Un espejo para padres e hijos
El espectáculo del grupo teatral invita a la identificación permanente. Las peripecias que surgen del vínculo filial son tratadas aquí con el más genuino “espíritu macocal”, a través de sketches y gags desopilantes.
Una suerte de fervientes discípulos del supuesto maestro Jean Jean Jean Jean Jean, autor de un “manual deformación” que estudia el vínculo entre padres e hijos y presenta el método que debe regir esa relación, se presta a brindar la conferencia de presentación en el país de la valiosa obra para padres primerizos. Para graficar algunas de las enseñanzas del desconocido pedagogo sin hijos, los conferencistas recrean algunos de los capítulos que conforman el manual, analizando situaciones (las vacaciones, la visita al pediatra, la preparación escolar) y momentos por los que atraviesa la relación según pasan los años (el complicado oficio de hacer dormir al bebé, la energía infantil, la rebeldía adolescente). Breves sketches, tan absurdos y desopilantes como cotidianos, en los que a los espectadores se les hace imposible no matarse de risa en la platea, de principio a fin. Así funciona Pequeño papá ilustrado, la última creación de Los Macocos, la banda de teatro que cumple 25 años en escena y que en este verano porteño repuso en el NDAteneo la obra que había estrenado en 2009.
Retornando a sus raíces, cuando el recordado Javier Rama los dirigía y Martín Xicarts formaba parte del grupo, en Pequeño papá ilustrado Daniel Casablanca, Martín Salazar y Sergio Wolf –Los Macocos– diseñaron un espectáculo estructurado a partir de la recreación de diferentes momentos en la conflictiva y única relación que liga a los padres con sus hijos, en sus diferentes etapas. Una versión superadora de aquellos primitivos y eclécticos “Guisos de Macocos” en los que la banda de teatro comenzó a demostrar su capacidad para el humor a puro sketch, mucho tiempo antes de que insertaran su peculiar e inclasificable estilo en obras propiamente dichas, como La fabulosa historia de los Marrapodi, Los Albornoz o Continente viril. Aquí, cada sketch representa un momento en el vínculo entre padres e hijos, formando un todo integral que trasciende la mera sucesión de escenas.
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Teatro: ND Ateneo (Paraguay 918).
Funciones: viernes y sábados a las 21, domingos a las 20.30.
domingo 7 de febrero de 2010
Pequeño papá ilustrado
Les Luthiers, Espía a una mujer que se mata, El desarrollo de la civilización venidera, Mujeres soñaron caballos y Pedir demasiado
Expo Les Luthiers. Desde el viernes pasado, en la sala de exposiciones del teatro Fernán Gómez, de Madrid, se presenta la Expo Les Luthiers, 40 años, 5 décadas, 2 siglos. Los dos elementos básicos de Les Luthiers, la música y el humor, están presentes en todos los apartados de esta muestra, que abarca nueve aspectos. Antes de Les Luthiers incluye fotos, partituras y documentos vinculados a la prehistoria del grupo, y se divide en dos etapas: los años del Coro de Ingeniería (1959-1965) y la etapa de I Musicisti (nombre que adoptaron entre 1965 y 1967). Las biografías son textos biográficos acompañados por grandes fotos individuales de cada uno de los integrantes del conjunto, y Recorrido por los 40 años recrea los principales hechos históricos a través de fotos inéditas, proyecciones, discos, publicidad y otros objetos. Pero la vedette de las secciones es la exposición de instrumentos informales, una amplia sala dedicada a mostrar diez exóticos instrumentos: bass-pipe a vara, máquina de tocar (o dactilófono), shoephone, nomeolbídet, órgano de campaña, antenor (robot musical), manguelódica neumática, cellato, violata y gom-horn da testa. A intervalos regulares de quince minutos, la voz grabada de Marcos Mundstock nombra a cada uno de estos instrumentos, y se puede escuchar un breve fragmento de su particular sonido.
También está El rincón de Mastropiero y un espacio sonoro con cinco cabinas, con capacidad para cinco personas cada una, que permiten escuchar clásicos de Les Luthiers. Después de Les Luthiers muestra el futuro del grupo en clave de humor y una gran caricatura realizada por Hermenegildo Sábat, y Los archivos secretos se ocupan de desmentir mitos. También hay una sala de proyecciones y un archivo digital. Entretanto, el 2 de marzo, el grupo reestrenará Los premios Mastropiero , en el Palacio Municipal de Congresos.
Veronese, al Festival Chejov. Espía a una mujer que se mata , de Daniel Veronese, inspirada en Tío Vania , fue invitada al Festival Chejov, de Moscú. Por ese motivo, su compañía se trasladará a Europa en mayo y también llevará sus obras El desarrollo de la civilización venidera -que presentarán en el País Vasco y Navarra, y en los festivales de Bruselas, Viena y Hannover- y Mujeres soñaron caballos , que junto a Espía... se presentarán en Moscú, San Petersburgo y en el Festival de Brighton, en Inglaterra.
Pedir demasiado, en Barcelona. El director argentino Guillermo Ghio continúa con éxito su montaje de Pedir demasiado , la obra de Griselda Gambaro, en la península Ibérica. Se estrenó en noviembre de 2007 y también se presentó en Buenos Aires, el año pasado. El martes 23 se reestrenará en la sala Circol Maldá, de Barcelona, con los actores catalanes Marta Bayarri y Carlus Fábrega.
Fuente: La Nación
Mimí Ardú
Bella, sencilla y con talento
Hace Soñar en Boedo, con Rubén Stella, afronta un protagónico en cine y vuelve a la televisión
MAR DEL PLATA.- Tal vez ni siquiera "Pochi", su personaje lleno de ilusiones y deseos postergados en esta comedia que acumula elogios, sería capaz de imaginarse tanto. El salto desde la Capital Federal a la temporada marplatense. La respuesta pronta del público, a tono con lo vivido en las tablas metropolitanas; la nominación a un Estrella de Mar como mejor protagónico femenino; y también las de sus cuatro compañeros de elenco y la autora de Soñar en Boedo , la obra que dirigió Julio Baccaro y con la que Mimí Ardú disfruta hoy de un presente más que feliz en estas playas, las mismas donde debutó en teatro y que la vieron entonces más cercana a la revista y sus plumas.
"Pedir más sería una exageración", dice la actriz que se reconoce sorprendida por lo que vive cada lunes y martes en la sala Roberto Payró del complejo Auditórium. Minutos antes de salir a escena, reconoce que disfruta de un gran momento profesional porque la requieren en teatro, cine y TV.
"¿Qué buscan cuando llaman para un papel a Mimí Ardú? Creo que una actriz que tiene como virtud la adaptabilidad a cada propuesta, soy una todo-terreno", dice a LA NACION la mujer que acaba de completar su primer protagónico en la pantalla grande. Un logro que nació en su adolescencia, cuando ya profesora de piano y sin más currículum que ser la divertida de la escuela se presentó para integrar un staff de bailarinas. Y quedó. Luego se casó, se fue a vivir a México, volvió y recuperó la fama a través de papeles en telenovelas como A ntonella, Son de Diez, Casi todo casi nada, Cara bonita y De corazón .
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Soñar en Boedo, dirigida por Julio Baccaro
Auditorium, Bvld. Marítimo 2280, Mar del Plata; lunes y martes, a las 22.
La última vez (que me tiré a un precipicio)
Un salto hacia mínimos mundos imaginarios
Victoria Almeida vuelve a conmover con su trabajo
La historia de La última vez (que me tiré a un precipicio) es tan pequeña como un simple paso: un paso que puede ser al vacío (esos vacíos tan seductores, tan existenciales), en el que antes de llegar al piso el personaje en cuestión visita su pasado, imagina nuevos mundos o recuerda aquel beso de película.
La última vez (que me tiré a un precipicio) es el último trabajo de Victoria Almeida. aquella que sobresalía en El trompo metálico . En esta especie de poema surrealista llevado a escena une con fino talento el mundo del clown (y su homenaje al cine mudo de Buster Keaton) con una propuesta en la que el lenguaje multimedia, el trabajo visual y el diseño sonoro se transforman en aliados constitutivos de este bello viaje cargado de mojones tiernos, una balada pop, un balbuceo entrañable, un final de película y un mini-mini álter ego.
Con todos estos elementos en juego, el salto al precipicio al que alude el título se transforma en un trampolín desde el cual, como dice Cortázar en Rayuela , "lo mejor, sin lugar a dudas, hubiera sido inclinarse hacia afuera y dejarse ir, paf, se acabó". Claro que ella, en el mismo momento del paf, haciendo equilibrio sobre sus dos hermosos zapatos, pega la vuelta para volver a andar porque tiene mucho de maga: una maga en blanco y negro, pero maga al fin y cargada de matices.
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En El Piccolino, Fitz Roy 2056 (4779-0353). Viernes, a las 23.30.
Todos eran mis hijos
Vuelve un clásico de Miller
Cruz, Manso, Meloni, González y D´Elía estrenarán en abril, en el Apolo
Alguna vez quiso convertir a la avenida Corrientes en Broadway, pero una sociedad equivocada le quitó ese sueño. De todos modos, desde hace unos años, a través de su Cuál es tu Gracia Entertainment, Daniel Grinbank sigue apostando al teatro y con títulos de calidad indudable, de esos que acarician al espectador. Agosto, condado Osage, The Pillowman y Sweet Charity son un ejemplo. Y Grinbank sigue sorprendiendo en sus apuestas teatrales. A todos los pronósticos que indicaban que traería a Buenos Aires algunos títulos resonantes de la actual cartelera de Broadway y Londres, se jugó por un clásico. Su próximo estreno será Todos eran mis hijos , la genial obra de Arthur Miller, que subirá a escena a mediados de abril en el Apolo.
Es tal el entusiasmo del productor que ya envió un comunicado indicando quiénes integrarán el elenco protagónico: Lito Cruz encarnará a Joe Keller, mientras que Leonor Manso interpretará a su esposa, Kate Keller. El sólido elenco, además, incluirá a Vanesa González, que encarnará a la joven Anne Deever, Esteban Meloni y Federico D´Elía. El resto del elenco está aún por confirmarse.
Para la dirección, fue convocado el mismo artesano que montó esa joya que es Agosto, condado Osage : Claudio Tolcachir. Este clásico del teatro contemporáneo cuenta la historia de una familia americana golpeada por la Segunda Guerra Mundial y una tragedia familiar, tocando temas como la muerte, las oportunidades económicas durante la guerra y la idea de "sueño americano".
