Blog Teatro cumple un año

El equipo de Blog Teatro quiere hacer llegar su agradecimiento a todos los lectores por acompañarnos en este proyecto que hoy cumple su primer año en la Web y sigue creciendo.

La información teatral de la Argentina encontró su lugar en esta iniciativa independiente que en el último mes superó los 9.000 lectores, según información suministrada por Sitemeter .

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Román Lamas: Moc y Poc

Diálogos sobre el absurdo

El actor y director Román Lamas debuta al frente de la compañía con una puesta basada en un libro de Luis María Pescetti, que entremezcla disparate y lógica. “Los personajes tienen un humor cercano al de los Hermanos Marx”, describe.

El Complejo Teatral de Buenos Aires levanta el telón de la temporada para grandes y chicos con Moc y Poc, adaptación para títeres de un libro de Luis María Pescetti, interpretada por el Grupo de Titiriteros del San Martín con dirección de Román Lamas. El estreno es esta tarde a las 16 en en el Teatro Sarmiento, casi metido en el zoológico porteño. Allí, Lamas, de 44 años, experimentadísimo actor titiritero con más de dos décadas de oficio e integrante del mítico Periférico de Objetos, ultima los detalles de su debut como director del prestigioso elenco. Cuando empezó a imaginar su primer montaje, se plantó en Pescetti, sin dudarlo. “Hace varios años le leí a mi hija Historias de los señores Moc y Poc; pero antes lo vi en un recital en Agronomía donde cantó su disco Vampiro negro y me mató. Me encantó el contacto franco y real con los pibes, la falta de solemnidad, los trata de igual a igual. Derriba la cuarta pared, los interpela”, asegura.

–¿Cómo es la adaptación?

Román Lamas: –En el espectáculo hay tres titiriteras que, de alguna manera, toman la voz del autor y van hilvanando las escenas con humor, desde un lugar clownesco. Cada escena tiene su presentación y la obra se parece a un varieté. No tiene un desarrollo continuo y lineal. Por otro lado, el lenguaje de títeres permite romper las leyes físicas con facilidad: los muñecos se pueden mojar, hundir, flotar, detenerse por mucho tiempo y así escenificar circunstancias que con otro lenguaje sería mucho más complicado.

Más en Página/12

Humberto Tortonese: El beso de la mujer araña

Llegó el momento de ponerse serio

"Si la gente se ríe, sonamos", dice, sobre El beso de la mujer araña, la obra de Manuel Puig que estrenará el jueves

En un pasaje escondido de Almagro vive Humberto Tortonese, en una casa llena de objetos de arte y una perra besuquera. La casa, comprada con los dividendos que le dejó su paso por el programa de Antonio Gasalla, está impecable, aunque en la entrada haya un "olor a mierda"... Lo dice él con su tono de voz tan particular, con esos dedos que hablan, con esos ojos exaltados.

"Vos haceme preguntas y yo respondo: es lo mejor", propone ahora, ya sentado en un sillón enorme. Este año parece ser el año de Tortonese en su versión multitarget. Es que a su participación en el programa de radio de Elizabeth Vernaci (Tarde negra) y el de televisión de Mariana Fabbiani (RSM), el jueves estrenará en El Cubo El beso de la mujer araña, el famoso texto de Manuel Puig, en versión suya y dirección de Rubén Szuchmacher, que poco tiene que ver con la película de Héctor Babenco y menos con el musical que interpretó Valeria Lynch.

Su último trabajo en teatro fue La voz humana, hace dos temporadas. El año pasado trataron de convencerlo para que se sumara al elenco de El joven Frankenstein, pero no tuvieron suerte. "No quería el martirio de tener que volver a cantar como me pasó en La tiendita del terror. Era mucho", cuenta. Cerca de fin de año, José Miguel Onaindia le propuso hacer El beso de la mujer araña, pero llegó diciembre y se fue a Punta del Este. "Apenas llegué, me la leí toda de un tirón. Es genial. Lo que más me gusta es la situación de esa loca contando historias...", dice Torto sobre Molina, el personaje que se ve obligado a compartir una celda junto a un militante revolucionario (papel a cargo de Martín Urbaneja) en plena época de la dictadura militar.

"El tipo no es un corrupto total que cayó ahí por corrupción de menores ?agrega, sobre el personaje del homosexual que en cine interpretó William Hurt?. No. El tipo se acostó con uno que era menor y que alguien denunció. ¿Quién? La madre. Y cae en la cárcel con un gerrillero al que se la pasa contando sus historias. Antes, eran él y su madre. Ahora, es él y el guerrillero. Yo creo que debe ser la historia de Puig. Andá a saber... Igual no soy un estudioso de su obra."

- Sin embargo, la semana pasada terminaste hablando de él en la Feria del Libro.

- Eso fue raro. Me dijeron que íbamos a leer una parte del libro, pero me pareció ridículo. Quedó como que todos íbamos a debatir sobre Puig. ¡¡¡No!!! No tengo ni idea de él. Pensé: "Que hable Ernesto Schoo, que es el que sabe, y listo". Pero quedó bárbaro. Habló Schoo, muy tranquilito, y contó anécdotas divertidas. De vez en cuando, yo quería hacer un broche como para terminar porque nadie quiere cortar esas cosas, ¿viste?

Más en La Nación

Playa Bonita, Moc y Poc, El niño de arena, Mondongo para Manuel, y Viajeras

Al mar con Midón. Estreno de Playa Bonita, de Hugo Midón, con música de Carlos Gianni, en La Comedia, Rodríguez Peña 1062, sábados y domingos a las 15 y 17. Entradas desde 35 pesos.

Una de Pescetti. El Grupo de Titiriteros del San Martín estrena Moc y Poc, de Luis Pescetti, con dirección de Román Lamas. Sarmiento, Av. Sarmiento 2715, sábados y domingos a las 16. Entradas, $ 15.

Títeres. El niño de arena, de la compañía Omar Alvarez dirigida por Rafael Curci, se presenta en el BAC, Suipacha 1333, los sábados a las 18. $ 30.

Comedia histórica. Estreno de Mondongo para Manuel, una mirada a la cocina de 1810. Dirigida por Fabián Uccello. En el Museo Saavedra, C. Larralde 6309, domingos, a las 16. $ 15.

Soñadoras. Cuatro amigas salen de paseo con su imaginación en Viajeras , escrita y dirigida por Ana Woolf. Hoy, a las 17, en el C. C. Plaza Defensa, Defensa 535. Entrada gratuita.

Fuente: La Nación

El Hombre Araña

El Hombre Araña ahora vuela en el Coliseo

Gastón Ricaud es el protagonista y Carlos Belloso hace del despiadado Duende Verde, en un montaje con acrobacia y escenas de acción

Como un niño feliz con su juguete nuevo, Carlos Belloso luce su flamante traje de bufón medieval, de color verde y violeta, y camina a paso lento por los pasillos del Coliseo, buscando aprobación. "Perdoname si no te saludé; no te había visto", le dice un asistente al actor, y él le retruca: "Dame otra excusa, porque así vestido es imposible no verme".

Belloso encarnará desde hoy al Duende Verde en El Hombre Araña, acción y aventura , el show oficial que Marvel, el imperio del cómic, realiza en América latina con una productora argentina (la misma que montó Hi-5 y Lazy Town ). Gastón Ricaud será quien interpreta a Peter Parker y a su álter ego arácnido y Brenda Gandini, a la frágil Mary Jane, y juntos vivirán una historia de amor en parlamentos pronunciados en neutro.

El Hombre Araña es un fenómeno que no se detiene. Hollywood anunció la cuarta entrega de esta historia para 2011 y en los primeros meses del año próximo se estrenará en Brodway una versión teatral con partituras escritas por la banda irlandesa U2.

Más en La Nación

El Hombre Araña, acción y aventura, con G. Ricaud.

Coliseo, Marcelo T. de Alvear 1125 (4816-5943). Sábados y domingos, a las 15 y a las 18. Desde 50 pesos.

