vuelto a contactarse con su maestra de teatro de la escuela secundaria, el Cangallo Schule, a la búsqueda del placer de generar juego teatral. Luego vinieron sus estudios de Ciencia Política y su paso por la escuela de Alejandra Boero. Ahí fue donde el apellido comenzó a pesarle: “Yo veía que generaba algún recelo y sentía, además, que se esperaba mucho de mí”, recuerda hoy junto con la advertencia que le había hecho su padre por esos años: “Por ser hija mía vas a tener que estudiar el doble”.
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Teatro dentro del teatro
La oposición entre revolución e individualismo se materializa en Marat-Sade, nombre abreviado de Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat, representados por el grupo de actores del Hospicio de Charenton bajo la dirección del señor Sade. Adriana Hidalgo reeditó este título de Peter Weiss que se inscribe en el “teatro dentro del teatro” y que aborda la agitación revolucionaria y la trama del asesinato de Marat, así como también una revolución popular triunfante que se transforma en un nuevo poder antipopular. Un clásico que escenifica la locura y la razón como estados inseparables.
Fuente: Página/12
Yo quiero tener un millón de amigos
A mitad de camino entre la ficción y el género testiomonial, José María Muscari trabaja como actor, director y dramaturgo en una obra que, con siete elencos diferentes, bucea en el mundo y los personajes de la red virtual más influyente.
Qué dice de la amistad ser amigos por Facebook? ¿Hay usos “correctos” de la exposición pública? En muy pocos años, las nuevas tecnologías han modificado profundamente nuestra vida. Eso es innegable, pero también es decir poco. Así como se reactualizan viejas costumbres y vínculos, también se crean muchos nuevos. José María Muscari le propuso a un grupo de actores investigar en este aleph de las relaciones humanas a la red social virtual más influyente: Facebook. A partir de esta idea original, el grupo se dedicó a hacerla rendir. Muscari (y los actores) eran usuarios obsesivos y manejaban a la perfección las singulares categorías de Facebook: amigos, etiquetas, grupos, perfil, muro, estado, etc. El resultado fue una obra de teatro que, luego de un casting multitudinario, se multiplicó en siete elencos diferentes. Están los míticos, sex, tours, hot, stars, teens y freaks. Cada elenco aporta su matiz y se puede elegir, según la sensibilidad del público, a qué función asistir. Feizbuk sube a escena de miércoles a domingo en la Ciudad Cultural Konex.
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“Nunca pensé que se transformaría en un show”
Laura Pagés, titiretera.
–¿Qué propone Beatriz, la historia de una mujer inventada?
–Es una obra con un solo títere, Beatriz. Ese personaje se desdobla en varios otros y se va armando la historia que la inventa. Es una mujer que está en el final de su vida y va haciendo un repaso de distintos vínculos con sus hijas, su marido, sus amigas.
–¿Cómo nace la idea de presentar este show?
–En realidad, me pasó que cuando le pedí a Sergio (Mercurio) que me dirigiera, no pensé que eso que yo tenía en la cabeza iba a poder ser un espectáculo completo. Creí que iba a ser un número dentro de un show y nada más. Empezamos a trabajar con este solo personaje y se pudo hacer una obra.
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Una bella en el teatro
Victoria Onetto fue al Opera Citi a ver La bella y la bestia , justo cuando el musical de Broadway cumplió esta temporada 100 funciones. Acompañada por su hija, la actriz que pasó por Botineras (Telefe) quedó fascinada con los 40 artistas que suben a escena y los 200 cambios de vestuario.
Fuente: Clarín
Monólogos de un trío
Desde el 20 de este mes, María Leal, Claribel Medina y Emilia Mazer subirán a escena con la ya conocida Monólogos de la vagina , de Eve Ensler, obra dirigida (como en su primer versión argentina) por Lía Jelín. El debut será en el Güemes de Mar del Plata y desde allí iniciarán una gira por todo el país. Trío imparable.
Fuente: Clarín
De Bertolt Brecht a Florencio Sánchez
¿Cómo es “Cruz de tiza”, la pieza de Bertolt Brecht que dirigís en el Vitral? Una pieza intensa sobre el régimen nazi, que cuenta cómo se marcaba a la gente para llevarla al matadero.
