Juan Carlos Gené y Carlos Ianni: Minetti

“El teatro conmueve al público, no lo deja en paz”

El actor y el director proponen en el Celcit la revulsiva Minetti, una pieza de Thomas Bernhard que pone en escena a un actor que pasa 30 años de su vida representando al Rey Lear frente al espejo. “Esta obra es oscura y contradictoria, como todas las de Bernhard”, asume Gené.

El actor, director y autor Juan Carlos Gené y el director Carlos Ianni se conocen desde hace más de 20 años, conducen desde siempre el Celcit (Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, ver recuadro) pero nunca habían trabajado juntos en escena. La puesta de Minetti, obra del austríaco Thomas Bernhard (1931-1989) que subió a escena en la nueva sede del Celcit (Moreno 431) los reunió por primera vez, a Gené en el papel protagónico (junto a la uruguaya Maia Francia) y a Ianni en el rol de la conducción. “Ya llevo 60 años con el teatro, un oficio muy difícil de realizar como lo son todos los oficios cuando están bien hechos”, afirma Gené, ya con 80 años cumplidos. Tentado desde hace años con esta obra dedicada por el autor de La fuerza de la costumbre y Helderplatz al actor alemán Bernhard Minetti (1905-1998) Gené pensó siempre que, en caso de realizar la puesta, haría una versión para dos personajes, tal como ahora la estrenó: “La obra original tiene una presencia coral multitudinaria y demanda una gran producción”, advierte el actor en una entrevista con Página/12, junto al director.

Esta es la tercera vez que la obra se verá en Buenos Aires, anteriormente protagonizada por Aldo Braga y por el uruguayo Juan Carlos Moretti. “La obra expone una dialéctica entre el viejo actor Minetti y el mundo de los hombres, representado por dos personajes femeninos y una multitud de máscaras que son parte de una tradición de la ciudad belga de Ostende”, mascaradas éstas que remiten a los cuadros expresionistas de James Ensor. Esta referencia pictórica alude a un teatro concebido como un arte monstruoso, además de crear una atmósfera aterradora que condice con la soledad y el abandono que sufre el personaje. Un actor que pasa 30 años de su vida representando todos los días frente al espejo al Rey Lear, de Shakespeare, tras una de esas máscaras.

Gené afirma que la obra de Bernhard expone el mundo interior de Minetti y lo rodea de significados ocultos. Y arriesga que interpretar a ese personaje “es como meterse en el espíritu de un ser insólito, con esa especie de toque divino que suelen tener muchos desequilibrados”. No obstante, Ianni prefiere hablar de la pieza de un modo diverso: “Si uno piensa la obra antes de verla parece que es oscura y compleja –analiza–, pero lo curioso es que lo que se ve en el escenario es la historia conmovedora de un viejo actor comprometido con su arte”. Ianni completa el relato: “Este hombre llega a la cita con el director de un teatro porque espera ser reubicado luego de muchos años de injusto alejamiento. Pero al no aparecer éste, imposibilitado de retornar a su casa, decide quitarse la vida a la intemperie bajo una tempestad de nieve”. De modo que las intrincadas reflexiones que hace el personaje estarían, para el director, ubicadas en un segundo plano. Como si su puesta hiciera foco en un cuento que narra como datos objetivos de la realidad cuestiones que parecen imposibles, como que haya nieve en la playa de Ostende. Ianni aclara que, en virtud de que el texto hace algunas referencias que no son conocidas para el público local hay zonas de la obra que son didácticas, a través de unos procedimientos que prefiere no revelar. La versión incluye escenas en las cuales los actores pasan a ser ellos mismos, un desdoblamiento que en los ensayos los ayudó, como intérpretes, “para comprender mejor algunas cosas”, según cuenta Gené, y que luego quedaron en la puesta, “con la función de aclararle algunas cosas al espectador”.

–¿En qué medida cree que Bernhard habla del Minetti real?

Juan Carlos Gené: –Bernhard dedicó esta obra en 1976 a Minetti, que por supuesto vivía (murió recién en 1998), pero tampoco puede decirse que el personaje sea él realmente. Bernhard tuvo la costumbre de escribir obras con personajes que llevan nombres de personas conocidas –tal vez porque lo movilizaban a la escritura– pero que en su obra no tienen nada que ver con las personas reales, como ocurre en El viaje de Emmanuel Kant o El sobrino de Wittgenstein. El Minetti real vivió un alejamiento del teatro que no pasó de cuatro años. El personaje de la obra, en cambio, no puede actuar durante 30 años. Y en su exposición barroca –porque habla por los cuatro costados– se refiere a ese alejamiento de un modo muy inquietante porque deja un amplio margen para la mentira y el delirio. ¿Quién sabe si es cierto lo que este personaje afirma?

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Javier Villafañe

La vigencia del Maese Trotamundos

Fue poeta y escritor, pero sobre todo dejó su impronta en el arte del títere, desde que en 1933 salió a recorrer el país con su teatro ambulante La Andariega. Los integrantes del grupo El Chonchón, presentes en el tributo, analizan su legado.

¿Monólogo o diálogo es el del niño y su muñeco? Quizá no importe la respuesta si ese comportamiento implica encender la imaginación y desarrollar el sentido del misterio y de la aventura, como lo hizo ante un público de niños y adultos el maestro titiritero al que se homenajea, a cien años de su nacimiento, en un programa que se inicia hoy en el C. C. de la Cooperación. Ese maestro que supo encender la fantasía de los públicos más diversos de América, Europa y Asia es Javier Villafañe, poeta, escritor y titiritero que nació en Buenos Aires en 1909 y ya en 1933 recorría el país con su teatro ambulante La Andariega. Este creador de historias fantásticas, como la del panadero que se enfrenta a un travieso diablo de tres colas, o las que hablan de romances de poetas o calles de fantasmas, dio vida a su alter ego, Maese Trotamundos, presentador de sus espectáculos. Las obras de Villafañe fueron numerosas y quedaron impresas en los libros Los sueños del sapo, Historias de pájaros, Cuentos y títeres, Circulen, caballeros, circulen, El caballero celoso, El Gallo Pinto, El hombre que quería adivinarle la edad al diablo, Historiacuentopoema y Maese Trotamundos por el camino de Don Quijote, síntesis del sendero que transitó durante su exilio y permanencia en España. Este poeta de mameluco azul y en sus últimos años poeta de barba blanca –falleció en 1996 de un paro cardíaco– recibe ahora el tributo de otros valiosos artistas en las diferentes salas de Corrientes 1543.