El batacazo

Dos criaturas con entrañable humanidad

Mauricio Dayub y Osqui Guzmán le dan vida a una pieza que trata de torcerle el brazo al destino

"El espíritu vive del azar, pero ha de echarle mano", decía Elías Canetti. El muy difícil desafío que esta frase del Premio Nobel de Literatura 1981 propone al hombre como filosofía para intentar regular su destino, algunas personas lo aplican a ciertos tipos de juego. Los apostadores compulsivos que en las ruletas inventan martingalas y toda clase de cálculos para predecir la aparición de los números son un ejemplo de ello. Creen que en algún momento descubrirán un misterioso orden en la imprevisibilidad y lograrán vencerla.

Uno de los personajes de esta obra de Mauricio Dayub, el que responde al apodo de Cobra, pertenece a esa raza de los que buscan doblegar al azar con un golpe de suerte. Y para hacerlo confía en una extraña teoría: supone que cambiándole el polo de energía negativa a un jettatore obtendrá que, aquello que siempre se expresó como mala racha, se trueque en un magnetismo benéfico. Para eso trata de convencer a un camillero que lo ha atendido hace poco en un hospital, el Nene, alias también Yeta, de que lo acompañe al parque de diversiones donde trabaja para ver si logran acertar en un juego cuyo premio codicia.

Cobra y Yeta son dos desamparados del mundo, dos excluidos en la distribución de los panes y los peces, que como Vladimiro y Estragón esperan algo, en su caso un súbito y mágico reordenamiento de los signos provistos por los hados que los saque de su mísera vida. Son dos seres tiernos, deliciosamente patéticos en su ingenuidad. Cobra -así llamado no por la serpiente de la India sino porque en el parque grita: "Apueste y Cobra"- como resultado de la obstinada esperanza que le atribuye a su método, el Yeta por la absoluta seguridad con que diagnostica a los demás dolencias de denominación llamativa y poco probables ("Lo suyo es agenesia glútea", le dice al Cobra debido a la pequeñez de su trasero).

Más en La Nación

En el Chararerean Teatre. Nicaragua 5565. Viernes y sábados, a las 21; y domingos, a las 20.

Mandala y Edith Piaf

Circo negro

Hoy se reestrena Mandala , la compañía de circo negro de Mariana Sánchez (creadores de Mamushka ). Sábados, a las 21, y domingos, a las 20.30, en Ferrari 252 (4857-3934). De 20 a 25 pesos.

Edith Piaf cambia de horario

Los tiempos de Edith Piaf , la obra en la que canta y actúa Analía Caviglia, dirigida por Agustín Busefi, ahora sube a escena los domingos, a las 18, en Fray Mocho, Perón 3644 (4865-9835).

Iberescena en crecimiento

Finalizó ayer en Buenos Aires una nueva reunión del Consejo Intergubernamental de Iberescena, el Programa de Cooperación Iberoamericana que, anualmente, otorga ayudas a creadores de teatro y danza. Ahora están abiertas sus convocatorias en las áreas coproducciones, festivales, redes y salas, perfeccionamiento profesional en gestión y producción y creación dramatúrgica y coreográfica.

Fuente: La Nación

Carlos Portaluppi y Mabel Manzotti: La pipa de la paz

Un hijo de su madre... otra vez

Los actores volverán a reeditar el vínculo con el que brillaron en "Vidas robadas" con la obra "La pipa de la paz".

Hace dos años, a Mabel Manzotti le ofrecieron una obra donde los protagonistas son madre e hijo. "Me encantó, pero el problema era que no conseguía hijo", cuenta. Así que la dejó por un tiempo. Hasta que la convocaron para un personaje en Vidas robadas, la tira de Telefé donde le tocó interpretar a Amanda, la madre del fiscal Fabio que componía Carlos Portaluppi. La química entre ambos fue tan extraordinaria que la dupla resultó una de las grandes revelaciones de la telenovela que protagonizaba Facundo Arana. Ahí fue cuando Mabel, finalmente, encontró hijo para La pipa de la paz. La obra, escrita por Alicia Muñoz (la misma autora de Justo en lo mejor de mi vida) y dirigida por Guillermo Ghío, se estrena este miércoles en el Maipo Club.

En medio de un ensayo, Portaluppi y Manzotti demuestran que la relación entre ambos es tan estrecha fuera como dentro de cualquier ficción. Y se sacan chispas de manera desopilante. "Cuando yo le ofrecí hacer la obra a Carlos, él se llenó la boca diciéndome que no podía porque tenía otra obra pendiente para la que lo habían convocado", confiesa Mabel. "No, no digas eso, no fue así", retruca el actor, que inmediatamente recibe una réplica de tono tan maternal como: "Claro que fue así". La dupla está tan acostumbrada a transitar este vínculo que frente a alguien que no los conozca podrían pasar por madre e hijo verdaderos.

"Esta es una comedia dramática, con momentos muy conmovedores y hay mucha ternura en la relación, más allá de lo avasalladoramente hinchapelotas que puede resultar esta madre", define Portaluppi.

"Es simple", dice Mabel. "Todo el mundo va a saber de qué hablamos si te digo que en cualquier hogar del mundo, las nenas son del papá y los nenes, de la mamá".

Más en Clarín

El mate, Pintá tu aldea, El niño de arena, Juan sin miedo, Andantes rodantes, "La Aurora, chinita linda si las hay", y Tres para el té

El mate

sábado y domingo 16.30 TEATRO DEL NUDO, CORRIENTES 1551, 4373-9899, $25

Martín y Josefina intercambian regalos para festejar el primer mes de relación. Pero no todo saldrá como lo tenían planeado

Pintá tu aldea

sábado 16 TEATRO GARGANTUA, JORGE NEWBERY 3563, 4555-5596

Un espectáculo de cuentos con textos de Liliana Bodoc, Ziraldo y de tradición popular. Pensado para chicos a partir de 6 años.

El niño de arena

sábado 18 BRITISH ARTS CENTRE, SUIPACHA 1333, 4393-6941, $30

Un espectáculo solista, sin palabras. Una tierna historia de amor entre un hombrecito de arena y una romántica sirenita.

Juan sin miedo

sábado 17 LA NUBE, JORGE NEWBERY 3537, 4552- 4080, $15

Espectáculo de títeres a cargo de la compañía Patalarrastra. Titiritero: Hernán Cruz.

Andantes rodantes

sábado y domingo 17 CENTRO CULTURAL BORGES, VIAMONTE ESQUINA SAN MARTIN, $20, PLATEA NET 5236-3000

Después de ganar el Premio ATINA 2008 y el Premio Teatro del Mundo 2008, vuelve a escena esta obra de la compañía Sobran los Medios. Natalia Gorini y Nicolás Villamil, con Javier Zain en la dirección, interpretan este juego poético-musical, para todas las edades. Dos artistas ambulantes en busca de un público ausente.

La Aurora, chinita linda si las hay

domingo 17 NO AVESTRUZ, HUMBOLDT 1857, 4777-6956, $20

Un homenaje que se les rinde a los textos clásicos criollos argentinos (como el Martín Fierro, Don Segundo Sombra y Juan Moreira) creado especialmente para chicos por la Compañía El Globo.

Tres para el té

sábado y domingo 17 C.C. DE LA COOPERACION, CORRIENTES 1543, 5077-8077, $15

El mundo imaginario de Lewis Carroll es la fuente principal de esta obra que, desde una mirada actual, explora el universo creativo del autor, más allá de sus clásicos, como Alicia en el País de las Maravillas y Alicia a través del espejo.

Fuente: Clarín

"El Hombre Araña, acción y aventura", Playa bonita, y Moc y Poc

Tres estrenos tentadores

Son para todos los gustos: una gran producción con el héroe de historieta, lo último del Grupo Titiriteros del San Martín y lo nuevo de Hugo Midón.

A partir de hoy, chicos y grandes podrán disfrutar de tres estrenos muy atractivos: la superproducción local sobre el superhéroe creado por Stan Lee, El Hombre Araña, acción y aventura, lo nuevo del genial Hugo Midón, Playa bonita, y la última producción del Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín, Moc y Poc.