¿Cómo es la experiencia de dirigir a la hermana de Luisana Lopilato, Daniela? Interesante. Ella es una actriz extraordinaria que va a dar que hablar. Ya van a ver.
¿Tenés en carpeta actuar o dirigir después de esto? En septiembre tengo previsto dirigir en Rosario Canillita , de Florencio Sánchez, probablemente con Luisana Lopilato. La idea es después traer la obra al Cervantes... Habrá que ver si se puede. Y este mes, por otro lado, voy a participar de Teatro por la identidad leyendo algún texto.
Fuente: Clarín
Los nenes con los nenes, las nenas con las nenas
Apenas terminado el Mundial, el deporte desembarca en uno de sus destinos menos visitados: el teatro argentino. Con dos obras que transcurren en dos vestuarios, uno de mujeres y uno de varones, Javier Daulte desnuda las internas, las intrigas y las miserias de todo equipo que tiene que salir a ganar o morir.
Justo cuando los estertores del furor mundialista se acallaron y la palabra vuvuzela dejó de estar en el centro del campo semántico universal, Javier Daulte estrenó Vestuarios. Una obra de teatro deportiva es toda una novedad, más aun hoy, voluntariamente alejada del oportunismo del que hubiera adolecido un mes atrás. Si bien el deporte constituye un subgénero en el cine que ha llegado a los extremos de explicar la unificación de una nación vía un juego de pelota (Invictus), en el teatro local esta temática permanecía casi inexplorada. Sólo algunas menciones fugaces, tangenciales, tímidas apariciones justificadas en usar al deporte para decir “otra cosa”. Pero nunca hasta ahora una indagación profunda de lo que se pone en juego con un deporte reglado y feroz.
Nada parecido a esto entonces, que para no simplificar las cosas, a falta de un solo equipo unificador, hay dos, uno femenino y otro masculino, que no van a enfrentarse, sino a componer dos obras de teatro separadas. Porque no es lo mismo un vestuario de chicas que uno de varones, y esto queda claro al ver los dos espectáculos, uno detrás del otro (aunque, hay que decirlo, cada uno funciona por separado). Hay también puntos en común: los dos equipos son de un club de Almagro, y practican un mismo deporte: el Lacross. Hablar de fútbol en Argentina hubiera sido redundante.
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Vestuario de hombres va los viernes a las 21 y sábados a las 23. Vestuarios de mujeres, los sábados a las 21 y domingos a las 20. En el Espacio Callejón Humahuaca 3759. Entrada: $ 50.
El sepelio
Heidi Steinhardt, la creadora de El Trompo Metálico, vuelve a ahondar en los vínculos familiares. Impactada por la muerte de su amiga Peteca, Zulema decide organizar su propio funeral. Para ello, un domingo muy temprano invita a sus tres hijos a desayunar. Pero la aparente preocupación encubre otras intenciones y la madre aprovechará esa reunión familiar para llevar adelante un misterioso y absurdo plan. Divertida y cruel, El sepelio se presentó en dos oportunidades como Work in Progress en el Centro Cultural Rojas. Ahora podrá verse la versión final. Steinhardt estrena, además —en agosto— Después del Borde, un trabajo singular interpretado por mujeres bajo su dirección y autoría, donde integra además el reparto de actrices.
Viernes a las 20.30, en La Carbonera, Balcarce 998. Entrada: $40.
Nude Bronze
Se trata del debut en la dramaturgia de la actriz Cecilia Rainero. Maricel se fue de su casa. Hoy su marido la fue a buscar a la casa del tipo con el que está. El la quiere llevar de regreso, pero ella se niega. No tiene adónde ir, pero tiene confianza. Para explicar la obra, las directoras, Rainero y Bárbara Francisco, citan un fragmento de Dos damas muy serias de Jane Bowles: “Quizás mi proceder resulte un poco extraño, pero hace mucho que pienso que, con frecuencia, mucha frecuencia, héroes que se creen monstruos por estar tan lejos de los demás hombres, cambian de idea mucho después y ven cuántos actos verdaderamente monstruosos se cometen en nombre de la mediocridad”. Con Claudia Mac Auliffe, Marcelo Mariño y elenco.