Más en La Nación
Todos eran mis hijos
Vuelve un clásico de Miller
Ya está confirmado el elenco de Todos eran mis hijos, la obra de Arthur Miller que se estrenará a mediados de abril en el Teatro Apolo. Con dirección de Claudio Tolcachir, Leonor Manso, Lito Cruz, Esteban Meloni, Vanesa González y Federico D'Elía le darán vida a esta pieza producida por Daniel Grinbank para Cuál es tu gracia Entertainment.
Con Todos eran... (1947), Miller plasmó la corrupción en tiempos de guerra. El tema hizo que el Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York la distinguiera como la mejor obra teatral del año.
Fuente: Clarín
Nacha Guevara
Nacha será Tita
La actriz y cantante se prepara para interpretar en teatro la vida de la Merello. Estrenaría en 2011.
Imparable, Nacha Guevara ya puso en marcha su próximo proyecto: interpretar sobre las tablas la vida de la gran Tita Merello. "Fue la más grande cantante a mi gusto, así que el proyecto nace de una profunda admiración", le confirmó a Clarín Nacha. Y siguió: "Tuvo una vida muy impresionante y una música bellísima, así que hay una serie de elementos muy interesantes para trabajar. Será una obra de teatro musical, bien argentino".
Aunque prefirió ser cauta a la hora de hablar de tiempos, Nacha admitió que le gustaría debutar en enero de 2011, quizás en Mar del Plata. "Quiero ser cuidadosa en esto porque estoy en la etapa de investigación, entrevistando a mucha gente que la conoció. Y, por primera vez, estoy usando Internet como ayuda extra en la búsqueda de información. Este es un trabajo muy profundo de investigación. Es un proyecto complicado, de mucha disciplina. A veces pasan años desde que uno empieza a escribir un proyecto hasta que lo puede plasmar. Eso me pasó con Eva, el gran musical argentino. Pero bueno, lo cierto es que ya estoy trabajando en esto y que se va a hacer porque los sueños son poderosos".
Por otra parte, Guevara aseguró que ya tiene varios interesados en producirla. Y que, una vez más, contará con el maestro Alberto Favero para hacer algunos arreglos musicales. ¿Qué parte de la vida de Tita le gustaría mostrar? "Siempre el momento más interesante es el momento previo a que el personaje se declare. Ella es un ícono de nuestra historia cultural".«
En junio Nacha partiría a Europa para hacer una serie de presentaciones de "Mucho más que dos", el último espectáculo que hizo con Favero a fin de año.
Fuente: Clarín
Los Macocos: Pequeño papá ilustrado
Los Macocos ya tienen 25 años
Con un humor más fresco y divertido, el grupo que actualmente está conformado por Daniel Casablanca, Martín Salazar y Gabriel Wolf, tienen un micro televisivo en el Canal Encuentros y publicaron un libro sobre el show.
A lo largo de dos décadas y media Los Macocos fueron creando un público de fans que los sigue a todas partes y disfruta con su humor. A esos fervientes espectadores, se sumaron los nuevos que a partir del año pasado descubrieron "Pequeño papá ilustrado", subtitulado "Manual deformación", en la que tres especialistas dan consejos sobre cómo educar a los hijos.
El espectáculo se repuso hace pocos días, en su segunda temporada, en el ND/Ateneo, de Paraguay al 900, en el que actúan de viernes a domingos.
Al equipo -el actual está integrado por Daniel Casablanca, Martín Salazar y Gabriel Wolf- que le costó recuperarse y ver qué rumbo tomar, luego del fallecimiento de su director Javier Rama, decidieron convocar a Julian Howard, para que los dirigiera.
Julián Howard y Los Macocos se conocen hace bastante tiempo, cuando los muchachos fueron dirigidos por el primero en una versión de "Ubu Rey", que hicieron en el ex Conservatorio Nacional de Arte Dramático, en el que se formaron.
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sábado 6 de febrero de 2010
Cuentos mágicos
Desde España, llegó el espectáculo "Cuentos mágicos", con la actriz y maga Cecilia Zenobi y dirección y música en vivo de Ana Ter Akopov.
En este espectáculo recomendado para niños a partir de 3 años, Ceci nos cuenta el viaje que realizó a los 13 años para convertirse en una verdadera maga. Relata cómo atravesó el desierto para llegar al palacio del gran califa donde estaba guardado el viejo libro de la sabiduría, las pruebas dificilísimas que tuvo que pasar, su llegada al circo y el encuentro con el amor de su vida.
La obra se estrenó hoy y estará hasta fines de marzo, los sábados a las 17 en Bodega Cultural, Corrientes 1555, Capital Federal. Reservas Tel. 4375-2341. Duración: 50 minutos. Localidades: $20.
Cecilia Zenobi vive desde el año 2002 en Barcelona se dedica a crear espectáculos de pequeño formato que fusionan la magia, el clown, el teatro, la danza y el circo; donde el gesto, la palabra, la música y los objetos conforman un mundo propio y original.
En España participó los festivales Magiclown de Ibiza, Festival marqués del trebolar de Valladolid, Montgai Magic, Fira mágica de Santa Susanna, Festival damas mágicas de Terrassa, y Mostra de espectacles de Butxaca de Girona.
El ardor
Un mecánico es tomado de las tripas por un locro que devoró. El ardor estalla en él con su historia de mestizaje, mezcla de naturaleza y cultura. ¿Que movimiento de nuestra historia es más repetido que las luchas intestinas? La historia del mecánico contada como espasmos de humor. La repetición de nuestra historia expuesta como tragedia.
La obra "El ardor", de Marcelo D´Andrea, que cuenta con la actuación del propio autor y la dirección de Ricardo Holcer, sube a escena los sábados, a las 22, en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, Capital Federal. Reservas al 4862-0655. Entradas: $30.
El sistema de la víctima, "Arrabalera, mujeres que trabajan", "The victory to la madrecita", Limosna de amores, ¡Dolly Guzmán no está muerta! y otra
Mónica Cabrera este año no descansa. Desde esta noche, comienza un maratón en el Teatro Payró en el que se podrán ver cinco espectáculos de esta actriz, autora y directora.
En febrero, "El sistema de la víctima", una reflexión con humor sobre la sensación de ser víctima.
En marzo, "Arrabalera, mujeres que trabajan", que narra la supervivencia de siete mujeres.
En abril, "The victory to la madrecita", sobre una mujer del pueblo que tiene capacidades extraordinarias de curación y que, tras ser asesinada, su hermana lucha para que la canonicen.
En mayo, "Limosna de amores", que gira alrededor de la guerra, la esencia del capitalismo, la acumulación de riqueza, el lugar de la mujer, el hombre puesto en la máquina de la producción.
En junio, "¡Dolly Guzmán no está muerta!", en torno a la misteriosa muerte de una gloria del espectáculo porteño.
Todos estos espectáculos se podrán ver los sábados, a las 23, en San Martín 766. Informes: 4312–5922. Localidades: $40.
Más Cabrera
Además, los viernes, The Cabrera's Compañy y La Mosa Blanca Producciones presentan "El club de las bataclanas", un espectáculo de Cabrera inspirado en las actrices y cantantes que hicieron el teatro argentino, en sus miles de anécdotas de cómicos trashumantes y en nuestra pintoresca y siniestra historia nacional.
Las funciones de esta obra son los viernes, a las 21, en Bar & Concert Bataclana, Av. Corrientes 3500, Capital Federal. Informes y reservas: 4862-0888. Localidades: $ 35.
Un informe sobre la banalidad del amor
El viernes 12 de febrero el Teatro Nacional Cervantes repone en la Sala Orestes Caviglia "Un informe sobre la banalidad del amor", de Mario Diament, que con dirección de Manuel Iedvabni cumplió una exitosa temporada el año pasado.
Alejandra Darín en el papel de Hannah Arendt y Osmar Núñez como Martin Heidegger protagonizan la obra. Son la alumna y su profesor, convertidos en destacados e influyentes pensadores del Siglo XX, viviendo una historia de amor cruzada por los terribles años de la Alemania nazi.
El espectáculo cuenta además con la participación de cuatro actores en el papel de los Académicos. Es así, que aparecerán en proyecciones a la manera de coro Marta Bianchi, Héctor Bidonde, Ingrid Pelicori y Horacio Roca.
Cabe señalar que por su interpretación, Osmar Núñez obtuvo el Premio Clarin al mejor actor, en diciembre pasado.
Un informe sobre la banalidad del amor tiene iluminación de Roberto Traferri y diseño de vestuario y escenografía de Alberto Bellatti. La realización de multimedia es de Leandro Bartoletti y la asistencia de dirección es de Mónica Quevedo.
Para escribir esta obra Mario Diament realizó una amplia investigación histórica. También utilizó frases y expresiones tomadas de la correspondencia entre ambas personalidades. Las opiniones expresadas por los Académicos están basadas casi siempre en citas reales. Sin embargo, Diament se ocupó en insistir que esta obra, aunque inspirada en la relación entre Martin Heidegger y Hannah Arendt, es esencialmente una pieza de ficción: “Muchos de los episodios y referencias están basados en hechos reales, pero otros son inventados o imaginados. Esta es una obra de ficción y así debe ser interpretada”, expresaba en agosto pasado poco antes del estreno.
El primer encuentro entre Heidegger y la joven estudiante judía Arendt fue en febrero de 1925 en la universidad de Marburgo. Él, profesor de historia de la filosofía, la había citado en su despacho para hablar del ensayo sobre Platón que ella había escrito. Comenzó así lo que sería una compleja historia de amor.
Un informe sobra la banalidad del amor se ofrecerá de jueves a sábados a las 21.30 horas y los domingos a las 21.00 horas, con localidades a 30 pesos y los jueves a 25 pesos.
Una tarde de domingo
A partir del sábado 6 de marzo, a las 21, vuelve la obra "Una tarde de domingo", de Roberto Arlt, en La Ratonera Cultural, ubicada en Avenida Corrientes 5552, Capital Federal.
La obra es interpretada y dirigida por Alejandro Arcuri. Localidades: $30 (estudiantes y jubilados: $25).
Eugenio Karl es un porteño de una mística muy personal. Un domingo por la tarde siente el deseo de salir a caminar por las calles de Buenos Aires con un fuerte presentimiento. Al cabo de un rato se encuentra con Leonilda, la esposa de su amigo, quien lo invita a su casa a estar a solas con ella.
La historia comienza a desencadenar un sinfín de fantasías en el hombre, quien entiende que la mujer lo está incitando a mantener una relación. Es a partir de ahí que el autor comienza a desplegar en Eugenio Karl una artillería de conclusiones acerca de las relaciones humanas, dotándolo por momentos de un sinceramiento ingenuo y por otros de una ironía sarcástica que lo convierte en un filósofo de una dialéctica popular muy autóctona, como lo demuestran los retratos hechos por este narrador de las emociones verdaderas.
