Playa Bonita, "LazyTown, en vivo", "Backyardigans, Escape de La Aldea Mágica", El Hombre Araña, Frin, Revuelta de tuerca

Playa Bonita

sábado y domingo 15 y 17 TEATRO LA COMEDIA, RODRIGUEZ PEÑA 1062, 4815-5665, $35

Llega la nueva producción de Hugo Midón, autor y director de títulos como Vivitos y coleando, La Trup sin fin, Derechos torcidos, entre otros. Playa Bonita es un lugar encantador donde sucede de todo: lo desopilante, lo extraordinario, lo raro, lo imprevisto, lo mágico. Con música de Carlos Gianni.

LazyTown, en vivo

este sábado y domingo a las 15 y a las 17 EL NACIONAL, CORRIENTES 960, DESDE $40

El show de LazyTown, en vivo, sobre idea original de Magnus Scheving, el creador de la exitosa serie televisiva, se despide de la Argentina. Canciones, acrobacia y destreza física mostrarán a Sportacus (el héroe) Robbie Rotten (el villano) y Stephanie, la niña de los cabellos rosados.

Backyardigans, Escape de La Aldea Mágica

sábado y domingo 15 y 17 TEATRO METROPOLITAN, CORRIENTES 1343

Luego de sus exitosas presentaciones, vuelven Los Backyardigans, la serie animada del canal Discovery Kids. Pablo, Tyrone, Uniqua, Tasha y Austin comparten una nueva aventura, a través del aprendizaje creativo y al compás de la música y la danza.

El Hombre Araña

sábado y domingo consultar horarios COLISEO, M.T. DE ALVEAR 1125, 4816-5943, DESDE $50

En un escenario plagado de efectos especiales, proyecciones multimedia, dobles de riesgo y acróbatas, los chicos serán testigos de cómo Peter Parker afronta la gran responsabilidad que le dan sus poderes arácnidos. Con las actuaciones de Gastón Ricaud, Carlos Belloso y Brenda Gandini.

Frin

domingo 17 SALA BECKETT, GUARDIA VIEJA 3556, 4867-5185, $20

Basado en las novelas Frin y Lejos de Frin, de Luis María Pescetti. Frin es un chico que vive en un pueblo pequeño, el cual le parece un poco aburrido. Su sensación es que cada día es como una fotocopia del anterior. Lo que más desea es animarse a hablar con Alma, la chica que le gusta hace años.

Revuelta de tuerca

sábado y domingo 17 EL CUBO, ZELAYA 3053, ENTRADAS $30 Y $35

Vuelve el espectáculo en el que el grupo Caracachumba suma el lenguaje del clown con Violeta Naón. Los músicos juegan con trabalenguas, cantan con el público, tocan instrumentos no convencionales como campanas tubulares, ollas y tachos con agua. Cuenta con puesta de Claudio Hochman.

Fuente: Clarín

Frankie & Johnny en el Claro de Luna

¿Versión de "Ultimo tango en París"?

No, nada que ver. Lo que pasa es que Florencia Peña y Luis Luque (¡parecen estampitas de tan iluminados!) estrenan "Frankie & Johnny en el Claro de Luna". El estreno será el próximo 17 de junio, con dirección de Leonor Manso, en el Picadilly.

Fuente: Clarín

Mercedes Morán y Andrea Pietra: Agosto (Condado Osage)

“Es una experiencia potente”

Las actrices definen así la sensación que provoca la obra de Tracy Letts. Y dicen que trabajar con Norma Aleandro “es un sueño”.

Una nueva obra sobre una familia disfuncional desembarcó en la cartelera porteña. Pero no es una más, es la niña mimada de la crítica de Nueva York y Londres, ganadora de cinco premios Tony 2008 y del Pulitzer a la mejor obra dramática en el mismo año. Agosto (Condado Osage), del norteamericano Tracy Letts, recientemente estrenada en el Lola Membrives con un numeroso elenco encabezado por Norma Aleandro, Mercedes Morán, Andrea Pietra y Lucrecia Capello, bajo la dirección de Claudio Tolcachir, joven creador de puestas conmovedoras del off como La omisión de la familia Coleman y Tercer cuerpo. El encuentro con dos de sus protagonistas, Morán y Pietra, es más que bienvenido para adentrarse en este embrollo familiar de dos horas cuarenta de duración (con intervalo), que mantiene en vilo a públicos diversos. ¿La anécdota? El padre desaparece en forma misteriosa; la madre (una adicta a las pastillas a cargo de Aleandro) reúne en la casa paterna a sus tres hijas con sus respectivas familias durante un fin de semana en el que todos los trapitos salen al sol. Odios, rencores, secretos, afectos de todo tipo, verdades reprimidas, enfermedades y perversiones. Nadie se salva. Tres generaciones bajo una lupa impiadosa y una sola criatura que se distancia: Banca, la empleada nacida en la India. Todo comenzó el año pasado de manera casual, cuenta Morán, cuyo último trabajo en escena fue Pequeño crímenes conyugales, con Jorge Marrale y dirección de Rubén Szuchmacher, en el 2005. “Mi marido recibe el New Yorker y siempre me cuenta de las críticas que aparecen. Me habló de la reseña que habían publicado sobre esta obra y, al poco tiempo, vi la entrega de los Tony por televisión. Me sorprendió la cantidad de premios que se llevó y que las protagonistas eran mujeres sumamente atractivas y diversas.” Al día siguiente, en la grabación de Socias, le comentó a Pietra y poco después, el productor Daniel Grinbank, pareja de Andrea, puso el motor en marcha. Consiguieron el texto en inglés, lo hicieron traducir y no hubo vuelta atrás. “Es un material infrecuente. Ya en las primeras hojas te das cuenta de que estás frente a una historia fascinante. Simplemente te atrapa, no podés dejar de leer. Está construida desde el suspenso y, a la vez, es muy profunda”, agrega la intérprete, responsable también de la adaptación. Viajaron a Nueva York, vieron el espectáculo, y “fue constatar que esa conmoción que tuve con la lectura, también la tenían las cuatrocientas personas que estaban esa noche conmigo en Broadway”, describe. Recuerda que en el entreacto, los espectadores salían con “un estado de excitación emocional fuerte” y que ella misma dejó la sala “con la sensación de que haber tenido una experiencia emocional potente”.

Según Pietra, Letts maneja con mano maestra el suspenso, manteniendo siempre la intriga de lo que está por venir. “Constantemente el autor va dando novedades. No da toda la información de golpe. De a poco se arma un abanico de emociones y de acontecimientos, de los más variados. Amores, dolores, ternuras, zonas oscuras en cada uno de los personajes.”

–¿Cómo describen a sus personajes?

Mercedes Morán: –Bárbara es la hija mayor y llega a la casa paterna convocada por una madre terrible que lo resuelve todo desde el odio. A ella misma le pasa de todo. Está en la crisis de los 50, se sofoca, tiene una reciente separación a cuestas que decide no blanquear, una hija adolescente en plena explosión hormonal. Y esa madre loca. De las tres, es la que más se le parece y llega para hacerse cargo de la situación. No saben si el padre se fue por su voluntad o si le pasó algo.

Andrea Pietra: –Eli es la hermana del medio, la que se queda a vivir cerca de los padres. Se la ve muy vulnerable, ya no lucha por cambiar nada, pero esconde un secreto que cuando explota afecta a todos. Eugenia Guerty es Carolina la hermana menor, la que está más lejos emocional y físicamente.

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La primera dama
Detalles de la obra

Anahí Martella: Resplandor

Buscar la luz de la memoria

La actriz asume un nuevo rol en la puesta de una pieza de Héctor Levy-Daniel que cruza a dos mujeres en espacios temporales diferentes, pero unidas por un hecho común: la atrocidad de la apropiación ilegal de recién nacidos.

En la tercera temporada del ciclo “Operas Primas” que organiza el Centro Cultural Ricardo Rojas –el cual marcó el debut de Pablo Rotemberg, Daniel Link y Heidi Steinhardt, entre otros–, acaba de subir a escena Resplandor, la primera dirección teatral de la actriz Anahí Martella, sobre la pieza de Héctor Levy-Daniel, ganadora del primer premio del concurso “Historias subterráneas. Historias bajo las baldosas”, organizado por el Gobierno de la Ciudad. La obra transcurre en la época en la que el antiguo Hospital Moyano –el Hospital General de Alienadas de Buenos Aires– era dirigido por monjas, cuando los túneles que existían por debajo del edificio eran utilizados por las internas para evadirse o para dar a luz, cuando eran objeto de abuso sexual. La acción tiene lugar en el túnel que tenía salida a la estación de Constitución. Allí se encuentran los personajes de Dina y la Caba, dos mujeres que, si bien hablan de un mismo hecho producido en dos momentos históricos diferentes, ambas se refieren a la apropiación ilegal de recién nacidos. Las intérpretes son Silvia Villasur y Maida Andrenacci, la música pertenece a Federico Mizrahi y la escenografía y el vestuario a Alejandro Mateo.

“A partir del encuentro entre dos mujeres que pertenecen a distintas dimensiones temporales, la puesta se propone sacar a la luz el vínculo secreto que las une”, expresa Martella en el programa de mano. “Y dado que la memoria y el olvido atraviesan estas dos temporalidades, el relato deja de ser una mera descripción de sucesos para transformarse en la integración de memorias fragmentadas”, concluye. “Cuando Cecilia Vázquez, directora del Rojas, y Matías Umpierrez, coordinador del ciclo ‘Operas Primas’, me hicieron la propuesta, debo admitir que dudé en aceptar”, confía en una entrevista con Página/12, “pero luego me animé al darme cuenta de que tenía por delante la oportunidad de integrar un aspecto nuevo y crecer, experimentar desde la mirada del director”.

