Rafael Bruza: Festival Argentino de Teatro

Nuevas escenas con sentido federal

La programación incluyó, además de espectáculos de la provincia anfitriona, otros provenientes de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza y San Juan. Además de obras ya consagradas de Spregelburd, Ure y Tolcachir, entre otros, se conoció mucho de lo mejor que se produce actualmente en el interior.

Organizado por la Universidad Nacional del Litoral, la octava edición del Festival Argentino de Teatro terminó el domingo en las salas más importantes de la capital santafesina. Con un criterio federal, la programación incluyó, además de espectáculos de la provincia anfitriona, otros provenientes de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza y San Juan. El encuentro, al igual que los ciclos Argentino de Danza y Argentino de Literatura, que también promueve la UNL, constituye, según subrayó Luis Novara, secretario de Cultura de la universidad, "una oportunidad para conocer las nuevas tendencias teatrales del país y, desde nuestro lugar, una nueva apuesta a la calidad, a la continuidad y al trabajo sostenido en el tiempo".

Entre los participantes de esta muestra que cuenta con el apoyo del Instituto Nacional de Teatro, el gobierno de la Ciudad de Santa Fe y el gobierno provincial, Rafael Spregelburd estuvo presente por partida doble; además de Apátrida. Doscientos años y unos meses, espectáculo que él mismo interpreta junto al músico Federico Zypce, realizó una función de Todo, su última obra de conjunto. La familia argentina, de Alberto Ure, con dirección de Cristina Banegas, y Tercer cuerpo, de Claudio Tolcachir, fueron otras de las propuestas más esperadas. No obstante fueron muy bien recibidas por el público local las obras de las provincias. A sala llena se presentaron: proveniente de San Juan, Feroz, de Ariel Sampaolesi y Andrea Hernández; Simulacro y fin, de Córdoba, con dramaturgia y dirección de Maximiliano Gallo, de Rosario, Mujeres de ojos negros, de Romina Tamburello, con dirección de Paola Chávez, y de Río Colorado, El Lazarillo de Tormes (de sus fortunas y adversidades), con dirección de Guillermo Troncoso. Además de las obras, integrantes de Critea (Círculo de Críticos de las Artes Escénicas Argentinas) dictaron un taller sobre su especialidad y fue presentada la publicación de la Secretaría de Cultura, "Apuntes de Teatro 02", con notas de opinión y entrevistas a actores, directores y dramaturgos.

La apertura del festival estuvo a cargo de la Comedia UNL 2010, con su aplaudido espectáculo Edipo y yo, con dramaturgia y dirección de Edgardo Dib. El cierre del encuentro también fue responsabilidad de la Comedia Universitaria, esta vez con su última producción, La penúltima oportunidad, del santafesino Rafael Bruza, bajo su propia dirección. Fundado hace ocho, este elenco se conforma cada temporada en función de la propuesta que realiza el director elegido en cada oportunidad. En el caso de La penúltima... ésta es la primera vez que Bruza dirige un texto propio: "Es interesante porque puedo traicionar al autor y no sentirme culpable", comenta entre risas en diálogo con Página/12. Definida por él mismo como "una comedia metafísica, aunque sin pretensiones" sus protagonistas (interpretadas por Silvana Montemurri y Cristina Pragnanelli) son dos mujeres que se encuentran encerradas en un cementerio. Enfrentadas entre sí por el amor de un mismo hombre, al conocer la noticia de su muerte deciden suicidarse para encontrarse con él en el más allá, con el objeto de seguir disputando su amor."Es la primera vez que escribo una obra con personajes femeninos", comenta Bruza, también autor de Tango turco y El cruce de la pampa. "Lo interesante de la escritura es que es un proceso de conocimiento, porque me permite acercarme al mundo de la mujer desde una mirada masculina y también desde mi parte femenina. En todo caso, siento que la obra reivindica el mundo de la mujer", asegura.

--En sus obras el tema del amor suele estar muy presente.

--Sí, me interesa el tema del amor verdadero. Supuestamente, Marta y Juana se matan para seguir al hombre que aman, pero luego se dan cuenta de que lo que más quieren es seguir compitiendo entre ellas.

--Una competencia que tiene a Dios de testigo...

--Sí, es un Dios pedante y soberbio, pero que tiene la fuerza de conquistar a quien no cree en él. Se puede decir que ésta es una comedia cristiana... irreverente, pero cristiana al fin. Porque parte del presupuesto de que existe otra vida y que la muerte es una oportunidad de purificación.

--En un tiempo imposible de medir...

--Sí, porque el alma no sabe nada acerca del tiempo. Se sigue siendo joven eternamente: es el cuerpo el que nos marca el paso de los años. Así entonces, el tiempo es algo inasible, que no se puede explicar: nos afecta, nos marca, pero no podemos definirlo. Si tuviese conciencia de sí mismo, seguro que el tiempo sería más piadoso (risas).

--¿Por qué los personajes descubren que las palabras destino y sentido son anagramas?

--Esto les hace pensar que son palabras que están vinculadas directamente: si cada uno conociera su destino, el sentido de cada vida sería más claro y viceversa.

--La espera también es otro de sus temas recurrentes...

--Sí, estos personajes, como los de Arlt, están a la espera de un suceso extraordinario. El tema de la espera se da en muchas obras latinoamericanas. La diferencia con el tratamiento que le dan los autores europeos, como Beckett, es que nuestra espera es esperanzada, llena de hechos y propuestas.

--¿Nunca escribió una obra que no fuera una comedia?

--No. Me gusta la comedia porque me parece que es una forma amable de reflexionar sobre algo. No me gustaría violentar al espectador con situaciones hirientes. Y también porque es una manera de reírse de uno mismo, de lo ganado y de lo perdido. Claro que uno no puede reírse de todo: hay temas, como el racismo, el nazismo o la discriminación, que no resisten la risa.

Fuente: Página/12

Matar cansa

Unipersonal

El más melancólico de los asesinos

Diego Gentile está al frente de una de las obras de los lunes: Matar cansa, de Santiago Loza, dirigida por Martín Flores Cárdenas. A las 21, en Espacio Callejón. Humahuaca 3759 (4862-1167).

Fuente: La Nación

Fernando Noy y Verónica Piaggio: Ij. La exhalación

Los placeres perdidos

Celebridad del under, performer único, reina de Bahía, sonámbulo de Buenos Aires, poeta extraordinario, Fernando Noy es un artista de culto desde hace décadas. Una obra de teatro suya era una promesa y una ilusión de muchos. Finalmente, se estrena Ij. La exhalación, un inspirado paseo por su universo poético, su ductilidad para crear y sostener una ilusión arriba de un escenario y su proverbial manera de recordar los placeres perdidos. El mismo Noy y la actriz Verónica Piaggio hablan de cómo lo consiguieron.

No volvió mudo del campo de batalla. Todo lo contrario. Si alguien en este mundo contradice las constataciones sobre el ocaso de la experiencia, la imposibilidad de tenerla y de transmitirla, ése es Fernando Noy. Quien lo haya encontrado en cualquiera de sus formas lo sabe: caminador sonámbulo del Abasto, hermana prima de Batato, poeta orante, hada de Fabiana Cantilo y otras señoras, maestro de la ceremonia... Fernando Noy no regresó de donde anduvo imposibilitado de convertir en palabras aquello particularísimo que le aconteció a él y a sus hermanos en desgracia. Si la poesía y la conversación, dos de sus tentáculos, dan cuenta a destellos, esta obra de teatro con la que viene amenazando hace años y que por fin se estrenó en El Tinglado Teatro pone en acto lo más difícil: dejar constancia de la exhalación. De lo que queda o lo que sale por la garganta luego de un gran amor, o sea, de un encuentro fugaz que dura toda la vida mientras uno conversa con el portero, encuentra una carta que no le pertenece, busca algo para tomarse, ordena su equipaje, putea, pide perdón a una amiga, traiciona al más débil. Ni comprometido, ni social, ni invisible, ni nada: el soliloquio que propone Noy en Ij. La exhalación se inscribe en un subgénero que podríamos llamar el teatro del suspiro. Un texto post-barroco sobre la imposibilidad de llenar el vacío de una historia de doscientos años, la de la patria, la de la calle, la de una autobiografía, sí, pero representada por otro y a distancia. Monólogo sin pausa, donde la memoria pasa a ser una proeza. Por una misma voz salen otras en aparente desarticulación, mensaje engañosamente entendible que intercepta la experiencia propia con la del país: “En aquellos tiempos que jamás volverán, había por todos lados de la ilustre casa familiar una especie de ramitos de muérdago colgados por las tías en diferentes sitios estratégicos, para llamar al progreso. La mansión que con el tiempo se terminó llamando Patria. Lucecitas coloradas en la entrada, el comedor, el salón principal, el de las especies, el de fumar e incluso las propias islas Malvinas”.

EL GRITO SAGRADO

Por algo la obra tiene el título de un ruido, una interjección que no figura en el diccionario aunque cargue con reminiscencias de otros gritos: ¡Ay! ¡Ja! ¡Puaj! ¿Por qué Ij? “Hace tiempo descubrí que emitía un gemido como las palomas, especialmente cuando ejecutaba cosas en el ámbito de lo prohibido.” Noy dice “lo prohibido” con boca de bolero y pudor de Olga Guillot, pero, como ya es habitual, huye para adelante y agrega: “Como una especie de mantra profano me reconocí diciendo ‘ij’, ese sonido no era meramente cacofónico sino que expresaba el poder de gozar con todos los sentidos y sin limitaciones. Luego, esta interjección de placer pasó a transformarse en una especie de silbido cuando me encontraba con cosas desagradables, o no exactamente, pero impactantes”. El “ij” es también un despliegue de sentido del humor, por momentos se convierte en “ijjjo de puta”, en “ijtéricas” y en pedazos de “ijdiotas”.

El núcleo central de lo real que hay en esta obra, cuenta Noy, está puramente rescatado de una experiencia de hace mucho, con la célebre Ruth, reina del puerto, a la que Julio Ardiles Gray dedica su Memorial de los infiernos. Ella, en plena dictadura, lograba pasar los puestos de Gendarmería insultando a los que estaban apostados con sus armas, pero que ya la conocían y veneraban. Ruth siempre llevaba mujeres prostitutas, o no, pero con mutuos consentimientos, a trabajar. “Así fue que una tarde entro a la madriguera del bar La Paz y me dice que había llegado un barco, pero que esta vez pedían exclusivamente amantes masculinos. Me ofreció dinero. Yo acepté con la condición de elegir: ‘Si eliijjjo, usted puede quedarse con la plata’. Pero el desenfreno fue tal que de pronto en el camarote se iban turnando sin que yo lo advirtiera bajo las ampollas de ‘amil nitrito’ vendida para el dolor de muelas que los yanquis llaman pollpers, además de tantas otras delicias tan prohibidas... Recuerdo haber bajado del transatlántico con una levedad parecida al éxtasis. Hablo de tiempos de un placer mal vivido, mal cogido, lo querés más claro, ponele semen.”