Manuel Iedvabni: Hamlet
“Esta es la lucha entre el humanismo y la depredación”
El director explica el sentido de su adaptación del clásico de William Shakespeare. “La omnipotencia del poder, que se expresa de muchas maneras, termina pasando a nuestro cuerpo”, señala Iedvabni, quien apela en todo momento a la “contemporaneidad” de la obra.
“Antes de los ’40, yo era un rusito de La Paternal.” Con ribetes de nostalgia recuerda el Manuel Iedvabni de 78 años al de la adolescencia. Su padre lo obligó a elegir entre dos pasiones: el fútbol o el teatro. Por el primero, ya había roto demasiados lentes, le había dado demasiados dolores de cabeza al viejo; por el segundo, las visitas a los departamentos “de laburantes” –en su mayoría familias de inmigrantes– en los que germinó lo que sería el Teatro IFT ya le habían calado hondo. “Mirando obras en esos sitios se me prendió definitivamente que iba a hacer teatro. Y mi familia lo tomó con la preocupación de cualquier obrero: ‘¿Podrá vivir de eso?’. Pero, claro, me apoyó. Aunque yo haría de todos modos lo que me diera la gana”, mete con picardía y los ojos pequeños amplificados por los cristales. Arrancó en la escuela del IFT a los 18 y, cuatro años después, debutó como director en ese mismo espacio independiente con la adaptación de Una gota para el mar, primera pieza de Osvaldo Dragún, uno de los promotores de Teatro Abierto. Con 60 años de carrera profesional, más de 70 puestas en escena de obras de autores vernáculos y extranjeros y la fundación de tres salas (Teatro del Centro, Contemporáneo y Galpón del Sur) a cuestas, el reconocido teatrista estrenará hoy a las 21.15 en el Centro Cultural de la Cooperación (CCC) su adaptación de Hamlet, de William Shakespeare. Versionada junto con Malena Solda y traducida por Ingrid Pelicori, cuenta además con actuaciones de Federico Olivera, Patricia Palmer, Héctor Bidonde, Ana Yovino, Luciano Suardi, Marcelo Savignone, Pablo Razuk, Alfredo Zenobi, Emiliano Dionisi, Marcos Ferrante, Rafael Lavín y Eduardo Narvay.
Tras la puesta de Grande y pequeño, de Botho Strauss, el año pasado también en el CCC, y a la espera del regreso de Un informe sobre la banalidad del amor, de Mario Diament, al Teatro Nacional Cervantes el próximo viernes, Iedvabni ofrece un Hamlet signado por “la lucha entre el humanismo y la depredación”. También, por la “decodificación del lenguaje, las formas de decir y comunicar desde la contemporaneidad argentina”, realizado para acortar las distancias temporales (se trata de un texto de alrededor de 400 años) y espaciales. Aun así, el argumento de la tragedia más famosa de Occidente es el conocido: el príncipe Hamlet es visitado por el fantasma de su padre, que le pide que cobre venganza de muerte sobre Claudio, tío de uno y hermano del otro, ahora coronado rey de Dinamarca y esposo de Gertrudis, madre del personaje central. Hamlet luce subyugado por la exploración de la locura (real y fingida), el dolor, la ira, la traición, el incesto y la corrupción moral. “Hamlet es esencialmente un tipo a quien la circunstancia lo obliga a cargar con la humanidad entera. Y va a morir aplastado en el intento”, define el director en una charla con Página/12.
–En el teatro hay escuelas y formas, pero no reglas en tanto clausura, lo cual iría en contra de la esencia misma del arte. En ese sentido, ¿qué concepto tiene sobre el trabajo de adaptación?
–Parto de la idea de que el actor es argentino y el público también, por lo tanto no tengo la pretensión de hacer teatro inglés. Sí, el escritor es Shakespeare, pero a partir de un momento dado sólo sé que el teatro es contemporaneidad pura, que nace y muere en ese momento. Por lo tanto, le doy a ello la primacía fundamental. A partir de ahí, se decodifica todo lo demás: lenguaje, forma de decir, de comunicar. No es que ignore las reglas antiguas, me doy por enterado de ellas. Si me vienen bien, por algún canal van a aparecer. Pero lo que debe surgir indefectiblemente es el concepto de contemporaneidad.
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De Marx al apocalipsis
Shakespeare en Buenos Aires
Ricardo Holcer: El ardor
Un pensamiento con cuerpo
La obra escrita y protagonizada por Marcelo D’Andrea reflexiona sobre lo discursivo y el pasado... a partir de un locro que le cae mal al mecánico que lo comió. Así, el director lleva al límite su “alergia” por lo explicativo.
Cuando el teatro intenta decir y no dice, hay un ruido. Pero cuando no dice porque no puede, ¿qué hay? Si se le pregunta a Ricardo Holcer de qué trata el nuevo espectáculo que dirige, la respuesta es silencio y luego una carcajada. No es que dude: la imperfección no podría ser más precisa. Porque El ardor, que va todos los sábados a las 22 en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960), aborda el universo de lo indecible. Escrita y protagonizada por Marcelo D’Andrea, la pieza se interroga sobre lo discursivo: las verdades establecidas y las olvidadas. En ese afán consigue una interesante reflexión sobre las profundidades de la historia argentina y latinoamericana, y encuentra un pasado que insiste con volver, pero que no puede ser lenguaje.
A pesar de la complejidad de la obra, el punto de partida es bien simple: un mecánico que ingiere un locro. En pleno desarrollo de su tarea, al hombre se le “atasca” la comida y comienza a hablar por ella. Cuando lo reprimido e inexpresable lo toma, transpira y sufre de arcadas. Reescritura de Acido de locro –estrenada en 1998 en Megafón–, El ardor arroja resultados innovadores en diferentes aspectos: desde la escenografía –una suerte de isla de tres metros por cuatro– hasta el sentido que cobra lo actuado, que pretende no ser relato sino un aquí y ahora genuino.
El interés de Holcer por el cuerpo del actor fue siempre muy marcado. Y en este caso parece haber llevado a la máxima expresión su “alergia” por lo explicativo. Sobre la base de esos ejes, el desafío fue “inventar una nueva poética”. Con un prontuario de más de veinte obras, como Los siete gatitos, Woyzeck y Doble concierto, y acostumbrado a rozar lo social e histórico desde el teatro, Holcer encontró en la propuesta de D’Andrea lo que buscaba: “La posibilidad de explorar una zona de la historia desde los materiales que la componen y que aparecen de un modo antropofágico, porque el texto los devora y vomita”, explica. La química que unió al dúo fue tal que ya prepara un nuevo espectáculo. “Desde (Norman) Briski que no trabajo con un actor de la potencia de Marcelo, con esa amplitud de registro, cambios de eje y alteraciones de espíritu. Y como es el autor, sentía que llevaba una bitácora conmigo”, elogia el director en la charla con Página/12.
–¿Cómo se resume esa nueva poética que mencionó?
–Intentamos inventar una poética que no remita al sentido común, que desafíe. Hay que devolverle la materialidad al cuerpo del actor. Nuestro objetivo no es crear una imagen sino un acontecimiento que produce el cuerpo. Si busco la justeza de una imagen, desplazo al acontecimiento. En la obra funciona al revés: el “navegar”, en tanto acontecimiento, produce la imagen de un barco.
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Reflejo histórico hecho carne
Polo Circo: Circo de una noche de verano, Pasión animal y Aires
Acróbatas, equilibristas y payasos
El Polo Circo revive la mejor tradición, con Shakespeare, Aires y un homenaje a los animales
Las travesuras del duende Puck, que crean más problemas que soluciones a los enredos de las dos parejas de enamorados de Sueño de una noche de verano, se prestan al juego circense. En el bosque de Oberón, el rey de las hadas, se multiplican las piruetas acrobáticas que muestran que es posible otra liviandad en el andar a través del agobiante verano porteño.
Circo de una noche de verano , versión circense de la comedia de Shakespeare, forma parte de la programación estival del Polo Circo, un proyecto multifacético que se desarrolla bajo las carpas montadas en Parque Patricios. Una troupe juvenil, surgida de las escuelas de formación profesional El Coreto y de la Universidad de Tres de Febrero, se mece sobre la cabeza de los espectadores en los trapecios de altura, ensaya pasos y saltos sobre la cuerda floja y cruza la pista en audaces combinaciones acrobáticas.
La cercanía de la arena otorga a las destrezas una verosimilitud fuerte a la vista del espectador; produce una sensación de inmediatez que introduce un toque festivo en el que se involucra a la platea.
"Queremos mostrar la proeza de modo que contagie al espectador la alegría del circo, que sienta que también puede participar de ella", dice Gabriela Ricardes, codirectora del proyecto Polo Circo junto a Mario Pérez. Ambos, hace más de una década, fueron los responsables de la creación del Circo de la Costa, en el parque de diversiones del Tigre. En los últimos años se dedicaron a la enseñanza del arte circense, para dirigir a partir de mediados de 2009 el proyecto Polo Circo.
Fuente: La Nación
Cyrano, Cuentos Mágicos, Romance de los días de Mayo, Gertrudis, María Elena, "¡Cuidado! Un payaso malo puede arruinar tu vida" y Metro y medio
Una gran nariz. Cyrano , el clásico de Edmond Rostand, asoma su larga nariz, en una versión del grupo Oxo Teatro, dirigida por Claudio Chaffone. Manzana de las Luces, Perú 272, domingos, a las 19. $ 20.
Desde España. Estreno de Cuentos Mágicos , a cargo de la actriz y maga española Cecilia Zenobi. Sábados, a las 17, en Liberarte, Corrientes 1555. Entrada 20 $.
Títeres del Bicentenario. Sobre un gran retablo al aire libre se desarrolla el Romance de los días de Mayo , la historia de un marinero criollo que se enamora de una hija de un español en medio de los cambios revolucionarios de 1810. Con dirección de Eva Halac. Sábados y domingos, a las 18, en la Manzana de las Luces, Patio Central, Perú 272. Entrada: 20 pesos.
Rock infantil. La cantante Gertrudis, con Perrovaca como invitado especial, en la apertura del ciclo de rock para chicos, precedido por una feria de juguetes, libros y música. Parador del Centro Cultural Konex, Sarmiento 3131, domingo, a las 20. Entrada: 30 pesos.