–¿Qué otras razones la decidieron?

–Estoy por cumplir treinta años en la profesión, y estos últimos años fueron de cierre de muchos ciclos en lo personal y profesional. Un final trae consigo nuevos principios y esto es lo que percibí que me llegaba. Cuando me subí por primera vez a un escenario a actuar supe que no me bajaría más, con esto creo que me va a pasar lo mismo...

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Cris Morena: Despertar de primavera

"En la Argentina hay un talento joven impresionante"

Cris Morena llevará a las tablas el musical Despertar en primavera; prevé estrenarlo a principios de 2010

Cris Morena no deja de producir. Vive en 2009, pero su cabeza ya está programando el 2010. Esta vez, tuvo los ojos bien abiertos en sus viajes por el mundo para ver qué super producción traer a la Argentina. Y la encontró.

Con vista a estrenarse a más tardar en marzo de 2010, por un tema de derechos, llevará a las tablas el musical Despertar en primavera, que evoca la obra literaria de 1890, de Frank Wedekind. Una vez más, los adolescentes serán los protagonistas de esta realización, que llevará su sello.

"Estamos arrancando con un proceso interesantísimo, absolutamente creativo en el que esperamos descubrir diamantes en bruto que se transformen en diamantes valiosísimos para que les puedan contar al público todos sus conflictos e intenciones", dijo Cris Morena en una conferencia en la que presentó el musical, junto al director general, Ariel del Mastro. Y agregó: "En la Argentina hay un talento joven impresionante".

Cientos de chicos pasarán por distintas audiciones, pero sólo quedarán 24 de esos diamantes, "que canten y expresen muy bien, y que tengan una energía muy particular para que se puedan armar cuadros de mucha rebeldía y mucha intensidad", indicó la empresaria.

¿De qué se trata? El musical relata el mundo interno de los adolescentes en un momento donde están despertando a un montón de conflictos y de decisiones y se encuentran con un universo adulto hostil que se olvidó que alguna vez fue niño o joven. Es como un despertar de conciencia también. Según contaron, la producción respeta el texto, la música y el espacio original.

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Marat/Sade

La dialéctica filosófica de Weiss, impecable

El montaje de Villanueva Cosse es magistral

Monumental, compleja y fascinante, Marat/Sade sigue siendo un desafío para quienes la aborden, porque mantiene intactas las virtudes que hicieron de ella uno de los textos fundamentales de la dramaturgia del siglo XX. A cuarenta y cinco años de su estreno (1964, Schiller Theater de Berlín, dirigida por Konrad Swinarski), parece escrita hoy. Fue el director inglés Peter Brook, quien en la memorable producción del Aldwych londinense, en ese mismo año, dio a la obra maestra de Peter Weiss (1916-1982) el sello que la hizo triunfar en Broadway en 1965 y desde allí en los más prestigiosos escenarios de Occidente (Ingmar Bergman la dirigió en Estocolmo, Roger Planchon en París y en Lyon). Brook mismo perfeccionó la consagración al filmar su puesta, entre 1966 y 1967: la película se exhibe hasta hoy en las escuelas de teatro del mundo entero y fue el pasaporte a la fama de una actriz excepcional: Glenda Jackson.

Para ilustración de los espectadores más jóvenes, conviene recordar que Weiss (nacido en un suburbio de Berlín, se nacionalizó sueco

en 1946, porque la familia, huyendo de Hitler, terminó por residir en Suecia) partió de personajes y hechos reales. Internado en el hospicio de Charenton, a raíz de su conducta desordenada, su actividad de pornógrafo y la presunción de un crimen sexual, o varios, el marqués Donatien-Alphonse de Sade (1749-1814), aligeraba el tedio de una prisión bastante leve con representaciones teatrales sobre textos que él escribía y dirigía, interpretadas por los huéspedes del manicomio: un antecedente del psicodrama actual. Una de esas obras habría procurado recrear, en 1808, el asesinato de Jean-Paul Marat (1743-1793), uno de los más sanguinarios próceres de la Revolución Francesa, a manos de la joven Charlotte Corday. En realidad, sería un pretexto para que Sade ?del que Weiss vendría a ser el médium convocante? entablara un diálogo filosófico (género literario tan apreciado en el siglo XVIII) con el espectro de Marat, acerca de temas tan arduos y trascendentales como el conflicto entre la libertad individual y el orden social, civilización y barbarie, libre empresa o socialización de los medios de producción, democracia o dictadura del proletariado, perduración del esquema amo-esclavo, mentiras y sofismas de los políticos.

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Marat-Sade

Reflexiones sobre la revolución

La versión de Villanueva Cosse de la obra de Peter Weiss es entendible, pero le falta contundencia.

Cuando los espectadores ingresan a la sala, los actores ya están en escena. Los internos de ese hospicio psiquiátrico de Charenton en el que transcurren los hechos, deambulan y reciben a un reducido grupo de personas que verá el espectáculo desde el mismo escenario -el resto lo hará desde la platea de la sala Martín Coronado del teatro San Martín-. Según el libro de Marat-Sade, una pequeña corte de aristócratas observa el "teatro dentro del teatro" que la obra propone; en esta versión, se trata de público real.

El director del loquero, Monsieur Coulmier -interpretado por Iván Moschner- anuncia la función, que sucederá en la sala de baños y masajes, propicia para situar al revolucionario Marat, quien sufría una enfermedad en la piel que lo llevó a transformar su bañera en escritorio. Los internos representarán una pieza escrita por el Marqués de Sade -Lorenzo Quinteros-, también recluido en ese hospicio. Será una "velada terapéutica". El papel de Jean Paul Marat, un revolucionario apasionado, es interpretado alternativamente por Agustín Rittano y Pablo Navarro. Luis Longhi compone al relator y se destaca por la gracia y fuerte presencia que logra. También alcanza una buena composición Verónica Cosse -mujer de Villanueva en la vida real-, como Simone, quien asiste a Marat.

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Marat/Sade

Cómo reflexionar desde el manicomio

La versión de Villanueva Cosse y Nicolás Costa apela a un sólido elenco para reformular la visión clásica de ambas figuras, en un ejercicio de teatro dentro del teatro que sirve como disparador de pensamientos sobre la condición humana.

El imaginario duelo verbal entre el revolucionario Jean–Paul Marat y el Marqués de Sade (“filósofo del vicio”) en el manicomio de Charenton fascinó a artistas e intelectuales del mundo e incluso se convirtió en teatro de agitación en aquellos países que sufrían censura. Se trata de un enfrentamiento de impacto en los primeros años de la década del sesenta, tanto por la elección de dos personajes que sostuvieron ideas políticas y filosóficas distintas pero profundamente trasgresoras como por el lugar elegido para desplegar tal contienda intelectual: un loquero considerado depósito de la sinrazón, donde –se sabe– permaneció confinado el famoso Marqués tras una de las varias condenas que lo dejó entre rejas. Siendo ésta una pieza de teatro dentro del teatro, el dramaturgo alemán Peter Weiss (nacionalizado sueco) imaginó a Sade escribiendo una obra que actúan los enfermos de Charenton y recuerda el asesinato del revolucionario. Sade, intérprete de sí mismo, es también el apuntador cuando los internados olvidan la letra. Esa desmemoria y confusión es utilizada en la puesta de Villanueva Cosse para definir escenas, como aquella del recitado de Charlotte Corday, asesina de Marat (papel que compone Malena Solda), y las tres monjas que manipulan cómicamente los brazos de la enferma que la representa, atacada de modo repentino por “la enfermedad del sueño”.

Si bien no se desdeñan aquí comentarios sobre la sexualidad y sus violencias, lo central radica en los terrores y distorsiones que producen las revueltas sociales y en los principios de libertad, igualdad y fraternidad pregonados por la revolución burguesa de 1789. Quizá sea ese marco histórico el que propicia una concepción escenográfica que en la sala Martín Coronado tiende a la grandiosidad y facilita el desplazamiento de actores y actrices en las secuencias de conjunto y musicales. La contienda dialéctica se desarrolla en la sala de baños del manicomio, provista de las duchas necesarias para, llegado el caso, someter a los enfermos rebeldes. En ese espacio –compartido con dos tribunas de espectadores– se encuentra Marat sumergido en su bañera, reeditando la imagen que plasmó el pintor Jacques–Louis David, donde se quiso ver –por la inclinación y abandono del cuerpo del jacobino– una estética inspirada en la escultura La Piedad (o Pietà), de Miguel Angel. Lo cierto es que obsesionado por publicar sus panfletos y proclamas, Marat convirtió su bañera en escritorio, pues sólo allí encontraba algún alivio a una entonces incurable enfermedad de la piel. Cuidado por la fiel Simone Evrard (Verónica Cosse), el revolucionario resiste calladamente su dolor físico.

Escrita y estrenada en los primeros años de la década del ‘60, Marat/ Sade alienta una reflexión sobre la condición humana (en tiempos más permeables agitó conciencias) y una apertura de orden estético. Aquí se recurre a técnicas que apuntan en general a la acción física sobre el texto y a la utilización de elementos de la Commedia dell’ Arte, como los relativos a la dinámica del movimiento y la importancia que adquiere la música en el desarrollo de la trama. Con esos códigos y otros aportes técnicos, el hospicio de Charenton (ubicado en las afueras de París) se transforma en pintura de época: allí eran recluidos los enfermos mentales de clase media y alta. El año elegido por Weiss para que los internados recuerden a Marat a través del aristócrata Sade es 1808, cuando los ideales republicanos eran aplastados por el emperador Napoleón Bonaparte y habían transcurrido quince años de la muerte del líder revolucionario (el 13 de julio de 1793). De esta obra se dice que pertenece al teatro total por abarcar asuntos relacionados con el arte y la vida social y política, el ejercicio del poder y los derechos de los ciudadanos, incluidos los que corresponden a los pacientes psiquiátricos.