Noy habla de memoria y sin puntos, la actriz (Verónica Piaggio) que lo interprete en el escenario deberá tomarse también un brebaje mágico para reproducir esa voracidad. Se lo toma. Y ahora sigue él: “No se trata de un encuentro sino de un trance nunca vivido proveniente de ceder y gozar hasta el amanecer, porque el barco se iba. Por eso elijo la imagen del marinero muerto del cuadro al que la protagonista le habla y añora. Porque, ¿cuándo iba a reencontrarlos yo? Ni aún buscándolos. Y eso es algo que sigo haciendo en el mar de cemento. Siempre”.

LA MUJER DE SUS SUEÑOS

“La Noy me vino a ver a La muerte de Danton, la última obra del gran Roberto Villanueva y me dijo: ‘Yo tengo una obra que sólo podés hacer vos’”, cuenta la actriz Verónica Piaggio, que una vez en escena y durante los 70 minutos que dura la obra confirma la profecía de su amigo. “Tan difícil era recordar los textos, no hablo de interpretarlos siquiera, que me fui a entrenarlos al Sportivo Teatral con Ricardo Bartis, y así estuve años.” Lo bien que hizo, porque si el borboteo que abarca el tono del chisme vecinal hasta el de la desesperación no estuviera actuado con tanta sutileza y hondura, se perdería en la maraña de trapos viejos que todo el tiempo amenazan con tragársela.

Alguien, un cuerpo que es algo, que es ella, repta por debajo de la acumulación de cosas en desuso, retazos, borradores. El vestuario de Laura O, que se va lucir en cuanto salga de allí, le permitirá representar tan bien sus variaciones entre mugrienta y poderosa, comehombres y a punto del desa-lojo. La escenografía reproduce un arcón gigante, la memoria nada virtual que se resiste a tirar ni siquiera el corcho de una de las tantas botellas que se bebió, ni el cotillón de un cumpleaños ajeno. La obra empieza así, más que con la actriz, con el ámbito. Y al intuir ya en las primeras frases la historia tan gay del marinero perdido llama la atención que Noy haya elegido una mujer y no un muchacho para representarlo. ¿Por qué no él mismo? “Yo no, porque soy sólo realizador de números (por no decir esa insoportable y remanida palabra performance). Incluso cuando recito poemas propios, claro, hay algo que ni yo mismo entiendo y me cuesta dominar. No, no es timidez, se trata de algo más complejo. Cuando estoy realmente seguro de poder nombrar, es expresando mis poetas favoritos, que generalmente son mujeres.”

Como viniendo de regreso, el personaje gay no es gay, no está travestido sino que es una mujer que, por momentos, por el peso de la palabra aunque no de su apariencia, puede ser entendida como un chico, aquel niño que se queja por la falta de pasión ya en la adolescencia.

“En la religión afrobahiana –sigue Noy– hay diversas deidades que son andróginas, hay una incluso llamada Logum Ede, que es seis meses hombre y seis meses mujer. Yo soy siempre lo último. Y puede ser esto de estar de regreso, pero es porque pienso que pronto seremos mayoría total y vendrá el fin de la utopía también en este asunto.” Entre el optimismo y el Apocalipsis, Ij. La exhalación y su dueño consiguen caminar por el borde sin caerse. “Navegar es preciso, vivir no es preciso. Canta mi corazón otra vez como ayer; otra vez por favor (la actriz aquí tira el mazo de cartas en el bolso de basura). Nada empaña mi dicha pero, vaya sorpresa: nunca me di cuenta.”

Ij. La exhalación
Jueves a las 21 en El Tinglado Teatro
Mario Bravo 448. Tel.: 4863-1188 / 3750-2240
www.teatroeltinglado.com.ar

Fuente: Radar

6º Encuentro Nacional de Teatro Callejero de Grupos

Encuentro Nacional de Teatro Callejero de Grupos

Del 9 al 13 de noviembre se realizará el 6º Encuentro Nacional de Teatro Callejero de Grupos, organizado por el Grupo La Runfla. Participarán del mismo grupos nacionales e invitados especiales de Colombia, Uruguay y Francia. La programación también incluirá actividades de charlas coordinadas por representantes de Aincrit (Asociación de Investigadores y Críticos de Teatro), proyección de videos, danzas circulares con el público y grupos musicales. El Encuentro tiene como objetivo no sólo acercar al público porteño experiencias y espectáculos de Teatro Callejero de distintas ciudades del país, sino también revalorizar la ciudad que habitamos, a través de la ocupación lúdica y responsable del espacio público.

En el Parque Avellaneda, Avenida Directorio y Lacarra. Gratis.

Fuente: Radar

Entrevistas breves con escritores repulsivos

Las bestias de dos lomos

Cinco hombres suben a escena, libro en mano, para largar repulsivas confesiones sobre la triste condición masculina y heterosexual de hoy en día... Adaptando y pervirtiendo el ya poderoso libro de relatos Entrevistas breves con hombres repulsivos, del norteamericano David Foster Wallace, el director catalán Marc Caellas eligió escritores en vez de actores para darles voz y cuerpo a estos hombres revulsivos pero honestos, cínicos pero frágiles, sádicos pero temerosos, que aspiran a compartir con alguien la soledad esencial en la que viven.

Hay ciertos encuentros personales más reglados que otros. Una entrevista es un claro caso de encuentro repleto de protocolos. Más aun una entrevista periodística. De un lado se debe anotar o grabar, estar atento, repreguntar; del otro, contar lo que sea que se cuente, intentando ser interesante. En el medio, un café, un agua mineral, tal vez una bebida alcohólica. Usando y a la vez pervirtiendo esa estructura tan rígida se desarrolla Entrevistas breves con hombres repulsivos, el corrosivo libro de relatos de David Foster Wallace que el director catalán Marc Caellas lleva a escena en la Fundación Tomás Eloy Martínez. Y si decimos “pervirtiendo” es porque precisamente en esas salvedades es donde estas entrevistas encuentran su atractivo, su distinción escénica. El libro de Wallace es uno de sus complejos aparatos literarios que enhebra relatos casi clásicos con monólogos confesionales de hombres cuya incomodidad con el mundo los vuelve horribles. El catalán Marc Caellas desprende estos monólogos intercalados en el libro entre cuentos y los reparte entre cinco personajes, que los van desplegando en distintos ambientes de un caserón de Almagro donde acaba de instalarse la Fundación. Palabras íntimas pero impúdicas que desnudan esas habitaciones mentales a las que nadie invita a nadie: miserias de conquista sexual, humillaciones innombrables, coartadas viles, perversiones descriptas y ejecutadas con la frialdad de quienes ya han dejado muy atrás la desesperación.

Primera salvedad de la adaptación: ni en el libro ni en la obra las preguntas se suceden. Los hombres en cuestión hablan muchísimo, se explayan en diversos temas; pero, en la obra, una entrevistadora se mantiene enigmática en el más absoluto silencio. Una mujer que es testigo, juez, pero no parte de todo. Segunda salvedad: en la obra no se trata de hombres repulsivos sino de escritores. Esa modificación hizo Marc Caellas al título de Foster Wallace y es la clave de su versión. Quienes actúan los textos del escritor americano no son actores sino hombres que escriben: Guillermo Piro, Lucas Oliveira, Martín Seijo, Esteban Feune de Colombi y Roni Bandini. La periodista es la periodista Ivana Romero. A ella le abrirán su neurotizado corazón en dosis pequeñas, pero letales.

Por más que no estén hablando de sus asuntos sino recitando un texto de ficción, su condición de escritores es un dato ineludible y, además, interesante. Estaríamos ante una tercera salvedad: el que habla en la entrevista entonces es tanto Foster Wallace como Martín Seijo (y Guillermo Piro y Lucas Oliveira...). Son escritores recitando a otro escritor. Marc Caellas explica: “Me parece que los escritores están hechos de una pasta especial y que hay cierta honestidad vital que, bien canalizada, es muy potente escénicamente. A cada escritor le propuse un texto y una manera de presentarlo en vivo. A partir de ahí, cada uno lo llevó a su terreno, lo tradujo a su propio lenguaje, lo filtró con su personalidad y de ahí salió lo que presentamos. Sospecho que sí, que estas entrevistas hablan también un poco de ellos y, por tanto, de sus creaciones literarias”.

Seguimos a estos hombres/escritores repulsivos por el espacio de la Fundación Tomás Eloy Martínez. Una de las entrevistas ocurre en la biblioteca, otra en el patio interno, otra en la terraza. Ahora bien: ¿qué dicen estos mentados hombres/escritores repulsivos una vez ubicados en estos espacios tan poco convencionales? He aquí tal vez la mayor peculiaridad de toda la adaptación: los escritores no hablan de literatura. Sus monólogos hablan más de vida que de obra. Los cinco hombres repulsivos tienen en común la honestidad con que narran sus conflictos. Hacen un helado strip-tease intelectual. Uno que describe pormenorizadamente cómo seduce mujeres para sus prácticas masoquistas, otro que deja a su novia por el miedo que ella le transmite a que él la deje, un tercero que explica cómo ser un gran amante a partir de la hipocresía progre. Y así. La imposibilidad de relacionarse que tienen la mayor parte de ellos, tanto con el sexo opuesto como con ellos mismos en profundidad, toma la escena construyendo una cartografía de los males emocionales del mundo contemporáneo.

Y esto es lo más aterrador. En tiempos de post-feminismo y teorías queer, cuando los géneros se redefinen, la masculinidad pareciera ser el género que más acríticamente lleva el yugo de su clase. ¿Pero esto es así? ¿Qué sucede “puertas adentro” de sus cabezas? Sobre esos sujetos perturbados reflexiona lúcidamente Foster Wallace. Navegando en mares de sarcasmo, construye estas historias en las que más de uno se verá reflejado.

El hecho de que la única mujer del espectáculo permanezca toda la función en un silencio sólo matizado por gestos sutiles podría incentivar una lectura errónea. Puede incomodar ese silencio tan pronunciado. Sin embargo, no hay en esto una intención sexista, casi diríamos que es al revés: el foco está puesto en la problemática de ellos; y como el que calla, otorga, con su mutismo chaplinesco la mujer subraya las patologías que estamos escuchando. Entre tanto escritor repulsivo, es ella –periodista– la que hace las preguntas, y a la vez la que ejerce la posición de poder, al guardarse la última palabra.

Aunque la última-última sea del espectador, claro. Porque es a él a quien intenta cooptar más hondamente, a través de sus rupturas, sus salvedades, esta obra. Porque, como siempre, se trata de ir al teatro y salir modificado.

Entrevistas breves con escritores repulsivos puede verse los viernes a las 21, en Fundación Tomás Eloy Martínez, Carlos Calvo 4319, P 1. Capacidad máxima: 30 personas, por orden de llegada.