Con las actuaciones de Gastón Ricaud como Peter Parker/ Hombre Araña, Carlos Belloso como Norman Osborn/ Duende Verde y Brenda Gandini como Mary Jane Watson, la primera promete efectos especiales, proyecciones multimedia, dobles de riesgo y acróbatas.

Es así que los chicos serán testigos de cómo Peter Parker debe afrontar la gran responsabilidad que le dan sus poderes arácnidos. En la historia, de 70 minutos de duración, el protagonista deberá enfrentarse tanto a sus archienemigos, el Duende Verde y el Dr. Octopus, como a las decisiones de su propio corazón.

Se podrá ver hasta el 21 de junio, sábados y domingos en el Teatro Coliseo, Marcelo T. de Alvear 1125, 4816-5943, entradas desde $50.

Por otra parte, Hugo Midón, autor y director de joyitas como Vivitos y coleando, La Trup Sin Fin y Derechos torcidos, estrena su nuevo espectáculo, Playa bonita, siempre con música de Carlos Gianni. Atraído hacia el tema a partir de sus últimas incursiones en Brasil, Midón considera la playa "como uno de los lugares que, más o menos, se conservan como cuando yo era chico, sigue vigente la palita, el balde, el rastrillo, uno de los lugares donde las cosas perduran más allá de todo".

La playa como lugar de contacto con la naturaleza, como lugar de libertad, opuesto a las ciudades llenas de miedo. Pero también como un lugar encantador donde sucede de todo: lo desopilante, lo extraordinario, lo raro, lo imprevisto, lo mágico.

Claro que la suya es, sin dudas, una playa muy particular. Vendida a través de Internet, su "dueño" llega a tomar posesión y se encuentra con "cosas" que no estaban en la foto publicitaria: familias, chicos, vendedores. Indignado, comienza a hacer una especie de inventario, a contar los peces y nota que le faltan tres peces y arma un escándalo. Y como su novia es china y tiene conexión con la mafia china residente en Chapadmalal, los llama para que pongan orden...

Se podrá ver los sábados y domingos a las 15 y a las 17, en el Teatro la Comedia, Rodríguez Peña 1062, 4815-5665, $35.

Por último, el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín, que dirige Adelaida Mangani, interpretará Moc y Poc, una obra basada en el libro de Luis Pescetti Historias de los señores Moc y Poc, recomendada para niños a partir de los siete años.

Más en Clarín

Norma Aleandro

Norma Aleandro será la madre de su nuera

No siempre la ficción permite que una suegra se convierta en madre de... ¡su propia nuera! Pero en este caso, sí. Y ambas protagonistas están chochas porque tienen una excelente relación. Se trata de Norma Aleandro y Valeria Lorca, que protagonizarán la película Familia para armar, del director Edgardo González Amer.

El rodaje será principalmente en Pinamar y arrancaría a mitad de año. También forman parte del elenco Luis Luque y Juan Leyrado, entre otros. "Estoy encantada de trabajar con Norma porque nos llevamos bárbaro", cuenta Valeria. "Y me encanta mi personaje, una mujer que tiene una discapacidad. Me resulta un desafío". Valeria ya filmó otra película, El infinito sin estrellas, con el mismo director. La actriz —que está casada con Oscar Ferrigno, el hijo de Norma— también está participando en la tira Enséñame a vivir, que graba Pol-ka. "Ahí interpreto a una psicopedagoga que se ocupa de tratar al personaje de Violeta Urtizberea, que es como una Tarzanita, salvaje, que llega a la ciudad". Por su parte, Norma está por estrenar la obra de teatro Agosto.

Fuetn: Clarín

Luis Felipe Alegre y Carmen Orté

Operarios de la “máquina de trovar”

El actor y director Luis Felipe Alegre y la cantante Carmen Orté, que se presentan hoy en la Biblioteca Nacional y el domingo en El Crisol, rastrean las conexiones de la poesía entre América y Europa y su poder para disparar la interpretación.

Cuando la poesía es dominada por la palabra y el canto del juglar nacen agrupaciones como El Silbo Vulnerado. Dirigida por el actor y director Luis Felipe Alegre y la cantante Carmen Orté, esta compañía recrea en escena romances y canciones populares, poesía contemporánea y juglaresca. Se ha presentado en teatros y espacios no convencionales, y en países europeos y americanos, entre otros Argentina, donde en 1997 mostró espectáculos ambiciosos como Goya, poesía circundante y en 2005 Argentino hasta la muerte, homenaje al poeta y ensayista César Fernández Moreno. El Silbo reúne a artistas de distinto origen, algunos de larga trayectoria junto al grupo como el argentino Héctor Trillo, quien dirigió Goya...; Clásicos In Versos, Quevedo y Sátira, sátiro. El equipo –que además edita discos– ya mostró su repertorio en la Feria del Libro, el C. C. de la Cooperación y la Casa de Lectura, de Lavalleja 924. En diálogo con Página/12, Alegre y Orté, directores de El Silbo (que remite a un soneto de Miguel Hernández), sostienen que la poesía ocupa hoy un lugar destacado en la región a partir del impulso editorial de los ’80.

–¿Cómo surge el interés del grupo por la poesía latinoamericana?

Carmen Orté: –En mi caso aparece antes de El Silbo, porque ya había trabajado con argentinos y conocía el canto y la poesía de Atahualpa Yupanqui y el Martín Fierro, de José Hernández. En los ’70 había cantidades de argentinos en España, y en concreto en Zaragoza, donde yo estaba estudiando. En la ciudad había lugares donde se hacían reuniones y siempre encontrábamos a un argentino o a un uruguayo que cantaba. Aprendí canciones folklóricas y de cantautores y las incorporé a mi repertorio. Tengo formación musical desde muy niña, vengo de una familia que canta y para mí esto es algo natural, como para Luis Felipe la poesía.

Luis Felipe Alegre: –El interés surge con la lectura. El idioma nos relacionaba; leíamos a Neruda y necesitábamos saber quién era, de dónde era. En esos años llegaron músicos y poetas singulares, como Mario Trejo.

C. O.: –Nos entusiasmábamos con los temas de Zitarrosa, Eduardo Falú, José Larralde, Horacio Guarany, Alberto Cortez... Tenían su público, y llenaban. Yupanqui fue muy versionado por algunos grupos de jóvenes.

L. F. A.: –Descubrimos la payada, una forma de cantar razonando.

Más en Página/12

Lorenzo Quinteros

Actor por vocación y pasión

En estos momentos trabaja en la escena oficial (en el San Martín y en el Cervantes), en la escena alternativa y está de gira por el interior con Final de partida

Tres producciones teatrales y una pequeña gira por el interior del país fueron, en los últimos meses, el centro de la actividad del actor y director Lorenzo Quinteros.

En algún momento se sintió algo estresado pero, en verdad, el placer de componer al Hum de Fin de partida, de Samuel Beckett (en gira); empezar a adentrarse en la piel del marqués de Sade de Marat-Sade, de Peter Weiss en el San Martín y dirigir a Víctor Laplace, Claribel Medina y Rafael Bruza en el Cervantes (el elenco de Tango turco, pieza del mismo Bruza) y estrenar La pecadora, de Adriana Genta, también como director, le posibilitaron reconocer que su vida laboral había cambiado.

Es que durante casi diez años estuvo al frente del teatro El Doble, donde combinó la creación con la pedagogía; eso lo mantuvo un tanto al margen de otros espacios de trabajo. Finalizada aquella etapa, parecería estar refundando su carrera y, por eso, no puede causar sorpresa que pase del circuito independiente al oficial mientras realiza algunas apariciones en la televisión.