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Lugar: Sala Martín Coronado del Teatro San Martín, Av. Corrientes 1530, de miércoles a domingo, a las 20.30.

Entradas: 35 y 25 pesos. Miércoles, 20 pesos. Tel. 0–800–333–5254.

Splatter rojo sangre

Sangre, sudor, tripas y terapia de grupo

Daniel Dalmaroni homenajeó al género gore

Como aquella deliberada película clase B de Peter Jackson llamada Mal gusto , pasando por Planet Terror, Death Proof , o todos aquellos films gore o splatter que se estrenaron después, esta comedia atípica y alocada apunta a la diversión (y a un análisis menor), más que al morbo, como podría ocurrir con films como la saga Hostel.

Pero esto es teatro. Y no es difícil imaginar que cuando escribió su Splatter rojo sangre , Daniel Dalmaroni se divirtió muchísimo jugando con el humor negro, el mal gusto y el sensacionalismo. Pero buen dramaturgo, no se quedó sólo en el chiste y la broma del chorro de sangre, sino que armó una trama psicológica delgada en la que seis asesinos seriales hacen terapia de grupo y se preparan para un baño de plasma y tripas que inundará el espacio escénico. Aunque al principio hay grandes reminiscencias a esa genialidad que es No me dejes así , creador y elenco de a poco introducen al espectador en la propuesta y lo sorprenden con el correr de las escenas.

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Jueves, a las 21, en Beckett Teatro, Guardia Vieja 3556.

Gastón Breyer

Falleció Gastón Breyer

Luego de estar varias semanas internado, el domingo murió el gran escenógrafo y artista plástico Gastón Breyer, quien acababa de cumplir 90 años. Arquitecto, doctor honoris causa de la Facultad de Arquitectura de la UBA y escenógrafo de la Escuela Superior de Bellas Artes de Buenos Aires, a lo largo de su extensa trayectoria Breyer realizó mas de 200 puestas escenográficas tanto en la escena independiente como en el circuito oficial.

Fuente: La Nación

Caravan

Un musical entre humo, mafia y alcohol

Con Sandra Guida y Rodolfo Valss en los roles principales, la obra de Diego Romay cumple su cometido.

Sus creadores definen Caravan como una historia de amores imposibles, mujeres sensuales y gángsters sin escrúpulos que rondan las calles oscuras y los cabarets turbios del Manhattan de los años 40. Esa es la trama -escrita por Diego Romay, también productor-, pero el espectáculo es más una excusa para volver a algunos clásicos del jazz, adaptados para esta historia. Bussiness of love, Caravan, My Funny Valentine, For once in my Life son algunas de las canciones que tienen en este show su versión acorde a la trama.

El personaje de Bella, que interpreta Sandra Guida, está inspirado en las femmes fatales del Hollywood de los años dorados, donde el glamour reinaba gracias a figuras como las de Rita Hayworth en vestidos de sirenas. Frankie, a cargo de Rodolfo Valss, también tiene muchos de los rasgos típicos de los gángsters cinematográficos, escudados en impermeables y sombreros negros y rodeados por humo de cigarrillo, siempre al margen de la ley.

El ambiente gangsteril, muy logrado gracias a la escenografía de René Diviú y la iluminación estratégica de Jason Krantowitz, entre otros aspectos técnicos de gran producción, es un viaje en el tiempo a esas películas en blanco y negro donde lo femenino era sinónimo de seducción pura y lo masculino, de rudeza dosificada.

Pero en ese mundo de bajos fondos, alcohol y juego, también hay espacio para una historia romántica protagonizada por la mesera del club Caravan, Lucy, una Ivanna Rossi con grandes dotes para el género y Billy, recién llegado a la ciudad, a cargo de Nicolás Armengol, que despliega simpatía, encanto y talento, demostrando que, por lejos, es muchísimo más que el ex soñador de Pampita en "Bailando por un sueño".

Sandra Guida parece tener la voz ideal para darle la cadencia necesaria a algunos de estos standars de jazz, enfundada en satén y brillo, en ese rol de mujer de la vida más melancólica que fatal. Por su parte, Valss, con su Frankie inescrupuloso y evasivo del amor, a esta altura parece una figura imprescindible en cualquier espectáculo del género. Su voz resuena imponiendo presencia.

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Mónica Ayos, Anabel Cherubito y Laura Kichkie

Cherubito y Ayos abren su espacio

Socias, actrices y amigas. Mónica Ayos, Anabel Cherubito y Laura Kichkie están ultimando los detalles de Curiosa sazón. ¿Una obra con guión de Maru Botana? No, no, un multiespacio que funcionará en Palermo a partir de agosto. Organizarán distintas actividades para promover eventos interdisciplinarios, muestras, exposiciones, cafés temáticos, talleres de música, de teatro, tango, artes visuales, etcétera. Mónica y Anabel comparten elenco en una obra de José María Muscari (En la cama) y Laura es la esposa del actor y director Marcelo Cosentino. "Respetamos la idea de origen: crear nuestro espacio artístico y cultural organizado, ideado y llevado a la práctica por mujeres", dijo Anabel. ¿Y Mónica qué piensa? "Creo que conectarse con lo creativo generando un lugar de expresión es la vinculación con el todo. Es un compromiso con nuestro potencial y un gran desafío en el que, además, nos permitimos divertirnos sin presión." ¿Y Laura? "Mis diseños tienen una única prenda por modelo y son nada convencionales. Al ser un multiespacio, estarán expuestos a la vista y serán parte del criterio de decoración del lugar. Este proyecto lo había soñado".

Fuente: Clarín

Víctor Laplace

Entre turcos y la historia

¿De qué se trata "Tango Turco"? (Teatro Nacional Cervantes)

Es una comedia que habla de sueños arruinados; de cómo el amor y la pasión, a veces, nos llevan por caminos insospechados.

¿Qué te interesó del espectáculo?

Volver a trabajar con Lorenzo Quinteros; el lenguaje del autor Rafael Bruza, un humor ingenuo que obliga a encarar el personaje con mucha pasión. Remite al surrealismo y al cine argentino de los '40.

¿Estás haciendo un documental de "Pepino el 88" y otro de Hugo Del Carril?

Sí. Estoy terminando el de Pepino basado en la obra teatral por la que gané el ACE como mejor actor de comedia. Y empecé con el de Hugo, un personaje multifacético de gran arraigo popular.

Fuente: Clarín

María Eugenia Molinari

Molinari y los chicos

La conductora María Eugenia Molinari vuelve a probar suerte en el teatro para chicos. Será en "Alicia Rock" una comedia rock para toda la familia.

Fuente: Clarín

Luisana Lopilato

Lopilato: "No tengo los síntomas"

Luego de regresar de los Estados Unidos, la actriz padeció fiebre y debieron internarla para realizarle estudios; ahora, se encuentra en su casa

La joven actriz fue centro de preocupación luego de regresar de un viaje de los Estados Unidos.

Es que Lopilato comenzó con algunos síntomas de gripe cuando volvió de California, lo que derivó en una internación en el Sanatorio Los Arcos para descartar que correspondan con la gripe porcina.

En comunicación telefónica con América TV, la actriz contó que tras volver de su viaje por los Estados Unidos le dió fiebre y eso la llevó a consultar al médico, "por precaución". "Me hicieron los chequeos, el hisopado, todo", relató y aseguró que, si bien para los resultados tiene que esperar dos días más, no tiene los síntomas de la gripe porcina. "No tengo catarro, ni tos, solamente fiebre y un poco de dolor de garganta, pero por precaución tienen que hacer sí o sí el chequeo."

Mientras espera el resultado de sus análisis, Luisana tiene que hacer reposo y mantenerse aislada: "Ahora yo tenía trabajo pero paré, estoy en cama , tengo que descansar porque tengo que estar tranquila", explicó ya distendida, luego de su paso por el hospital: "No creo que sea nada grave. En todo caso, si lo es, tengo que tomar los medicamentos por siete días", advirtió como para tranquilizar a la audiencia.

Lopilato estuvo la semana pasada en California donde asistió a una entrega de premios junto a su pareja el cantante de jazz Michael Bublé.

Fuente: La Nación

Carlos Rottemberg

Rottemberg, amo y señor del teatro en la costa

Repondrá Brujas a 20 años de su estreno

Cansado de esperar a que el gobierno porteño le apruebe los planos para (re)construir en Buenos Aires el teatro Argentino, Carlos Rottemberg, el señor de los teatros, acaba de adquirir a la familia Spadone las salas Neptuno y Lido, de Mar del Plata. Es más, piensa poner en funcionamiento el Astral, otra de las salas, que está ubicada en el mismo predio.

Al Neptuno y al Lido el empresario promete hacerles chapa y pintura para dejarlas en buenas condiciones para la próxima temporada de verano. Para el Neptuno, de 1100 butacas, ya cerró contrato para que Antonio Gasalla presente allí Más respeto que soy tu madre , el éxito de la temporada porteña. Al Atlas irá Fantástica , la nueva revista de Carmen Barbieri.