Fuente en Radar

Pablo Vascello: Margaritas en la ventana

Retazos de una cicatriz que no cierra

La obra parte del universo poético de Samuel Beckett, aunque luego se despega. Comparte, sin embargo, con el dramaturgo irlandés la puesta en foco de la alienación del sujeto. La pieza se centra en la figura de una mujer autista que fue abusada de chica.

Una semana antes de estrenar su puesta de No-Yo, de Samuel Beckett, Pablo Vascello recibió una llamada de la agencia británica Curtis Brown, que otorga los permisos de escenificación de obras en inglés del dramaturgo. Del otro lado, un representante le decía que debía suspender el estreno. La razón que le dio fue que no respetaba las indicaciones del autor irlandés, quien en su testamento pidió expresamente que no se lo reversionara. Vascello no logró convencer a la institución de que le era imposible respetar esta obra en particular porque allí la protagonista es... una boca (que él había decidido corporizar en tres actrices). Menos caso le hicieron cuando citó otras puestas internacionales que tampoco seguían la (imposible) indicación, y a las que no se les había obligado a suspender. Sumido en una profunda desilusión, decidió no estrenar para no enfrentarse a un problema judicial, pero al mismo tiempo entendió que algo tenía que hacer con lo que tenía. Se puso a trabajar, y en menos de dos días escribió el boceto original de Margaritas en la ventana, que hoy exhibe orgulloso en el Teatro Brilla Cordelia, los domingos a las 20.

Si bien Margaritas en la ventana no tiene nada que ver, dramáticamente, con No-Yo, ambas comparten gran parte del universo poético de Beckett y hacen foco en la alienación del sujeto, tan presente en toda la obra del denominado padre del teatro del absurdo. La pieza se centra en la figura de una mujer autista que fue abusada sexualmente de chica y que ahora, a horas de su muerte, revive ese momento desde tres ópticas temporales diferentes. Así, Chabeli González Pazo, Paula Badariotti y Romina Lettieri –que aportan una exquisitez actoral que termina por definir la obra– interpretan a la niña, la mujer y la anciana de una misma alma sin sanar, que necesita descargar, aunque sea consigo misma, todos los recuerdos que la atormentan.

De marcada textualidad posmoderna, ya que está caracterizada por la sucesión de fragmentos dramáticos y la superposición de disciplinas (confluyen la danza contemporánea, la técnica cuerpo-títere, la narrativa oral y proyecciones audiovisuales), la obra posee una estética en la que el juego de luces, el vestuario y la escenografía combinan perfectamente con la estructura del texto y la articulación de los cuerpos de las actrices.

“Hoy le agradezco a la Curtis Brown porque nos potenció otra cosa. Veníamos entrenando mucho el cuerpo e investigando desde lo intelectual y cuando nos despegamos de No-Yo, que es una obra mucho más filosófica, salió una historia que realmente nos interesaba contar”, cuenta a Página/12 el autor y director de la pieza.

–¿Qué es lo que más le interesó conservar de la estética beckettiana?

–La incomunicación, la imposibilidad de crear diálogos reales y plenos. También quise respetar la lógica del vaciamiento del espacio y tiempo, del vestuario y la escenografía. Al ser un cubo de madera el único objeto del decorado, lo que queda es el teatro: la voz y el cuerpo. De todos modos, hacia el final nos separamos de Beckett porque nuestra obra tiene un cierre, aunque hipotético, a diferencia de las suyas.

–Además incorporó la conciencia, algo que está ausente en los personajes de Beckett. ¿Buscó eso?

–Sí, aunque también busqué reafirmar cierta distancia, que se manifiesta en el hecho de que el personaje habla de sí mismo en tercera persona. Es consciente de los acontecimientos pero no puede comunicárselo a nadie ni hacer nada con eso. Y en realidad tampoco es plenamente consciente de la gravedad de los conflictos. Su relato es bastante frío, es la descripción de la violación, pero no aparece ninguna acusación.

–De hecho, el universo masculino está ausente en la obra...

–Completamente, porque yo quería hablar de la cicatriz, de lo que le queda a la mujer después del abuso, sobre todo en un personaje autista que nunca le comunicó a nadie lo que le pasó y que solamente se lo cuenta a sí misma. Poner a la otra parte, al hombre, inevitablemente llevaba a la parte ética, al juicio, y ésa no era mi intención.

–¿Cree que la técnica cuerpo-títere, en la que se disocian diferentes partes del cuerpo, tiene que ver metafóricamente con esa cicatriz?

–Sí, porque la única manera de mostrar esa cicatriz era contando la historia a través del retazo, del fragmento. Si la hubiera presentado de forma lineal y ordenada sería una película de Hollywood que no me interesa. En realidad, lo corporal era algo con lo que veníamos trabajando antes incluso de decidirnos por Beckett. Por eso tiene diversos aspectos en la obra: en algunas escenas una actriz disocia un sector de su cuerpo, haciendo que algunas partes sean títeres y otras titiriteras; también hay escenas en las cuales una actriz manipula a otra, y por último partes en las que las tres son manejadas por la luz y el sonido. Metafóricamente, esa técnica nos venía perfecta para mostrar la alienación del personaje y nos parecía mucho más interesante que entregarlo de manera más realista.

–¿Qué conexión, estética o dramática, encuentra entre lo despojado de la escenografía y el vestuario y la soledad de la protagonista?

–El vaciamiento del decorado y el vestuario –que no dice nada, sino que realza partes del cuerpo únicamente– hacen que el espectador se fije en lo fino del movimiento y en la tensión de los actores. Permite trabajar cerca del espectador. Es como si ellos vieran a las actrices a través de una lupa y éstas no pudieran defenderse de la exposición, lo que realza la metáfora de que los abusados no tienen voz.

–¿Tampoco tienen voz para los personajes que aparecen en las pantallas?

–No, justamente porque esos sujetos simbolizan a oyentes que son una síntesis posmoderna del coro griego, que ahora solamente se sienta en primera fila pero ya no opina. Son personajes que no pueden participar porque están en otro plano. Además, representan a la gente que deambula y de repente se horroriza por algo, pero que luego de reaccionar durante unos segundos se da vuelta y se vuelve a trabajar. Y todo eso demuestra que hay otros tipos de abusos que no necesariamente son de carácter sexual, y que están cada vez más presentes en la sociedad.

* Margaritas en la ventana, del grupo Laferrere se Artaud, se exhibe todos los domingos a las 20 en el Teatro Brilla Cordelia, Tte. Gral. Juan D. Perón 1926, Ciudad de Buenos Aires.

Fuente: Página/12

La comedia de un parado

ESPAÑA
Desocupación

En una de las peores crisis económicas de la historia de España, es aplaudida en cada ciudad donde se presenta La comedia de un parado , del dramaturgo argentino Luis Buero. Con la puesta en escena de Alberto Alfaro Fernández y Dana Villaseñor, esta obra satiriza la desgracia del desempleo en cualquier época y país del mundo.

Fuente: La Nación

Sucede lo que pasa, Llueve en Barcelona, Respiren hondo y Como pez frente al anzuelo

ESTRENO
Sucede lo que pasa

Teresa y Tito son dos hermanos que viven en una casa pobre, donde transcurre la acción. Su relación es aparentemente muy infantil, usan constantemente el juego como recurso para ocultar o para apartar la dolorosa e ineludible realidad que les hace daño. Teresa finge parálisis, calambres, ceguera, imagina espacios ideales y distintos como un poderoso antídoto contra el sinsentido, el fracaso y la muerte. Con dirección de Victoria Ottaviano, y las actuaciones de Lionel Arostegui, Pedro Angel Di Salvia, Carlos Manuel Eisler, Bruno Tignanelli y Micaela Trotta, una obra de Griselda Gambaro que apela a la sensibilidad. En La Mueca, Córdoba 5300, los lunes, a las 20.30.

YOSKA LAZARO
Una prostituta, su novio y el cafiolo

Con dirección de Yoska Lázaro y la participación especial de Elizabeth Vernaci (voz en off ), Llueve en Barcelona cuenta la historia de una joven prostituta, de su novio, y de un cliente muy especial. Con Esther Ramos, Kike Gómez e Iñaki Moreno. En Teatro Del Abasto, Humahuaca 3549, los lunes, a las 21. $ 40.

LOS INIMPUTBALES
Yoga y atracción

Del grupo Los Inimputables, dirigida por Marta Silva, una propuesta entretenida que se sitúa en una clase de yoga. Dante busca paz y por eso empieza un curso donde la relajación es fundamental, pero la aparición de tres mujeres le complican la búsqueda. Con Matías Alarcón, Lita De Angelis, Carolina Lastra y Gladys Pereyra Alonso, Respiren hondo sube a escena los domingos, a las 18, en el Teatro de La Fábula, Agüero 444. $ 40.

UNIPERSONAL
Una mujer a la pesca

Dirigida por Julieta Petruchi, con Dolores Ocampo (quien además es la autora), una comedia musical que cuenta la historia de una mujer apasionada que busca a su hombre ideal pero no tiene suerte; cada desencuentro amoroso la lleva de un hombre a otro, y esas malas relaciones le van enseñando qué cosas no debería repetir. Como pez frente al anzuelo sube a escena en Elkafka, Lambaré, los domingos, a las 18. Desde 50 pesos.

Fuente: La Nación

Embarazados: ecografía de una espera

Y de pronto... la cigüeña

Cuando menos se lo esperaba, una joven pareja de novios se entera de que hay un niño en camino. A partir de ahí, dudas, miedos, amores y desamores, hasta que finalmente la fuerza de la vida se imponga. Ese es el leitmotiv de Embarazados: ecografía de una espera, la comedia musical ideada y dirigida por Juan Alvarez Prado (Los últimos 5 años) y protagonizada por Eliseo Barrionuevo (Sweeney Todd y Rent) y Florencia Otero (Despertar de primavera).

La obra se presentará en el teatro SHA 2 (Sarmiento 2255) con 8 funciones, sólo los lunes de noviembre y diciembre a partir de mañana.

Fuente: Clarín

Espectros

Ibsen en estado puro

Crítica “Espectros”. A 130 años de su estreno, sigue vigente.

Aunque los criterios existenciales puedan ir cambiando, las contradicciones y frustraciones de los seres humanos persisten. La línea argumental de Espectros , de Henrik Ibsen, que se conoció en 1881, no perdió vigencia en su duro enfoque de personas a las que aún hoy les cuesta desprenderse de sus oscuridades.

Ambientado en una zona gris y lluviosa de Noruega, el relato describe los tensos días de Helena Alving, viuda de un capitán de vida licenciosa, al que ella tuvo que soportar debido a la presión de Manders, un pastor protestante que obligó a la mujer a mantener una conducta de fidelidad, pese a los engaños del esposo. Osvaldo, el hijo que regresó de París, siempre perturbado; Regina, la mucama que se entera de un doloroso secreto; y el tosco carpintero Jacobo Engrstrand, padre de la muchacha, completan el grupo que mueve todos los resortes narrativos.