María Elena. La obra La galera encantada , dirigida por Héctor Presa, retoma las canciones de María Elena Walsh en una trama que indaga sobre su forma de crear con las palabras. Miércoles a domingos, a las 18, en el Museo Larreta, Vuelta de Obligado 2155 (en caso de lluvia, Mendoza 2250). De 15 a 20 pesos.
Clowns playeros. Los payasos Chacovachi y Maku Jarrak llevan sus gags a la Costa, con sus unipersonales ¡Cuidado! Un payaso malo puede arruinar tu vida y Metro y medio , respectivamente. Viernes, sábados y domingos, a las 23 y a la medianoche; lunes, a las 22 y a las 23, respectivamente, en el Anfiteatro José Marrón, Av. 3 y 110, Villa Gesell. A la gorra.
Fuente: La Nación
Teatro Nacional Cervantes
El Cervantes recién anuncia su temporada
Rubens Correa, director de la sala, hizo un balance de su producción 2009 y habló de las obras que se estrenarán a lo largo de este año
En medio de una nutrida conferencia de prensa, Rubens Correa, director del Teatro Nacional Cervantes, y Claudio Gallardou, subdirector, dieron a conocer la programación prevista para este año que se iniciará el viernes con la reposición de Un informe sobre la banalidad del amor , la elogiada obra de Mario Diament, protagonizada por Alejandra Darín y Osmar Nuñez.
El encuentro con la prensa se desarrolló por fuera de la tradición de los dos teatros públicos porteños (Cervantes y Complejo Teatral de Buenos Aires) que suelen dar a conocer su programación en diciembre. Según Correa, "preferimos completar más la información y que dicho informe [sobre el año pasado] estuviera como prólogo de la programación del año".
En términos presupuestarios, el Cervantes pasó de tener 24 millones a 27. El mismo informe reconoce que a lo largo del año pasado hubo recortes presupuestarios, pero que dicha situación se revirtió hasta lograr un incremento del monto original asignado. De esos 24 millones de pesos, 17,17 por ciento (algo más de 4 millones) fueron destinados a contratos artísticos, gastos de giras y la concreción del Programa Federal, que se realiza en distintas ciudades y pueblos del interior del país.
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El alma inmoral
Kuliok y el alma que reflexiona
Un buen monólogo sobre las ideas del rabino Nilton Bonder, en el Payró
A Luisa Kuliok le atraen los desafíos. Son como estímulos que la impulsan a salir a escena para enfrentar en completa soledad a la audiencia. De eso trata un unipersonal, aunque en este caso apela al público para establecer una relación "monodialogística". Su compromiso con el hecho teatral ya excede los límites de la actuación para penetrar en otros terrenos filosóficos, lingüísticos, culturales.
En esta oportunidad, Kuliok recurre a un texto del rabino brasileño Nilton Bonder (autor de La dieta secreta de los hebreos y Judaísmo para el siglo XXI , entre otros libros). La elección de este texto no es casual, como tampoco lo es el contenido del mismo. Contar que, a diferencia de las creencias tradicionales religiosas, el cuerpo es el ente moral que se somete a los dictados de la naturaleza, mientras que en el alma humana reside la inmoralidad porque es el ente subversivo y el que cuestiona todo, puede parecer provocativo.
Sin embargo resultan atractivas las teorías humanistas de Bonder, porque de ninguna manera se enfrenta con la religión, sino que pretende ofrecer, con ingeniosos sofismas y uno que otro silogismo, una mirada donde el hombre pueda sentirse más liberado de las culpas. Donde, por el contrario, resulta saludable cometer errores o ser transgresor y está permitido cambiar las dualidades tradicionales moral-inmoral, bueno-malo, bien-mal, por traición-tradición, cuerpo-alma, bueno-correcto.
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En el Payró, San Martín 766 (4312-5922), viernes y sábados, a las 21; y domingos, a las 20.30.
Hedwig and the Angry Inch
Un musical a puro rock
La comedia musical de John Cameron Mitchell y Stephen Trask, Hedwig and the Angry Inch , reestrena su segunda temporada pero en el circuito comercial, en el Metropolitan 2 (Corrientes 1343, 5277-0500) por 10 únicas funciones, todos los viernes, a las 23.30, y en la trasnoche de los sábados, a la 0.30. Dirigido por Martín Alomar y Angeles Porteau, este musical rockero se basa en la figura de una cantante transexual a quien una mala praxis dejó "algo" incómodo en su cuerpo. Está protagonizado por Germán Tripel (ganador de un premio ACE), acompañado por Melania Lenoir y una banda de cinco músicos, dirigida por Gaby Goldman. Entradas: desde 30 pesos.
Fuente: La Nación
Madre primeriza, "Oh, Dios mío", Stars, ContraSujeto y Mujeres que cantan
Para madres primerizas
Hoy se estrena la obra Madre primeriza , sobre algunas contradicciones de las mujeres actuales. Con idea, libro y actuación de Mariel Rosciano. Sábados, a las 19, en La Comedia, Rodríguez Peña 1062 (4815-5665). $ 30.
Dios psicoanalizado
Los jueves y los sábados, a las 21, se presenta Oh, Dios mío , una comedia escrita por la israelí Anat Gov, dirigida por Juan Freund, protagonizada por Silvia Franc y Eduardo Wigutow, sobre una psicóloga y su divino paciente. En el Auditorio Ben Ami, Jean Jaures 746 (4961-0527). $ 35.
Estreno de humor
Hoy se estrena Stars , un varieté satírico de Néstor Hidalgo, con José Luis Acevedo, Gustavo Gal, Eva Fisben, Lizan Tadgom y N. Hidalgo. Sábados, a las 23.30, en El Recoveco, Corrientes 1630 (4372-6834). $ 30.
De México a Lomas de Zamora
Los sábados, a las 21, sube a escena ContraSujeto , de Juan Trigos, a cargo de la Compañía Internacional de Teatro unipersonal, de México. Guillermo Jair interpreta a nueve personajes para abordar la obsesión demencial, dirigido por Natalia Traven. En el Banfield Teatro Ensamble, Larrea 350, Lomas de Zamora (4392-2011).
Unipersonal musical
La actriz y cantante lírica Verónica Díaz Benavente ( Las tontas, Oveja gris ) reestrena hoy su unipersonal Mujeres que cantan, en el que le brinda un homenaje a Edith Piaf, María Callas y Libertad Lamarque. Está dirigido por Liliana Pécora y la acompañan los músicos Julián Caeiro y Ricardo Badaracco. Sábados, a las 20.30, en Caras y Caretas, Venezuela 370. $ 20.
Fuente: La Nación
Oscar Barney Finn, Virginia Innocenti y Sergio Surraco: Mucho ruido y pocas nueces
Shakespeare en el campo argentino
Entrevista El director y dos de los principales intérpretes de "Mucho ruido y pocas nueces" Hablan de la adaptación de la obra que subió a escena en la Sala Martín Coronado, que pasó de Italia a la pampa húmeda.
La propuesta surgió hace tiempo. Sin embargo, Mucho ruido y pocas nueces, una de las comedias más importantes -pero menos transitadas en nuestro medio- de William Shakespeare debió esperar el comienzo de la temporada 2010 del Teatro San Martín para subir a escena, con adaptación y dirección de Oscar Barney Finn y con Virginia Innocenti y Sergio Surraco al frente de un numeroso elenco.
"Cuando Kive Staiff me planteó el proyecto, el estreno estaba previsto para 2009. Ante su postergación, surgió alguna inquietud, pero el propio Kive se encargó de disipar nuestras dudas, de modo que dejamos que las cosas madurasen. También es cierto que las versiones y las miradas que uno tiene sobre los clásicos necesitan un tiempo de maduración, así que lo aprovechamos. La obra aún sigue en movimiento", explica Barney Finn, minutos antes de comenzar uno de los últimos ensayos de la pieza.
Por su parte, tanto Innocenti como Surraco también rescatan el aspecto positivo del cambio de temporada. "La fechas pactadas en un comienzo coincidían con mi período de filmación de Lengua materna. Con el nuevo cronograma, el inconveniente lo tuvo la actriz que iba a hacer mi rol, y yo ya tenía terminado mi trabajo en la película. Por lo visto, la obra era para mí", concluye Innocenti.
La superposición de tiempos también complicaba a Surraco. Aunque, desde un comienzo, había decidido bajarse en los mejores términos posibles de La forma de las cosas, para ponerse bajo las órdenes de Barney Finn, no hizo falta. El actor terminó la temporada de la obra de Neil Labute y hoy concreta su deseo de volver al San Martín. "Tengo un cariño especial por este teatro, por la gente que trabaja acá. Así que poder estar en la temporada de su cincuentenario, en la Sala Martín Coronado, y haciendo una obra de Shakespeare es un regalo hermoso", resume.
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Shakespeare en el campo argentino
Un trabajo en fina sintonia
Mucho ruido y pocas nueces
Una buena transposición
Crítica Oscar Barney Finn Trabaja esta comedia, tamizada por un refranero gauchesco.
Una transposición del acento cortesano de Mucho ruido y pocas nueces plantea el director Oscar Barney Finn. En esta versión, traducida por Cristina Piña, se ubica a los personajes en una cronología de matreros y militares durante la "Campaña del desierto". El director altera nombres, lugares, pero mantiene en su mayoría la esencia de situaciones y conflictos planteadas por Shakespeare.
De ese modo, Messina sufre metamorfosis y deviene un paraje en la llanura pampeana. Don Leonato, se transforma en Don Leandro (Salo Pasik). El Alguacil Dogberry se convierte en el comisario Robles (Daniel Miglioranza). Ellos se suman al cortejo amoroso, que incluye un duro y entretenido cruce dialéctico, entre Beatriz (Virginia Innocenti) y Benedicto (Sergio Surraco) que tiene lugar durante el verano en la estancia de Don Leandro. Allí la tropilla de soldados al mando del Coronel Gauna (Fernando Margenet), a la que pertenece Benedicto, descansa de la batalla. Y en esa calma, se trama la venganza por desamor de Don Juan Gauna (Pablo Mariuzzi) a Elisa (Malena Figó) que desatará una serie de intrigas y enredos en la que se verán inmersos más de veinte personajes en escena.
Si toda adaptación de un texto teatral canónico implica una relación de fuerza entre la reescritura y el punto de partida del autor, esta versión devela interesantes puntos de fricción en su gesto telúrico. Por un lado, Barney Finn trabaja esta comedia tamizada por un refranero gauchesco que tiñe el decir de los personajes hacia una liviana estilización. Por el otro, este marco de "tierra adentro" está más cerca de un trazo a lo Molina Campos que de instalarse en función de un decir propio que no sólo adorne al clásico.