Inauguran el programa el grupo El Chonchón (nombre de un candil que se fabricaba con una lata de conserva a la que se le adhería un asa y colocaba una vela) y el escritor y dramaturgo Roberto Espina, también actor, director, mimo y titiritero, creador en 1956 del Teatro Los Comediantes de la Ruta y autor de alrededor de 20 piezas. El Chonchón, integrado por el chileno Carlos Piñero y el cordobés Miguel Oyarzún, presentará Los bufos de la matiné, que codirigen con el cordobés Héctor Di Mauro, quien atesora décadas en este oficio. Se trata de un tributo a los cómicos del cine mudo (entre otros un Chaplin que rescata al Pibe desde un lugar asombroso) en el que emplean títeres de guante. El mismo equipo interpreta Tresespinas, obra de Roberto Espina con personajes arquetípicos metidos en historias dominadas por el absurdo. El Chonchón inventó una segunda parte para esta obra, mostrando a sus presentadores (o comentadores): El Abuelo y Arraskaeta. El equipo se atreve además a una versión de La República del Caballo Muerto, pieza de Espina, quien a su vez recordará a Villafañe y leerá un cuento del maestro: “El investigador”. A modo de anticipo de este programa en el C. C. C., y a pocas horas de su arribo a Buenos Aires, los titiriteros Miguel Oyarzún y Carlos Piñero respondieron en nombre del grupo a algunos de los interrogantes que despierta el arte de manipular muñecos, semejantes en algún punto a la sombra que el humano descubre como propia. “El títere, al igual que su sombra –escribió Villafañe–, vivirá siempre con él y morirá con él.”

–¿Qué condición deben cumplir las obras destinadas a seducir no sólo a los niños sino también a sus acompañantes?

–En una obra de títeres o de teatro, la seducción pasa por la belleza y la poesía. Ante un movimiento logrado o una resolución inteligente, los niños y sus acompañantes responden; cada uno recibe la obra según sus posibilidades.

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Versiones y parodias: la libertad de denunciar lo falso

No es tarea sencilla llevar a escena una historia ya conocida por los niños, pero hay algunos secretos para acercarla a la verdad

Cuando se aborda un texto originalmente creado para los adultos con la intención de volcarlo al público infantil, la gran dificultad consiste en encontrar la manera de ser honestos con el original y con el destinatario y, a la vez, evitar para los niños las partes oscuras o dolorosas.

Los cuentos de hadas siguen siendo los favoritos en el teatro para chicos. Estas princesas con problemas (resueltos con alguna colaboración mágica), estos príncipes apuestos y valientes que enamoran a las bellas y solitarias o rescatan a los débiles, y estos malos finalmente castigados, estos héroes que salen a salvar a los inocentes, este triunfo de la justicia sobre el mal, siempre convocan emociones gratificantes, abren un espacio de esperanzada fantasía cuando se juega a creer que se puede recibir ayuda milagrosa, disponer de algo o de alguien que rompa, en favor de los buenos, las reglas de la secuencia lógica de la tragedia. En general, tienen una estructura perfecta, y, si se elimina algo, se corre el riesgo de romper el equilibrio del relato.

La edad del espectador es un factor importante. A los niños pequeños, por ejemplo, les importa la fidelidad al relato: ya se sabe que cuando se lee o cuenta el cuento de las buenas noches, las pausas y los gestos deben repetirse en los mismos lugares, los nombres ser exactos, en fin, la reproducción fiel es una necesidad, es lo que los lleva de la mano por terreno seguro, hacia un final conocido y satisfactorio.

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Cuestión de principios

Principios que no se rompen

El fin de las utopías? ¿La caída de las ideologías? ¡Qué difícil puede ser tratar de mantener los principios en una época en la que estos no tienen ningún valor! Por esta razón, y para dejar un testimonio, el protagonista de esta obra de Tito Cossa decide publicar sus memorias laborales, para dejar constancia de la lucha gremial que representó en otro tiempo obtener conquistas sociales sin perder coherencia en su pensamiento, en su accionar político y, sobre todo, sin deponer sus principios. Fue un militante por convicción y ahora, a la edad de 70 años, sigue pensando que el socialismo no fracasó, sino que fallaron las estrategias de lucha.

De cualquier forma, para la publicación del libro, recurre a su hija, autora y editora, con quien no tiene una buena relación. Así se presentan estos personajes, que van a revelar viejos rencores personales e irreconciliables diferencias ideológicas.

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En el Teatro del Pueblo, viernes y sábados, a las 21.

La divina comedia

Un vagón de tren para el Dante

Esta versión teatral de La divina comedia, de Cristina Armada, pierde potencia por sus actuaciones

Adaptar clásicos del género narrativo o poético al teatro es siempre una tarea ardua. De partida, la extensión obliga a cortes ineludibles. Después, cada categoría artística tiene leyes o formas propias que suelen hacer complicadas las trasposiciones. Multitud de ejemplos muestran cómo los intentos por llevarlas a buen puerto fracasan con mucha frecuencia. También se pueden citar casos exitosos y, sin ir más lejos, sobre La divina comedia debemos señalar el espectáculo que el extraordinario actor italiano, Mateo Belli, ofreció el año pasado en el Teatro Nacional Cervantes. También actuó hace algunas semanas en una función única en el Consulado Italiano, haciendo monólogos juglarescos medievales y modernos. Inolvidable.

Pero, para que esto suceda se requiere antes que nada creatividad, imaginación. Ver de qué manera una obra que no ha sido escrita para teatro puede, sin desnaturalizarse, ser moldeada y transformada en un hecho teatral atractivo. La otra vía, como es el caso de Belli, o como lo eran los recitales de Vittorio Gassman -integrados no por obras completas sino pasajes de ellas-, es recurrir a un gran intérprete que pueda sostener con su histrionismo o las modulaciones riquísimas cambiantes de su voz las bellezas del texto.

Ninguna de estas condiciones se da en este montaje de Cristina Armada. La adaptación es sólo una versión reducida del poema, al que se le amputan casi todos los nombres de los personajes allí mencionados y del cual se conservan los fragmentos que describen el tránsito por los tres ámbitos señalados por Dante como residencia posible del hombre después de la muerte: el infierno, el purgatorio o el cielo. La labor de los actores tampoco es convincente. El Virgilio, por caso, cree erróneamente que a la grandeza del texto se llega mediante el grito o la declamación exagerada. Y carga sobre sus espaldas gran parte de la narración.

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En La Estación de los Deseos, Bacacay 1608. Domingos, a las 22.

Los Bufos de la Matiné, El Niño de Arena, De paraguas, Desarmable, Juan sin miedo, y Segunda ópera prima

Piedra libre

Homenaje. Hoy y mañana, a las 16.30, en el Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543, dentro de las jornadas conmemorativas por el centenario del nacimiento de Javier Villafañe (1909-2009) el grupo cordobés de títeres El Chonchón presentará Los Bufos de la Matiné , títeres de guante con dirección de Héctor Di Mauro. Con Carlos Piñero y Miguel Oyarzún. Para niños desde los tres años y para toda la familia.

Títeres. En el Auditorio BAC, Suipacha 1333, los sábados, a las 18, se presenta El Niño de Arena , de la Compañía Omar Alvarez Títeres. Informes y reservas: 4393-6941 y 4767-4213. $ 30.