Como a veces Rottemberg se aburre de comprar teatros, nueve años atrás publicó el libro No hay más localidades. En él, dedicó un capítulo a Brujas, una de sus producciones más exitosas. Decía: "Seguro que Brujas volverá muy pronto a continuar su derrotero, impulsada por las cifras de concurrencia del último ciclo, la presión de innumerables pedidos para que siga representándose y lo fundamental: las cábalas, que son demasiado respetadas en el ambiente artístico. Se dice que a un éxito no se lo puede dejar, que no sé qué dios te castiga si abandonás una temporada, salvo por motivos de fuerza mayor".

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Despertar de primavera y Piaf

Nota del 27 de mayo

Rebeldía juvenil. De los siete mil jóvenes, de entre 15 y 25 años, inscriptos para el musical Despertar de primavera , que producen Cris Morena y RGB, quedaron seleccionados cien. Ayer, en el Metropolitan 2, 38 de ellos, seleccionados al azar, hicieron para la prensa el cuadro musical que cierra el primer acto de la obra. A juzgar por la fuerza de la canción, el ímpetu de los jóvenes y la potente coreografía que diseñó Gustavo Carrizo, esta obra ganadora del Tony será uno de los "platos fuertes" de la temporada de 2010. Aunque se anunció el estreno para marzo, Cris Morena manifestó su deseo de que todo esté listo para enero. Pero de eso dependen muchos factores. Uno de ellos es encontrar un teatro libre de las dimensiones necesarias para esa producción. La productora se mostró despreocupada cuando este diario le preguntó por la competencia que tendrá frente al monstruo de Disney La Bella y la Bestia . Esta semana comienzan las audiciones "cerradas", para artistas con experiencia, y dentro de uno o dos meses ya se conocerán los nombres de los 24 intérpretes. También se supo que éstos tendrán un mes de entrenamiento en distintas áreas artísticas, antes de comenzar los ensayos.

Elenco de Piaf. La semana pasada finalizaron las audiciones para Piaf y Elena Roger estaba muy contenta porque se reencontrará en escena con algunos de sus viejos compañeros. Quedó conformado un interesante elenco, en el cual están confirmados Natalia Cociuffo, Diego Jaraz, Pablo Grande, Eduardo Paglieri, Gustavo Guzmán, Romina Groppo, Rodrigo Pedreira y Martín Andrada. Al cierre de esta edición, Angel Hernández ( Rent ), Julia Calvo y Néstor Sánchez tenían su reunión final con la producción, para llegar a un arreglo con sus cachets. Pero todo indica que prácticamente ya estarían confirmados. Desde su llegada al país, Elena Roger se reencontró con amigos y familiares, fue a ver mucho teatro (se la vio muy contenta en el estreno de Agosto ), y hasta se lamentó profundamente cuando se enteró de la noticia del fallecimiento de Mónica Núñez Cortes, su compañera en Los miserables . La obra de Pam Gems que llevó a escena el prestigioso Donmar Warehouse, con la que la actriz argentina ganó el premio Olivier, se estrenará en el Liceo el 15 de julio, esta vez producida por Adrián Suar y Fernando Blanco. La versión local fue realizada por otro argentino radicado en el Reino Unido: Mariano Detry, la dirección musical será de Alberto Favero y la dirección general de Jamie Lloyd.

Fuente: La Nación

Carlos Rivas: Hogar

La familia y la crítica social

El director de "La duda" y "La prueba" habla de "Hogar", la obra que estrenó en el circuito alternativo.

Con el estreno de su nuevo espectáculo, Hogar, del dramaturgo británico David Storey, Carlos Rivas no sólo volvió al Payró —donde realizó sus primeros trabajos en la década de los ochenta— sino que abordó, además, a uno de sus autores predilectos "Quiero dirigir Hogar desde 1981—dice— ese año estrené, de Storey, Vestuario; quedé fascinado por su estilo y con ganas de trabajar otra obra suya. Creo que ahora es el momento adecuado para reencontrarme con sus textos."

Tras dirigir La prueba y La duda, Rivas decidió concentrarse en un espectáculo que considera "una obra de arte. A lo mejor, no está destinada para el teatro comercial —dice—. Aunque estoy en el circuito alternativo, trabajo con el mismo equipo de iluminadores y técnicos con los que llevé a cabo mis últimos cuatro espectáculos."

En la obra actúan Sergio Catallani, Lourdes Cerretani, Adriana Marqués, Martín Papanicolau y Abián Vainstein. La obra incursiona en el encuentro de varios personajes en un lugar indefinido, abierto, donde repasan sus épocas de prosperidad y construyen vínculos muy particulares.

¿Cuál sería la diferencia entre esta obra y "La duda" o "La prueba"?

Es un espectáculo diferente a los que circulan por el teatro comercial, donde están funcionando obras con historias mucho menos comprometidas desde el tema y el lenguaje. En esta obra tuve mucho más tiempo para trabajar, y menos presiones respecto a las expectativas de taquilla. Acá no hay especulación. No lo estamos haciendo para ganar dinero, sino que nos da placer montar este texto. Además, Hogar está relacionada con aspectos que implican una crítica a la estructura social de este país.

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Por el placer de volver a verla

Por el placer de volver a verla

Llegan temprano y hacen escala en un bar restaurante cercano, o hacen una ronda de mate previo a subir a escena: Manuel Callau y Virginia Lago, hijo y madre en una puesta que llevarán de gira al interior.

Sólo dos actores saldrán a escena en un rato. En la previa, ellos preparan a sus personajes, seres llenos de ternura y algunos berretines que se encuentran para revivir el ayer y poblar el escenario de recuerdos. El hijo, un afamado escritor, actor y director, quiere volver a ver a su madre, ya fallecida. Y la magia del teatro hace posible el deseo. Virginia Lago y Manuel Callau protagonizan Por el placer de volver a verla, de Michael Tremblay, una obra que se estrenó en Mar del Plata durante la temporada de verano y que ahora se presenta en Buenos Aires, en el Multiteatro.

Los actores, junto al director de la puesta Manuel González Gil, suelen tomar un cafecito antes de la función. Llegan temprano y hacen escala en el bar-restaurante que está a pasos del teatro.

En la obra interpretan a Naná y Miguel. El pasado de estas criaturas vuelve a cobrar vida a través de imágenes que el relato sugiere, dibuja, les regala. Tal vez contagiados por el espíritu nostálgico de la pieza, Virginia y Manuel hurgaron en sus propios arcones y en los camarines sobran las fotos. Incluso, en la pared de un pasillo que comunica los camarines de uno y otro, colgaron fotos de figuras emblemáticas del espectáculo que los inspiran cada noche, cuando salen a hacer la función. Artistas como Tita Merello, Alberto Olmedo, Libertad Lamarque, Luis Sandrini, entre muchos otros, están allí. Y prometen seguir agregando.

En el camarín de Virginia, además del vestuario y la peluca, con los que caracteriza a un personaje que tiene más edad que la actriz, tiene una foto del Che Guevara y otra de Bette Davis. Y los infaltables retratos familiares: Virginia con su esposo, el actor Héctor Gióvine, y otra con su nieta, la pequeña Simona.

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Anita Martínez y Diego Ramos

Anita Martínez será Doña Disparate y Diego Ramos, Bambuco, en un infantil

Diego Ramos deja a Martín Pells por Anita Martínez. ¿Cómo? Sí, pasará de ser Tomás —personaje fuerte de Los exitosos Pells (Telefé)— a convertirse en Bambuco. Es que a partir del 13 de junio subirá a escena en el Broadway con el infantil Doña Disparate y Bambuco, bajo la dirección de Juan Bautista Carreras. Será una puesta teatral en formato de circo, con diez artistas en escena, cuentos, payasos, malabares, acrobacias y canciones en vivo. Y la dupla doblará la apuesta en vacaciones de invierno, cuando haya funciones todos los días.Ya arrancaron los ensayos de esta obra, al ritmo de las canciones de María Elena Walsh. Los acompañarán en el elenco Analía Riamonde, Cecilia Stancato, Laura Pereyra, Esteban Fiocca, Andrés Kyle, Raúl Aquino, Adrián Kiss y Sebastián Gutiérrez. El dúo promete divertirse como niños.

Fuente: Clarín

Miriam Martino

Amar a Chabuca, Eladia y Violeta

¿Por qué un espectáculo en homenaje a Chabuca Granda, Eladia Blázquez y Violeta Parra?

Ellas imprimieron un antes y un después a la canción latinoamericana. Sus canciones nos siguen doliendo y conmoviendo.

¿Qué coincidencias tienen?

Son tres cantautoras que logran la magia de que la letra como la música tengan tanta calidad, belleza y hondura. Y hubo otras conexiones entre ellas, que muestro en el espectáculo.

¿Cómo es?

Con Germán Martínez en guitarra hacemos un recorrido a través de sus canciones y textos. Va los sábados a las 18 en el teatro El Búho (Tacuarí 215).

Fuente: Clarín

Constanza Peterlini: Mi nombre es Rachel Corrie

La breve vida de Rachel Corrie

“Que la gente escuche, sienta, se enoje, se emocione, se subleve”. Así sintetiza Constanza Peterlini sus expectativas cada vez que se pone en la piel de Rachel Corrie, una joven que vivió y murió por una causa. Mi nombre es Rachel Corrie, dirigida por Agustín Rafael Martínez, se basa en escritos de una estudiante norteamericana que a los 23 años viajó a la Franja de Gaza para apoyar a la población civil con apasionada entrega humanitaria como miembro de una organización de voluntarios que se oponen a la destrucción de viviendas. En marzo de 2003, defendiendo sin uso de la violencia un hogar palestino en Rafah, murió atropellada por una topadora del ejército de Israel. En diálogo con Blog Teatro, Peterlini nos acerca a la intimidad de una puesta sobre la juventud, la valentía y los sueños.