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Gertrudis y Perrovaca, Revuelta de tuerca, Magdalena Fleitas y La Pipetuá
Noches temáticas de verano
Parador Konex Ofrece obras de teatro, recitales y una feria dedicada a los intereses infantiles.
Todos los domingos a las 20, Ciudad Cultural Konex ofrece diferentes shows para que los chicos tengan una experiencia distinta cada noche. Y, además, en el patio del centro cultural, ofrece una feria con tiendas de productores y diseñadores, juguetes, libros, música, ropa dedicadas a ellos.
Este sábado se presenta Gertrudis y Perrovaca. Gertrudis es una auténtica y divertida cantante de rock que promete enloquecer a grandes y chicos en un recital imperdible. Música y más música para deleitar el corazón.
Como invitado especial se presenta Perrovaca, que viene a encontrarse con todos sus amiguitos para sacarse fotos y darles un "abrazo perruno" a la salida del show.
El próximo sábado, el ya tradicional grupo de música para chicos Caracachumba, presenta su show Revuelta de tuerca, una propuesta musical y humorística para toda la familia interpretada por una banda de 5 músicos/actores y una clown. El repertorio incluye ritmos como salsa, samba brasilero, chamamé, milonga, cumbia, tango, bolero y canción, interpretados por un piano, guitarra, percusión, vientos, voces y demás instrumentos no convencionales.
El sábado 21 actúa Magdalena Fleitas. La reconocida cantante, música y compositora presentará el material de su nuevo disco Barrilete de canciones, y repasará los éxitos de sus trabajos anteriores: Risas del viento y Risas de la tierra.
Por último, el sábado 28 se presenta La Pipetuá. Tres clowns y un músico exótico despliegan una serie de números circenses utilizando objetos no tradicionales, alterando el espectáculo con la participación directa del público.
La espontaneidad, la candidez y el humor excéntrico musical de los personajes hacen de ésta una propuesta única y original para toda la familia.
La feria funciona desde las 18. En Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, $30. Para más ifnormación consultar en www.ciudadculturalkonex.org.
Fuente: Clarín
Romina Yan
Romina Yan
"No sé mentir" A los 35 años, supo armar su camino, más allá de la portación de apellido. Tiene mucho humor y graciosas postales de su infancia.
Sabe de qué habla Romina Yan cuando habla de televisión. Hija de Cris Morena y Gustavo Yankelevich, se crió con la cámara de fondo, como un testigo de su crecimiento. Y entonces, en la intimidad de su camarín, entiende que "la tele no está vista como antes. Antes, si tenías una madre que trabajaba ahí, te decían, por ejemplo, 'ay, ayer tu mamá salió en el ascensor diciendo segundo... qué boluda' (en tiempos de ascensorista de Mesa de noticias). Ahora, aunque yo me resguardo y voy al colegio a buscarlos con perfil bajo, vienen mis hijos y me dicen 'Che, má, necesito que me firmes estos diez autógrafos porque hay unas nenas que me están hinchando'. Y, claro, cambió todo. O por ahí pasan y te dicen 'te vi en la tele, vos sos la mamá de tal'. Y a mí me agarra una fobia tremenda".
Al menos pasaste de ser "la hija de" a ser "la mamá de"...
Sí, y eso está buenísimo.
No es que reniegue de dónde viene ni mucho menos, pero el prejuicio de la portación de apellido -aunque recortado- le pesó bastante en sus comienzos. "Al principio sentía muy fuerte la mirada del medio y luego yo sola me hice cargo de ese prejuicio... A tal punto que muchas veces rechacé trabajos por miedo a que me pegaran de más. Y admito que todavía me cuesta aceptar que soy actriz, pero igual me siento mas relajada con ese tema. Si no, no me hubiera animado a hacer esto", comparte antes de la función.
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viernes 5 de febrero de 2010
Teatro Cervantes
La programación del teatro Cervantes para 2010
Una versión de El Bululú, de José María Vilches, a cargo de Osqui Guzmán, la visita de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de España y una puesta de Marathon, de Ricardo Monti, con dirección de Villanueva Cosse y protagónico de Pompeyo Audivert, son algunas de las obras que se verán este año en el Cervantes, según anunciaron ayer en conferencia de prensa el director Rubens Correa y el subdirector Claudio Gallardou.
Con un presupuesto de 27 millones de pesos, las primeras obras que subirán a escena en febrero son la citada Marathon, más la reposición de Un informe sobre la banalidad del amor, de Mario Diament –con Alejandra Darín y Osmar Núñez y dirección de Manuel Iedvabni– a la que se agrega, en marzo, El misterio de dar, de Griselda Gambaro, con Adriana Aizenberg y dirección de Laura Yusem.
En abril, abre la temporada internacional con la Compañía Nacional de Teatro Clásica de España, que trae La estrella de Sevilla, atribuida a Lope de Vega, y el Gruppo Teatro Essere de Italia, con Roma libera e Italia in cantata, de Tonino Tosto; además de la visita del actor y dramaturgo Matteo Belli, con Marzabotto, en julio.
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Emiliano Dionisi
“Me gusta el modelo del actor de varieté”
A los 23, ya ganó el ACE Revelación y el María Guerrero en el rubro Estímulo. Con un breve paso por la tv, aún desconocido para el cine, se prepara para el estreno de su primer Shakespeare.
Ganador del premio ACE 2006 como Revelación masculina por El pan de la locura y, el año pasado, el María Guerrero en el rubro Estímulo por Titulares y De hombre a hombre, entre otros, no es sorpresa que a los 23 años a Emiliano Dionisi lo hayan convocado para un clásico peso pesado como Hamlet, que se estrena el sábado en el Centro Cultural de la Cooperación (ver recuadro) y al que llega por haber trabajado antes con el director Manuel Iedvabni (en Una bestia en la luna) y con muchos integrantes del elenco, como Luciano Suardi (que lo dirigió en El pan de la locura).
En la tragedia shakesperiana será Osric, el cortesano encargado de avisarle al príncipe de Dinamarca sobre su duelo con Laertes. “Es un servil, superobsecuente y especulador que se acomoda a cualquier cosa. Tiene muchos floreos verbales que se acompañan también con lo gestual. Hamlet le dice que le ‘hace reverencias al pezón antes de chuparlo’ y eso lo define perfecto. Trasladado a hoy, sería como un telemarketer que tiene que venderte algo y te halaga para convencerte. Es su forma de sobrevivir”, explica Dionisi sobre el personaje que ensaya desde hace cinco meses.
“Hay un respeto a priori con Shakespeare, un primer nerviosismo antes de encararlo por lo que significa; pero con el director lo asumimos desde un lugar muy humano y como está tan bien escrita, es tan sólida, sólo resta subirse al bote de la obra y dejarla fluir”, dice acerca de la ansiedad ante el estreno. De todos modos, reconoce que tampoco hay que relajarse: “El riesgo es caer en un Shakespeare literario, aburrido. A los actores les tiene que suceder lo que están contando, hay que apropiarse de las palabras”.
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Germán Tripel, Martín Alomar y Melania Lenoir: Hedwig And The Angry Inch
“Lo nuestro es irreverencia pura, propia del rock and roll”
La obra de John Cameron Mitchell, surgida del off neoyorquino, tuvo su versión local en The Roxy y ahora se estrena en el Metropolitan. Sus directores y protagonistas señalan que a través del personaje “trans” el espectáculo permite reflexionar sobre la identidad.
Hace tiempo que los musicales demostraron que pueden ser irreverentes, transgresores y que, entre canción y canción, saben hablar de los temas más polémicos y controversiales. Luego de que Rent se convirtiera en el musical de los ’90, poniendo sobre el tapete los dilemas de su época –la droga, el sida, la homosexualidad, la pobreza–, Hedwig And The Angry Inch decidió subir la apuesta, desde el off neoyorquino. En 1998 John Cameron Mitchell presentó a Hedwig, una cantante transexual “mundialmente desconocida” que cuenta su trágica historia a lo largo de un concierto de “neo-glam-post punk” rock. La obra, con música y letras de Stephen Trask y protagonizada por el mismo Mitchell, se convirtió en otra ópera-rock de culto. Hedwig... estuvo en boca de todo Nueva York, impactó en el periodismo y sus creadores aparecieron en portadas de revistas y en TV –desde MTV al Rosie O’Donnel Show–. Es que Hedwig, ese transexual que se vio obligado a operarse el sexo para casarse con un soldado americano y escaparse de la Berlín comunista, mal operado –porque tras la intervención quirúrgica de cambio de sexo le dejaron un “angry inch”, una irritante pulgada de carne entre las piernas que no es masculina ni femenina– se anima a hablar del mundo “trans”, y en ese proceso pone al descubierto toda su humanidad, reflexionando acerca del amor, la búsqueda de la identidad y la aceptación del propio yo.
Luego del éxito neoyorquino, Hedwig... fue convertida en film en 2001 (también dirigida y protagonizada por Mitchell) y llevada a distintos escenarios del mundo. En 2009 asomó en Buenos Aires dentro del circuito no comercial, tanteando el terreno en el club nocturno The Roxy, y ahora se anima a más: desde hoy se instalará en la avenida porteña de los teatros para brindar diez funciones en el Metropolitan (Corrientes 1343), los viernes a las 23.30 y los sábados a la 0.30, durante todo febrero. La versión local, ganadora del premio Inadi a las prácticas antidiscriminatorias en 2009, tiene a Germán Tripel en el rol protagónico (ganador del premio ACE como revelación masculina por este papel), a Martín Alomar y Angeles Porteau en la dirección, a Marcelo Kotliar en la adaptación y traducción, a Gaby Goldman en la dirección musical, a Gustavo Carrizo en la coreografía y contó con la participación de Mosquito Sancinetto a modo de “coach” actoral de Tripel. Además, acompañan a Hedwig en el escenario un personaje masculino, Yitzhak, que Mitchell quiso que fuera interpretado por una mujer –en este caso es Melania Lenoir, que reemplaza a Florencia Otero, quien hizo el papel en 2009– y una banda de cinco músicos dirigida por Goldman.