El mismo Lorenzo Quinteros lo explica: "No extraño El Doble. Lo dejé cuando cumplió su etapa. Disfruté muchísimo esos años, con obras que no hubiera podido hacer ni el medio oficial ni el comercial. Fue una gran necesidad personal. Pude juntar la parte pedagógica, la actuación y la dirección en un mismo ámbito. Pero después se transformó en un bunker, en un encierro. Pasé años enteros sin trabajar en el medio. Bastó para decir: «Voy a dejar El Doble» para que me llamen de todos lados, incluso de la televisión. Y si bien es lindo concentrarte en tu trabajo, también se da que extrañás la itinerancia del actor: ir de un teatro al otro, de un elenco a otro, actuar y ponerte al servicio de otro director. A mí me gusta mucho que me dirijan, además. Y ahora todo eso ha vuelto a pasar".

Y tan vertiginosamente que, desde hace un mes y medio, no hace más que dedicarse al teatro. "Toda mi vida social se terminó -explica-, no leo ni los mails. Pero lo peor fue cuando aun no habiendo terminado de hacer funciones de Beckett, me propusieron hace el texto de Weiss. Tenía en mi cabeza a dos personajes enormes: Hum y Sade. Dos letras sumamente complejas."

Cuando se le propone a Quinteros un recorrido por estas producciones, asoma de inmediato una clara realidad. Ningún proyecto se parece al otro y, sin embargo, en todos asoman -en tono de comedia o drama- seres apasionados que buscan torcer su destino o el de la humanidad, así de enorme es el marqués de Sade.

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Marat-Sade y su próxima parada

La última habitación (El despertar de Clara)

Humor, ternura y realismo mágico, con el sello del clown

Hace dos años, cuando Walter Velázquez hojeaba el diario en España, una noticia lo conmovió: una mujer, Christa Lilly, se despertó durante tres días de un largo coma, se abrazó a su familia, saboreó un lemon pie , y regresó a sus sueños, en aquel universo misterioso.

Este actor, dramaturgo y, sobre todo clown, tomó aquella historia para elaborar la obra que mañana estrena, La última habitación (El despertar de Clara) , en la que vuelca su aporte a esta técnica, que se siente orgulloso de representar. "Quería que el clown pudiera narrar, sin su nariz característica, siempre conservando esa esencia cómica, en una pieza en la que además aparecieran elementos del realismo mágico", cuenta Velázquez, que además es coach de actores y entrenó, por ejemplo, a Alejandro Páker, para Pepino el 88 , en el Alvear, para la que también fue convocado como actor.

El artista reparte el año entre la Argentina y España, donde dicta clases de clown y dirige. En sus estadas en nuestro país investigó el tratamiento que las obras sociales y prepagas les brindan a sus pacientes en estado de coma. Luisina Di Chenna, Gabriel Páez, Maximiliano Trento, Sol Lebenfisz, Flavia Salto, ex alumnos de Velázquez, quienes aportaron con sus creaciones al guión de la obra, le dan vida a esta pieza, que utiliza, en múltiples versiones, la canción "Over the Rainbow" como telón de fondo.

"Quise narrar una historia, con la ternura del clown, que fuese simple de entender, pero compleja de vivir, y en la que el público se riera mucho", resume.

Para agendar

La última habitación (El despertar de Clara), de Walter Velázquez

Belisario, Corrientes 1624 (4373-3465). Viernes, a las 23. $ 25.

Fuente: La Nación

Midachi de película, Vedettísima, La fiesta está en el Tabarís, Más respeto que soy tu madre, Baraka, Lutherapia, Gorda, Pura ficción, y otras

Un feriado con muchas propuestas

El 1° de Mayo contará con una programación nutrida de shows y obras de teatro; abrirán algunos cines

Mañana no habrá edición impresa de LA NACION por celebrarse el Día del Trabajo, pero la jornada del 1° de Mayo contará con una nutrida agenda de conciertos, algunos de los cuales destacamos a continuación.

En materia de cines estarán abiertas las salas de las cadenas Village, Cinemark (con excepción del Cinemark San Justo) y Showcase y permanecerán cerrados los Hoyts. En el teatro, en tanto, se desarrollarán con normalidad Midachi de película (Maipo), Vedettísima (Liceo); La fiesta está en el Tabarís y Más respeto que soy tu madre (Metropolitan). En cambio estarán cerradas las salas oficiales y tampoco se exhibirá El fantasma de la ópera

Teatro

* Circuito oficial, ni el Teatro Nacional Cervantes ni las salas que integran el Complejo Teatral de Buenos Aires ofrecerán funciones.

* Circuito comercial, como si no se tratase de un feriado, las principales obras y revistas de la avenida Corrientes y alrededores recibirán al público. Más respeto que soy tu madre , con Antonio Gasalla, en el Metropolitan, donde también se presenta Baraka ; Lutherapia , de Les Luthiers, en el Gran Rex; Los Midachi, en el Maipo; Gorda y Pura ficción , en Paseo La Plaza; Por el placer de volver a verla y La forma de las cosas , en el Multiteatro; así como Vedettísima , en Liceo, y La fiesta está en el Tabarís, se representarán como cualquier viernes. La única excepción es El Fantasma de la Opera , cuyo elenco descansará mañana.

Fuente: La Nación

Ley de Teatro Independiente

Ley para el teatro independiente

Se presentó un proyecto que contempla el trabajo de dos mil grupos teatrales y la apertura de salas.

En la Casa de la Provincia de Buenos Aires se presentó el proyecto de Ley de Teatro Independiente. En el acto participaron, entre otros, Juan Carlos Gené, Arturo Puig, Cristina Banegas, Tito Cossa, Raúl Brambilla, Lino Patalano, Carlos Rottemberg, Víctor Laplace y Nora Cárpena.

Uno de los impulsores de la ley fue Lito Cruz, director de la Comedia de Buenos Aires, quien señaló que "la Ley Nacional de teatro hizo que se duplicara la cantidad de salas y que surgieran nuevos actores, directores. Con esta ley provincial se contemplará puntualmente el trabajo de unos dos mil grupos que involucran a 2 millones de espectadores por año; 1.500 estrenos anuales y 600 salas. Todo esto conforma un impacto social muy fuerte. La ley propone que el teatro no sean solamente los espectáculos, sino que, además, se debe incorporar un trabajo que apunte a crear un diálogo con las familias de los barrios luego de cada función."

El proyecto fue aprobado por el gobernador de Buenos Aires y espera ser sancionada por la Cámara de Senadores para que se convierta en ley. "Los tres puntos fundamentales de la ley -dice Lito Cruz- son la creación de un Consejo provincial, donde estarán representados las 15 regiones de la provincia de Buenos Aires. Por otra parte, el Consejo va a manejar el dinero proveniente de un 8,25 por ciento de los fondos de la Loteria de Buenos Aires, que significa cinco millones de pesos anuales. Este dinero será destinado al mantenimiento de las salas. Queremos que estén abiertas y tengan programación todo el año, y para eso es fundamental equiparlas. Otra parte del dinero será para la creación de grupos y el apoyo al teatro comunitario, que tiene un protagonismo destacado en la provincia. El tercer aspecto de la ley será fomentar el teatro en varios lugares de la provincia y hacer convenios con los municipios. Con respecto al Consejo, que representará a la provincia, será compuesto por 15 integrantes, más el presidente y un representante de Cultura de la Provincia. "

Fuente: Clarín

El beso de la Mujer Araña

Tortonese cantará un bolero a capella

Todas las tardes, Humberto Tortonese, Martín Urbaneja y el director Rubén Szuchmacher se reúnen en una casona de Palermo para ultimar los detalles de El beso de la Mujer Araña, la obra de Manuel Puig que estrenan el 7 de mayo, en El Cubo. Allí, Humberto cantará a capella un bolero de Mario Clavell, Mi carta, que da inicio a una de las escenas de la obra. Esta es la primera vez que el trío comparte un trabajo. ¿Unos datos? Martín filmó este año Dormir al sol, de Adolfo Bioy Casares. Y Szuchmacher dirige su versión de Rey Lear. Pero eso es otra historia.

Fuente: Clarín

Mi vida después

Padres nuestros

Seis personajes en busca de las biografías de sus padres. Una puesta en escena de la vida cotidiana bajo el terror de la dictadura. Documentos personales leídos en vivo como testimonios de la memoria colectiva pero altamente subjetivada. Todo esto y más sucede en Mi vida después de Lola Arias, último eslabón de la serie Biodramas que se proyecta en el Teatro Sarmiento del Complejo Teatral de Buenos Aires.