¿Qué significa contar la historia de Rachel Corrie?

Un hecho movilizante, sobre todo porque no es un personaje de ficción, sino que es una chica que existió y murió joven por una causa que ella consideraba vital, así que estoy contando la historia de toda su vida en un escenario.
Por otra parte, aún habiendo sido alguien culturalmente muy alejado para mí, ya que era norteamericana y yo soy argentina, sus ideales y su lucha hacen de sus palabras, de alguna manera, una bandera universal. Por lo tanto, me siento profundamente ligada a ella y a su deseo transformador. Y es un honor para mí estar contando en mi país la vida de ella, romper fronteras y que la gente escuche, sienta, se enoje, se emocione, se subleve. Poder transmitir su mensaje humanitario y sus sentimientos, que realmente lleguen sus palabras a la gente, su juventud, su inocencia, su valentía, su corazón y su alma.

¿Cómo vivís el hecho de contar esta historia tan fuerte vos sola en el escenario?

En principio lo vivo como un desafío actoral, ya que es una hora y media sin respiros, con mucha adrenalina, enfrentada a un público que en principio no sé cómo va a reaccionar. Es un relato muy intenso y lo más importante es que esta historia se haga sentir. Cuando empiezo es un camino de ida para mí, no me detengo mucho en nada en especial, lo que aparezca será bienvenido, confío. Un poco me ayuda la personalidad de Rachel, su pulsión me acompaña, y cuando empiezo es como un avión que despega hacia un destino a veces incierto. Lo disfruto muchísimo también, disfruto de esa libertad.

¿Cómo te relacionás con el uso del espacio y los elementos?

La sensación que trato de experimentar es de absoluto adueñamiento del espacio y los elementos. Fue un poco la propuesta que me hizo Agustín cuando me contó su idea de puesta en escena. Este espacio es el diario abierto de ella, es concreto, es mío, yo hago y deshago, me enojo, rompo una hoja, dibujo con mi propia sombra, me agrando, me achico, desaparezco en la inmensidad... de alguna manera yo soy el espacio y viceversa. Entonces es como un poco verme a mí misma, o a mis fantasías… imágenes inconscientes. Con los elementos me manejo de manera concreta, primaria, y el resultado es una manifestación de mi relación con estos elementos, una imagen inesperada.

La escenografía es sencilla pero muy impactante. ¿Cómo te sentís con el manejo de los recursos en el escenario y cómo trabajás el contar una historia tan fuerte con tan pocos elementos?

La simpleza y contundencia de los elementos escénicos me ayuda muchísimo, me concentra, destruye todo tipo de dispersión, y eso me organiza. Me obliga a investigar, a indagar, a jugar. Y siempre descubro cosas nuevas, es como un viaje interior para mí tratar de darle vida a ese espacio. Así que es bastante intenso, pero me dejo llevar… en algún punto es divertido. Es como si fueras chico de nuevo y estés ante una enorme hoja en blanco y miles de crayones y marcadores y lápices de colores y biromes, y te digan, bueno, dibujá… escribí lo que tengas ganas

¿Cómo fue el proceso de armado de la obra hasta llegar al escenario?

Muy pero muy intenso en todos los sentidos de la palabra. Cuando Agustín (el director) me convocó ya tenía varios elementos con los que quería trabajar, y yo sólo tenía que tratar de darles vida, encontrarlos de alguna manera… y bueno… aprender el texto. Nos juntamos a hablar con Agustín, yo paralelamente aprendía el texto, trataba de entender, informarme más sobre el conflicto en la Franja de Gaza. En fin, la premisa era ir hacia adelante, con más optimismo que otra cosa, y confiar. Y así de a poco todo se fue acomodando. Entrar en el texto era como viajar junto con Rachel, me trasladaba y sin darme cuenta se me fue creando como una necesidad, una posesividad con el texto. El deseo ayudó bastante, el deseo de contar algo en un escenario. Ese fue mi motor.

Mi nombre es Rachel Corrie. Domingos, a las 20, en el teatro Payró, San Martin 766, Capital Federal. Entrada $30 (Estudiantes y Jubilados $15). Reservas al 4312-5922.

Ficha técnica:
Dirección y diseño de espacio: Agustín Rafael Martínez
Actuación: Constanza Peterlini
Música: Emanuel Brusa
Sombras en escena: Malena Bystrowicz/Akira Patiño
Asistencia: Juan Dasso
Diseño de luces: Akira Patiño
Video: Malena Bystrowicz
Realización escenográfica: Agustín Ledesma
Objetos: Nicolas Bai, Luciana Morcillo, Agustín Rafael Martínez, Akira Patiño, Malena Bystrowicz, Agustín Ledesma
Producción ejecutiva: Adriana Zerdín y Gabriela Ram

Marcel Marceau

Una casa muda y vacía

Más de setecientos lotes de objetos y muebles del mimo francés Marcel Marceau, que murió a los 84 años en 2007, se subastarán hoy y mañana en la parisiense casa de ventas Richelieu Drouot. Con un precio estimado de conjunto de entre 200.000 y 300.000 euros, gran parte de los objetos, subastados por motivos de herencia y por decisión judicial, tienen precios de unos pocos cientos de euros y provienen en su mayoría de la casa del actor en Berchères-sur-Vesgres. Se subastarán cuadros antiguos, objetos de plata, arte popular, mobiliario rústico, fotografías, libros de teatro, varios objetos de arte japonés adquiridos por el mimo a lo largo de su vida, y la propia producción pictórica de uno de los artistas franceses más importantes del siglo XX, que perfilan la imagen del mimo y definen su filosofía ecléctica, según informó la casa de subastas. Entre los objetos que saldrán a la venta se destaca el traje de Bip, el personaje más emblemático de Marceau, además de instantáneas con personalidades del mundo de la cultura que asistían a sus espectáculos, como los actores Cary Grant, Gary Cooper o Ginger Rogers, el bailarín Rudolf Nureyev, los directores Vittorio Gassman o Maurice Chevalier, y el cantante Michael Jackson, que copió de Marceau su característica marcha contra el viento, convirtiéndola en fenómeno planetario en la coreografía de su canción “Thriller”.

Fuente: Página/12

Alejandro Ullúa, Nacho Gadano y Mónica Salvador: Batalla de arroz en un ring para dos

Nueva obra sobre los conflictos matrimoniales

Batalla de arroz en un ring para dos, en el Petit Tabarís

Batalla de arroz en un ring para dos es una original y desopilante mirada sobre las distintas etapas por las que atraviesan los matrimonios de clase media, narrada en cinco secuencias de parejas que pueden resultar prototípicas. El director Alejandro Ullúa ( Sumario de la muerte de Kleist , Trilogía del nazismo y Viejitos chotos ) está al frente de esta pieza que protagonizan Nacho Gadano ( Cash , Closer ) y Mónica Salvador ( Cómo tener sexo toda tu vida con la misma persona , La ventana ).

En diálogo con LA NACION, el elenco destacó que la obra es una profunda pincelada sobre las "frustraciones, los deseos y las presiones que tiñen un vínculo tan paradigmático" como el matrimonio. Esta comedia del dramaturgo brasileño Mauro Rasi ( Perla ), muy popular en su país, aporta un espacio de oxígeno para respirar "dentro del negro entorno en el que vivimos", según graficó Ullúa.

"El humor, el grotesco, la risa o el esperpento dan color a la pintura del matrimonio de Angela y Pedro, que están sumidos en extremos a veces signados por la violencia, pero siempre tamizados por una cortina graciosa o por un tono ligado a la comedia", detalló.

-¿Qué sensación les queda sobre los personajes que encarnan en este trabajo?

Mónica Salvador: -Rasi retrata las sensaciones de las mujeres, cuestiones íntimas que tenemos en esta sociedad en la que muchas veces hay un maltrato que no llegamos a percibir, pero existe. Si le sacáramos las frases de humor, no se podría sostener, porque hay momentos muy intensos, aunque igualmente interesantes.

Nacho Gadano: - Yo siento que es una burla al machismo. El personaje masculino transita por distintos estados machistas en los que el autor se burla del típico macho. Es muy enriquecedor para mí, porque como actor transito por distintos lugares y personajes, que puede ser el mismo... o no.

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Obra en construcción

La cocina del teatro, en la pantalla chica

El programa Obra en construcción , que se emite desde hoy por Canal (á), muestra cómo es la etapa de preproducción de piezas clásicas; lanacion.com habló con los protagonistas

"Cuando me hablaron de juntar a Shakespeare, Molière, Calderón de la Barca con los más grandes maestros y directores de la Argentina, que para cada emisión había un elenco particular y que yo tenía que ser la unión entre toda esa gente, me pareció realmente increíble. Si no hubiese venido de una alta ejecutiva del canal hubiera pensado que me estaban cargando".

Son palabras de Fabián Vena y lo que le pareció increíble se concretó en una coproducción de Canal (á) y el Teatro Cervantes, Obra en construcción, programa que él mismo conduce y que se verá desde hoy a las 21, durante 13 martes.

Se trata de un ciclo grabado en el escenario principal del Cervantes, donde distintos actores y directores se sientan alrededor de una mesa para analizar y hacer un "ensayo de mesa" de diferentes obras clásicas ?similar a lo que se suele hacer en el inicio de un montaje-, de manera de acercar al televidente los principales textos de la dramaturgia universal.