Paraguas. Por algunos sábados más siguen las funciones de De paraguas , de Silvia Copello, en el Teatro del Pasillo, Colombres 35, a las 17. Informes y reservas: 4981-5167. $ 16.

Juegos. Como los niños en sus juegos desarman y arman, los personajes de Desarmable , de Manuel González Gil, con dirección de Héctor Presa, juegan a inventar, en el Larreta, Vuelta de Obligado 2155, hoy, a las 16.15 y 17.30. Informes: 4771-9295 / 4786-0280. $ 18.

Desde Mendoza. Hoy y mañana, a las 16 y a las 17.30, en el Museo del Títere, Piedras 905, se presenta Juan sin miedo , de la compañía Patalarrastra, de Mendoza. Bono contribución: 12 pesos, grandes y chicos.

Musical. Los sábados y domingos, a las 16, en el Maipo Club, Esmeralda 449, 2° piso, puede verse Segunda ópera prima , con la Compañía de Teatro Musical del IUNA, dirigida por Gustavo Monje. $ 20.

Fuente: La Nación

Estigmas de un circunciso, Los tiempos de Edith Piaf, Nicolás Armengol, Apuntes sobre Medea (El grito), y Las fantasías sexuales de mi marido

Holocausto

Los sábados, a las 21.30, sube a escena Estigmas de un circunciso , de Facundo Reyes, sobre inmigrantes judíos en la Argentina. En El Vitral, Rodríguez Peña 344 (4371-0948).

La Piaf

Los sábados, a las 22, Analía Caviglia protagoniza Los tiempos de Edith Piaf , en el que encarna al Gorrión de París y canta sus canciones. Dirigida por Agustín Busefi. En Fray Mocho, Perón 3644 (4865-9835).

De Tinelli a Romay

Nicolás Armengol, ganador del último concurso "Bailando por un sueño", acaba de ser contratado por Diego Romay para ser el protagonista de Caravan: The Jazz Musical , junto con Sandra Guida, tras el plantón de un actor que se fue a otro elenco. La obra que dirige Omar Pacheco, recorre los íconos más importantes de la historia del jazz y se estrenará a mediados de mayo, en El Nacional. Armengol ya trabajó en muchísimos musicales, desde Hair hasta Cabaret .

Medea

Cristina Banegas y Carmen Baliero coordinan Apuntes sobre Medea (El grito) , dirigida por Jimena Kroucco, con Verónica González, Diego Bustamante, Patricia Rivero, Amée Zito Lema y Susana Varela. Los sábados, a las 21, en El Excéntrico de la 18», Lerma 420 (4772-6092).

Cambio de horario

Las fantasías sexuales de mi marido , obra que hacen Cristina Tejedor, Stella Maris Closas y Jorge Varas, ahora va los sábados, a las 19, en la sala Colette, del Paseo La Plaza, Corrientes 1660 (6320-5346). $ 30.

Fuente: La Nación

El Ratón Pérez ¡Superpoderoso!

Una puesta con gran despliegue

Hoy y mañana serán las últimas funciones de esta obra. La historia, los diálogos y la música juegan en torno a la búsqueda de imágenes deslumbrantes.

Ratón Pérez, si no empieza ya, te voy a matar!", grita un niño esgrimiendo, cual espada, su linternita emplumada hacia el escenario. Otro, confundido, o tan agotado en la espera, directamente pide "¡Qué termine!". Al cabo de éstas y otras interpretaciones infantiles, se descorre el telón dejando ver una pantalla de dimensiones colosales donde se proyecta la imagen de una gigantesca fábrica poblada de afanosos ratoncitos. Enseguida entran en escena los protagonistas. El Ratón Pérez ¡Superpoderoso! -el espectáculo musical que puede verse en el Gran Rex hoy y mañana- ya comenzó.

La obra encuentra al famoso Ratón, su extra pulposa secretaria María Laucha y su compañero Ratito, muy ajetreados por ordenar los últimos cargamentos de perlas. Perlas que, como todos saben, ellos mismos producen con los dientes que se le caen a los chicos. Después, las llevan a lo del joyero Morientes.

A continuación, los chicos del público conocerán al ambicioso Malvadisco, un esmirriado y joven malvado dispuesto a robar ese cargamento. A esta amenaza se le suma otro inconveniente: el joyero se encuentra afectado por la actual crisis mundial (un argumento quizás un poco deprimente para los padres de la platea que buscan disfrutar de un buen momento con sus hijos, lejos de sus problemas de adultos) por lo que no tiene ninguna moneda para entregarle al Ratón Pérez (y para que éste a su vez las reparta entre los niños que dejan su diente caído en la almohada).

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Cuestión de principios

Los fuegos de la memoria

Una estructura dramática precisa de Roberto "Tito" Cossa y una ajustada dirección de Hugo Urquijo.

Un texto de Roberto "Tito" Cossa para dos personajes antagónicos, un padre y una hija, y la dirección de Hugo Urquijo. Un desenlace contundente, intenso, irrefutable. Todos estos elementos se combinan en Cuestión de principios, que se estrenó en el Teatro del Pueblo.

Un sillón de tres cuerpos ocupa el centro del escenario. Es la casa del padre, donde éste recibe a Melina, su hija, con quien durante veinte años estuvo distanciado. El reencuentro no es fácil, menos al comienzo: la resistencia de ella es fuerte. Luego habrá momentos de mayor acercamiento.

Víctor Hugo Vieyra compone al Padre (el personaje no tiene nombre), un hombre de 70 años. Adriana Salonia es Melina, la hija, una mujer de 40. El es un sindicalista que ha tenido una larga militancia política. Ella, una exitosa autora y editora. El padre la llama porque quiere que le dé forma a sus memorias, que acaba de terminar de escribir. Vieyra aporta a su criatura una actitud cansina, consecuencia del paso de los años y de las luchas, un andar lento, una mirada triste y pocas sonrisas. Salonia ofrece a su personaje seguridad, y también vulnerabilidad: porque tiene unas cuantas certezas, pero no dejan de asaltarla algunas dudas.

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Tualet

Los territorios de la escena

Sergio Maximiliano Villalba y Nicolás Poggi, dirigidos por Juan Onofri Barbato, juegan sobre la manera de ocupar los espacios.

El programa de mano de la obra de danza Tualet incluye esta cita, o mejor que cita habría que llamarla subtítulo: "El ansia que nos lleva a caer de un espacio en otro sin hallar el lugar de reposo". Ciertamente Juan Onofri Barbato -director de Tualet- dedica una particular atención en esta pieza a diversas cuestiones relacionadas con el espacio escénico y, vinculado con él, a los espacios imaginarios que la danza como lenguaje tiene la posibilidad de crear. No hay, sin duda alguna, otro arte, otra disciplina escénica que como la danza pueda hacer del espacio una creación visible e invisible a la vez.