Con absoluto rigor en el tratamiento de la historia, Ibsen coloca sobre el tapete mentiras, desilusiones, el esfuerzo de Helena por sostener la estabilidad de su hogar, el rechazo del pastor a la convivencia de una pareja sin estar casada, la oposición a que la gente busque la felicidad. A la vez el autor retoma la determinación femenina que había planteado Nora, en Casa de muñecas (de 1879). Aquí es Regina la que asume sus propias decisiones, en un momento clave. Y también Helena revela un carácter enérgico al plantarse ante el pastor.

En medio de todo esto surge otro costado sustancioso: los fantasmas, que vienen del pasado y se filtran en el presente. Osvaldo sufre las consecuencias que genera el padre lujurioso en su cuerpo, como herencia imposible de evitar.

Confeso admirador de las obras clásicas, un director sensible, Mariano Dossena concreta una puesta sugestiva, donde prevalece la sensación de asfixia espiritual que requiere el texto. El elenco aporta lo suyo. Actriz de recursos expresivos que no sólo se advierte en los matices de su voz sino en su mirada, Ingrid Pelicori cumple una relevante labor como la señora Alving. A su lado, Walter Quiroz es un Osvaldo que transmite la intensidad de su desgarramiento interior, mientras Marcelo Bucossi (el pastor) e Iride Mockert (es Regina) suscriben sólidas interpretaciones. Horacio Acosta anima con eficacia a Jacobo, y pese a que sus dosis de humor colorean el desenvolvimiento del carpintero, sería conveniente que rebajara el nivel de comicidad porque se produce un desequilibrio con el tono sombrío de la obra.

Densa, reflexiva, Espectros es un Ibsen en estado puro.

sala Centro Cultural de la Cooperación

Fuente: Clarín

Gerardo Hochman: Leonardo. Trabajo práctico Nº 1

Los engranajes de un genio universal

Bajo la coordinación de Gerardo Hochman, un grupo de titiriteros, acróbatas y músicos se mete en la piel de alumnos que indagan en el universo ecléctico de Leonardo da Vinci. El resultado es una obra con gran carga visual y contenido expresivo.

No sólo pintó La Gioconda y La Ultima Cena. Tampoco fue solamente un pintor. Leonardo da Vinci fue además un excéntrico anatomista, arquitecto, botánico, ingeniero e inventor, entre otros tantísimos oficios, que dejó un legado mucho más amplio que un cuadro colgado en el museo más famoso del mundo. Para ampliar la visión moderna que se tiene de este artista renacentista que unió arte y ciencia, un grupo de estudiantes de la Unidad Académica de las Artes de la Universidad Nacional de San Martín se propuso, a modo de trabajo práctico, preparar una investigación sobre el universo de Da Vinci. El resultado derivó en Leonardo. Trabajo práctico Nº 1, espectáculo que hasta el 13 de noviembre interpreta en Ciudad Cultural Konex la compañía La Arena, bajo la coordinación del dramaturgo y director Gerardo Hochman.

En la obra, y como un guiño al proceso creador de la misma, un grupo de jóvenes universitarios prepara una investigación sobre Da Vinci. Representados por cinco acróbatas, tres titiriteros y tres músicos, los alumnos van descubriendo las reflexiones, la producción y los aspectos menos conocidos de la personalidad del artista a través de escenas de gran carga visual y contenido expresivo, donde el uso de proyecciones de video cobra un especial significado poético. Además, cuando termina la pieza, la compañía invita al público a degustar un plato de pastas (¡Leonardo también tenía un restaurante con el pintor italiano Sandro Botticelli e inventó la máquina para estirar espaguetis!), haciendo que, además de lo visual y lo musical, el gusto intervenga en la puesta.

“No es un espectáculo de circo ni de títeres. Si bien el cuerpo se usa de manera acrobática y hay un muñeco, no hay ningún número propio de esas disciplinas. Se trata más bien de un teatro resuelto con el cuerpo y con los objetos, donde hay humor, emoción y partes muy crudas que tienen que ver con el cuerpo”, reflexiona Hochman.

–¿Cómo cree que se refleja el trabajo de Da Vinci en su puesta?

–Creo que la obra se apoya en tres columnas fundamentales del trabajo de Leonardo. En primer lugar, está todo ese tema de la investigación del cuerpo e incluso del organismo, porque hay partes donde se reflexiona sobre el lugar en donde se alojan algunas cosas que uno sabe que parten del cuerpo pero nada más, como la lujuria, la sed, el hambre. Luego se les da lugar a los inventos de Leonardo, que nosotros relacionamos con los objetos de circo, como la bicicleta y la máquina de volar, que usamos en escena. Por último, incluimos todo su lado culinario, lo que escribió sobre recetas y comportamientos correctos para tener en la mesa. Y por eso incluimos la degustación de pastas del final.

–Se le da muy poco lugar a su obra pictórica, que es su faceta más conocida. ¿Por qué?

–Porque durante las investigaciones sobre el personaje descubrí que todos los estudios que hacía Leonardo sobre las proporciones y la eficiencia del cuerpo y sobre cómo funcionan los movimientos se conectaban mucho más con el trabajo que nosotros venimos haciendo con el cuerpo. Porque, aunque sin explicitarlo como él lo hacía, nuestro trabajo físico y acrobático también explora lugares donde aterrizar, distancias de apoyo de las extremidades y dibujos que deben descubrir los cuerpos en el aire.

–¿Siente que estuvo condicionado por la estética renacentista en lo que refiere a escenografía, vestuario y musicalización?

–Sí, aunque no lo sentimos como una limitación, sino como una inspiración. Toda la estética está elaborada con signos contemporáneos y a la vez con un paisaje histórico. La música en vivo está compuesta por una soprano que canta en italiano, un músico que toca la viola da gamba y otro que toca la mandolina, ambos instrumentos propios del Renacimiento. Pero también hay una computadora en escena, por lo cual sonoramente se da una mixtura que lleva a la época pero que a la vez está tamizado con sonidos contemporáneos. En cuanto al vestuario hay un camino parecido porque es un diseño totalmente contemporáneo, justo para jóvenes universitarios de hoy, pero con detalles de la moda del Renacimiento. Y la escenografía, si bien en una primera mirada pareciera ser una reconstrucción de algunos proyectos de Leonardo, en realidad es una escenografía de metal, que está procesada con materiales actuales.

–Los intérpretes representan a estudiantes universitarios que investigaron sobre Da Vinci, tal como ocurrió durante el proceso creador. ¿Por qué decidió encarar el trabajo de ese modo?

–Como la producción del espectáculo es de la Universidad Nacional de San Martín, enseguida aparecieron estos personajes que eran ellos mismos, estudiantes universitarios con la tarea de preparar un trabajo sobre Leonardo. En la obra se ve la noche previa a la presentación. Como se representa un ensayo, no todas las escenas están armadas de manera muy cerrada, sino que buscamos mostrar lo que les sucedió a estos estudiantes cuando se acercaron y compartieron el material, y sobre todo cuando descubrieron las cosas que les interesaron y las pusieron en funcionamiento.

–¿La manera de decir el texto, de forma recitada, tiene que ver con la situación de presentación de la que habla?

–Sí. De hecho no hay diálogos, porque el texto está trabajado de manera expositiva como en un trabajo práctico, de frente hacia un jurado. Los estudiantes leen frases que les llaman la atención y que quieren compartir con el público. Y luego esas frases y esos conceptos les van entrando en el cuerpo y ahí surge un lenguaje que es más de coreografía, en la cual se comportan como los engranajes de un gran ingenio.

–¿Por qué el público tiene que moverse por la sala para ver las escenas?

–Porque son escenas muy marcadas y cada una se hace en un rincón diferente. El espectáculo funciona como una feria, donde hay que ir buscando las atracciones para ver. Y también porque nos interesaba lograr la máxima cercanía con el público y pensábamos que si no les dábamos todo servido en bandeja se les iba a despertar la curiosidad.

* Leonardo. Trabajo práctico Nº 1 se exhibe los sábados, a las 18.30, y los domingos, a las 19.30, en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, Ciudad de Buenos Aires.

Fuente: Página/12

La Noche de los Teatros

La noche de los teatros

Con “La Noche de los Teatros” se lanza hoy la Red Teatral del Sur, espacio que reúne a distintos colectivos de esa disciplina en el sur del Gran Buenos Aires, con el objetivo de visibilizar su arte. Habrá clown, títeres y teatro para grandes y chicos, talleres, muestras, escenarios abiertos, danza, swing, pintura y escultura en vivo. Algunos de los centros culturales que abrirán sus puertas en forma gratuita serán el Teatro Ensamble (Banfield), Casa 7 (Lomas de Zamora), Multiespacio Cultural Don Bosco (Bernal), Espacio Disparate (Lanús), Cultural Al Borde (Ministro Rivadavia) y Espacio MU (Adrogué) y Libremente (Temperley).

Fuente: Página/12

Festival Mágica Buenos Aires

Entre la percepción y la razón

Este fin de semana, Polo Circo le da lugar a la magia en sus diferentes expresiones

La carpa circense es reconocida por los magos como un lugar de pertenencia natural, al que están retornando lentamente, después de mucho circular por los ámbitos específicos de los artistas de galera y varita, los eventos de todo tipo y los shows teatrales y televisivos. La convocatoria de Mágica Buenos Aires en Polo Circo busca tender un puente a esa reinserción de los pases mágicos en la fusión de destrezas que es el circo.

"Así como surgió hace ya 25 años el llamado Nuevo Circo, está apareciendo ahora en algunas escuelas de circo del mundo una Nueva Magia, que incorpora el relato artístico, con una gran poética visual", dice Gabriela Ricardes, directora de Polo Circo y encargada de la programación del festival que reúne este fin de semana a 25 magos de prestigio en torno a la figura del gran René Lavand. "Es una vertiente que se hace fuerte en el clima íntimo, alejado ya de la espectacularidad externa de shows como los de David Copperfield. Y justamente René Lavand es alguien que crea ese mundo íntimo, que construye una historia sobre su increíble habilidad y monta sobre esto su presentación."

Mentalismo, grandes ilusiones, magia con humor, manipulación... La diversidad expuesta en las funciones del festival se agrupa en dos carpas, una dedicada a las galas de gran escenario, la otra con la magia de cerca, el close up , esa invitación al asombro ante los pases imposibles que se desarrollan frente a nuestros ojos. Entre una y otra carpa, magos al paso involucran de forma directa a los espectadores en la ilusión, exhiben artefactos y transmiten anécdotas de la historia de la magia. Talleres gratuitos ofrecen la posibilidad de llevarse un truco a casa.