Así lo explicó Vena a lanacion.com en la presentación del programa: "No solamente hacemos un recorrido por ellos, sino que mostramos a la gente cómo es nuestro primer día de trabajo, o lo que intenta ser nuestro primer día de trabajo a la hora de encarar este o cualquier otro texto. Es un mínimo trabajo de mesa: sentarnos y escuchar al director para ver cuál es su propuesta y que el director tenga que bancarse cuál es nuestra interpretación como actores. En definitiva, entramos en la cocina teatral".

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Decálogo

Las tablas de la ley

A partir del 6 de junio, se presentan cuatro obras basadas en los mandamientos.

Hoy se anunciará la tercera y última edición del ciclo Decálogo, organizado por el Centro Cultural Rojas. Se trata de obras que trabajan a partir de los 10 mandamientos y la teología moral, a través de la conjunción de diez directores y diez dramaturgos.

"El decálogo son aquellos 10 mandamientos de la ley de Dios que llegaron a las manos de Moisés en el Monte Sinaí, y que fueron dados al hombre como principios para el ejercicio de cualquier actividad. Presentamos los mandamientos 7, 8, 9 y 10 a cargo de, en dirección y dramaturgia respectivamente, Maruja Bustamante y el uruguayo Dani Umpi; Matías Feldman y el Mexicano Edgar Chías; Guillermo Cacace y la española Angélica Lidell; Bernardo Cappa y Santiago Gobernori", señaló Matías Umpiérrez, director del área Teatro del Rojas.

El primer espectáculo debutará el sábado 6 de junio y será Nena, no robarás, con texto del uruguayo Dani Umpi y dirección de Maruja Bustamante. Se trata de un musical que, en oposición al drama que suele acompañar la salida del armario de un homosexual, plantea otro conflicto: ¿Qué sucede en un grupo de amigos cuando un gay comienza a salir con una mujer? Ese mismo sábado también se estrenará Una merienda de negros, basado en el mandamiento "No levantarás falsos testimonios", con texto de Edgar Chías y dirección de Matías Feldman.

El domingo 7 se presentará Todo cuanto hace es viento, sobre el mandamiento "No desearás la mujer de tu prójimo" con texto de Angélica Liddell y dirección de Guillermo Cacace. La última obra será Novedad, sobre "No codiciarás los bienes ajenos", con texto de Santiago Gobernori y dirección de Bernardo Cappa.

Todas las obras realizarán funciones los sábados y domingos de junio y julio, en distintos horarios, en las salas del Centro Cultural Rojas (Corrientes 2038). Para consultas, se puede acceder al sitio: www.rojas.uba.ar.

Fuente: Clarín

Sandra Guida: Caravan

"No soy híper famosa pero tengo mi público"

Desde esta noche, en El Nacional, será la protagonista de "Caravan", el musical que recreará el ambiente de un sombrío cabaret de los años 40. En la obra producida por Diego Romay, será una "femme fatal", máscara que sumará a su extensa galería de "chicas de comedias musicales": actuó en "Hair", "Chicago" y "El diluvio que viene", entre otras.

El escenario del teatro El Nacional, en plena calle Corrientes, se ha transformado en el sótano de un cabaret de los años 40, poblado de gángsters y femmes fatales; de alcohol y cigarrillos, pero también de seducción y música de jazz. Ese es el ambiente de Caravan, el musical que se estrena hoy, protagonizado por Sandra Guida acompañada por Rodolfo Valss, Nicolás Armengol y elenco, producido por Diego Romay.

La protagonista pasa del vestido rojo con escote corazón y talle de sirena que se desliza por el escenario a la bata blanca en el camarín, para hablar (menos glamorosa, pero mucho más cómoda) de su nuevo personaje, uno más para sumar a la extensa galería de criaturas de comedias musicales por las que pasó: Hair, El diluvio que viene, Chicago (donde fue Velma Kelly), El beso de la mujer araña (en Estados Unidos) y Divino amore (en Francia), entre muchas otras piezas.

En "Caravan", la historia está hilvanada por las canciones. ¿Cuál es esa trama? El Caravan es un cabaret de lujo que regentea mi personaje, Bella, y el de Rodolfo Valss, Frankie. A ese lugar llega Billy (Nicolás Armengol), un chico de campo que se fascina por la noche, los gángsters y por Bella. Pero a la vez conoce a Lucy, que intrepreta Ivana Rossi, una mesera del lugar que no pertenece a la oscuridad de ese ámbito y trata de advertirle de los peligros que le esperan. Y todo, enhebrado por canciones muy narrativas, clásicos del jazz, standars que no pertenecen a ninguna comedia musical. Están Cry me a river, My Funny Valentine, For once in my life, Bye, Bye Leroy Brown, Bussiness of love y la que da nombre al espectáculo, Caravan, de Duke Ellington y que cantaba Ella Fitzgerald.

O sea que adaptaron a la comedia musical canciones que no son del género.

Sí, la obra es cien por ciento original, incluso las adaptaciones de las letras. Yo estoy desde el inicio, en diciembre de 2007 y sé todo el tiempo de preproducción que llevó este proyecto. Pero el material me sedujo inmediatamente.

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Erika Wallner

Y sí, la vida continúa

¿De qué se trata "Clarita y Estela... La vida continúa" (La Sodería, Vidal 2549, viernes a las 21)?

Clarita es una mujer simple que recogió su sabiduría en la calle, directa y desinhibida. Pone en sus palabras el punto ácido y humorístico.

¿Cómo te llegó esta propuesta?

Alejandra Donnes, autora y amiga desde hace años, me propuso la obra. La leí y me gustó mucho. Me pareció algo distinto a todo lo que he hecho.

¿Quién te acompaña?

Dora Mils, quien encarna a Estela, una mujer estructurada y reprimida. Y Luz Kerz está en la dirección.

¿Otros proyectos?

Continuar con Clarita y Estela en La Sodería. También actúo en La Armada, encarno a la mujer del Almirante en Guillermo Brown.

Fuente: Clarín

Tango turco

Un viaje con altibajos

La obra con Claribel Medina y Víctor Laplace logra un buen vínculo entre ellos, que pierde eficacia hacia el final.

Podríamos ser beckettianos porque tenemos alrededor una llanura que es metafísica, existencial. Y somos los más indicados para manejarnos con la sensación de aquello que se repite, que nunca termina, que siempre está a punto de acabar y no acaba nunca". De este modo, definió Jorge Ricci su trabajo en el grupo santafesino Teatro Llanura, que fundó en 1973 junto a Rafael Bruza, autor de Tango turco, que se estrenó en el Cervantes. La obra, dirigida por Lorenzo Quinteros, tiene las actuaciones del propio Bruza, Claribel Medina y Víctor Laplace.

Y aunque el grupo santafesino no esté totalmente presente, se manifiesta indudablemente la poética del Llanura. Tango turco, una de las últimas piezas escritas por Bruza, dialoga con otro texto suyo, El clásico binomio, estrenado a mediados de la década del ochenta.

Ambos textos merodean un imaginario tanguero. Además, incorporan locaciones casi metafísicas, el viaje como una forma particular de comprender el mundo y una desgastada pasión de los personajes que, en su devenir, produce criaturas prácticamente deshilachadas. Sólo que el espectáculo que se presenta actualmente en el Cervantes asume la huida por un crimen como acontecimiento fundante.

Los prófugos, Amelia y Rodolfo -interpretados por Claribel Medina y Víctor Laplace- se enredan en un asesinato. Ella le pide a su amante que, como condición para estar juntos, debe asesinar a su esposo, dueño del cabaret donde trabaja. Cometido el crimen - prácticamente al inicio de la obra- huyen a Europa de polizones. Allí, y luego en Africa, trabajan como artistas callejeros interpretando tangos.

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Vanesa Butera

De "Hairspray" a un musical bien "cool"

¿Cómo surgió la idea de reunirte en un espectáculo musical junto a Agustina Vera y Fernando Dente, tus colegas y compañeros de "Hairspray"?

Somos muy amigos, los tres salimos de un reality (Dente y Vera de High School, la selección y ella de Yo quiero ser la protagonista de Hairspray) y queríamos hacer algo solos y juntos. Así nació Music cool, que se estrenará en julio en el Velma, con música de Gaby Goldman y la dirección de Ricky Pashkus, quien nos reunió.
¿Y finalmente vas a actuar en televisión este año?

Sí, arranco pronto con Niní, la ficción de Florencia Bertotti que aún no tiene fecha de salida. Voy a encarnar a una secretaria.

¿Te cambió demasiado la vida desde que fuiste elegida para protagonizar con Enrique Pinti?

Totalmente. Todo lo que vino después fue increíble. Aunque yo sigo haciendo lo que hacía antes. No abandoné, por ejemplo, mi ciclo de música por los bares. Voy a seguir cantando por distintos lugares de Capital Federal, temas que tienen letra y música mía. Eso no lo cambio por nada.

Fuente: Clarín

El Borde Infinito y Resplandor

El Borde Infinito

Obra de Vanesa Weinberg que explora ese borde sutil entre la vigilia y el sueño. Los sueños crean una correspondencia entre lo exterior y lo interior, entonces El Borde Infinito se propone desentrañar el sentido humano de los sueños, de sus accidentes, sus remansos, sus luces y sus sombras, posibilitando la inmersión en abismos interiores y la vivencia desafiante de internarse en una naturaleza desconocida, de temible belleza. En ese espacio, acolchado y tridimensional, se sucede esta historia de un cuerpo, una persona que duerme, sueña, recorre ese ilimitado y múltiple mapa que conforma el mundo interior de cada uno. Este trabajo une el teatro, la danza y la plástica, con el fin de llegar a ese lugar donde la fisura que hay entre el estar despierto y el estar dormido sea una posibilidad de trascendencia. Sábados a las 20.30 en el teatro Anfitrión, Venezuela 3340. Entrada: $ 25.