Pero Barbato no sólo recurre en Tualet a espacios imaginarios sino también a otras dimensiones espaciales, no menos legítimas cabe aclarar: filmaciones en video del propio dúo de bailarines, que establecen una continuidad entre lo que ocurre en la pantalla y lo que ocurre en la escena; elementos concretos como una casilla que quiere representar un baño químico, y finalmente cierta disposición de paneles con la que se construyen otros ámbitos. La coreografía, que pertenece al director y a los dos intérpretes, Sergio Maximiliano Villalba y Nicolás Poggi, se conecta o se deriva de esta inquietud central de Tualet, con estupendos logros cuando la conexión realmente ocurre: el comienzo mismo de la obra, un solo muy bueno y muy bien interpretado por Poggi, se desarrolla bajo un panel paralelo al piso que en cierto momento comienza a descender lentamente sobre el bailarín. Esta coincidencia entre la idea central y su concreción, entre otras igualmente bien resueltas que ocurren a lo largo de la obra, aparecen como destellos que no alcanzan, sin embargo, a compensar cierta dispersión; un exceso de ideas, de materiales, de secuencias puras de movimiento que conspiran contra el sin duda muy interesante propósito de los tres creadores.

La música original de Tualet es de Jorge Grela; la iluminación, de Matías Sendón; la escenografía, de Laino, Sendón y el propio Onofri y el video, de Ricardo Reich y nuevamente Onofri. (Espacio Callejón, Humahuaca 3759; viernes a las 22).

Fuente: Clarín

Manuel Callau

Manuel Callau: "No me paralizo frente al miedo"

La obra que lo había llevado a España por primera vez se llamaba, curiosamente, Memoria y olvido. Las funciones, dice ahora, "fueron un estrepitoso fracaso. Pero el viaje fue muy movilizador". Durante mucho tiempo, Manuel Callau creía que "uno se constituía principalmente a través del vínculo con su entorno... Pero comprobé que uno trae cosas que, si las puede conocer, lo ayudan a entenderse. Ahí descubrí que había algo en mi conducta que no tenía que ver con mi desarrollo y mi realidad social, sino que venía de lejos. Allá supe que mi bisabuelo, pescador en Tarragona, fue parte de la fundación de la primera cooperativa de pescadores del Mediterráneo... Justo el bisabuelo de un tipo que en la Argentina siempre intentó y alentó armar cooperativas. Digamos que yo viajé a su tierra, pero las raíces me encontraron a mí".

El bar del centro aturde, pero él se las ingenia para proteger el relato, hilvanado por su voz, grave y contundente. Sabe hacerse oír el bisnieto de Balfegó, el hombre que a principios del 2000 fundó "la primera cooperativa de producción artística que existe en el país (Homo-ludens). Cuando crecí y supe qué quería hacer, comencé a pensarme de una manera gregaria... Yo quería formar grupos, operar sobre la realidad con un teatro comprometido sin perder belleza. Nunca hice teatro bajalínea".
Sólido referente de Teatro Abierto ¿la iniciativa social y cultural que fue del 81 al 85¿ y uno de los creadores de Teatro por la Identidad, confiesa que "recién en los 70 empecé a encontrarme. Podría decir que en la ciudad de La Plata, entre luchas estudiantiles y movilizaciones, nací al mundo". No es que reniegue, se intuye, del que había sido hasta entonces.

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Diego Ramos, Florencia Bendersky, y Alejandro Tantanian

Entrevista pública a Diego Ramos

El próximo lunes a las 15, en la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo, el actor Diego Ramos contará su historia, formación y presente profesional. Se realizará en el marco del ciclo "Diálogo con Artistas", dirigido por los profesores Claudia Kricun y Dardo Dozo, que se realiza en forma conjunta con el Complejo Teatral de Buenos Aires y que ya ha convocado a destacados profesionales y artistas del espectáculo. La actividad, libre y gratuita, se realizará en Mario Bravo 1050, 6ø piso.

Estreno teatral de Florencia Bendersky

Esta noche subirá a escena The magic lady in jazz y el hombre de efecto mágico, escrita y dirigida por Florencia Bendersky. Será en el Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660), a las 21 y se presentará por cuatro únicas funciones.

Tantanian dirigirá en Alemania

Alejandro Tantanian ha sido convocado por el Nationaltheater Mannheim (Alemania) a dirigir una versión propia de la extraordinaria novela de Franz Kafka: América (El desaparecido). Trabajará con el elenco estable del Nationaltheater Mannheim y Diego Velázquez (que ha trabajado junto a Tantanian en su versión de Cuchillos en gallinas de David Harrower en el Teatro San Martín, 2006, y en la reciente versión de Los hermanos Karamazov: Los sensuales, 2008) que viajará especialmente para sumarse al elenco. El estreno está previsto para el 25 de abril.

Escenarios de Buenos Aires

El miércoles próximo comienzan las emisiones del programa de televisión del Complejo Teatral de Buenos Aires, con un nuevo formato. El programa sale por Canal (á).

Fuente: Clarín

Oscar Martínez: Pura ficción

El retorno de Oscar Martínez

Después de 7 años vuelve a la actuación con Pura ficción, obra de su autoría que también dirige

Luego de 7 años de ausencia, Oscar Martínez se sube al escenario del Paseo La Plaza para dar vida junto a Claudia Fontán a una eclipsada pareja de actores en Pura ficción, una comedia casi romántica

Discreto, elegante y de gesto solemne, Oscar Martínez es un hombre de pocas palabras. Al menos hasta que empieza a hablar de su nueva obra y de los libros que lo han acompañado en su juventud, cuando era un "lector voraz", cuando copiaba de Rayuela sus párrafos favoritos y se obsesionaba con el cuento "El perseguidor", también de Julio Cortázar. De pronto, su mutismo inaugural y mirada de corte recio, a lo Clint Eastwood enojado, deja lugar a una bienvenida elocuencia que lo llevará a narrar sus nervios antes del estreno de Pura ficción, que lo devuelve al escenario luego de siete años de ausencia, desde su última actuación en Art, de Yasmina Reza, junto a Ricardo Darín y Germán Palacios. "Espero estar aceitado y en forma. No haber perdido eso", confiesa el actor que, todos los días y hace 30 años, corre una distancia de siete kilómetros para disfrutar de la "liberación de endorfinas", la misma que siente cuando se sube el telón. Es que Martínez asegura que arriesgarse a poner el cuerpo como actor "es como tirarse a la pileta y mucho más", distinto a lo que siente cuando dirige y escribe la obra, que también es el caso en Pura ficción. "Uno tiene al público ahí y ya han pasado siete años", repite el actor que dio un paso al costado, luego de 35 años de trabajo ininterrumpidos, para abrirse camino como autor y director.