Domingos a las 19, en Teatro La Llorona (Colegiales). Unicamente con reserva al 15-3651-4666. Entrada: $ 15.
Fuente: Radar
Se presenta una obra de la compañía de Dimitri, un famoso mimo y payaso
Hoy y mañana se presentará en el teatro El Cubo El jefe de estación y la bailarina, una obra de teatro internacional que desarrolla una innovadora forma de contar una historia, a partir de las técnicas del clown y el mimo. Esta puesta es dirigida por el reconocido Dimitri, considerado uno de los mejores payasos del mundo y miembro de la compañía de Marcel Marceau.
“En el espectáculo hablamos en tres idiomas. Aunque la gente no lo entienda, no se pierde la historia porque lo que vale es el gesto. No hay que tener miedo a la simpleza. El show se vale de un lenguaje universal, que lo pueden entender chicos y grandes”, explicó Gerardo Tetilla, un actor argentino que integra el elenco de esta obra y forma parte de la compañía de Dimitri, que se encuentra en Suiza.
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“En gran parte de la tele los actores no tenemos espacio”
Protagoniza La vida es sueño en el Teatro San Martín, mientras se prepara para volver a la TV con la tira Caín y Abel. Toma distancia de su fama en relación a la de algunos “mediáticos” y asegura que la sociedad discrimina, riéndose del diferente.
Hay un momento de la obra La vida es sueño en que Joaquín Furriel siente que es Bono, el cantante de U2. Está en el escenario, arrodillado. Una tenue luz le ilumina la cara y a él le toca decir uno de los monólogos más famosos de la dramaturgia universal: “¿Qué es la vida? Un frenesí. ¿Qué es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño: que toda la vida es sueño, y los sueños…” En ese instante hace una pausa y escucha el susurro del público que repite: “Sueños son”. Este actor de 35 años –a quien le tocó interpretar uno de los personajes más complejos de la historia del teatro– dice que ahí es consciente de lo que está haciendo, que si tuviera un micrófono y apuntara a la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín, todos le responderían. Lo mismo que le pasaría a una estrella de rock.
Pareciera que Joaquín Furriel encontró la fórmula para ser el actor que siempre quiso ser, aquel que imaginaba cuando estudiaba en el Conservatorio de Arte Dramático y hacía clown, mimo, improvisación, se preparaba con el método de las acciones físicas, sin dejar de lado la introspección. En la TV, fue una de las caras de éxitos como Soy Gitano, Montecristo y el galán de Don Juan y su bella dama. Y cada una de estas novelas las intercaló con recordadas obras de teatro como La malasangre, Sueños de una noche de verano, El Reñidero y Rey Lear. Ahora, repite esta estrategia: es el protagonista de La vida es sueño, obra que escribió Pedro Calderón de la Barca en el 1600, y está en plena grabación de Caín y Abel, la próxima apuesta de Telefe para el prime time, que saldrá al aire a fines de agosto, al término de Botineras y en la que es el protagonista, junto a Pablo Rago. Aunque no ha dejado de trabajar en la pantalla chica, reconoce que no pertenece a este ambiente: “En gran parte de la televisión, los actores no tenemos espacio”, dice.
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Una pareja de actores de muy bajo perfil
Héroe de novela y actor de clásicos
“En la tele siempre me llaman para lo mismo”
Martín Rocco, actor y humorista.
-¿Cómo es Relajado, tu nuevo espectáculo?
-Es una obra que me permite actuar en otro plano. Arranca desde el camarín de un actor en un bar que se llama Lo de Coco. Es un show de monólogos. Sería como una especie de backstage acerca de lo que es el stand up y mostrar lo que pasa delante y detrás de escena.
-¿Es tu debut como autor teatral?
-Había escrito otras cosas, pero como guionista de televisión y creativo publicitario. Siempre escribo los monólogos que hago, pero nunca había escrito una historia de teatro más formal.
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La risa, un lenguaje universal
La Compañía Dimitri, una babel de artistas, rompe las reglas del aburrimiento
En la estación, llega ella con sus valijas, algo torpe, con las dudas típicas de quien se encuentra varado en una situación inesperada, en un lugar desconocido. La boletería cerrada. Un jefe de estación que sigue una aparente rutina para el arribo del tren, que no es más que una ficción. El tren imaginado se va. Se suman nuevos pasajeros a la espera. El jefe de estación los convida con un café. Y comienza el show.