Mi vida después, de Lola Arias, fue la última obra programada por Vivi Tellas como directora del Teatro Sarmiento dentro de su serie Biodramas, obra que hace saltar la serie al mismo tiempo que la radicaliza del lado de la autobiografía y el testimonio en clave de “ficción real”. En el proyecto original, Vivi Tellas hacía esta declaración de guerrilla estética: “Biodrama se inscribe en lo que se podría llamar el retorno de lo real en el campo de la representación. Después de casi dos décadas de simulaciones y simulacros, lo que vuelve en parte como oposición, en parte como reverso es la idea de que todavía hay experiencia, y de que el arte debe inventar alguna forma nueva de entrar en relación con ella. La tendencia, que es mundial, comprende desde fenómenos de la cultura de masas como los reality shows hasta las expresiones más avanzadas del arte contemporáneo, pasando por la resurrección de géneros hasta ahora ‘menores’ como el documental, el testimonio o la autobiografía. El retorno de la experiencia lo que en Biodrama se llama ‘vida’ –es también el retorno de Lo Personal. Vuelve el Yo, sí, pero es un Yo inmediatamente cultural, social, incluso político”.

Mi vida después, una suerte de Vidas paralelas vividas durante los años de dictadura militar en la Argentina, tiene seis personajes que actúan como bastoneros de las biografías de sus padres: un ex sacerdote que dejó los hábitos, tres militantes de Montoneros, un sargento del ERP, un policía de inteligencia y un empleado de banco. La primera novedad de la obra es ponerlas simultáneamente en primer plano como un retrato coral de la vida cotidiana bajo el terror. El secuestro y la desaparición de dos padres, Horacio Speratti y Carlos Crespo, no juega como un subrayado en el relato de los hijos ni con mayor protagonismo en la obra total. Blas Arrese Igor, haciendo de su padre cura, dice: “Se suspende la clase de teología porque echaron al padre Podestá porque colaboraba con los obreros y tenía novia”, Pablo Lugones haciendo del suyo, un empleado bancario, dice: “Vuelvo a casa del trabajo en un colectivo. Las calles están cortadas por una manifestación. Me bajo y camino las veinte cuadras que me separan de casa”.

Lola Arias, también directora de la obra, ha pensado una puesta llena de lo que podría llamarse “recursos generacionales”, como la cámara de video, las técnicas del clown y la parodia, en este caso la de un guión de fotonovela: contra una enorme pantalla sobre la que se proyecta su propio rostro, Liza Casullo recita la propuesta matrimonial de Nicolás Casullo a Ana Amado, sus padres, luego de una amenaza de la Triple A:

“Mi padre: Recibí una nota con una amenaza de muerte.

Mi madre pestañea y abre los ojos.

Mi padre: ¿Querés casarte conmigo?

Mi madre pone cara de robot. Mi padre se acerca a ella. Los dos en primer plano se besan durante siete minutos y medio”. Los parlamentos de Mi vida después no se pueden reducir a su origen documental y producto de una investigación: sintetizados y reelaborados por los hijos-actores, son, sin embargo, la obra de una autora que ha anotado lúcidamente en su diario “No quiero que Mi vida después sea melancólica ni panfletaria”.

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Reflejos

El sudor de tu frente

Las competencias entre compañeros, los odios silenciados, los problemas personales, las disputas de poder, las mezquindades: en una puesta al servicio de las miserias en el mundo laboral, Reflejos de Matías Feldman expone los mil destellos y chisporroteos de una oficina hasta que todo arde y estalla.

Reflejos es una obra simple, pero tampoco tanto. Como la palabra que da título sugiere, la obra nos brinda una imagen de sí misma fácilmente comprensible, identificable, una historia iluminada como una serie de HBO; pero hay que desconfiar, esa imagen es engañosa, el reflejo no es fiel por definición, hay diferencias entre lo que se muestra brillando en la superficie y lo que se gesta lentamente por debajo. Reflejos es así, aunque es cierto que su apuesta es por cierta simplicidad. El camino personal y diverso que llevó a Matías Feldman desde Schultzundbielerundsteger (una de sus primeras puestas) hasta aquí, habla de un despojamiento. No estamos, como en aquel caso, ante un policial híper opinado, paródico y racional. Con Reflejos su destreza dramatúrgica está puesta al servicio de la fluidez del relato. Todo va hacia delante, rápido, en un caudal de acontecimientos banales, un universo no demasiado inteligente ni virtuoso, y por eso mismo reconocible y mucho más interesante.

Nos metemos de lleno en un mundo laboral. Los trajes gris acero, las camisas almidonadas, los cafés tomados en envases térmicos serían la primera capa de sentido que revela la opresión de los personajes. Una oficina –no sabemos nunca de qué– donde cuatro empleados danzan, por así decir, el baile de la empresa: ascensos, personas bien vistas o indeseables a los ojos de los “de arriba”, competencias desleales, camaradería, despedidos. Palabras por el estilo. Pero hay un suceso puntual. El que sería el jefe de recursos humanos, Francisco Gámez, debe decidir quién asumirá la subdirección entre dos opciones: Federico Guzmán, que es el favorito para el puesto, pero es la actual pareja de su ex Florencia Pelaia, que también trabaja ahí, o Lucrecia Morgan, tan buena como Federico, pero detestada por todos y con razón. Morgan es desagradable, no hace ningún tipo de concesión a la urbanidad y demuestra permanentemente el asco y la superioridad que siente hacia quienes la rodean. El ascenso será el nudo donde todos los personajes queden atrapados, en especial Francisco, que además de tener que tomar esa difícil decisión que implica una contradicción entre lo personal y lo profesional, vive en su casa otra situación igual de enloquecedora. Su madre comienza a tener accesos oraculares y lo que dice en esas visiones proféticas lo involucra de lleno.

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Boedo Antiguo

En el marco del Festival organizado por el centro de estudiantes de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires, el grupo de teatro comunitario y callejero Boedo Antiguo dará una función de su obra homónima. Se trata de una mirada sobre la historia del barrio de Boedo y un homenaje a los caidos en la Semana Trágica de 1918.

La cita es el próximo sábado 2 de Mayo, a las 18.30, en el estacionamiento ubicado en Marcelo T. de Alvear y Uriburu. Como parte del festival, desde las 14 se podrá visitar la Feria de productos de cooperativas ecuperadas.

Oski Guzmán: Somos nosotros y El batacazo

“Improvisar es animarse a volar”

Hace diecisiete años que Guzmán está relacionado con el teatro de improvisación, lo cual –asegura– le enseñó que “en la improvisación no podés prever las reacciones del público, tenés que ver de qué se trata cada noche, qué es lo que hay para contar”.

“Yo hacía kung fu, quería ser instructor de kung fu y estudiar traumatología, porque me iba a servir para practicar y lo iba a necesitar seguro. ¡Era el negocio redondo!”, confiesa Oski Guzmán a Página/12, y cuenta que “en la secundaria leía las revistas de Bruce Lee y otras, y cuando entré al Conservatorio todo eso me sirvió de una manera increíble: yo no había estudiado nunca teatro, no había visto nunca teatro, no tenía ningún contacto. Pero me enteré de que en el Conservatorio de Arte Dramático había una materia que se llamaba Violencia en escena y dije: ‘Esto es lo mío’, y fui por esa materia. Era muy loco, porque yo entré sin saber bien por qué lo había hecho. Me sentía rarísimo; de hecho, el primer año reprobé”, ríe mientras recuerda el ahora actor, alejado de los domos y sobre las tablas, que incluye su participación en Somos nosotros, con el Grupo Qué Rompimos, y El batacazo, junto a Mauricio Dayub.