El intérprete, que a los 14 años ya imaginaba diálogos y situaciones, volvió a palpitar el gusto por la actuación cuando tuvo que suplir a Gustavo Garzón por un par de funciones en Días contados, de su autoría. "Al principio me costó. Tuve sólo dos días de ensayo. Pero enseguida le tomé el gustito y ya no me quería ir", reconoce Martínez que debutó a los 21 años en el programa de televisión Cosa juzgada junto a Bárbara Mujica, Carlos Carella, Juan Carlos Gené, Marilina Ross, Emilio Alfaro, Federico Luppi y David Stivel, y que hoy vuelve a subirse al escenario, junto a Claudia Fontán y con la versátil Nacha Guevara, a cargo de la puesta de luces.

Mientras el humo de su cigarrillo espesa el aire del salón comedor de su departamento en Recoleta, el actor ?que desde que comenzó a ensayar subió su cuota de tabaco a más de siete por día? recuerda por qué se alejó de las tablas: "Necesitaba un parate. No extrañé tanto la actuación, sino hubiera vuelto antes".

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Pura ficción, de Oscar Martínez

Paseo La Plaza, Corrientes 1660. Funciones los domingos, miércoles y jueves, a las 20.45; los viernes, a las 21; y los sábados, a las 20 y 22. Desde 60 pesos.

Alejandro Tantanian

Tantanian estrena en Alemania

Alejandro Tantanian estrenará el 25 del actual Amerika, en el Nationaltheater Mannheim (Alemania). Se trata de su propia versión de la novela de Franz Kafka, América (El desaparecido). El dramaturgo y director está trabajando con el elenco estable de ese teatro y con Diego Velázquez, actor que ya lo acompañó en su versión de Cuchillos en gallinas de David Harrower, y en la más reciente Los sensuales, trabajo a partir de Los hermanos Karamazov. Otra argentina que lo acompaña es Oria Puppo, responsable de escenografía y vestuario.

"Amerika toma la novela homónima de Kafka como punto de partida: no se trata de una adaptación, no será una historia vuelta a contar. Karl Rossmann ?el protagonista? es un joven lanzado a crecer; este viaje es la historia de un adiós al hogar, a la infancia y a la inocencia", según el propio Tantanian.

Fuente: La Nación

Fabio "Mosquito" Sancineto: Argentina Improvisada

Sancineto, un mosquito en tiempos de dengue

Junto a su compañía estrena nuevo trabajo

¿Es posible ensayar una obra de improvisación? Fabio "Mosquito" Sancineto cree que sí. Este pionero de una técnica que se convirtió en boom, que cada día cosecha más adeptos y más alumnos, y que algunos rebautizaron stand up, habla de un entrenamiento. Sancineto presenta Argentina improvisada: Por qué somos como somos, una propuesta en la que no zumba solo como director o maestro de ceremonias, sino que también regresa a la actuación.

"Las situaciones van a estar inmersas en una marco histórico. Se busca hacer una autocrítica de por qué los argentinos somos como somos", dice Sancineto, que estará acompañado por la Compañía Argentina de Improvisación (Gabriel Maldonado, Vanesa Strauch, Ernesto Zuazo, Victoria Mamolitti y Gustavo Caletti), y adelanta que el público tendrá ahora un papel mucho más activo, y deberá sugerir el desenlace de cada cuadro.

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Argentina Improvisada, de Fabio "Mosquito" Sancineto

Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 330. Funciones los sábados, a las 22.

Tren

Un tren llamado deseo

Cuatro actrices brillantes para un viaje cuya meta es encontrar a Dios

Un grupo de mujeres toma un tren en Constitución. Van a un congreso religioso que tendrá lugar en Mar del Plata. Inicialmente, son cuatro, pero a medida que avanzan los kilómetros, salen y entran del camarote otros nuevos personajes. Parecen no tener nada en común. Sin embargo, algo íntimo las une.

Por necesidad; por cierto llamado de un más allá; por la búsqueda de cierto divertimento; por militancia evangélica; por desesperación; por la pulsión contagiosa de los manuales de autoayuda; por necesidad de escapar de un cotidiano que las oprime o porque ellas proponen y Dios dispone; se suben a un tren que parecería dejarlas en las puertas de un lugar con vista al paraíso. Allí, en la Feliz, tiene lugar el congreso, la fiesta, la salvación, la celebración.

Claro que regresan a Constitución sin demasiados cambios aparentes. Es que el viaje en sí mismo con sus horas de ocio, silencios y comentarios superficiales transforman a ese transcurrir en una experiencia confesional mientras suena, de fondo, el ruido del tren y se ven imágenes del conurbano y del campo a través de la ventana del camarote.

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El amor de la estanciera

Amores que llegan de siglos atrás

Atractiva investigación a partir de un texto de autor nacional anónimo de 1792

La Mudita se encarga de que el público se entere de todo el marco histórico-anecdótico-literario que rodea a El amor de la estanciera , una suerte de sainete gauchesco anónimo que, se supone, data de 1792. Ella cuenta el nudo de la historia que este amor encierra, da los perfiles de los personajes y presenta a los actores que la vienen interpretando desde la misma fecha de estreno. Pero la mala suerte hace que en esta función tres de los actores se hayan ausentado, dejando librados a su suerte a los tres restantes. Entre ellos deberán narrar la historia supliendo errores, salvando malentendidos.

Y entonces comienza este "teatro dentro del teatro" en el que Pancha -la madre de la joven casamentera ausente- se despierta en ese rancho de cuatro palos para comenzar el día. A partir de un trabajo en el que surgen insistentes reiteraciones, Pancha cuenta -como puede- el cuento que ha tomado su cuerpo y su voz; lo mismo le sucede a Marcos Figueiras, el pretendiente portugués y desdeñado. Entre los dos se las arreglan para llevar adelante la historia, con la ayuda de los elementos que aporta la mudita. La cuentan, la respetan, la desgranan hasta que logran liberarse de ella. Lo que hacen con alegría, poesía, nostalgia y humor.

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Patito Feo, Hi-5 Cinco sentidos, y El ratón Pérez

Corrientes sólo para chicos

Este fin de semana se presenta movido para la cartelera infantil, ya que se despide una de las grandes atracciones para los más chicos, otra agrega funciones y una tercera debuta en la calle Corrientes. Quienes dejan su lugar vacante, en el Gran Rex, son los chicos de Patito Feo , la versión comedia musical de la tira televisiva que protagoniza Laura Esquivel. Los que se animaron a sumar funciones, en El Nacional, son los intérpretes de Hi-5 Cinco sentidos , la ajustada puesta teatral del exitoso programa de Discovery Kids. Y sólo por este fin de semana, estará El ratón Pérez, s uperpoderoso, propuesta multimedia que sumerge a sus protagonistas en una aventura submarina, en el Gran Rex.

Fuente: La Nación

Nito Artaza y Miguel Angel Cherutti

Nito Artaza y Miguel Angel Cherutti llenaron de vedettes la calle Corrientes

El miércoles salieron chispas de la avenida Corrientes. Es que a Nito Artaza y a Miguel Angel Cherutti, que aunque ya no estén peleados siguen siendo "rivales profesionales", no se les ocurrió mejor idea que debutar... la misma noche. Eso sí: Miguel aclaró después de la función que le había dejado un mensaje a su ex socio para desearle suerte.