Boridi, Gustavo Raley, Radagast, los campeones latinoamericanos Mr. Daba y Cielo, Pablo Kutnetzoff, Abril Kaniucki, Magiko y el Gran Bronzini son algunos de los magos que se presentan en Mágica Buenos Aires, cada uno de ellos con un estilo diferente, con un acercamiento particular a la habilidad de crear en el espectador contradicciones irresolubles entre la percepción y la razón.

"Entre el circo y la magia hay un nuevo acercamiento a través del malabarismo, de la fascinación por la destreza en el trabajo con el objeto", señala Ricardes. Las carpas de Polo Circo prometen constituirse este fin de semana en un lugar de encuentro de los malabares de la ilusión.

Para agendar

Magia de escenario, hoy y mañana, a las 18; magia de cerca, mañana a las 20. Polo Circo, Garay y Combate de los Pozos.

Fuente: La Nación

Flor de viaje

Flor de viaje

El grupo Ciertas Petunias entretiene con un cóctel de humor y canciones

Ciertas Petunias son un grupo de cinco músicas y actrices que interpretan una sucesión de canciones humorísticas a través de un delgado hilo conductor.

La fuerza de la propuesta está en cada uno de esos temas y en el delineado individual de cada uno de los personajes que encarnan estas magníficas intérpretes. Algunos son leves arquetipos, otros son algo más definidos. Es en el cruce de estas relaciones donde está la mayor teatralidad de la propuesta. Aunque el desarrollo de una línea dramática más precisa podría enriquecer muchísimo la propuesta.

Ellas interpretan una notable variedad de instrumentos para sumergirse en disparatados temas musicales compuestos, en su mayoría, por Daniel Samper (letras) y el "Les Luthier" Jorge Maronna, quien figura en el programa de mano como "cómplice musical". Un aporte vital.

En estos temas hay mucho de ese humor sencillo y sofisticado a la vez que tiene Les Luthiers. Desde el "Pará papá", que abre el show, hasta la flamenquera "La flor de mi deseo", pasando por la "La vida es sueño" (brillante), "Guajira de la vaca", la "Salsa con papa", "Los minerales y tu salud". También se agregan creativas canciones de factura propia como "Aguarda en línea", "Ñem ñeme ñem" y "¡Oh, padre!", entre otras, y el homenaje a Gilda con una simpática versión de "No es mi despedida" (de Giménez y Bianchi).

Flor de viaje es una propuesta ideal para distraerse, reír un buen rato y escuchar buena música con magníficas intérpretes.

Fuente: La Nación

Sala: El Tinglado, Mario Bravo 948. Funciones: Sábados, a las 23.

Salomé de chacra

Salomé de chacra

Un elenco formidable da vida a esta suerte de farsa trágica que pergeñó Mauricio Kartun

La historia bíblica de Salomé y algún guiño robado a la versión que sobre el personaje realizó Oscar Wilde, dan forma a esta nueva experiencia teatral de Mauricio Kartun. Ese mundo impregnado de violencia, traiciones, que termina promoviendo el horror, es trasladado por el creador a la pampa local. Y, con apenas cuatro personajes, logra concebir una propuesta de teatro político que gana en fuerza porque lo farsesco se apodera de esa realidad y entonces hasta la ridiculez adquiere una potencia que obliga a la reflexión. Todo se torna tan desquiciado que no hay manera de resistirse a un análisis profundo sobre las individualidades de esos seres y los acontecimientos trágicos que traman y llevan a cabo.

En verdad, Mauricio Kartun es un creativo y muy inteligente bufón que le cuenta al poder de turno como se ha ido construyendo la argentinidad. Según su parecer, claro, pero la desencajada ideología de esos patéticos personajes, aislados en el campo, es tan fuerte, que no hay manera de no reconocer muchos de los avatares políticos de nuestra historia y que, lamentablemente, se han ido repitiendo en el tiempo. Los arrogantes y poderosos acosan y matan al que piensa diferente porque busca ocupar un espacio social. Los pseudodébiles narran la trama con aires de un pícaro que sabe que algo va a sembrar y, en realidad, su cosecha es mucha. En torno a ellos, un ámbito escenográfico (magnífico diseño de Norberto Laino que se completa con una destacada iluminación de Alejandro Le Roux) en el que se mezclan la luz y la oscuridad, lo sagrado y lo profano, y que pareciera querer consumirlos de continuo. Pero está claro, la pampa es el escenario ideal para que muchas cuestiones se esclarezcan y un buen observador las rescate, las relea y las haga trascender (nuestra literatura está plagada de eso). Y la escena en la que Salomé acerca a su boca el rostro de Juan el Bautista puede imponer seguros y severos análisis, y también discusiones.

Más allá de los profundos valores de su texto, el trabajo de dirección de Kartun también se destaca por su rigurosidad. Logra que sus intérpretes se apropien con extrema seguridad de esas criaturas y, en verdad, en muchos momentos el espectador no sabrá si esos personajes han salido de la imaginación del autor o es que esos actores le han dictado a él las cualidades de esos personajes. Sin duda Osqui Guzmán, Manuel Vicente, Lorena Vega y Stella Galazzi encuentran la mejor manera de que sus cuerpos mantengan intacta la sorpresa que les provoca el devenir de sus personajes y logran sostener eso con tan marcada naturalidad, que el público lo recibe de forma limpia, intacta, conmovedora.

Fuente: La Nación

Sala: Teatro San Martín (Corrientes 1530) / Funciones: miércoles a sábados, a las 21; domingos, a las 20

La Noche de los Teatros

Telón abierto en el sur del conurbano

Veinte salas abiertas en La Noche de los Teatros

Llegó el turno de La Noche de los Teatros, una noche de fiesta, donde todos los grupos y espacios teatrales del sur del Gran Buenos Aires estarán abiertos y ofrecerán sus obras en forma gratuita.

Desde clown, títeres, concert, teatro para niños y adultos, muestras, talleres, escenarios abiertos, fiestas, teatro-danza, teatro social y más, la acción coincide con el lanzamiento de La Red Teatral Sur, un colectivo de grupos, investigadores del teatro independiente y alrededor de 20 salas del sur del Gran Buenos Aires con diversas propuestas artísticas que dan cuenta de la gran actividad escénica que se desarrolla en la región. "Muchos de los espectáculos que participan ya están en cartel, algunos responden a un modo de circulación itinerante y otros se reponen especialmente para esta convocatoria", señala Mariana Ortiz Losada, una de las organizadoras, integrante de la Compañía "El Disparate Violeta" y de la sala Espacio Disparate, de Lanús.

El proyecto surgió en 2009, a partir de la sanción de la nueva Ley Provincial del Teatro Independiente y de la creación del Consejo Provincial del Teatro Independiente (2010), que obligó a las numerosas salas del conurbano sur a pensar la mejor forma de invertir los recursos asignados. Reunidos en asambleas y en medio de varias iniciativas conjuntas que ya se venían gestando en la zona -como el Festival de Artes Escénicas del Conurbano sur "Buenos Aires Gran"-, decidieron impulsar un proyecto colectivo, con el objetivo de formar nuevos espectadores, aumentar la difusión y brindar capacitación a sus artistas.

Así, con la participación de alrededor de 20 salas y 300 artistas, La noche de los teatros de hoy surge como la acción ideal para celebrar el lanzamiento de esta Red, junto con el sitio web www.redteatralsur.com, que albergará toda la propuesta escénica de la zona. Se llevará a cabo desde las 18 hasta las 2 de la madrugada del domingo, en salas de Almirante Brown, Avellaneda, Berazategui, Esteban Echeverría, Ezeiza, Florencio Varela, Lanús, Lomas de Zamora, Quilmes, Presidente Perón y San Vicente.

"La idea es abrir todas las puertas de los teatros en forma gratuita para invitar a los vecinos de cada uno de nuestros barrios a acompañarnos en este nuevo emprendimiento, fortaleciendo vínculos que son esenciales en nuestra disciplina y haciendo visible un enorme caudal de trabajo, que por no contar con los medios de comunicación a favor se ha invisibilizado durante muchos años", concluye Ortiz Losada. La programación completa: www.redteatralsur.com.ar. Entrada libre y gratuita.

Fuente: La Nación

Festival Internacional de Tradiciones Actorales

El Théâtre Organic, una compañia de teatro basada en Francia y compuesta por artistas franceses, españoles, portugueses y argentinos, prepara para el año 2012 una nueva edición del Festival Internacional de Tradiciones Actorales.

Se trata de la décima edición de este festival que se desarrollará en Buenos Aires del 2 de abril al 9 de junio próximos.

Contará con la presencia de Sophie Gazel (Théâtre Organic / Francia), Claire Heggen (Théâtre du Mouvement / Francia), Ana Frenkel (El descueve / Argentina), Alain Mollot (La Jacquerie / Francia), Marcelo Savignone (Sucesos argentinos /Argentina), Verónica Litvak (Argentina) y Alfredo Iriarte (Catalinas Sur / Argentina).

Informes e inscripción: theatre.organic@gmail.com / www.theatre-organic.com.

Desbocados

El próximo jueves 10 se despide "Desbocados", un espectáculo inspirado en el café Concert con monólogos, coreografías, canciones y sketches aggiornados.

Con libro, dirección y coreografía de Leandro Gazzia, esta propuesta trata de rememorar aquellos tiempos en que los artistas, con absoluta convicción, representaban una realidad desde el humor, la música y la reflexión.

Un artista verborrágico, multifacético, sin pelos en la lengua, agudo y directo, que, acompañado por cantantes y bailarinas, pone foco en la realidad.

El amor, la pareja, el sexo, la religión, los medios de comunicación y el país, en un espectáculo que podrá verse por última vez el próximo jueves, a las 21, en Moliére Teatro Concert, Balcarce 682, C.A.B.A. (San Telmo). Tel.: 4343-0777. Localidades: $80.

Cantantes: Gonzalo Alvarez, Vanesa Martínez. Bailarinas: Rocío Juri, Malu Lafogianis, Verónica Pacenza, Yanina Ruiz Díaz. Bailarina Suplente: Sofía Sancinetti.

Proyecto Perla y Malas palabras

Pertenencia, amor y amistad

Proyecto Perla llega desde México como parte de un homenaje que se le viene tributando a la actriz y autora argentina Perla Szuchmacher (1946-2010) en países de América latina y España. De esta artista que emigró a México en 1976 y fue pionera en ese país de un teatro para niños y jóvenes que toma asuntos considerados tabú –como el abuso sexual, el trabajo infantil y el alcoholismo de los padres– se realizaron dos funciones de su montaje Lágrimas de agua dulce, obra de Jaime Chabaud, interpretada por Ana Zavala, ahora complementados con Malas palabras, pieza de la que es autora y cuya dirección le pertenece. Esta obra, que aúna de forma lúdica y sutil el tema de la adopción, se ofrecerá mañana y el domingo a las 16, en el Teatro Presidente Alvear (Corrientes 1659), actuada por Micaela Gramajo.