Para Guzmán, aquellos eran años en los que se le abría un mundo que desconocía pero que ya intuía podía ser el suyo: “Yo no entendía nada. Los seguía a mis compañeros al Rojas, a Babilonia. Admiraba porque admiraban ellos, iba porque iban ellos. Y tengo las impresiones más fuertes de ver a Los Macocos y al Puma Goity en el Rojas, a Martínez Bell también ahí. A Batato en Babilonia, las Varietés de Clown, ir a la Verdulería, que quedaba en Riobamba, haber visto a Los Auténticos Decadentes cuando salían a la vereda a buscar gente”. “Siempre el cuerpo antes que la cabeza. Y tengo la costumbre de ver la vida así. Siempre primero besé por besar, y después resulta que me gustó... y me casé. Y llevo casado ya siete años. Y decía que no me iba a casar ni loco...”, concede.

–¿De qué se trata Somos nosotros?

–Es un trabajo de improvisación que estrenamos para Teatro por la Identidad hace un par de años. Las historias surgen a partir de nuestra propia vida, porque improvisamos a partir de fotos familiares: cada uno tiene su back-up de fotos que bajamos en un formato sin-fin de video y queda como un gran álbum familiar de todos juntos, que se va proyectando, y en un momento se detiene en cualquier foto, y del que sale dice “mía” y cuenta algo de algún personaje que esté ahí. Un tío, un primo, padrino, amigos de la primaria, de la secundaria... hay de todo. Y al mismo tiempo jugamos con el nombre del público. Y el azar hace que siempre conozcamos a alguien con ese nombre. A partir de esas historias es que se hacen las improvisaciones. Las historias arrancan y concluyen de una manera muy fluida, como si hubiera habido un paréntesis en el presente: de repente surge la ficción, y de repente se fue.

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Teatro Nacional Cervantes

Obras de restauración

El Teatro Nacional Cervantes se encuentra en etapa de restauración y puesta en valor tras el acuerdo entre el Estado nacional y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aecid), que llamará a un concurso privado de empresas para seleccionar la que se encargará de los denominados “estudios previos”. Según la Secretaría de Cultura de la Nación, la Aecid “ha previsto un desembolso de hasta 300 mil euros para esta etapa”. Además, se señaló que la entidad contrató a la arquitecta española Alejandra Collado, “quien ya está trabajando en el teatro, en conjunto con los arquitectos de la Dirección Nacional de Patrimonio y Museos de la Secretaría de Cultura de la Nación”. El proyecto integral contempla la restauración, puesta en valor, actualización tecnológica, refuncionalización y ampliación del edificio. Por otra parte, el teatro será escenario mañana de una nueva presentación de la Orquesta Juan de Dios Filiberto, que realizará un repertorio de tango y folklore con las actuaciones solistas de los cantantes Guillermo Galvé y Ramón Ayala y el bandoneonista Néstor Marconi.

Fuente: Página/12

Karina K: Souvenir

La historia de una diva freak

La multifacética Karina K protagoniza este musical centrado en la figura de Florence Foster Jenkins, considerada la peor cantante lírica de la historia

La popularidad de Barack Obama se ve amenaza en estos días. Alguien le hace sombra. La culpable es una mujer madura, hasta hace poco una perfecta desconocida, que causa en todo el mundo una mezcla de estupor, gracia y admiración. La escocesa Susan Boyle participó de la nueva edición de Britain Got Talent (el mismo programa que aquí se vio como Talento argentino ) y, desde entonces, su voz e imagen baten récords en YouTube. Pero antes de Boyle, hubo una verdadera diva freak de la canción, cuyo mayor atractivo residía, paradójicamente, en su escaso talento musical: Florence Foster Jenkins.

La historia de aquella millonaria norteamericana, la peor cantante lírica de la historia, según el Diccionario Grove de la música y los músicos, que vivió entre 1868 y 1944, inspiró a Stephen Temperley para escribir Souvenir , una obra que se estrena el miércoles de la semana próxima en el Regina, dirigida por Ricky Pashkus. El realizador debió enfrentarse a dos desafíos. El primero, encontrar una Florence: una artista que le pudiera dar vida a una mujer longeva y que cantara muy bien para poder desafinar tanto. El segundo, hallar a un actor y pianista para que acompañara a la protagonista.

Karina K es una de las máximas figuras de los musicales vernáculos. Esta completísima artista brilló en Cabaret como la oscura Sally Bowles; se colgó de un aro a muchos metros de altura para interpretar una dulce melodía en un tutú rosa en Pepino el 88 , y encarnó el papel nominado al Oscar de Lesley Ann Warren en Victor Victoria . Pero nunca, en sus largos años de carrera, había tenido la oportunidad de ser la protagonista de una obra.

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Ley de teatro independiente

Proyecto para el teatro

Ayer, en la Casa de la provincia de Buenos Aires se presentó un proyecto de ley de teatro independiente que se enviará a la Legislatura provincial. El proyecto supone la creación de un fondo especial para impulsar la actividad teatral.

Fuente: La Nación

Bernardo Cappa: Los Rocabilis y Amor a tiros

“El teatro es un espacio poético”

Figura clave de la escena alternativa, abandonó las formas tradicionales de la escritura para privilegiar el trabajo de improvisación con los actores. Prueba de este cambio de perspectiva son sus dos últimos espectáculos: Los Rocabilis y Amor a tiros.

Nacido en Bahía Blanca en 1969, prolífico como pocos, Bernardo Cappa dejó la actuación para dedicarse de lleno a la dirección de sus propios textos, que produce sin pausa desde hace algo más de una década. Las obras que lo hicieron conocido en el ámbito del teatro alternativo lograron distinguirse de las escritas por dramaturgos de su misma generación, tal vez por haber sido compuestas desde un singular lirismo, lindante con lo barroco, como ocurre en sus obras Olvido, Herida o Pradera en flor. Críptico y experimental, Cappa también produjo obras como La res o Coágulo. Tiempo después, la comedia –de enredos lingüísticos, como en El aliento y “de puertas”, como en La funeraria– fue el formato que eligió privilegiar. Pero los modos de concebir sus obras ya no son los mismos: Cappa parece haber abandonado las formas tradicionales de la escritura para volcarse de lleno a concretar sus piezas tomando en cuenta, a rajatabla, el trabajo de improvisación con el actor: “Ya no escribo antes de comenzar los ensayos –confirma en una entrevista con Página/12– sino que ahora, lo que queda escrito en el papel es una traducción de lo escrito en el escenario”, afirma el autor.

En estos días, dos obras suyas subieron a escena: Los Rocabilis, en el Abasto Social Club (Humahuaca 3649), y Amor a tiros, en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960). Dos comedias jugadas: en el primer caso, por un grupo de músicos de rock que vuelven al que fue su colegio secundario 18 años después de recibidos, para ofrecer un recital. Actúan Aníbal Gulluni, Pablo Navarro, Fabricio Rotella, Martín de Goycoechea, Adrián Galo Ontivero, Sebastián Mogordoy, Maia Lancioni y Mariano Clemente. En el segundo caso, Lorena Vega, Celina Font y Sebastián Mogordo abordan situaciones de humor a partir del operativo policial que involucra a un cabo y dos agentes femeninos, un trío que aparece, a su pesar, entrelazado sentimentalmente. Si en Los Rocabilis los personajes “habitan sus soledades con la metáfora del rock como ideología vencida”, en Amor a tiros queda “la resaca amarga de haber mezclado sentimientos”.

–¿Cómo describiría los cambios operados en su dramaturgia?

–Ya no escribo antes de comenzar los ensayos. Nos hemos encontrado un grupo de actores, lo cual genera un gran conocimiento previo. Entonces les comunico una imagen y si bien ese primer estímulo no se convierte en obra sino que se transforma, esa primera imagen cede a la lógica de los ensayos. Esta forma de trabajo hace que ya no me preocupen los procedimientos lingüísticos sino la fidelidad a lo que demanda la escena. Esto me ocupa totalmente: sé que debo estar muy atento a lo que sale y eso es una gran responsabilidad porque debo decidir lo que sirve y lo que no.