El miércoles, Artaza —más Chico Novarro, Valeria Lynch y Pamela David, entre otros— levantaba el telón del Broadway con Arrancame la risa, un show que vale. Mientras, Cherutti —y una compañía liderada por Georgina Barbarossa, Celina Rucci, Diego Reinhold y elenco— hizo lo propio en el Teatro Premier. Así, fotógrafos, periodistas y muchísmos famosos —léase Zulma Faid, los Pimpinela, Pablo Alarcón, y siguen las firmas— se vieron obligados a recorrer Corrientes para poder estar en uno, en otro, o ¡en los dos estrenos! Sí, comodísimo, digan que por lo menos aflojó el calor...

¿Las primeras declaraciones? Salvo por la Rucci que se quejó porque le cambiaron un cuadro, los muchachos estuvieron tranquilos. Artaza dijo que va a agregar funciones; y Cherutti, que quiere que algunos días las entradas sean más baratas. Bien.-

Fuente: Clarín

Eva, el gran musical argentino

Encuentro Andrea Del Boca — Nacha

Andrea del Boca fue con su mamá a ver Eva, el gran musical argentino, en el Lola Membrives. Apenas terminó la función, bajó al camarín de la protagonista, Nacha Guevara, y de Rodolfo Valss para contarles que quedó encantada. El musical baja de cartelera en dos semanas. ¿Y Nacha? Tiene muchísimas propuestas (una, sería para trabajar en el verano con Miguel Angel Cherutti), pero no tomó decisiones ya que existe la posibilidad de que la obra haga una temporada en España.

Fuente: Clarín

Patricia Echegoyen

Bajo las pieles de muchas mujeres

Arrancaste con las grabaciones de "Enséñame a vivir", la nueva tira de Pol-ka (Canal 13). ¿Vas a interpretar un personaje tan explosivo como en "Por amor a vos"?

No, lo estoy disfrutando enormemente porque este personaje está en la vereda opuesta de Angela, el anterior personaje. Tiene toques dramáticos pero también de comedia. Juega con eso. Ella justamente es cero glamour, básica, ingenua, inocente y buena persona. Una mujer del interior del país.

¿Qué papel juega en la tira que protagonizan Pablo Rago y Violeta Urtizberea?

Ella es la mucama de los ricos, la esposa del personaje del personaje de Jorge Suárez. Se llama Emilia y vive y trabaja en una mansión. Después de un accidente aéreo que es crucial en la historia, ella decide cambiar a su bebé para que tenga un mejor pasar y cobre una herencia.

¿Y cómo incide ese cambio de bebés en la historia?

El otro bebé que viajaba en el avión queda perdido en la selva y crece allí (el personaje es encarnado por Violeta Urtizberea). Finalmente la hija de mi personaje (Julieta Zylberberg) termina creciendo en ese ambiente de ricos y despreciando a quien es su madre, porque es la mucama de la casa.

¿Vas a dedicarte sólo a la televisión este año o hay además algún otro proyecto dando vueltas?

El 19 de abril baja de cartel la obra Hairspray, en el Astral. Me da tristeza que termine, porque fue una experiencia maravillosa. Logré componer a una mujer terrible, una racista de lo peor, trepadora, mala persona. Me gusta jugar así con los personajes. Pensar que no hace ni dos meses que terminé de grabar escenas como Angela en Por amor a vos y ya pude meterme en la piel de otras dos mujeres tan distintas. Jugar, eso es lo que más amo de la profesión.

Fuente: Clarín

Oscar Martínez: Pura ficción

Oscar Martínez: "Soy un apasionado de los vínculos"

Escribió su tercera obra, "Pura ficción", un texto que realizó porque quería subirse otra vez a escena y no encontró nada que lo motivara. Y además la dirige. La historia: un actor, una actriz, y las alegrías y tormentas del amor.

En el living de su casa, en la zona de Recoleta, Oscar Martínez se indigna por el brutal Photoshop aplicado a una diva en la tapa de una revista. "Es demasiado, aparece en bikini ", dice mientras recorre su casa de colores suaves, muebles con brillo excesivo, cuadros prolijamente colgados. Martínez se hunde en un enorme sillón y cuenta que todavía corre diez kilómetros por día. Se mantiene en movimiento. Un atado de rubios, sobre una mesa vidriada, esperará intacto durante toda la entrevista.

El actor está tranquilo a pocos días del estreno de su tercera obra como autor -Pura ficción- que además dirige y protagoniza junto a Claudia Fontán. El espectáculo gira alrededor de una pareja, Claudia Marini y Damián Salas, actriz y director de una obra. "Estoy con una confianza muy alta. Mi hija, que hace la co-dirección y trabaja conmigo hace cuatro años, me dijo que nunca me vio tan tranquilo. Espero que me dure".

¿Por qué llegaste así al estreno?

Me parece que influye que es una obra para dos personajes, no digo que sea fácil, pero el trabajo se concentra más. No dependo de otros factores técnicos o externos a la obra. No hay cambio escenográfico porque es ultrarrealista. Si bien cuento con una escenografía maravillosa de Alberto Negrín, todo reposa en el trabajo de Claudia y en el mío. En el escenario, al depender sólo de nosotros, floreció todo lo que trabajamos en la sala de ensayo. Además, tengo otro honor: que Nacha Guevara haga el diseño de luces.

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El actor que se decidió a escribir historias

Paisaje después de la batalla

El General en su oscuro laberinto

La dramaturgia de Ariel Barchilón encuentra en Mónica Viñao la dirección precisa. Daniel Fanego resulta un General Cáceres convincente.

Se avecina una tormenta y el General Cáceres, más que revertir su historia, parece empecinado sólo en borrar los presagios del final. Se lo percibe revestido de poder por alusiones temerarias desde antes de su entrada a escena. Lo mentan, lo presienten. En tanto Ochoa, su enemigo, le muerde los talones, el alucinado quiere corregir los cuadros de Blanes, su pintor de cabecera, porque esta vez no lo muestran victorioso.

Cáceres, que alude al General Urquiza, pero también a cualquiera de los comandantes de campaña en tiempos de las guerras civiles feroces, desalmadas, argentinas, no quiere ver los indicios de muerte que lo acosan por todos lados. En retirada, se florea sobre sus propios límites, ensucia la cancha, atraviesa las vísperas sin aflojar las riendas de su desprecio parejo hacia el mundo. Le da cuerda a la tragedia.

La puesta de Mónica Viñao, a la hora de enfrentarse a la potencia y belleza de la dramaturgia de Ariel Barchilón, elige la sobriedad formal y acierta en su escenografía donde sucede el cuarto final de Cáceres, rodeado de una llanura de pólvora: un tablado sobre el que reverberan dibujos, escenas de caballos y jinetes en pie de guerra. Viñao avanzó sobre las tensiones que surgen de cada enfrentamiento de Cáceres: con los hijos guachos, con la esposa, con el artista que no puede hacer otra cosa que pintar su derrota, con el sobrino que llega para pedir un acuerdo que el General, jugado, ni siquiera toma en cuenta.