Cuatro personajes en un andén rompen todas las reglas del aburrimiento en El jefe de la estación y la bailarina , una puesta en escena de la Compañía de Teatro Dimitri, de visita en Buenos Aires en el marco de la Semana Suiza. La obra creada y dirigida por Dimitri, uno de los clowns contemporáneos más prestigiosos, parte casi de nada para crear de a poco una exhibición interpretativa por momentos asombrosa.
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En El Cubo, Zelaya 3053, hoy, a las 21.30, y mañana, a las 20.30. Entradas: 50 y 60 pesos.
La Parka es la gran sorpresa
Humor negro y mucho talento en esta divertida comedia musical sobre la muerte
Hace tres años se estrenó este musical, en formato más pequeño, pero con una grata sensación de que ya las semillas estaban dando sus primeros brotes. Sangre joven del teatro musical en emprendimientos con sello propio, sin parecidos ni pretensiones. Esta nueva versión de La Parka es mucho más que una evolución grata.
A partir de experiencias personales muy cercanas a la muerte, Diego Corán Oria y Federico Scarpelli escribieron esta parodia musical plena de ingenio. Con un argumento sencillo y desopilante se atreven a hablar de un tema ríspido e incómodo. Un muchacho llega a un bucrático Hades para buscar a su novia, que murió en un accidente automovilístico provocado por él. Allí se encuentra con la Parka, un ser alocadísimo, rodeado de empleados y ayudantes. Entonces, el muchacho se verá sumergido en un tramposo programa de preguntas y respuestas. Pero bajo esta gruesa capa de humor negro, hay una entrelínea reflexiva y sensible. Los autores son hábiles en mezclar reflexiones sobre el destino, la vida y la muerte con una enorme variedad de guiños divertidos.
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Lunes, a las 21, en El Cubo, Zelaya 3053.
Poética del dolor
“La mujer” Una obra de María Isabel Bosch, basado en un texto de su abuelo, Juan Bosch.
Una actriz en escena, desparramada en el piso, inmóvil. Tiene la mirada perdida y un vestido hecho un trapo. De fondo se escuchan los sonidos de una vidala. La sala es parte del living de una casa antigua. Unas pocas gradas para el público y la parrilla de luces en el techo son las únicas señales que indican que se trata de un espacio teatral.
“Me veía primero como un punto negro, después como una piedra que hubieran dejado sobre la carretera. Estaba allí tirada sin que la brisa me moviera los harapos”, relata. Son los instantes iniciales de La mujer , obra inspirada en un cuento del escritor y ex presidente dominicano Juan Bosch, uno de los precursores del realismo mágico, y que su nieta, María Isabel Bosch, presenta, como dramaturga y directora, en el espacio teatral Silencio de Negras. Con una puesta que combina pequeños fragmentos del texto con vidalas, recopiladas por Leda Valladares y Carlos Vega, y conceptos de danza teatro.
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En un clima familiar
01/08/10 Entrevista Eleonora Comelli En la obra “Domingo” hizo trabajar a su abuela. Ahora, en “Linaje”, a su hijo de nueve años.
Eleonora Comelli estrenó en 2008 una primera y estupenda obra de danza-teatro llamada Domingo , en la que actuaba su abuela María Teresa, de 81 años.
Domingo fue luego elegida para el Festival Buenos Aires de Danza Contemporánea y en 2009, para el Festival Internacional de Buenos Aires. Ahora acaba de estrenar su segunda pieza, Linaje , protagonizada por su hijo Antonio, que tiene 9 años; el elenco se completa con Alina Marinelli y Matías Etcheverry.
¿Cómo resultó trabajar con tu abuela y con tu hijo? Con mi abuela fue fácil, con mi hijo un poco más complicado.
Linaje nació de la necesidad de contar la trascendencia a través de la descendencia. De qué manera partes del cuerpo pasan por sucesivas generaciones, como una forma de nariz que va conservándose desde quién sabe cuándo. Si era esto de lo que iba a hablar, tenía que poner un descendiente.
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