“Lo nuestro es irreverencia pura, propia del rock and roll”, decreta Tripel cuando se le pregunta por qué Hedwig... se anima a ofrecerse dentro del circuito comercial teatral. “Es lo de siempre, el off quiere ser on, así como el on a veces quiere ser off y aparecer en algún lugar escondido medio ‘cool’.” Esa irreverencia y desparpajo forman parte del estilo de la obra y es lo que llevó a los directores a pensar que no estaba mal probar qué pasaba con Hedwig... en otro lugar de Buenos Aires, permitiendo que este musical con dos actores y una banda en escena compitiera con otros amplios elencos: “Le viene bien a Hedwig... estar más cerca del Obelisco, se va a ampliar el espectro de público de modo muy interesante y queremos ver qué pasa”, explica Alomar. En diálogo con Página/12, los dos directores y los dos intérpretes se muestran muy optimistas, pues para ellos Hedwig... no es una obra pensada para el mercado gay ni habla sólo de la transexualidad. Los cuatro coinciden en que si bien la estética queer y la temática “trans” fue una novedad en el mundo del musical que hizo a la popularidad de la obra, ésta brinda una moraleja universal: “Habla de aceptarnos a nosotros mismos, con nuestras peores miserias. Por eso todo el mundo puede verse identificado con el personaje”, dice Lenoir.
–¿Cómo fue el proceso de traer Hedwig... a la Argentina?
Martín Alomar: –Para traerla estuvimos en contacto con la agencia F&F, de Fernando Masllorens y Federico González del Pino, que son los que trajeron y adaptaron Rent y los que actualmente consiguen los derechos para casi todos los musicales y piezas teatrales de Estados Unidos. Esta obra me interesó porque me había gustado a mí como público. Me hablaba de algo que entendía, algo que yo también quería contar, acerca del amor y la identidad. Me daba mucha pena que aún no se hubiera hecho acá y decidimos traerla nosotros.
–¿Estuvieron en contacto con Mitchell para montar la versión argentina?
M. A.: –Tuvimos un encuentro con Mitchell en Nueva York, en donde le presentamos el proyecto. Después de eso, él consiguió un film para dirigir, protagonizado por Nicole Kidman (Rabbit Hole, cuyo estreno está previsto para este año), y desapareció para nosotros por completo.
–¿Eso les dio más libertad a la hora de hacer la adaptación?
Melania Lenoir: –En realidad, desde el guión original, Mitchell da piedra libre para que cada cual haga con la obra lo que quiera. El nos propuso apropiarnos de Hedwig..., hacerla nuestra.
Germán Tripel: –Como el idioma original es otro, la obra necesitaba ser adaptada. Juega mucho con el doble sentido y hay expresiones y chistes que en Estados Unidos eran entendibles pero no acá, entonces hubo que adaptarlos para que fueran igualmente efectivos. Por otra parte, apropiarse de la obra es la única forma de contarla con una dosis de verdad. En cualquier obra, si no te hacés dueño del personaje y no te lo llevás a tu piel no es posible llevarlo adelante. Entonces, esta libertad que nos dio Mitchell nos ayudó. Lo que yo viví en The Roxy con Hedwig... fue increíble: de función a función iba probando cosas nuevas, algunas funcionaban, otras no, pero pude crecer con el personaje. Bajaba del escenario para charlar con la gente durante la función, algunos reaccionaban bien, otros mal, a veces me quedaba callado por diez minutos. A mí me dijeron: “Sos Hedwig y este escenario es tuyo”; yo me la empecé a creer en la mitad del proyecto y hacia el final no había forma de que nadie me retrucara. Yo era Hedwig y les contestaba.
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LA FICHA
Historia de una media naranja
Un proceso liberador
Teatro Cervantes
El Cervantes vuelve a ser el que era
La obra Marathon, de Ricardo Monti, abrirá la temporada el 18 de febrero. “Apostamos a que, con el tiempo, el público venga al teatro no para ver a las figuras de renombre sino porque confía en la excelencia de la programación”, señaló el director Rubens Correa.
Como es habitual desde que Rubens Correa y Claudio Gallardou dirigen el Teatro Cervantes, la conferencia de prensa realizada ayer no solamente fue destinada a dar a conocer la programación de este año sino a realizar un balance de gestión. En esta oportunidad, Correa volvió a subrayar que, desde agosto de 2007, cuando asumió el cargo, hubo que vencer incontables dificultades de funcionamiento pero que, a la fecha, se encuentran normalizadas todas las direcciones de área, cubiertas por concurso, así como fueron mejorados muchos aspectos relacionados con la seguridad (asistencia médica en el horario de trabajo y bomberos durante las funciones, entre otros). También subrayó que el programa de refacción general del edificio está en marcha: “El Cervantes es un monumento histórico y artístico que estará en condiciones para noviembre, para cuando lleguen al país los reyes de España”, anunció. Por su parte, Gallardou destacó que “desde la crisis que tuvo al Cervantes parado durante 2 años hemos trabajado para su renacimiento: no hemos sufrido ningún recorte presupuestario aunque querríamos contar con un presupuesto mayor”. En ese punto, Correa aclaró que, si bien en 2009 existió un recorte, el mismo fue revertido y que, si el año anterior el teatro contaba con 22.000.000, este año, el presupuesto total será de 27.000.000.
Norma Duek, también presente en la conferencia, anunció que el 9 de junio de este año se realizará la tradicional entrega del premio María Guerrero que, sólo por este año contará con dos estatuillas extra, que serán otorgadas a Alfredo Alcón y Norma Aleandro. Correa subrayó, no obstante, que “el Cervantes no se protege detrás de la figuras reconocidas porque en su programación conviven diversas estéticas, actores conocidos y desconocidos: apostamos a que, con el tiempo, el público venga al teatro no para ver a las figuras de renombre sino porque confía en la excelencia de la programación”, concluyó.
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Travelling
Acrobacia, circo y danza
Creada por La Arena y con dirección de Gerardo Hochman, Travelling combina arte circense, acrobacia y coreografías inspiradas en conceptos cinematográficos. Sábados, a las 21.30 y domingos, a las 20.30 en El Galpón de Catalinas (Benito Peares Galdós 93).
Fuente: La Nación
Cyrano
Cyrano, en manos de Chaffone
La obra de Rostand, para toda la familia
Todos los domingos de febrero, a las 19, en la Manzana de las Luces (Perú 272), el grupo teatral Oxo Teatro presenta Cyrano , una adaptación del clásico del dramaturgo francés Edmond Rostand, en versión libre de Claudio Chaffone y Carlos Bergaglio.
Con dirección general del fundador de la compañía, Claudio Chaffone, este nuevo trabajo, dirigido a toda la familia, cuenta la historia del hombre de la nariz larga que se enamora perdidamente de la bella Roxana. Combina color, poesía, humor y teatro, y rescata el estilo y el espíritu de la commedia dell´arte.
La propuesta se suma al repertorio de obras clásicas para todo público de Oxo Teatro, que incluye textos como Ricardo III , La tempestad , Peer Gynt , Los trabajos de Hércules y Robin Hood , entre otras.
El elenco está integrado por Marina Munilla, Celeste Gentile, Gerardo Grillea, Santiago Lavia y Víctor Estigarribia. "Nuestra idea es montar obras de repertorio nacional e internacional con el fin de promover la cultura educativa y artística en el país", indica Chaffone.
Fuente: La Nación
Cyrano
Cyrano, en manos de Chaffone
La obra de Rostand, para toda la familia
Todos los domingos de febrero, a las 19, en la Manzana de las Luces (Perú 272), el grupo teatral Oxo Teatro presenta Cyrano , una adaptación del clásico del dramaturgo francés Edmond Rostand, en versión libre de Claudio Chaffone y Carlos Bergaglio.
Con dirección general del fundador de la compañía, Claudio Chaffone, este nuevo trabajo, dirigido a toda la familia, cuenta la historia del hombre de la nariz larga que se enamora perdidamente de la bella Roxana. Combina color, poesía, humor y teatro, y rescata el estilo y el espíritu de la commedia dell´arte.
La propuesta se suma al repertorio de obras clásicas para todo público de Oxo Teatro, que incluye textos como Ricardo III , La tempestad , Peer Gynt , Los trabajos de Hércules y Robin Hood , entre otras.
El elenco está integrado por Marina Munilla, Celeste Gentile, Gerardo Grillea, Santiago Lavia y Víctor Estigarribia. "Nuestra idea es montar obras de repertorio nacional e internacional con el fin de promover la cultura educativa y artística en el país", indica Chaffone.
Fuente: La Nación
Teatro Nacional Cervantes
Una temporada con estrenos y sorpresas
Anunciaron la programación 2010 del Cervantes Habrá obras nacionales e internacionales de reconocidos directores.
Las autoridades del Teatro Nacional Cervantes, Rubens Correa y Claudio Gallardou, anunciaron ayer la temporada de 2010. También llevaron a cabo un balance de lo realizado el año pasado. A ellos se sumó Alejandra Blanco, jefa de gabinete de la Secretaría de Cultura de la Nación, entre otros.
"El año pasado estuvimos cerrados por la gripe A, lo que disminuyó la cantidad de público y postergó varios estrenos¿explicó Rubens Correa- Actualmente nos planteamos una nueva etapa de normalización del Cervantes". Correa anunció que durante al año pasado hubo 624 funciones y 107 mil espectadores repartidos en Capital Federal y en el interior de país. Fuera de Buenos Aires hubo giras y coproducciones con varias provincias. En la sede de Córdoba y Libertad se estrenaron, en 2009, 15 obras, tanto para adultos como para niños. Hubo 486 funciones y asistieron 81 mil espectadores.
Para 2010 anunciaron un presupuesto de 27 millones de pesos, con un leve incremento con respecto a los años anteriores que osciló entre los 22 y 23 millones. El primer estreno del año será Marathon, de Ricardo Monti, que subirá a escena el 25 de febrero en la sala María Guerrero. Allí, además, estarán las reposiciones de Informes sobre la banalidad del amor, de Mario Diament. La misma sala, en abril, cobijará el inicio de la temporada internacional con la vuelta de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de España, dirigida por Eduardo Vasco. Traerán una versión de La estrella de Sevilla, de Lope de Vega. Ese mes además vendrá de Italia el Grupo Teatro Essere con Italia in cantata y Roma Libera. Ambas obras pertenecen a Tonino Tosto.
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jueves 4 de febrero de 2010
Mucho ruido y pocas nueces
Con sencillez y encanto
De 1598 data el estreno de "Mucho ruido y pocas nueces" del gran dramaturgo inglés William Shakespeare, inmediatamente posterior a "El mercader de Venecia" y "Las alegres comadres de Windsor". Un dramaturgo de treinta y cuatro años mostraba su profesionalismo en una comedia romántica de seguro éxito.
El director Oscar Barney Finn toma el texto traducido por Cristina Piña, moderniza la historia manteniendo las historias de amor de Claudio-Elisa y la de Beatriz-Benedicto, cambiando la época y el espacio en que se desarrolla la acción (la corte por una estancia en la Pampa, propiedad de don Leandro, el padre de Elisa).