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Gipsy Bonafina

El alma rusa que canta

La actriz y cantante hace canciones rusas en la obra "Cielo rojo" y sacará un disco con ese material. También canta tango.

Sentada al piano, entona Ochi chornie (ojos negros, en ruso) como si esa melodía la hubiera acunado desde su infancia. Pero no. "Por mis venas corre sangre italiana, española y griega, así que no sé de dónde me viene esa facilidad para interpretar el ruso. Me salió naturalmente", dice Gipsy Bonafina. La actriz y cantante es tan versátil que no sólo pronuncia el idioma como propio, sino que le imprime a los temas ese tono melancólico y dulce, tan afín a lo que muchos entienden por "el alma rusa".

Esa y otras canciones populares rusas formarán parte de un disco que Gipsy está grabando. El material, junto a algunos monólogos poéticos, forma parte de la obra de teatro Cielo rojo que dirige Helena Tritek en el Patio de Actores. Gipsy, junto al resto del elenco, interpreta estos temas en vivo en cada función.

Cielo rojo recrea las reuniones del cabaret literario La linterna roja que reunía a los poetas rusos, poco antes de la revolución bolchevique, en encendidos debates en los que la poesía era el eje central, con Vladimir Maiacovsky y Ana Ajmatova a la cabeza.

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Lara

De paseo a la infancia

La obra Lara pone en escena el dolor de la infancia. Lo que se ilumina es un patio de juegos donde oscurece demasiado temprano. Es un lugar al cual debe volverse para recuperar la identidad perdida: las canciones, los ritos, la muerte regresan como las fotos olvidadas que salen de una caja. A través de una puesta en escena simple y con un tiempo fragmentado, el espectáculo unipersonal protagonizado por Cecilia De Mello (los domingos de abril a las 20 en Ladran Sancho, Guardia Vieja 3811) recorre de manera atípica y con un relato no lineal distintos episodios en la vida de esta mujer.

Cargada de imágenes potentes y con una dramaturgia basada en la ruptura del código, Lara es un recorrido vertiginoso que, en tan solo treinta minutos, mueve y conmueve al espectador, llevándolo de un extremo a otro de las emociones. De Mello, intérprete a cargo del tour de force, viene de estrenar varias obras de teatro en Argentina y Brasil y realizó en el año 2004 una gira teatral internacional por el norte argentino, Bolivia y Brasil. Inclinada hacia la Antropología Teatral, ha participado de seminarios internacionales con Eugenio Barba y Julia Varley, y desde el 2008 presenta este unipersonal y dirige la obra Vuelo Submarisco, del grupo de teatro cómico para chicos Té de Polilla.

Fuente: Página/12

Soñar en Boedo

La herencia y el desencanto

Una familia de barrio, que se ve sacudida por una sorpresa. Buenas interpretaciones para un texto de Alicia Muñoz.

Una familia del barrio de Boedo: un padre carpintero, una madre ama de casa, un hijo joven y sin rumbo, y una abuela que anda medio perdida en sus recuerdos. Les cuesta llegar a fin de mes. Leen el diario que les presta el canillita amigo y que luego tienen que devolver, porque no tienen dinero para comprarlo. La noticia de una generosa herencia abre la esperanza de cambiar esa dura realidad, a la que de algún modo ya están acostumbrados y que no los priva de cierto estado de felicidad. Pero poderoso caballero don Dinero hace de las suyas con estos seres que se resisten a "vender" su tranquilidad por unos pesos. Esto sucede en Soñar en Boedo, de Alicia Muñoz (la misma autora de Justo en lo mejor de mi vida), que se estrenó en el teatro Carlos Carella.

La herencia que le dejó un tío a Julián (Rubén Stella), ¿es realmente un golpe de suerte? Pochi (Mimí Ardú) cree que sí, que va a poder cumplir muchos sueños postergados. Franco, el hijo (Ignacio Toselli) supone lo mismo. Tonio (Esteban Prol), amigo de la familia, celebra la noticia. El único que no está tan seguro de que la herencia sea algo bueno es el propio Julián. Y Celia (Haydée Padilla) vive su mundo; ni siquiera acepta la muerte del difunto, un hermano suyo.

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Che, el musical argentino

Otro mito en clave de música

"Queríamos pasar al Che de la camiseta a la cabeza. Y si baja al corazón, mejor todavía". Mientras sobre el escenario mayor de la Ciudad Cultural Konex, un adolescente Ernesto Guevara le regala uno de sus dos pantalones al hijo de un peón que trabaja en su casa, ante la atónita mirada de la criada de su familia, y la aprobación de su madre, Oscar Mangione, en la platea, justifica la elección del revolucionario argentino como protagonista de su primer musical.

A su lado, Oscar Laiguera, su socio en la autoría de la obra, suma razones. "En lugar de meterse con personajes imaginarios, ¿por qué no hacer grandes construcciones teatrales y musicales con personajes de nuestra historia?", pregunta, sin esperar respuesta, antes de agregar: "A los argentinos ya nos vinieron a contar la historia de Evita en un musical, y pensamos que en cualquier momento vendrían productores de los Estados Unidos o Europa para hacer lo mismo con el Che. Y entonces, decidimos anticiparnos".

"Al final venceré". Ernestito ahora canta junto al coro y, con su grito, espanta al asma, ese enemigo que lo apremia, una y otra vez, en sus años de crecimiento.

Con el libreto casi listo, tras casi dos años de investigación y escritura, Mangione y Laiguera le ofrecieron la dirección de su apuesta a Daniel Suárez Marzal, quien aceptó el reto. "Al principio me pareció una inconciencia. Pero me gustó la idea", admite el elegido, que por un rato abandona su función, para sumarse al diálogo.

Y autores y director coinciden que el musical como género suele ser asociado con una mirada frívola de los temas que aborda, Suárez Marzal dispara: "Habría que apuntar a que también puede haber un musical no banal".

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Un musical con dimensión épica
El elenco está integrado por Alejadro Paker, Germán Barceló, Marisol Otero, Florencia Benítez, Roxana Carabajal y Marilí Machado, entre otros. Funciones: de jueves a sábados, a las 21 horas, y domingos, a las 20. Entradas, desde $60.

El Ratón Pérez Súper Poderoso

El Ratón Pérez

Mañana debuta "El ratón Pérez Súper Poderoso" en el Gran Rex. Dentro de los trajes enormes de los muñecos, hay mini ventiladores para aguantar el calor. La gira seguirá por el interior del país.

El escenario del Gran Rex se pobló de ratones. Pero no hay que preocuparse: son los personajes de El Ratón Pérez Súper Poderoso, el espectáculo infantil que mañana, a las 16, arrancará su gira mundial en esta sala con cuatro únicas funcio nes (termina el domingo).