Las “malas palabras” son aquí las que se acallan por temor a revelar a la hija (o hijo) su verdadera identidad. La formación de Szuchmacher ha contribuido a estas aperturas. Tuvo entre sus maestros a Patricia Stokoe y el director rumano Oscar Fessler, personalidad destacada del Instituto de Teatro de la Universidad de Buenos Aires, que emigró tras La Noche de los Bastones Largos. En sus inicios, Perla conformó el elenco de Los caprichos del invierno (1967), una puesta de Ariel Bufano y, poco después, participó en La vuelta manzana, de Hugo Midón, Corazón de bizcochuelo, Pajaritos en la cabeza y Con permiso o sin permiso. En TV conformó el equipo de Este es mi mundo, programa dirigido y producido por María Inés Andrés.

Fundadora en México del Grupo 55, junto al argentino Larry Silberman (equipo al que más tarde se incorporó el escenógrafo Jorge Ferro), dio a conocer en ese país obras de Manuel González Gil y Héctor Presa hasta decidirse a presentar las propias, atenta siempre a esos conflictos entonces vedados en los espectáculos para chicos. Instalada en México, sus contactos artísticos con la Argentina fueron esporádicos.

Inútil presentarse sin cumplir los requisitos (sobre el desempleo) fue presentada en el 2000, en el Festival del Mercosur, realizado en Córdoba; y Malas palabras, en el primer Festival de Atina 2003, organizado en Buenos Aires, auspicioso en más de un aspecto, puesto que reunió a directores y productores independientes, generando más propuestas y contactos entre personalidades del mundo. Malas palabras parte del tema de la adopción para entregar un bello relato sobre la pertenencia, el amor y la amistad. En esta presentación, la asistencia técnica es de Ana Zavala; la iluminación, de Matías Gorlero y la música, original de Mariano Cossa sobre poemas de Antonio Machado.

Fuente: Página/12

Red Teatral Sur

¡Salgan, chicos!

Red Teatral Sur

Se lanza la Red Teatral Sur, y para festejarlo, mañana hay espectáculos gratuitos, muestras y talleres para toda la familia en más de diez localidades. En el sitio de Internet están todas las propuestas para que cada uno arme su propia ruta. Chicos recomienda Las aventuras de Super Crash, mañana a las 17 en el Centro Cultural Padre Mugica (H. Yrigoyen 7913, Banfield). Gratis.
www.redteatralsur.com.ar

Fuente: Página/12

Del califato a la pingüinera y Código de familia

UN POCO DE HUMOR E IRONÍA
Del califato a la pingüinera

GALPON DE CATALINAS (BENITO PEREZ GALDOS 93). SABADOS, A LAS 22. $ 40

Desde 1992 que el grupo de teatro Catalinas Sur viene encantado con sus obras llenas de humor e ironía. En ellas se pone jaque a la realidad haciendo visible aquello que molesta y generando así una cómica reflexión sobre el mundo. Con Del califato a la pingüinera vuelven a presentar una selección de los mejores momentos y se suman nuevas canciones y escenas para dar cuenta del devenir sociopolítico de nuestro país.

CAMBIO DE SALA
Código de familia pone en jaque a la policía y al Poder Judicial

METROPOLITAN I, CORRIENTES 1341. JUEVES Y DOMINGOS, A LAS 21; VIERNES Y SÁBADOS, A LAS 22. DESDE $ 90.

Un país en plena Guerra de Malvinas y una historia basada en un hecho real. Dirigida por Eva Halac, Código de familia desnuda las complicidades que existen entre el Poder Judicial y la policía. Con Tomás Fonzi, Carlos Santamaría, Gabo Correa, Raúl Rizzo y Alejandra Darín.

Fuente: La Nación

Living Room y La vida que me das... y no me alcanza

HOY
Dos hermanas

Todos los viernes, a las 21, en la Sala Escalada, Remedios Escalada de San Martín 332, se presenta Living Room , una obra con dramaturgia y actuaciones de Lola Banfi y Brenda Costa. La pieza narra el encuentro inesperado de dos hermanas en la década del'60.

HUMOR
La vida que me das...

La obra de Susana Torres Molina, La vida que me das... y no me alcanza , aborda con humor el encuentro de tres mujeres que intentan buscar el equilibrio entre sus deseos y mezquindades. Con dirección de Claudia Hercman, se presenta hoy, a 21, en la sala Colette, Corrientes 1660. $ 50.

Fuente: La Nación

Daniel Riera: Paco y Oliverio

El regreso de los ventrílocuos

Con su show, Daniel Riera le devuelve a la cartelera un arte admirado por todos

¿La vanguardia de la ventriloquia? Sí. Paco es Daniel Riera, escritor y periodista que se inició en este arte cuando, luego de realizar una investigación sobre el Círculo de Ventrílocuos Argentinos, incluida en un capítulo de su libro Buenos Aires bizarro , fue invitado a participar de una cena de fin de año y se ganó un muñeco de ventrílocuo.

Al llegar con el muñeco de ventrílocuo a su casa, Riera descubrió que no podía ser un adorno. Primero pensó en escribir un libro sobre ese arte, y decidió aprender ventriloquia como una coartada para ese fin, pero se convirtió en su nuevo oficio.

"Descubrí que la ventriloquia era una posibilidad expresiva que no tenía prevista y que había mucho por hacer ahí", asegura Riera, que actualmente reparte su tiempo como uno de los editores de la revista Barcelona y uno de los productores del programa radial Radio Barcelona mientras termina de darle forma a su libro sobre ventriloquia, que próximamente será publicado por Tusquets. Los personajes se llaman Paco y Oliverio en homenaje a Paco Urondo y Oliverio Girondo, sus poetas favoritos.

"Oliverio es una estrella de rock, lo que pasa es que la gente no lo sabe. Y eso es todo un problema, porque se supone que si es una estrella de rock ya deberían haberse enterado. Es muy inteligente y no tiene las represiones que tiene uno en el modo de matizar y moderar sus opiniones. Tiene la impunidad que tienen los muñecos", advierte.

Aunque ya se habían presentado antes en pubs o librerías, éste es su primer show integral en un teatro, con dirección general de Milagros Ferreyra, imágenes en video de Mariano Lucano, con Andrés Pozzo como actor invitado y una banda en vivo que entre diálogos y canciones hilarantes permitirá a Oliverio desplegar sus dotes como cantante y repasar temas de actualidad política, social, cultural o deportiva. De esta forma, Paco y Oliverio aseguran que se disponen a "conquistar el universo a través de un arte milenario a menudo menospreciado por la gilada".

"Nosotros nos autodenominamos la vanguardia de la ventriloquia. Y el solo hecho de plantearte la existencia de una vanguardia en un arte tan subestimado y bastardeado como éste implica el deseo de restituirle el respeto que le han quitado -sigue Riera-. En general se asocia a los ventrílocuos con artistas de varieté que hacen un pequeño papel en un show donde las estrellas son otros, donde el espectáculo es de otros. El desafío es hacer algo integral de ventriloquia aplicándole aquellos elementos que tienen que ver con mi mundo."

EL GRAN MR. CHASMAN Y CHIROLITA

Ricardo Gamero, más conocido como Mister Chasman, fue el ventrílocuo más popular de la Argentina. A los 13 años, él mismo construyó en papel maché su propio muñeco, el legendario Chirolita, para convertirse en el referente indiscutido de la ventriloquia en el país. Chasman y Chirolita hicieron sus primeras armas en un circo de Retiro, y luego incursionaron en el teatro de revistas y la radio, hasta que, en la década del 70, alcanzaron su mayor popularidad con participaciones en la TV, en programas como Sábados circulares, Sábados de la bondad, Domingos para la juventud y Grandes valores del tango. También realizaron giras por América y Europa.

Entre las habilidades que lo hacían único, Chasman realizaba sus shows de ventriloquia mientras fumaba, y sus diálogos con Chirolita a menudo despertaban carcajadas, aunque también atravesaban pasajes de cierta tristeza y profunda melancolía. Chasman murió el 20 de mayo de 1999. Desde entonces, Chirola pasó a retiro, y hoy se conserva como reliquia en una caja de seguridad bancaria.

PARA AGENDAR

* Paco y Oliverio: con Daniel Riera y elenco. Sala: La Clac, Avenida de Mayo 1158. Repite el 18 de noviembre. A las 22.

Fuente: La Nación

Muñecos que son amigos

Malas palabras, Mágica Buenos Aires, Una solución redonda y Hora Libre

Desde México

¿Esto no se dice?

Malas palabras , de Perla Szuchmacher, en la puesta mexicana de la misma autora fallecida hace un año, gira en torno a una adopción no explicitada por los padres, pero va mucho más allá en su reivindicación de la capacidad de hablar con la verdad. En el Presidente Alvear, Corrientes 1659, sábado y domingo, a las 16. Entradas: $ 10, 15 y 20.

Magia

Varitas y galeras

Bajo las carpas del Polo Circo se reúnen en Mágica Buenos Aires los mejores magos en un festival-homenaje al gran René Lavand, el prestidigitador de una sola mano. Una feria mágica, de acceso libre, con magos y trucos al paso, introduce a las funciones de Boridi, Radagast, Gustavo Raley y otros ilusionistas. En Polo Circo, Juan de Garay y Combate de los Pozos, Carpa Central, hoy, a las 20; mañana y pasado, a las 18, $ 30. Carpa Garay, hoy, a las 22, y pasado, a las 20. $ 40. Gala de René Lavand, mañana, a las 21.30. Desde 45 pesos.

Sin palabras

Clowns brechtianos

Una solución redonda retoma la trama esencial de El círculo de tiza caucasiano , de Brecht, en una impecable transposición al lenguaje de los clowns. En La Galera, Humboldt 1591, sábados, a las 17.30. $ 40, menores de 3 años, $ 10.

Musical

Peligro en el aula

Humor, frescura, mucha música en vivo y ritmo sostenido en Hora Libre , el musical dirigido por Nicolás Manasseri. En El Cubo, Zelaya 3053, sábados, a las 17. $ 50.

Fuente: La Nación

Donde todo es posible

Cuentos sufíes para pensar

Donde todo es posible, de Graciela Yafar, busca llegar al corazón y enseñar

Graciela Yafar se dedicaba desde hacía tiempo a la investigación y la transmisión de antiguos cuentos de tradición oral, en particular los cuentos-enseñanza de la escuela sufí, originarios de la cultura persa de los siglos XII y XIII. En estas narraciones provenientes de la corriente de la espiritualidad mística del islamismo se fusionan diversos niveles de interpretación, desde el divertimento hasta la sabiduría. Pero Yafar nunca había llevado estas narraciones a un público infantil, hasta que hace cinco años la invitaron a contar algunas en la escuela de la Villa 31, en Retiro.