Estamos entre 1875 y 1876. Se alude a la época de trincheras, a los soldados que vienen de combate y a la llamada Zanja de Alsina, la que se convertiría en zona de frontera para separar dos mundos, el de los blancos y el de los indígenas. También aparecen los habitantes de la estancia, las tías viejas, el sacerdote, el comisario y su segundo, los soldados y sus jefes que deciden quedarse, mientras aprecian las lindas mujeres de la zona.
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Ficha técnica:
"Mucho ruido y pocas nueces", de William Shakespeare. Dirección y adaptación: Oscar Barney Finn. Escenografía: Jorge Ferrari. Vestuario: Mini Zuccheri. Iluminación: Eli Sirlin. Actores: Virginia Innocenti, Sergio Surraco, Salo Pasik, Malena Figó, Daniel Miglioranza, Verónica Piaggio, Rocco de Grazia, Enrique Iturralde, Pablo Mariuzzi y Carlos Kaspar, entre otros. Martín Coronado del teatro San Martín (Corrientes 1530).
Enrique Papatino: Amalfi
Sobre la imposibilidad del regreso
El actor descubrió de casualidad sus vocaciones de dramaturgo y director: no encontraba textos a la medida de los grupos a los que enseñaba. Su última obra arranca cuando un hombre vuelve de la guerra y encuentra a su mujer con otro.
“Esencialmente soy actor”, afirma Enrique Papatino, quien, casi sin proponérselo, desarrolló paralelamente una carrera como dramaturgo y novelista. Intérprete habitual en los últimos proyectos dirigidos por Enrique Dacal (Procedimientos y Cartas de amor a Stalin, entre otras), el actor cuenta con un grupo propio desde 2005, con el cual estrena sus textos. Su obra Amalfi, premiada por el Instituto Nacional del Teatro y el Getea, acaba de subir a escena en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3549), con un elenco integrado por Eduardo Leyrado, Mariel Rosciano y Jorge Albella, miembros del grupo que el autor dirige, Caue Canem (en latín, Cuidado con el perro). La situación inicial presenta a un hombre, Ascasubi, quien, al regresar de la guerra, encuentra que Carmela, su mujer, ha decidido rehacer su vida junto a otro. Con una cuota de humor poco convencional, el autor le otorga al trío la posibilidad de rever ciertas cuestiones a partir de una extraña convivencia, hasta que toda forma de comprensión se vuelve imposible. Especialmente para ella, que experimenta un cambio de perspectiva en relación con sus expectativas de vida.
Ligado a la actuación desde la infancia (su padre lo animó a estudiar con Pedro Aleandro, su propio maestro), Papatino continuó su formación con Augusto Fernandes y Raúl Serrano. Pero como autor comenzó a probarse recién cuando tuvo a su cargo cursos de actuación, a raíz de que no encontraba textos dramáticos a la medida de su alumnado. Así, sin darse cuenta, fue descubriendo una vocación que ignoraba que tenía. Como la mayor parte de los nuevos dramaturgos, pasó por los talleres de Mauricio Kartun y de Ricardo Monti, quienes le enseñaron a comprender los mecanismos de la escritura para la escena. “Mi forma de entender la dramaturgia fue cambiando porque me despojé de la presión de escribir bien: ese ‘vicio’ de escribir en forma bella ahora la reservo sólo para las didascalias”, asegura Papatino, consciente de que las acotaciones escénicas no deben ser un imperativo a la hora de la puesta sino una manera de introducir al potencial director de ese texto en un mundo particular, que espera ser apropiado. “Para escribir soy muy argumental porque mis personajes hacen comprensible todo lo que ocurre, aunque hay algunos elementos que siempre quedan oscuros, incluso para mí mismo”, concluye.
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Noralih Gago
La diva del under porteño
El personaje encarnado en el alma de Noralih Gago es un fenómeno del teatro off y ya tiene miles de fanáticos
Desde hace ocho años, un personaje llamado Concha del Río le devolvió al "under" porteño algo de aquel exquisito sabor que supo tener en los años 80. Para ver el cabaret que encabeza hay que sacar entradas con varios días de anticipación y para ser admirador suyo por Facebook hay que ponerse en la fila, detrás de 5000 personas. El alma de esta diva, salida del túnel del tiempo, es Noralih Gago, actriz de sólida trayectoria tanto en el teatro alternativo, como en el comercial y en la televisión.
Su alter ego, Concha del Río, "regresó al país" para volver al escenario, a "conducir" un espectáculo que ya es un ícono del circuito "under": el Anfitrión Cabaret. Allí, ya sea alrededor de mesas, con comidas y bebidas, o en sillas, desde la platea, una sucesión de desopilantes personajes entran y salen, presentados por ella.
Un juego de ficción
Llegar al encuentro de Concha del Río no es fácil. Hay que adentrarse en lo más profundo del barrio de Constitución, en un hotel que combina azulejos floreados con flexiplast y un cartel que dice "welcome" en letras de brillantina. Allí, en su "suite" de cuatro por cuatro, espera esta amable diva de los años 40, con sus uñas larguísimas, su infaltable boquilla, sus pieles y un turbante de plumas tan alto como para sacarle las pelusas al techo. Saluda ofreciendo su mejilla, con su particular risa contenida ("Ha, ha, ha").
-¿Por qué me citaste acá?
-Ya sabes... Se me complica bastante salir en Buenos Aires. Fíjate que te habrá costado entrar... hay muchos fans agolpados afuera.
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Cinco mil fanáticos en Facebook
Verónica Díaz Benavente
Homenaje al talento femenino
¿De qué trata "Mujeres que cantan"? (sábados, a las 20.30, Centro Cultural Caras y Caretas)
Es un homenaje a las mujeres de la canción. Mujeres que generalmente traen consigo algo más que canciones, como Libertad Lamarque, María Callas y Edith Piaf, cada una desde su lugar y con sus historias a cuestas, porque dejaron en los escenarios femineidad, pasión, dolor y desamor, y trascendieron ese dolor a la hora de cantar. Como si la canción fuera un bálsamo y el único espacio donde se las escuchó.
Sos la protagonista y la autora de la pieza, ¿no?
Sí. La dirección es de Liliana Pécora y también está Julián Caeiro al piano.
¿Cómo surgió el proyecto?
Se me ocurrió preguntarme por qué algunas mujeres hechizan cuando cantan. Liza Minnelli, Janis Jopplin, Libertad, Edith, Callas, Elis Regina... Parecen bastiones y a la vez son sumamente frágiles, desprotegidas y cuando cantan parecen aumentar de tamaño, como si las miráramos a través de una lupa.
¿Hasta cuándo se quedan?
¡Hasta que cante el gallo o nos echen!
Fuente: Clarín
Premios Estrella de Mar
Las estrellas ya tienen sus nominados
Pimpinela, la familia parece ser el elegido por el jurado de este galardón que se entrega en Mar del Plata
Con mucha menos prensa, glamour y efecto global que las nominaciones a los Oscar, se anunciaron los candidatos a los premios Estrella de Mar que se entregarán en lunes próximo, en el Auditorium de Mar del Plata.
Según se desprende de la variedad de rubros ya hay dos ganadores cantados: Fantástica , porque es el único espectáculo nominado en el rubro revista, y el Rodas, el único en el rubro circo. Hay otras dos categorías en las que dos obras, Baraka y Brujas , tienen altísimas probabilidades estadísticas de sumar un galardón. Es que en el quinteto de actuación protagónica aparecen Nora Cárpena, Graciela Duffau y Moria Casán (todas de Brujas ) y dos "coladas": Julieta Díaz, por El año que viene a la misma hora , y Beatriz Spelzini, por Ros e. La fórmula se repite en el rubro actuación masculina protagónica. Allí están Jorge Marrale, Darío Grandinetti, Juan Leyrado y Hugo Arana (todos de Baraka ) y el "colado" de turno es Luis Brandoni, por El regreso del Tigre .
Los tres espectáculos más taquilleros ( Más respeto que soy tu madre , Fantástica y Valientes ) presentan sus particularidades. La obra que protagoniza Antonio Gasalla (que por su actuación, comparte rubro con Carlos Perciavalle y Juan Pablo Geretto, entre otros) se alzó con seis nominaciones. Si bien es todo un número, está lejos de las 10 que tiene Pimpinela, la familia, el musical de Valeria Ambrosio que tiene bastantes posibilidades de acaparar la noche de la premiación. En Fantástica su protagonista, Carmen Barbieri, ni aparece pero sí dicen presente Tristán y Paola Miranda por labor cómica masculina y revelación femenina, respectivamente. Y en Valientes los que están nominados son justamente todos los actores de la segunda línea mediática (Graciela Tenembaum, Alejandro Müller y Laura Cimer), pero no hay rastros de Luciano Castro, Mariano Martínez y Gonzalo Heredia.
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Vanesa González
González, nieta de Aleandro
La joven actriz está de novia con el nieto de Norma. Ellas son compañeras de elenco en "Agosto".
Por esas cosas de la vida, a veces la ficción replica la realidad. Y al revés. Desde hace muy poquito, la actriz Vanesa González está de novia Iván Ferrigno, el nieto de Norma Aleandro, así que de alguna manera podría decirse que la morocha es la "nieta" de Norma. Lo curioso es que el vínculo es doble: arrancó de la mano de la ficción porque Vane también es su nieta sobre las tablas del Lola Membrives, donde protagonizan (con Mercedes Morán, Andrea Pietra y elenco) la obra Agosto.
¿Si se sabía? Los chicos no son de exponerse, así que fue toda una sorpresa cuando el lunes a la noche la parejita apareció de la mano en el cine Atlas Santa Fe, donde se hizo el pre-estreno de Andrés no quiere dormir la siesta. Se trata del nuevo filme de Norma, en el que la acompañan Conrado Valenzuela, Fabio Aste, Juan Manuel Tenuta, Marcelo Melingo, Celina Font y María José Gabin, que se verá a partir de mañana en todas las salas.
¿Qué se sabe de Iván? Que es músico, que trabaja en diseño de sonido de numerosas obras teatraoles como, por ejemplo, Maktub, que protagonizó su papá, Oscar Ferrigno (con dirección de su mujer, Valeria Lorca), en El Piccolino. Y que tiene una banda.
Después de la proyección del filme, la familia unita se perdió por la avenida Santa Fe. Eligieron un un restaurante para festejar.
Ay, el amor....