Operas Primas 09

Durante este mes y el que viene se presenta el tercer estreno de este ciclo con el debut como directora de la actriz Anahí Martella. El espectáculo es Resplandor, con texto de Héctor Levy-Daniel, y expone a dos mujeres que persisten sólo para descubrir la verdad que las ha sostenido en pie hasta este momento. Ambas tienen deudas: la una con la otra y cada una consigo misma. Resplandor habla del inevitable momento en el que estas dos mujeres tan distintas se encontrarán en un desesperado intento de conseguir lo que necesitan. Viernes a las 21.30, en el C. C. Rojas, Corrientes 2038. Entrada: $ 20.

Fuente: Radar

Gerardo Hochman: Travelling

“Hay complicidad entre los cuerpos”

El director de la escuela La Arena da pistas sobre la dinámica de la obra en el C. C. de la Cooperación, en la que la inclusión de cámaras que siguen a los performers da una inédita proximidad.

Aquello que alguna vez se llamó “nuevo circo” no necesitó de ésa ni de otras aclaraciones para ser apreciado como original, porque quien utilizó esa denominación al estrenar Emociones simples (escenas circenses sobre un escenario) conquistó de inmediato al público. “Era una manera de definir lo que estaba naciendo –dice hoy su creador, Gerardo Hochman–, algo que se parecía al circo, pero era distinto.” Admite que el agregado de “nuevo” le resulta incómodo, “porque supone una ruptura con lo anterior, con un circo que yo no mamé”, y sostiene que lo suyo no fue un acto de rebeldía sino el resultado de una búsqueda ligada a su formación. Acróbata y actor, coreógrafo, director y autor, Hochman presentó varios espectáculos en ese estilo: Kamuflash, Fulanos, La vuelta al mundo (versión en coautoría con Roberto de Bianchetti), Milagros, Sanos y salvos, Ronda, Bellas Artes y En órbita, y fue intérprete en adaptaciones de clásicos, entre otras Cyrano, de Edmond Rostand, y La comedia de las equivocaciones y La tempestad, de William Shakespeare, las tres dirigidas por su hermano Claudio, que reside en Portugal, donde fundó y conduce la Shakespeare Women Company.

Dedicado desde comienzos de los ’90 a la docencia en su Escuela La Arena, a la dramaturgia y dirección, Hochman estrena ahora Travelling, junto a un elenco de actores-acróbatas-bailarines de La Arena. En este espectáculo –estrenado anoche en el Centro Cultural de la Cooperación– incorpora técnicas del cine y el video. El título sugiere un recorrido, ese “estar viajando” tan presente en las obras de este artista, intensificado aquí por la inclusión de una cámara “que ofrece distintos puntos de vista sobre cada escena y pone en funcionamiento un diálogo entre el lenguaje del circo –con sus hazañas y destrezas– y los del cine y el video”.

Una novedad en la producción de este director atrapado por el juego que permite la cámara, por “estar adentro y afuera, filmar y ser filmado”, puntualiza. Reconoce como algo habitual que a la salida de sus espectáculos el público le pregunte si la acrobacia provoca miedo en los intérpretes, y sobre todo si se marean. Por eso cree que el armado de Travelling es una manera de responder a esa inquietud: “La cámara usada dentro de la escena nos permite compartir con ese público curioso algunas de las sensaciones del acróbata”, confía.

–¿Y es realmente así, el acróbata tiene miedo, sufre mareos?

–El público lo sabrá por sí mismo. Cuando el acróbata hace un salto mortal coordina movimiento y expresión, y su cara refleja ese instante. Pero no olvidemos que eso que tanto asusta al público es parte de la técnica del artista.

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El recorrido de un apasionado

Alejandro Mazzei y Mara Poczymoc: La Aurora (chinita linda si las hay)

“La Pampa no es sólo el ombú”

Alejandro Mazzei y Mara Poczymoc cuentan cómo arribaron al espectáculo que presentan todos los domingos en NoAvestruz: Don Segundo Sombra, Martín Fierro y Juan Moreira fueron el punto de partida para que los chicos conozcan “otra clase de gaucho”.

De la misma manera que hay músicos que se pueden identificar por el sonido, o escritores que se los puede adivinar por la prosa, en teatro para chicos (o para toda la familia, como ellos se definen) la Compañía El Globo tiene su sello: poner los clásicos de las tablas a disposición del público infantil. “Es un sello que nos gusta tener”, dicen a Página/12 Alejandro Mazzei y Mara Poczymoc, integrantes fundadores del grupo. Luego de recorrer textos como Cyrano de Bergerac o La comedia de las equivocaciones, esta vez presentan algo “nuestro”: La Aurora (chinita linda si las hay), un “homenaje” a los textos gauchescos. “Está basada en Juan Moreira, Don Segundo Sombra y Martín Fierro –explican–, pero no es una adaptación porque encontramos muchas diferencias y hay que reconocer que el gaucho es complicado... ¡Y ni hablemos del gaucho actual porque nos metemos en un quilombo bárbaro!”, bromean sobre la obra que se presenta los domingos a las 17 en NoAvestruz (Humboldt 1857).

Por eso retoman de la literatura gauchesca nombres, algunas situaciones y el lenguaje, como señales para comprender el recorrido, pero la historia es una creación propia. “La gente muchas veces nos preguntaba por qué no hacíamos algo nuestro. Y nos costó mucho definir qué es algo nuestro”, confiesa Mazzei, y ejemplifica: “Contamos una historia de amor, y nos parece interesante –es difícil de explicar– una cierta viveza criolla que hay, tanto en Güiraldes como Gutiérrez, que es muy llamativa. Nos parecía divertido ese juego de clásica comedia del arte”, apuesta, y Poczymoc afirma que “además rescatamos el lenguaje. Hablan en gauchesco, el viejo gauchesco que todos conocemos y que todos imaginamos. Las octetas de la obra son textuales del Martín Fierro”, resalta de la primera obra en la que no actúan (protagonizada por Fernando Attias, otro integrante de la primera hora), pero son los productores generales.

¿Por qué estos textos para trabajar “lo nuestro”? “Tiene que ver con que los últimos dos años estuvimos viajando mucho por la Argentina. Es cierto que en Capital el gaucho no es lo nuestro”, concede Mazzei, recordando que en este distrito tal vez Armando Discépolo sería un mejor exponente, pero “viajando nos encontramos con otra idiosincrasia y gente que hace cultura de otra manera. Y ahí nos surgió que sería interesante hacer algo de adentro, de la tierra, de la Pachamama”, imposta la voz. “Empezamos jugando y salió un espectáculo que a nivel imagen creo que es el más bello que tiene la compañía. Queremos sacarle al chico el concepto de que la Pampa es el ombú, y que un pantalón negro, un pañuelo al cuello y camisita blanca ya es un gaucho”, apuesta sobre una experiencia que los llevó “menos a Catamarca, por todas las provincias” del país, a distintos grupos de la Compañía.

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María de Buenos Aires

Argentinos en Grecia. Después de muchos años, por fin una producción del Teatro Nacional Cervantes se presenta en el exterior. Se trata de María de Buenos Aires , el musical de Horacio Ferrer y Astor Piazzolla, en la versión que dirigió Marcelo Lombardero el año pasado. Hoy finaliza sus nueve exitosas funciones en la Opera Nacional de Grecia, en Atenas. Rubens W. Correa, director del Cervantes, viajó especialmente para acompañar al elenco encabezado por el mismo Ferrer, Julia Zenko y Guillermo Fernández. Los acompañó un cuerpo de baile algo más acotado que el original, el escenógrafo Tito Egurza, el iluminador José Luis Fiorruccio, el bandoneonista Pablo Mainetti y el pianista Cristian Zárate. La presencia del Cervantes en Europa no acontecía desde hace muchos años. En 1964, Luisa Vehil presentó Ollantay en París, con la Comedia Nacional; en 1978, el elenco presentó Martín Fierro en Bolivia, y en 1984, Destiempo y Hoy ensayo hoy , en Uruguay.

Fuente: La Nación

Chiquito

Conmovedora propuesta que busca en el pasado

Gran trabajo de un elenco bien dirigido

El ambiente es sumamente sombrío. Tres seres en una pequeña habitación. Chiquito, el padre; Cascarita, el hijo y la Enfermera cruzan miradas y defienden terrenos por momentos inexplicables. Cascarita busca reconocer su historia, la de un chico que, siendo bebe, fue abandonado en la puerta de la casa de ese hombre y esa mujer que le han dado cobijo. Lo han formado ocultando su verdadera identidad y hoy, él comienza a preguntar, a reconstruir parte de su mundo, a encontrar respuestas a algunas preguntas y a definir, más plenamente, algunas situaciones vividas que lo habían consternado.

El texto de Luis Cano, plagado de imágenes poéticas, muy escueto y preciso en cada parlamento, encuentra en la directora Analía Fedra García a una excelente intérprete. Ella descubre el verdadero valor de cada palabra y lo traslada al cuerpo de sus actores con una profunda seguridad. Ellos - José Márquez, Elida Schinocca y Martín Urbaneja- parecen dejarse llevar por esas imágenes que llegan del pasado, sus cuerpos las realimentan y las lanzan sobre el espacio escénico con una marcada violencia que jamás llegará a desestabilizarlos por completo. Por el contrario, una extrema necesidad de ejercitar esa violencia los descubre, una y otra vez, tras una dolorosa máscara que, cuando finalmente cae, demuestra que entre la verdad y la mentira parecería no haber distancia. Cada uno ha vivido, vive y seguirá viviendo en la convicción de que el otro no es tal; y si lo es, está tan dañado que el presente no podrá ayudarlo a recomponerse.