"No estaba dispuesta a quedarme más de tres minutos, asustada por la perspectiva de que los chicos no quisieran seguir el relato. Pero me quedé dos horas y media narrando cuentos sufíes. Siempre pedían más. Es que no pierden vigencia, más allá del tiempo y las sociedades, porque tratan del ser humano. Percibí en los chicos sed de que se les hablara de posibilidades de superación, de esperanza y libertad, Ahí decidí armar un espectáculo para chicos, que es el que ahora estrenamos finalmente este fin de semana en una sala teatral."

Tres de esos cuentos sufíes conforman Donde todo es posible , el espectáculo en el que un hada narradora presenta las historias representadas en los códigos del cómic.

En el primer relato, "La doncella y sus hermanos dives", la protagonista es criada por los dives, que son seres oscuros, hasta que viene un príncipe y le hace ver que hay otra manera de vivir, descubre sus recursos ocultos.

El segundo cuento, "Venciendo al gigante", trata sobre los miedos: una niña es atrapada por un gigante. Pero en vez de dejarse atrapar por el miedo, logra escapar con ingenio, gracias a que no se deja aplastar por el temor.

En el tercero, un águila es criada por gallinas y se cree una de ellas; trata de ser como las demás. Pero le crece un pico distinto, no sabe cacarear como las gallinas, crece acomplejada. Hasta que descubre y desarrolla sus alas y vuela muy alto.

La risa del divertimento y la metáfora que conduce hacia la enseñanza tienen que ver con el pensamiento lateral y llegan al corazón, asegura Yafar, quien recorrió la Ruta de la Seda, en Asia Central, buscando los orígenes de esta tradición narrativa. "Aquí no se trata de aceptar creencias, sino de compartir el gusto por la poesía y la música. Así es que traspasa las sociedades y religiones. El público se identifica, pero a la vez la realidad representada es alejada, los chicos se pueden reír de la situación del águila porque es un ave, no son ellos. Esa es la primera lectura de la risa", dice.

"Pero después de un rato reflexionan, y concluyen que también ellos a veces quieren ser como los demás, aun siendo diferentes. Cuando el águila se libera de su pequeñez, hay quienes lloran de emoción", concluye..

PARA AGENDAR
Donde todo es posible, espectáculo sobre cuentos sufíes. En Folies Club, Arévalo 1376. Domingos, a las 16. Entrada: $ 45.

Fuente: La Nación

Quique López y Jackie Miller: Teatro Sanitario de Operaciones

Quince años de acción

Buenos Aires, septiembre de 1996. Un grupo de actores, músicos, estudiantes de arte, danza y acrobacia asiste a un seminario dictado por los fundadores de La Fura dels Baus. Durante varios días, comparten teoría y práctica sobre el "lenguaje furero", definido por la compañía de teatro catalana como "el diálogo y la fricción constante entre ámbito, público y actores". De aquel taller intensivo surgió el Teatro Sanitario de Operaciones y su primer trabajo: Cuatro estómagos, una performance de quince minutos que se presentaba en el pub Dr. Jekill antes de recitales de bandas como Divididos, Babasónicos y Los Brujos.

Buenos Aires, octubre de 2011. Quince años y seis obras después, el TSO es un referente del teatro de acción del circuito independiente. Sus espectáculos de creación colectiva se caracterizan por el uso de elementos como el agua, el fuego, el aire y la tierra, y la interacción con el público. Para celebrar la década y media de trayectoria, el grupo presenta una retrospectiva y un libro en formato digital, El cuerpo en el Teatro Sanitario de Operaciones, de Jackie Miller, una de las integrantes fundadoras. Incluye dos ensayos sobre el proceso creativo de este colectivo artístico, escritos por Fernando Mut y Julián Bokser.

"Algunos de los que hicimos el taller con La Fura habíamos participado en La Organización Negra, antecedente de grupos como De la Guarda -cuenta Quique López, director del TSO-. Cuando creamos Cuatro estómagos, una obra sobre la lucha de clases que se desarrollaba entre el público, éramos siete actores, un técnico, un iluminador y un sonidista: la primera formación del TSO. Fue una experiencia única y nos dio una gran oportunidad para consolidarnos como equipo de trabajo."

En la página web www.teatrosanitario.com.ar se puede leer una especie de manifiesto sobre la agrupación: "No es una compañía de teatro, es un proceso artístico que desde su inicio adaptó sus obras a los espacios. Es dialéctico, no se encuadra en un dogma, no tiene moral a la hora de elegir los elementos a trabajar. El verdadero proceso es el creativo colectivo. Utilizando esta potencia, focaliza la importancia del relato o la narración. Los actores son operadores y su energía la toman de la acción. TSO trabaja el cotidianismo descontextualizado en relatos ficticios pero fácilmente enmarcados en la realidad. También, con el cruce de lenguajes (visual, corporal, sonoro, verbal), sin escenarios, entre el público y en lugares no convencionales".

"Cuando los medios empezaron a intentar definirnos, surgió la necesidad de aclarar qué somos y cuáles son las diferencias con otros grupos -explica Miller-. A partir de eso, construimos un discurso teórico y profundizamos nuestra investigación. Si bien La Fura nos formó, nosotros combinamos lo que aprendimos en ese workshop con los saberes particulares de los integrantes. Uno de los conceptos que atraviesa la trayectoria es el acercamiento de la obra con el público, el vínculo con el espectador. En principio, el acercamiento fue físico: ocupar el mismo espacio. Después buscamos acciones en las que el público fuera partícipe directo. No sólo que se pueda mover y encontrar el punto de vista en cada escena, sino que también participe de la acción."

En estos quince años, el TSO se presentó en el Centro Cultural Recoleta, en Cemento, en Ciudad Cultural Konex y en el puente de La Boca sobre el Riachuelo. Para la retrospectiva eligieron el centro cultural IMPA que funciona en una fábrica recuperada en Almagro. "Son emblemas de producción cultural en Buenos Aires", dice Miller.

-¿Los espacios influyen en la construcción de la obra o la obra se adapta al espacio?

Miller: -En un principio, trabajamos a partir del espacio. Por eso, en Zamarra, que hicimos en el patio del aljibe del Recoleta, tuvimos la posibilidad de desbordar un tanque y trabajar con el agua. Construimos la obra con todo lo que nos daba ese lugar. Después, cuando empezamos a viajar y participar en festivales, tuvimos que adaptar las obras para distintos espacios.

-En las primeras entrevistas contaban que la elección del término "sanitario" tenía que ver con la idea de "saneamiento". ¿Qué quedó de aquel concepto en la última obra, Kotidiana, que definen como la más urbana?

López: -El concepto tiene que ver con lo argumental: planteamos siempre un conflicto entre el bien y el mal. Hoy asociamos lo sanitario con lo que es sano en la sociedad. En Kotidiana nos preguntamos si somos algo más que humanos rutinarios. Hacernos esa pregunta es sanitario.

-A diferencia de otros grupos que buscan provocar impacto, las obras del TSO cuentan una historia. ¿Cómo es el proceso creativo grupal para llegar a un argumento?

Miller: -Tenemos integrantes que se formaron en la danza, en las artes plásticas, en teatro, en ciencias de la comunicación, en litearatura, en música. Surge una idea y cada uno aporta desde su saber. Por eso decimos que nuestro método creativo es un proceso artístico multidisciplinario.

López: -En Kotidiana, una obra sobre la intimidad, planteamos temas, palabras, y nos adueñamos todos del argumento. Hicimos performances a partir de esas ideas. Después, las destruimos. O sea, sacamos de esas performances lo que nos quedó en la retina para crear otra cosa. Armamos una red creativa. Nos interesa contar historias y, como no tenemos textos, utilizamos la imagen para que esa historia se entienda.

-¿Cómo cambió el público en los últimos quince años?

López: -Cuando empezamos, la gente quería que la corrieras, la mojaras, la asustaras. En un momento, se aburrió de todo eso. El público cambió y nosotros también. Pasamos por una etapa de reflexión sobre este tema. Nos llevó un año definir qué hacíamos con la escena de la fiesta que hay en Kotidiana. Hasta que nos dimos cuenta de que si es un cumpleaños bastaba con cantar "Que los cumplas feliz...". Trabajamos desde la complejidad de la sencillez: nos lleva mucho tiempo llegar a eso. Es prueba y error. Creer y arriesgar. Tratamos siempre de no repetirnos y crear una tendencia.

-¿Les pasó en algún momento que la respuesta del público no fuera la que habían imaginado?

López: -No. Los años te dan seguridad: sabés lo que puede suceder y lo que no. Ésa es la experiencia. Siempre trabajamos con los espectadores: miramos a la gente, vemos sus reacciones. Somos diferentes de un clown, de un stand-up, que pone al espectador en evidencia o trabaja la escena con él para que los demás se rían. Nosotros hacemos que los actores hablen con los espectadores, los saquen a bailar. Desde ahí, los hacemos participar.

Miller: -Los espectadores, cuando ven a otros participar, se animan a sumarse. Pero la obra tiene muchos recursos. No hay una única manera de vivirla.

Para producir sus espectáculos, el TSO realiza performances publicitarias y dicta seminarios de formación. Participó, entre muchas otras acciones, en el lanzamiento de la camiseta oficial del seleccionado nacional de hockey femenino, en Expotrastiendas y en la despedida de Julio Bocca con la creación de la coreografía Solo. En los cursos y talleres buscan transmitir los conceptos básicos. "Uno de los fundamentales es el trabajo en equipo -explica Miller-. Cuando trabajás entre el público, la gente es parte de tu equipo. Si no mirás a los espectadores, si mirás para adentro en un acto de exhibicionismo, no podés trabajar entre la gente."

Inspirada en el formato de las artes plásticas, la retrospectiva ofrece tres funciones de cada obra: arrancó a fines de octubre con Mantua, una versión libre de Romeo y Julieta estrenada en 2001; continúa con Piedad, de 2005, creada a partir de Pietà, de Miguel Ángel, y Kotidiana, de 2009, donde no existe el límite entre público y actores. Se puede comprar un abono para asistir a las tres obras. De esta manera, es posible ver el desarrollo artístico de uno de los pocos grupos teatrales de Buenos Aires que cuenta con quince años de trayectoria.

"Para llevar el recurso de la interacción al máximo, estamos analizando incluir el tema del fútbol en nuestro próximo trabajo -adelanta López-. Si tirás una pelota al público en Canadá, te la alcanzan con la mano. En la Argentina, te la patean. Eso nos da un marco ideal para pensar una obra participativa, con reacciones espontáneas y genuinas".