Fuente: Clarín
Premios Estrella de Mar
Se vienen los Estrella de Mar
Se conocieron las nominaciones de los premios Estrella de Mar para la actividad teatral desarrollada en las salas marplatenses. El espectáculo de Joaquín y Lucía Galán, La familia, arrasó con las menciones al quedarse con 10, mientras que Baraka obtuvo nueve. La obra protagonizada por Juan Leyrado, Jorge Marrale, Darío Grandinetti y Hugo Arana es uno de los sucesos de la temporada de verano. En tanto, Más respeto que soy tu madre, con Antonio Gasalla a la cabeza, consiguió ocho nominaciones y quedó en tercer lugar en los Estrella de Mar. Soñar en Boedo, la obra con Mimí Ardú y Rubén Stella, que retrata la vida de un matrimonio que súbitamente recibe una suntuosa herencia, consiguió siete menciones, mientras que la revista Fantástica obtuvo seis. En la terna de Dirección compiten Agustín Alezzo (Rose), Javier Daulte (Baraka) y Valeria Ambrosio (Pimpinela, La familia). A la terna de Actuación Protagónica Femenina la comparten Beatriz Spelzini, Julieta Díaz, Nora Cárpena, Graciela Duffau y Moria Casán. Y entre los actores se destacaron Jorge Marrale, Darío Grandinetti, Juan Leyrado, Hugo Aranay Luis Brandoni.
Fuente: Clarín
Chacovachi
Chacovachi: el payaso rebelde
Ahora gira con su mujer, Makujarrak, y el niño de ambos, Ringo. Es el clown callejero más famoso.
El Parque Centenario estaba en la esquina de mi casa y fue mi primera plaza: estuve cinco años. Ahí me crié como payaso. Trabajaba con mi perro, Filippo, que me acompañó en total casi una década. La gente lo quería a él más que a mí. Chaplin decía "no trabajes ni con niño ni con perros, que se llevarán todos los aplausos".
Chacovachi es la deformación del nombre de un pueblo de Río Negro: Ingeniero Jacobacci. Buscaba un nombre para mi payaso y viajando por el sur me gustó cómo sonaba. No quería tener un nombre en diminutivo como es tradicional: Fosforito, por ejemplo. Me veía viejo, gordo y que la gente diga, ahí viene Verdurita me hacía sentir patético.
Omar Viola fue el primer maestro al que admiré, fue una gran inspiración, no sólo por su arte sino por su manera rebelde de ver la vida, y su generosidad como persona. Mi vieja me enseñó todo lo que pongo en practica en la calle sobre la libertad, el amor y la lucha.
En Gesell estamos trabajando con mi compañera Makujarrak en dos nuestros dos unipersonales Cuidado!!! Un payaso malo puede arruinar tu vida y Metro y medio de Makujarrak. Estamos en el anfiteatro José Marrone del Paseo del Cielo, con entrada a la gorra. Mis últimos ocho años compartiendo la vida con Maku han sido maravillosos, viajamos por todo el mundo con nuestros espectáculos y con nuestro pequeño hijo Ringo, disfrutando de la gloria de ser payasos.
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miércoles 3 de febrero de 2010
Lisandro Rodríguez
Lisandro Rodríguez
Demoliendo paredes Actor, director y dramaturgo, hizo modificaciones en un PH donde vivía y lo convirtió en sala teatral. Estudió con Agustín Alezzo, y ahora ofrece "Díptico".
Fue muy casual mi llegada al teatro. Nací en Quilmes, en un momento me vine a trabajar a Buenos Aires y el primo de un compañero del laburo estudiaba teatro con Agustín Alezzo -explica Lisandro Rodríguez-. En ese momento, yo no tenía la menor idea de quién era. Me anoté y finalmente estudié cuatro años en su estudio El Duende".
De ese modo, algo que era muy ajeno empezó a sonarle de otra manera a Rodríguez. Y entró con tal furia al metier teatral que en un momento decidió demoler algunas paredes del PH donde vivía y armó su primera sala teatral: La Casa del Hombre Elefante.
Rodríguez tiene 29 años, es actor, director y dramaturgo. Se formó, luego de su experiencia con Alezzo, en la carrera de dramaturgia de la EMAD. Fue uno de los creadores del Proyecto Suiza, un ciclo de performances que se realizaron en las madrugadas de los sábados durante dos años. Se difundía boca a boca y por allí pasaron jóvenes actores que se presentaban luego de trabajar en otras obras. Algunos incluso montaron escenas de espectáculos que luego estrenaron en la cartelera porteña.
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martes 2 de febrero de 2010
Leandro Ragucci
El adiós a Ragucci
Falleció ayer Leandro Ragucci, uno de los escénografos más importantes de las décadas del ’60 al ’80. En su larga trayectoria realizó trabajos en los principales teatros de Buenos Aires, si bien fue –principalmente– un artista de los teatros independientes. Participó de Teatro Abierto, cuya comisión directiva integró y formó parte del Grupo de Trabajo junto a Carlos Gorostiza, Carlos Somigliana, Roberto Cossa, el director Héctor Aure y el productor Héctor Gómez. Consultado el dramaturgo Roberto Cossa, recordó a Ragucci como un “clásico hombre de teatro y un ser humano entrañable. Sus escenografías de dos obras mías, La Nona y El viejo criado, en sus primeras versiones, fueron dos trabajos memorables”, agregó Cossa. “Además era un tipo de Buenos Aires, un porteño de alma y eso se veía en su obra.” Los restos de Ragucci, que falleció a los 83 años, son velados desde ayer en Thames 1164 y serán llevados hoy a la Chacarita a las 9 horas.
Fuente: Página/12
Hamlet
Shakespeare, un marginado para la sociedad
Esta nueva puesta, con Federico Olivera y Patricia Palmer, es la tercera del autor isabelino en cartel en la calle Corrientes
Un marginado por la sociedad Tres generaciones de teatristas se juntan en un espacio común, el Centro Cultural de la Cooperación, para concretar un proyecto que los tiene sumamente inquietos: Hamlet de William Shakespeare, cuyo estreno se producirá el viernes. Una historia muy familiar para los activistas del teatro que, a lo largo de su historia, ha tenido múltiples lecturas - el año pasado el FIBA incluyó un espacio en el que pudieron verse diversas películas a partir de la obra? y que, tanto en un escenario, en el cine o en algún espacio performático donde se ha recuperado, siempre mantiene una vitalidad inusitada.
El director Manuel Iedvabni tenía una deuda pendiente: nunca había dirigido Shakespeare, ésta es su primera vez, y quería hacer Hamlet. Federico Olivera, el protagonista, había trabajado algunos textos en un taller con Miguel Guerberof, amaba la obra y por eso, cuando se lo ofrecieron, no pudo más que decir, entre el temor y la sorpresa: "¡Chau, Hamlet!". Para Patricia Palmer (Gertrudis, en la ficción), Shakespeare es un autor conocido. Lo viene representado con su compañía ?integrada por alumnos y ex alumnos? desde el año pasado, a través de versiones que le han permitido comprender las posibilidades que ofrece el autor a la hora de querer expresar cuestiones políticas, sociales o meramente existenciales.
William Shakespeare brinda la posibilidad de abrir muchas puertas. Quizá por eso no resulte tan extraño que convivan en la cartelera porteña tres de sus obras (además de Hamlet, Mucho ruido y pocas nueces en el San Martín y Rey Lear en el Apolo), y nada menos que en la calle Corrientes, ese circuito, destinado generalmente a un teatro frívolo, de mero entretenimiento o donde los conflictos del ser contemporáneo asoman a través de situaciones ligadas con el humor. El autor sigue movilizando a cualquier platea, sea en el espacio que fuere.
Fuente: La Nación
Hamlet, de William Shakespeare con Federico Olivera y Patricia Palmer. Dirección: Manuel Iedvabni.
C. C. de la Cooperación, Av. Corrientes 1543. Funciones: viernes y sábados 22,15; domingos a las 20. Localidades: $ 5.
"Es la obra más grande de todos los tiempos"
Amalfi
Nota del 30 de enero
El sabor de la nostalgia
Ficha técnica:
"Amalfi" de Enrique Papatino. Dirección: Enrique Papatino. Escenografía: Edgardo López Albarellos. Vestuario: Cecilia Larumbe. Iluminación: Eduardo Safigueroa. Actores: Eduardo Leyrado, Mariel Rosciano y Jorge Albella. Del Abasto (Humahuaca 3549), viernes, a las 21.
Ganadora del segundo premio Nacional de dramaturgia y del primer premio vigésimo aniversario Getea, al mejor texto dramático, de 2007, la pieza de Enrique Papatino, se parece a esas crónicas de viaje, que se escribían en el siglo XIX, en las que abundaban detalles cotidianos y contenidos épicos.
La historia si se la observa rápidamente, trata sobre un triángulo amoroso, una mujer que cree perdió a su marido en la guerra, tiene un amante y un día el supuesto muerto en el campo de batalla regresa a la casa y sorprende a todos.
Con un sutil tono de comedia, Enrique Papatino, también director, ubica su pieza dentro de un marco estético, que parece heredar del cine mudo, su impronta de casual encuentro/desencuentro entre los personajes, a la vez que juega con pequeños equívocos y un suave humor, lo que podría llevar a desencadenar una tragedia ante el descubrimiento del engaño.
Más en La Prensa
Mucho ruido y pocas nueces
De cortesanos a gauchos y soldados pampeanos
Se destaca un cuarteto de actores en este Shakespeare
Luego de su postergación, finalmente llegó al teatro San Martín el estreno de Mucho ruido y pocas nueces . Este texto de Shakespeare, escrito en los últimos dos años del siglo XVI, es considerado por muchos especialistas una de sus comedias menores, en la que resaltan la picardía verbal de la pareja protagónica, integrada por Beatriz y Benedicto, enredada en duelos lingüísticos de los que no pueden escapar, mientras simultáneamente otra pareja, la de Elena y Claudio, juega al amor romántico y es víctima del villano Don Juan.
La versión del director Oscar Barney Finn ubica a esta historia en plena pampa argentina y muta los personajes en soldados y estancieros. Aquellos llegan a la estancia para hospedarse una semana luego de una lucha contra el indio; es el verano de 1875/76 según indica el programa de mano.
Y es tal vez éste uno de los mayores problemas que tenga un espectáculo que no padece grandes desajustes ni fallas interpretativas. El problema surge cuando uno intenta mirar esta historia desde nuestra pampa. Porque hay un punto en el que el imaginario sobre el ejército, el indio, el gaucho y la vida en el campo está atravesado por otra lengua, otras costumbres, otros hábitos culturales. Resultan por lo menos exóticas las traducciones de las pautas cortesanas europeas a esta típica estancia argentina, del mismo modo que no se entiende muy bien la función de las canciones y las coreografías, ya que por su exagerada simpleza aparentan una parodia, aunque no se entienda muy bien de qué.
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