El espectáculo es sumamente conmovedor. La intimidad en la que se desarrollan esas actuaciones es muy provocadora, también, porque los actores develan los rasgos de esos personajes con exacta minuciosidad hasta convertirlos en verdaderas bestias que pelean, convencidas de que la historia les ha jugado una mala pasada.

Fuente: La Nación

Domingos, a las 18, en La Carbonera, Balcarce 998.

La sombra de Federico

Los últimos días de García Lorca

Bienvenida sea (y necesaria) toda evocación de Federico García Lorca y su asesinato por los franquistas, a comienzos de la Guerra Civil de España, en 1936. Para dilucidar los motivos de ese crimen, con el tiempo se han acumulado múltiples conjeturas, en biografías (la ejemplar, acaso definitiva, escrita por el inglés Ian Gibson), en teatro, en series de televisión, en notas periodísticas. Hasta hoy siguen las polémicas: la más reciente, meses atrás, fue entablada por dos facciones distintas de su familia, una a favor y otra en contra de la exhumación de sus restos, aparentemente sepultados en el barranco de Viznar, en los alrededores de Granada.

Es, pues, loable la intención de los autores de este espectáculo, deseosos de rescatar la memoria del poeta granadino y, sobre todo, de discernir a los responsables de su fusilamiento. Difícil tarea, que impone la elección de un punto de vista, en lo posible distinto de los ya aplicados reiteradamente. Lo encontraron: hacia la mitad de La sombra de Federico , inesperadamente el eje de la acción se traslada del protagonista a un personaje que, según los datos corrientes, fue tan sólo secundario en la tragedia. Es la madre de los numerosos hermanos Rosales, intelectuales granadinos, partidarios de Franco y viejos amigos de Federico, que le ofrecieron asilo en su casa cuando ya sentía en la nuca el frío de la persecución fascista. Qué pasó realmente allí, no está claro y, probablemente, no se aclarará jamás: si hubo delación, o un intento generoso que por alguna razón se tergiversó, o imprudencia, o miedo. Lo concreto es que de esa casa salió Federico rumbo a la muerte.

Sea como fuere, los autores de la obra asignan a doña Esperanza Rosales un papel preponderante, no tanto en el empeño de defender a toda costa al amigo en peligro, sino, más bien, en una condición simbólica, que termina por hacer de ella una especie de Hécuba sobre las ruinas de Troya.

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Mónica Núñez Cortés

Murió Mónica Núñez Cortés

Entre las actrices de fuerte presencia en el mundo del teatro musical, es imposible no mencionar a Mónica Núñez Cortés y no recordar su hermosa voz. Anteayer, por la madrugada, falleció luego de una larga enfermedad. Aquellos que pisan los cuarenta la recordarán con esa mirada dulce mientras cantaba canciones para chicos en el programa Magimundo, primero; y en La tarde de los chicos , y Margarito Tereré, luego, durante varias temporadas televisivas y teatrales. En TV también es recordada por su participación en Mesa de noticias, Pelito, Clave de Sol y Franco Buenaventura . Actriz y cantante -hermana de Carlos Núñez Cortés, de Les Luthiers-, se formó en el Collegium Musicum y, a fines de la década del 80, protagonizó el musical Camila , junto con Osvaldo Laport. Luego trabajó en Nosotros somos el amor, La Bella y la Bestia, y Los miserables . Lo último que hizo fue Tres mujeres con equipaje , en 2007.

Fuente: La Nación

Fátima Florez

Detrás de todo sólo hay una mujer

Interpreta a Nacha Guevara en el "Gran cuñado" de "ShowMatch", pero tiene otros 50 personajes. Ahora quiere empezar a parodiar a hombres.

Detrás de la máscara y el maquillaje hay una chica rubia, a primera vista tímida, que podría desfilar en las pasarelas. Pero en cuanto se larga a hablar y se siente cómoda, empieza a sacar todas las personalidades que la habitan. Y pasa de una a otra. Es Fátima Florez, la imitadora de Nacha Guevara en "Gran cuñado", el segmento de ShowMatch (El Trece, a las 22.30) donde los protagonistas son los falsos políticos.

Fue la última en sumarse al ciclo, cuando la verdadera Nacha aceptó ser candidata a diputada. En ese momento, varios pensaron en ella, que ya se había metido en la piel y la voz de la actriz y cantante dos años atrás. "La admiro como artista y además es una militante de años, no me parece ninguna improvisada. Creo que no se puede imitar a alguien sin un mínimo de admiración, salvo que sea un personaje mediático muy tentador", asegura. Y en esa lista incluye a Silvia Süller, Natalia Fassi y otros.

¿Cómo preparás un personaje?

Miro muchos videos para captar los gestos. Y sobre todo, escucho muchísimo la voz. En realidad cada imitador tiene su técnica. Yo lo hago desde la actriz.

Fátima (advierte que su apellido es con zeta y que tiene raíces vasco francesas, italianas y españolas) tiene 28 años, hace cuatro que trabaja y tres que hace imitaciones. Ahora es la voz de la computadora en De lo nuestro, lo mejor y lo peor. En su galería de personajes además están Shakira, Madonna, Thalía, Susana Giménez y hasta Beatriz Salomón. "Son como 50 imitaciones. Y ahora estoy preparando figuras mexicanas, porque me llamaron para hacer un show en México".

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Guillermo Francella: El joven Frankenstein

"Me resisto, desde hace mucho tiempo, a poner el piloto automático"

En unos días estrenará, en el Teatro Astral, "El joven Frankenstein", musical del estadounidense Mel Brooks que protagoniza. Es su segunda experiencia en el género, después de "Los productores". Cuenta cómo lo vive, y dice que quiere volver a la TV.

Ni chanta, ni mujeriego. Esta vez, un científico loco. En sus ojos claros se reflejan la ansiedad y la preocupación por las que transita en estos momentos. La proximidad del estreno de El joven Frankenstein ocupa todo su pensamiento. Le cuesta bastante hablar de otra cosa que no sea el legendario personaje y la puesta local del musical del norteamericano Mel Brooks, que lo tiene a la cabeza de un numeroso elenco. Pero Guillermo Francella, correcto y amable, no se niega a conversar acerca de todo un poco.

Es la segunda vez que se anima a protagonizar una comedia musical y que acepta el desafío de cantar sobre el escenario, un arte que tuvo que aprender, bajo las órdenes de una profesora. La primera vez fue con Los productores (2005-2006), junto a Enrique Pinti. A partir del 2 de junio, en el teatro Astral, será Frederick Frankenstein, en un espectáculo dirigido por Ricky Pashkus. Guillermo se comprometió con el proyecto desde la primera hora. Junto al productor, Pablo Kompel, vio dos veces la obra en Broadway. "Allá nos encontramos con un gigante, un elefante tremendo. Tiene tantos cambios escenográficos, proyecciones, efectos especiales, sonidos... que te quedás empequeñecido de todo lo que ves", repasa el actor. Pero apuesta a que le ocurrirá lo mismo que con Los productores: quedó más conforme con la versión argentina -capaz de satisfacer al público nacional, que es "bravo"-, que con la original. "Allá, los actores son más fríos", dice este comediante que pone pasión a cada emprendimiento.

¿Por qué vuelve a la comedia musical?

Me gustó El joven Frankenstein. Yo no sé si me voy a sumar siempre a un musical. Pero la posibilidad de hacer este personaje, que interpretó en cine Gene Wilder hace tantos años, me movilizó. Le perdí el miedo al musical y entro más seguro. Además, fui ponderado por capos de este medio, como Gerardo Gardelín y Elizabeth de Chapeaurouge (director musical y coreógrafa, respectivamente, de Frankenstein). Es un género dantesco, con el que me divierto.

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La casa de Bernarda Alba

Con tu blanca palidez

La consigna fue que la gente se desvistiera para ver la obra de Lorca. Un cronista de "Clarín" cuenta su verdad desnuda.

El foyer del teatro Arlequino es pequeño, como una sala de espera. Hay unas diez personas sentadas. Uno de los organizadores está de pie y alterado. Llegan canales de televisión, gente que quiere comprar entradas que ya se agotaron (50 pesos por cabeza) y un aspirante a espectador que es expulsado porque quiere ingresar sin entrada y con una cámara. José, uno de los organizadores, debe lidiar con todo.

La obra en cuestión es un clásico: La casa de Bernarda Alba, de García Lorca. Esta vez, la función tiene una particularidad: el público debe estar desnudo.

José invita a pasar al vestidor. La escalera de acceso es angosta. Este salón no es mucho más grande que el anterior. Faltan sillas y la gente -cronista incluido- comienza a desvestirse. Casi todos lo hacen con naturalidad y algunos se apoyan en el hombro del compañero: es incómodo desnudarse de parado.

Camino a la sala, llevan en la mano una toalla, celulares, riñoneras y calzado, de uso obligatorio. La ropa quedó en un guardarropas, atendido por empleados también desnudos.

En la sala -con capacidad para 100 personas-, la espera es igual a cualquiera. La gente conversa, algunos chequean el celular y otros se aburren. Pero acá el público se conoce entre sí. Tiene un promedio de más de 45 años y es mayoritariamente masculino, salvo unas 15 mujeres acompañadas.

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