Funciones. Kotidiana: 5 y 26 de noviembre y 17 de diciembre. Mantua: 12 de noviembre y 3 de diciembre. Piedad: 19 de noviembre y 10 de diciembre. A las 21.30, en IMPA,

Querandíes 4290. Abono: $ 120. Cada obra: $ 40. www.teatrosanitario.com.ar

Fuente: ADN Cultura

Carlos Santamaría: Código de familia

“El argentino sigue teniendo una cosa de facho”

El actor grabó una participación para tv en el unitario Maltratadas y hoy vuelve al teatro con Código de familia. Además, es la voz del canal Encuentro, ya que también es locutor.

Un hombre pretende que la justicia le devuelva por ley un amor que su propio corazón no supo eternizar. Otro hombre, más bestial, lastima a su compañera con chistes degradantes e intimidad forzada. Tanto en Código de familia, en teatro, como en Maltratadas, unitario de TV, Carlos Santamaría interpreta a maridos de características opuestas, bien distintos entre sí e incomparables con él mismo.
“En el unitario se ve un cuadro espantoso. Hago de un marido que busca hacerla quedar mal a su mujer usando supuestos chistes y cuando están solos, le excita toda la negativa de la mina y hasta llega a violarla. Lo de Amado Mubarak (su personaje en Código de familia) es diferente porque él hace todo movilizado por el amor. Amado es un tipo que quiere que su mujer, que se fue con un comisario represor, vuelva a vivir con él por exigencia judicial, sustenta su pedido en la ley de matrimonio”, cuenta Santamaría sobre el hecho que realmente ocurrió en 1982.
“En esa época –agrega– no había ley de divorcio y este hombre busca un abogado que lo represente hasta que el número 15 al que va a ver, un joven recién recibido, finalmente le acepta el caso ¡Una cosa ridícula! Esta obra cuenta una historia de amor y hace un repaso histórico que me recordó mi momento en ese momento.”
El actor, que también es locutor (se recibió en Eter en 2006), es la voz del canal Encuentro, destaca: “Estoy inmensamente orgulloso de pertenecer a Encuentro. Me llamaron cuando se empezaba a diseñar la señal y luego evolucionó hasta lo que es hoy, es algo que me enorgullece realmente.”

–Código de Familia se basa en un hecho real ¿Hasta dónde es verdad lo que se cuenta?
–Este caso le pasó a un abogado. Parece que el tipo era un plomazo descomunal Aparentemente era un obsesivo, en la obra está suavizado. Lo único que consigue en el derrotero judicial son audiencias de conciliación y nada más, circula por todos lados con su libreta de matrimonio que es la que quiere hacer valer y con un álbum de casamiento que muestra a todo el mundo. ¡Está de la gorra! No ve la realidad para nada, el amor le tapa todo. En un punto es un antihéroe; en medio de personajes nefastos, él es como una perla en un mar de lodo.
–¿Cómo se ven el poder judicial y la policía?
–La obra deja ver una parte de la historia argentina y hay una descripción de los personajes que tiene una actualidad enorme. En cuanto a la acumulación de casos, no hay mucha diferencia en lo que es hoy el Poder Judicial hoy en día. Hay un personaje que hace Gabo Correa, que es un empleado administrativo de tribunales, que dice que habla con el juez, se va y vuelve y no se sabe bien qué hace en verdad. Es de esos empleados que laburan en medio de los expedientes y son algo dueños de las causas, porque pueden retenerlas o acelerarlas.
–¿Te parece igual la justicia del ’82 a la actual?
–Sólo ese cuadro me parece que se mantiene, más allá de las buenas intenciones la justicia tiene un tema burocrático que persiste. Es como dijo Aníbal Fernández: “Con los perejiles del porro”, creo que hay millones de expedientes que uno sabe que no llegan a nada y que entorpecen a otros que sí tienen importancia que se resuelvan. Desde entonces hubo algunos progresos, pero la idiosincrasia de ciertos personajes del ambiente judicial está intacta.
–Antes señalaste que la obra de teatro se ubica en 1982, durante la Guerra de Malvinas ¿En qué andabas vos en ésa época?
–Tenía 23 años. Soy clase ’56, justo cuando me tocaba la colimba cambió de 21 a 18 años. Zafé. No la hice. Tuve algunos conocidos a los que los convocaron. Yo veo que el argentino sigue teniendo una cosa de facho, hubo mucho tiempo de milicos que hay que sacarse de encima y ¿cómo lo hacemos? Sólo con democracia y con tiempo. Hay una cosa reaccionaria de algunas generaciones, como la mía por ejemplo, que permanece. Por suerte no es así en las nuevas generaciones.
–¿Cómo fue tu juventud en los años de la dictadura?
–En el ’74 terminé el secundario e hice el ingreso a Ciencias Económicas y a Agronomía. Fueron momentos muy difíciles para estudiar porque había una carga de represión terrible; sentir en la facultad la presencia militar impuso algo difícil como para que un alumno se concentrara en lo que se tiene que concentrar. Hice varios intentos en la facultad y me di cuenta que no era lo mío. En los años setenta estuve mucho en Brasil. Empecé con actuación en el ’84 con Franklin Salsedo. Salí de la primera clase y dije: “Quiero esto.”

Fuente: Tiempo Argentino

Mauricio Kartun, Manuel Vicente, Osqui Guzmán y Stella Galazzi: Salomé de chacra

Mauricio Kartun arremete de nuevo

Salomé de chacra, con un elenco de lujo

Iban caminando por la calle Mauricio Kartun y Manuel Vicente, rumbo a la sala de ensayo. De un container que desbordaba basura asomaba una puerta antigua. "Eso es. Así debería ser nuestra puesta", dijo el primero. Entonces, escarbaron entre los desechos hasta desenterrar el pesado bloque de madera y caminaron con ella hasta la sala de ensayo donde se gestaba La Madonnita . Fábula y metáfora, el segundo explica en criollo, como tanto le gusta a Kartun, y traduce a un lenguaje popular y vernáculo una idea compleja: "Ese es su concepto de construcción de lo artístico".

Amigos y viejos conocidos, la dupla de Kartun y Vicente regresa hoy con Salomé de chacra , escrita y dirigida por Kartun y protagonizada por Vicente, en la sala Cunill Cabanellas, del San Martín. El autor también le dio vida a un personaje rubio y corpulento, el Gringuete, pero decidió sin muchos rodeos que nadie era mejor que Osqui Guzmán para interpretarlo ("¿Te parece Mauricio? Mirame bien. Creo que no me da el physique du role ", ríe). Kartun regresa a trabajar aquí con alguien que conoce bien su poética. El actor interpretó al muchacho de El niño argentino , junto con Mike Amigorena. La obra que se estrenó en 2006 en la misma sala que hoy alberga a Salomé de chacra es hoy un clásico del teatro nacional (estuvo casi dos años en cartel) y muchos colegios adoptaron este texto en verso a los programas de literatura de los últimos años del secundario.

Stella Galazzi y Lorena Vega, quienes se presentaron a audiciones para interpretar estos papeles, son también nombres destacados del teatro. Galazzi fue dirigida por Daniel Veronese ( Un hombre que se ahoga ), Luciano Suardi ( Tres hermanas ) y Alejandro Tantanian ( Los sensuales ), entre otros. Vega es una de las personalidades del "teatro ruptura", como ella define, y ha participado de puestas junto con Gustavo Tarrío, Bernardo Cappa y Pablo Rotemberg, sólo por mencionar algunos.

Los cinco ensayan juntos desde marzo, todo un récord en los tiempos que corren, donde la lógica de producción obliga a un menor tiempo de preparación. "Mauricio propone un tiempo de maduración y eso conlleva metabolización. Esto es teatro de arte. Hace dos meses que usamos la sala del San Martín, pero ya venimos al galope", dice Vicente.

El oráculo

"Mauricio dice que es un autor que dirige. Yo creo que es también un director, con una gran paciencia. Pero también es muy testarudo y al mismo tiempo, no está enamorado de sí mismo ni de lo que propone. Hubo en este proceso cosas muy bonitas e impactantes que no entraron porque no eran coherentes con esta poética", opina Galazzi.

Guzmán tampoco escatima elogios para Kartun, maestro de dramaturgos: "Conocerlo para mí fue el oráculo. Cada vez que tengo un problema, lo consulto. Y te tira una, un consejo o una idea, que la usás, y te salvás. Nunca hice terapia, pero con él es un poco de terapia artística".

Ser convocado por Kartun es una de las mayores aspiraciones del universo teatral. El cuarteto de actores desistió de varios proyectos para comprometerse tiempo completo a esta obra. Ala de criados , la anterior creación de Kartun (que entre otros premios le valió el ACE de Oro), lleva tres temporadas en el Teatro del Pueblo. Además, hay varias versiones suyas en cartel, como Chau Misterix (El Tinglado).

"En este emprendimiento, en su regreso al teatro oficial, Kartun trabaja con tanta pasión e iniciativa como cualquiera que hace teatro independiente. La única pelea que tuve en años con él fue cuando a las 3 de la mañana, en Neuquén, le pedí luego de una función que dejara de arreglar la escenografía y nos fuéramos a comer", recuerda Vicente. Y Guzmán remata: "Un día quisiéramos ser tan jóvenes como él".

Con el mito desempolvado y ubicado en el escenario, la puerta a Salomé de chacra está abierta. Pasen y vean.

PARA AGENDAR
Salomé de chacra: de Mauricio Kartun. Teatro: San Martín. De miércoles a sábados, a las 21; domingos, a las 20. Entrada: $ 45.


LA RECONSTRUCCIÓN DEL MITO
En una chacra de chacinados, el día de la faena, Kartun transporta el mito de Salomé, el mismo que ha obsesionado a Gustave Flaubert y Oscar Wilde, a nuestra pampa. Herodes (Vicente), el patrón de esa chacra, se casó con Cochonga (Galazzi), quien tiene una hija, Salomé (Vega). "Mauricio tomó como pretexto el mito de Salomé, para hablar de la argentinidad y de las relaciones humanas, en una dimensión no realista", dice Guzmán. Además aparece un ánima (Guzmán), encerrada en un aljibe seco, que cuenta esta historia, condenada a narrar la historia eternamente. "Mi criatura tiene ribetes trágicos y juego con ellos. Es muy divertido ver la pasión que desata Salomé", dice el actor. "Es la consecución del rasgo vital femenino exacerbado y la histeria femenina en términos míticos", agrega Vicente. "Salomé de chacra es una trasposición guasa a la pampa del relato, los personajes y la mítica de aquella leyenda bíblica", resume Kartun.

Fuente: La Nación

La doncella y sus hermanos dives, Venciendo al gigante y El águila que se creía gallina

Donde todo es posible

Cuentos sufíes para toda la familia

Dirigidas por Graciela Yafar, una serie de obras basadas en cuentos sufíes ( La doncella y sus hermanos dives ; Venciendo al gigante y El águila que se creía gallina ) para entretener a toda la familia suben a escena los próximos tres domingos, a las 16, en Sala Folies Club, Arévalo 1376. $ 45.

Fuente: La Nación