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Teatro Nacional Cervantes

Operativo salvataje del Cervantes

El rescate es lento y no podrá estar listo para el Bicentenario, a pesar de los esfuerzos españoles

Toda noticia tiene, por lo menos, un lado bueno y otro malo. Comencemos por los malos, ya que estamos más acostumbrados: más allá de la promesa del gobierno nacional y de la voluntad expresada por el gobierno español, la puesta en valor del Teatro Nacional Cervantes no estará lista para el Bicentenario. La buena es que gracias a un acuerdo entre la Secretaría de Cultura que preside José Nun y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aecid) se constituyó una comisión mixta que, en estos momentos, trabaja en la elaboración de un minuciosa radiografía del edificio, que incluye la elaboración de planos, trabajos de cateo, estudios acústicos, confección de inventarios, estudios de higiene y seguridad laboral, análisis de la fachada y demás tareas.

Dicho trabajo se realiza según la legislación española y, como explica la arquitecta María de las Nieves Arias Incollá, directora nacional de Patrimonio y Museos, el estudio cuenta con el absoluto apoyo de la Comisión Nacional de Monumentos Históricos. Dicha comisión, por ley, es la que debe aprobar todo trabajo que se realice en un edificio declarado de valor patrimonial, como el Cervantes.

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Un pequeño intento de hacer futurología

Martín Urbaneja

Un "Chiquito" que ha crecido

Acabás de ser nominado como revelación del 2008 para los premios Trinidad Guevara. ¿Te tomó por sorpresa?

Realmente sí. Yo hago la obra Chiquito, que escribió Luis Cano, en La Carbonera. Es un papel muy intenso y parece que dio sus frutos: interpreto a un chico apropiado durante la dictadura.

En mayo estrenás "El beso de la mujer araña", con Humberto Tortonese, en el Cubo. ¿Cómo resultó el cruce en escena?

Nunca trabajé ni con Tortonese ni con el director, Rubén Schumacher, y fue un cruce explosivo. A los 28 años, es un honor para mí cruzarlos en mi camino y poder vivir de esto.

Fuente: Clarín

Intemperie

Una tarde que transcurre como tantas en una plaza pública, ella y él se encuentran. Ella persevera en su deseo de ser elegida. Él se mantiene constantemente viajando para soportar su soledad. Ese encuentro los hará otros. La obra "Intemperie", basada en “El Square” de Marguerite Duras, cuenta con la dirección de Claudia Carbonell y las actuaciones de Georgina Rey y Fernando Armani.

El espectáculo recibió el Premio Teatro del Mundo en las XIV JornadasNacionales de Teatro Comparado, y el Premio Producción Teatral 2006 otorgadfo por el Instituto Nacional del Teatro.

Desde el 9 de mayo, todos los sábados, a las 21, en El Patio de Actores, ubicado en Lerma 568, CApital Federal. Entrada: $ 30. Reservas al 4772-9732.

Lutherapia

Les Luthiers brilló, una vez más, en la calle Corrientes

El inicio de la segunda temporada de "Lutherapia" colmó un teatro de la avenida Corrientes para que el conjunto Les Luthiers ratifique una vez más su estatura de vigente clásico de la cultura argentina.

Aunque la agrupación fundada en 1967 concita la adhesión instantánea de un público fiel que se regocija ante la posibilidad de disfrutarla, no se duerme en esos merecidos laureles y, en cambio, sigue entregando una impronta notable.

Las elogiosas críticas que "Lutherapia" cosechó desde fines de abril de 2008 a raíz de esta propuesta en que sus integrantes son responsables del texto, la dirección y la interpretación, permiten apreciar cómo una fórmula probada puede recrearse eficazmente.

Con un componente más teatral para hilar el concepto del espectáculo, el divertido cuento se dispara desde los inicios de una sesión de terapia a cargo del analista Murena (Marcos Mundstock) quien atiende al angustiado Ramírez (Daniel Rabinovich).

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Horacio Peralta: El titiritero

La fórmula de la fantasía

El artista cuenta su historia, que es precisamente el material que nutre su espectáculo El titiritero, guiado por “un mensaje de amor infinito”. El creador de la compañía Bululú Théâtre lo presenta los fines de semana en el Centro Cultural de la Cooperación.

El ingreso al taller de Horacio Peralta es siempre festivo: a quien se asome lo recibe su perra Flaqui, negra como el carbón, vivaracha como el fuego. También, una decena de títeres nacientes, algunos rostros de yeso aún blanco, otros de trapo y un esqueletito divertido colgando de una repisa. Y, claro, la amabilidad de un café. En ese reducto porteño, repleto de dibujos, tablas y una computadora desde la que Horacio muestra sus fotos y cortometrajes –faceta que continúa desarrollando–, el juglar se mueve como un científico en su laboratorio: dicen que tiene la fórmula de la fantasía y, él lo insinúa, dio con ella de forma providencial. “Sucedió una cosa rarísima. Varias personas y experiencias que me fueron sucediendo complotaron para que yo me hiciera titiritero”, afirma. O tal vez exista una Gran Mano que hace bailar a las gentes según Su antojo. Nadie lo sabe. Pero cuando Peralta retrocede unos cuantos pasos en su memoria, imposible no tenerlo en cuenta.

Horacio tiene 56 años; nació y vivió hasta la adolescencia en Ramos Mejía, en un chalet que sus padres alquilaban y que hace cuatro años utilizó de escenario en La casa, una de sus incursiones cinematográficas; estudió teatro con prestigiosos maestros (Norman Briski, Víctor Bruno, Alejandra Boero y Martín Adjemian); fue secuestrado y detenido en la ESMA por 55 días durante la última dictadura militar; y vivió el exilio primero desde Panamá, luego en Costa Rica, y, un año y medio después, subido a la Torre Eiffel. Allí creó la compañía Bululú Théâtre, que realizaba espectáculos de títeres sobre los subtes, de estación en estación. Precisamente, comiendo queso y tomando vino en París germinó, también, El titiritero, obra que se puede ver los sábados a las 23.30 y los domingos a las 19.30 en la Sala Raúl González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543).

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Titulares (La voz del pueblo)

La década infame de Botana

Alejandro Awada y Ana Yovino ponen el cuerpo a dos criaturas pasionales

Titulares no sólo narra un intenso tramo de la vida del periodista Natalio Botana, sino que, con él, también hace una pintura de época de la Buenos Aires de los años 30. Y precisamente en estos dos aspectos está lo mejor de la propuesta del director José María Paolantonio. Por un lado, el excelente trabajo actoral de Alejandro Awada, que se mete en la piel del creador del viejo diario Crítica, con una energía avasalladora que lo ayuda a ponerse al hombro una obra de casi dos horas de duración. Y por el otro, está el recorrido histórico que aparece en escena a través de diálogos, personajes y hechos puntuales, así como en los titulares (por medio de un muy buen recurso) de ese diario que supo virar y acomodarse de acuerdo con quién estaba en el poder.

Si bien es cierto que justo este punto no está del todo bien desarrollado -sólo se hace foco en el íntimo vínculo con el general Agustín P. Justo- sirve para mostrar, aunque sea superficialmente, este aspecto de la vida de Botana, que lo convirtió en un hombre controvertido, contradictorio, querido y odiado casi por igual.

De todas maneras, ni el libro de Bernardo Carey ni la puesta de Paolantonio apuntan a ser una biografía palmo a palmo de este hombre. Es un somero recorrido que plasma su pasión por el éxito y por las otras pasiones que lo llevaban de la nariz, como la que lo ataba a su mujer, Salvadora Medina Onrubia, con quien se disputaba el amor (la educación, la crianza) del hijo de ella -adoptado por él-, Pitón. En ese triángulo de afectos fuertes, está el núcleo de esta historia, y los tres actores que tienen la responsabilidad de llevarla adelante están a las alturas de las circunstancias. Como ya se dijo, Awada se mueve con comodidad entre la dureza del hombre de negocios -que sabe perfectamente a dónde quiere llegar- y el amor que le despiertan su mujer (sentimiento con muchos altos y bajos) y su hijo (uno incondicional). Ana Yovino vuelve a demostrar que es una actriz versátil y llena de sutilezas lo que le ayudan a darle espesor y volumen a su criatura, que tiene un recorrido amplio en el que siempre está esa matriz de mujer fuerte y rebelde. Emiliano Dionisi pinta muy bien a su Pitón, alocado y caprichoso, pero hay algo en la dirección que no lo ayuda a superar cierta macchietta que en el momento del drama le juega en contra. De todas formas, su trabajo físico y expresivo es muy bueno, sobre todo en las escenas de baile y fiesta.

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Juan Acosta

Juan Acosta: "Soy un inteligente que no ejerce"

Especialista en quedar mal con los grandes de la tele (Suar y Yankelevich, por caso), dice que cada vez que mira la pantalla piensa que él podría hacerlo mejor. Ahora está en teatro y planea un ciclo en San Luis.

Al teléfono suena como despechado, onda ah, se dieron cuenta de que soy gracioso. Y sí, en plan monólogos & stripper (shhh) es gracioso. Muy. Pero se lo escucha despechado. "A veces, tirado en casa y viendo la tele, pienso que yo podría hacerlo mejor, pero no sé..."
Todo bien con el resentimiento, eh. Como dicen Fishbein y la profesora Esperanza Casullo, sólo los resentidos pueden cambiar el mundo.
Entonces soy un sociólogo del resentimiento.
Este mediodía, Juancito es un gorila maquillado. Cómo decirlo. Acosta, el Naboleti de Gasalla, el hombretón que parece un pilar de los Wallabies, tiene las uñas pintadas de blanco y negro. Sus dedos se mueven y metés un zoom entre la muñeca, las falanges, las uñas. Acosta habla y sólo ves el fragmento de una segunda existencia. Un par de manotas pintarrajeadas. ¿De qué hablará? Cuesta, porque pensás que esas manos no podrían ser las de Marilyn Manson ni las de Marilyn Monroe ni las de Charles Manson. "¡¿Las uñas me mirás?!"
Sí, perdón, pero parecés el Puma Goity mostrando su lado andrógino.
Me confunden con el Puma. Y a él lo confunden conmigo. Una vez me contó que cuando firmó el primer autógrafo le pidieron que abajo pusiera Naboleti.
Y ponete de perfil, Juan. ¿Así no tenés algo de Pagani?
Horacio Pagani. ¿Vos sabés que sí? Hoy la tele está llena de caras que no son televisivas. Eso tiene algo a favor: los feos también podemos estar. Mi costado de Goity andrógino fue mutando. Fui el primero en usar arito, me hice una colita, me teñí y ahora me dejé este rulito, ¿ves? Las uñas me las pinto desde los cinco años. Mí tía me las pintaba en una peluquería... ¡Vieja chota!, me quería hacer puto. Después entendí que esto sirve para hacer prensa. Ponele: voy a lo de Susana y me pregunta por la colita, el arito. Un día en lo de Mirtha estábamos así: yo morfando y ella me dice: Juan, ¿vos fumás marihuana? Yo pensaba contestarle: ¿Y por qué no le preguntás a tu nieta?, pero no dije nada. Igual con Mirtha hubiera estado todo más que bien. ¿Vos sabés por qué no hay programas de humor? Porque el humor genera endorfinas que te mantienen más despierto y al estar más despierto sos más inteligente y al ser más inteligente tal vez te joden menos. Yo me pregunto todo el tiempo: ¿Por qué no estoy ahí? Cuando veo tele me lo pregunto. Todo el tiempo me lo pregunto porque soy un estudioso del mercado del resentimiento. Un inteligente que no ejerce.

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Patricia Palmer y Patricio Contreras: Telémaco o el padre ausente

En el lugar de la ley

Con "Telémaco o el padre ausente", que se estrena en el Cervantes, compartirán por primera vez un escenario.

Ella nació en Mendoza. Siendo jovencita, vivió unos meses en Barcelona junto a su familia. Más tarde, como bailarina, se fue a Chile. Y a los 24 llegó a Buenos Aires, recién separada y con una hija pequeña. El es chileno y aunque a los 27 años llegó a reservar su pasaje en barco para viajar a Europa e instalarse un tiempo del otro lado del océano, después de una breve temporada de teatro en Buenos Aires, decidió quedarse, al parecer definitivamente, en la Argentina. Ahora, con Telémaco o el padre ausente compartirán por primera vez cartel en teatro.

El nombre completo de ella es Patricia Alejandra; el de él, Patricio Alejandro. Casualidad o no, Palmer y Contreras se encontraron para hacer esta obra, que se estrenará el jueves en el Teatro Nacional Cervantes. El autor de la pieza, el chileno Marco Antonio de la Parra (uno de los referentes de la dramaturgia latinoamericana), llegará a Buenos Aires para estar presente en el estreno mundial de esta obra suya, que dirige Dora Milea.

El departamento de Contreras es el lugar para la entrevista; procura ser un buen anfitrión y mientras Palmer cuenta que su primer trabajo fue un reemplazo por un día que hizo de Susú Pecoraro en El taller del orfebre, una pieza del Papa Karol Wojtyla, él sirve té, gaseosa y galletitas.

Sus destinos no se cruzaron en Chile. "Me hubiera enamorado si la hubiera visto bailar", galantea él. Pero en el '77, ese año en el que ella hizo El cisne negro del otro lado de la Cordillera, él ya vivía en la Argentina, desde 1975.

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Luis Romero

Una compañía teatral propia

El conocido director fundó Atti Unici y con ese grupo llevará adelante pequeñas obras de Mario Fratti.

El director que viene de ser elegido para los últimos textos de Yasmina Reza montados en Buenos Aires (Tres versiones de la vida, El hombre inesperado) y que fue, por ejemplo, punta de lanza del Proyecto Federal del Cervantes con Barranca abajo de Florencio Sánchez, vive inquietudes en estos días. El director que apareció en los créditos como adjunto de Mic Gordon en ese fenómeno que fue Art con el trío Darín-Martínez-Palacios en escena, y le puso su impronta poética a El amateur de Mauricio Dayub, entre muchas otras cosas, no puede evitar los nervios de punta. Es que Luis Romero inaugura después de treinta años en una disciplina en la que apostó todo, su propia compañía. La llamó Atti Unici y llevará adelante pequeñas obras de un dramaturgo de culto, el italoamericano Mario Fratti, y -por encima de todo- Romero saca al ruedo a sus actores formados durante años en la intimidad de su laboratorio teatral.

Con vestuario de Magali Salvatore, iluminación de Marco Pastorino y escenografía de Marcelo Valente, Atti Unici presentará Minipiezas de Mario Fratti, los viernes a las 23, en el Actor Studio. Y no se trata sólo de una casualidad. "El azar, o como se llame, hace que presentemos nuestro trabajo en el lugar donde fue el estudio del recordado Carlos Gandolfo, quien me hizo conocer a este autor. Gandolfo fue mi maestro. Uno sentía, ante él, la presencia de alguien revolucionándose a sí mismo. Así era Gandolfo, como nunca a nadie he visto. Por eso es sumamente grato saber que, de alguna manera, he vuelto a su casa", dice Luis Romero.

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Arturo Puig

Proyecto para tele y teatro

¿Cuándo volvés a la televisión?

Estamos hablando con la gente de Canal 7 para armar un nuevo unitario, aunque no sé exactamente cómo sería ni si hay elenco definido.

Justamente, por tu trabajo en "Variaciones", en Canal 7, te acaban de nominar para un Martín Fierro como mejor actor dramático.

Sí. Yo estuve varias veces ternado, de hecho arranqué en el 70 y pico con alguna terna como revelación. Pero jamás lo gané. Esta vez estoy con unos actorazos como Luis Brandoni, Julio Chávez, Norman Briski, Gastón Pauls... Va a ser difícil (se ríe).

¿Estás con otros proyectos hasta tanto se concrete el regreso a la televisión?

Terminé con La vuelta al hogar hace poco, así que ya estoy leyendo material para volver al teatro.

Fuente: Clarín