Mientras el director Rubén Roberts da las indicaciones a los trece artistas para ensayar el cuadro de "los vuelos acrobáticos", detrás suyo una enorme pantalla muestra diferentes escenografías en 3D. Y, dicen, para la función se agregarán otras cuatro.

"Esta es una versión original, con muchos elementos virtuales. La base es, además de la historia, la multimedia. Entre otros lujitos, la música incidental es de Carlos González, toda una eminencia en la materia", asegura Roberts, siempre ladeado por el coreógrafo y asistente de dirección del espectáculo, Marcelo Caballero. Y agrega: "Queríamos hacer una película en escena. Y con la producción de Fénix y de José Lataliste (productor ejecutivo) lo logramos".

La cuenta regresiva se acaba: todo y todos se mueven alrededor. Mientras dos asistentes empujan hasta el escenario el barco celeste y de madera en el que navegarán durante la obra los ratoncitos, otros tantos llevan los enormes peces de peluche que participan en la aventura acuática del protagonista.

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Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi: El Matadero

Una exploración sobre la violencia

Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi se inspiraron para su última creación en uno de los textos fundantes de la literatura argentina que inspiró a escritores como Osvaldo Lamborghini, Jorge Luis Borges y Julio Cortázar.

El Centro Cultural Ricardo Rojas celebra sus prolíficos veinticinco años de vida con una serie de propuestas especiales. A mediados de abril llega la primera, El Matadero. Un Comentario, obra dramático-musical de Marcelo Delgado y Emilio García Wehbi, creada a partir de uno de los textos fundantes de la literatura argentina que inspiró a escritores como Osvaldo Lamborghini, Borges, Bioy Casares y Cortázar y a artistas visuales como Enrique Breccia y Carlos Alonso. Relato breve, irónico y emblema del romanticismo rioplatense, El Matadero, de Esteban Echeverría, regresa en formato de ópera de cámara para dos protagonistas, una bailarina y un coro de seis voces, manteniendo su núcleo de sangre y muerte, metáfora de la opresión rosista y del enfrentamiento entre unitarios y federales, pero con un tratamiento contemporáneo que abre sentidos sobre la violencia más allá de su signo. Este es el tercer trabajo conjunto de Delgado (destacado compositor) y Wehbi (miembro fundador de El Periférico de Objetos y director con una extensa trayectoria), tras las puestas de Sin voces y Anna O., en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. El debut será el 17 de abril a las 21 en la Sala Batato Barea del centro (Corrientes 2038).

“Al recibir la propuesta del Rojas con la única sugerencia de mantener algún nexo con la literatura argentina, enseguida pensé en El Matadero, una historia corta y con muchas puntas interesantes para desarrollar. Empecé a trabajar la partitura a partir de la idea básica de no usar instrumentos, sino sólo voces, y que éstas sean masculinas. Y trasladar así la antinomia del texto original civilización o barbarie –que tal como la planteamos en la puesta no es tal– a dos tipos de voces muy diferenciadas. Por un lado, una voz cultivada de contratenor (masculina, pero cuya tesitura corresponde a la voz de soprano o de contralto, que son registros femeninos), y, por otro lado, una voz de arrabal, bien de barrio; además de un sexteto vocal masculino que funciona como un coro, emparentado con el de la tragedia griega, pero sin dar preceptos morales, y que juega en forma ambivalente tanto con la figura del unitario como con la del mazorquero”, explica Delgado.

–¿Cómo encararon la dramaturgia?

Emilio García Wehbi: –Pensar El Matadero como una puja de machos, de voces masculinas en pugna, me pareció una idea conceptualmente perfecta. Desde esa masculinidad y desde la idea de que es la Argentina lo que está en disputa, y que lo que se faena es el cuerpo de una vaca, surgió la idea de poner en escena un cuerpo femenino que podría portar un significante más amplio. Y a partir de ahí empecé a trabajar con la idea de superposiciones de voces: un mundo europeo y un mundo bárbaro. Las voces de una nación hechas de capas provenientes de diferentes registros, fuentes y referencias. Así empecé a construir un texto casi hecho de citas de la literatura, de la cultura popular, de la historia, de documentos sobre cría y faena de ganado. Entre muchas otras, hay referencias a autores como Lautréamont y Kafka que comentan el texto de Echeverría y que dan cuenta de ciertos aspectos de la historicidad argentina. El resultado es una superposición de voces y de estilos, un cocoliche literario. Fue desafiante porque me interesó trabajar con el material original, reflexionar sobre él y a la vez producir una lectura nueva. Y en el intento de entender de qué habla hoy El Matadero, apareció la necesidad de una reescritura, pero sin que nuestra mirada empañe la del autor, más allá de algunas salvedades. Echeverría, por ejemplo, sólo ironiza sobre la figura de Matasiete, el federal; nosotros también lo hacemos con el unitario.

Marcelo Delgado: –Es más, en el texto original el unitario aparece casi al final y acá está todo el tiempo en escena, interviniendo sobre su propia historia y sobre lo que dice el mazorquero. Mas que civilización o barbarie sería civilización y barbarie, la convivencia de ambas.

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La ficha

Agustina Muñoz

Vivir de un modo distinto

Dramaturga, directora y actriz. Viene de una familia de abogados y se hizo su camino. Escribió y dirige "El calor del cuerpo". Tiene 24 años.

Se estrenó como autora a los 20 años con la idea de que era muy joven y que era preferible recibir críticas a esa edad que después. "¿Cuántos palos me pueden dar?", pensó en ese momento. Y así se despachó con Las mujeres entre los hielos. Pero el resultado fue todo lo contrario a lo que ella temía: no solamente aprobaron su proyecto para representar la obra en El Camarín de las Musas, sino que su texto tuvo el reconocimiento de ser premiado por el Instituto Nacional del Teatro.

No pasó mucho tiempo de eso, pero la carrera de Agustina Muñoz creció vertiginosamente. Hoy tiene 24 años, recibió el premio del Festival de la Escena Alternativa en España por su obra Neón, que todavía no estrenó, y escribió y dirigió El calor del cuerpo, que se presenta en el mismo teatro que la apoyó al principio, en el barrio de Almagro. Además, trabajó como actriz en dos películas de Inés Oliveira de Cézar y sus obras forman parte de antologías de jóvenes dramaturgos del Instituto Nacional del Teatro y de la editorial Entropía. Nada mal.

Dice que está construyendo un estilo propio y que en sus obras se hace visible una pregunta que las recorre. "Tiene que ver con los lugares: cómo los territorios influyen a las personas, cómo el afuera reprime", explica. Neón, ganadora del premio en España, trata sobre parejas que viven en una escena que parece de posguerra; Las mujeres entre los hielos se estructura en torno a personajes que regresan de una base científica en Alaska. El calor del cuerpo se desarrolla en una playa en la que los protagonistas, sumidos en la inacción, se buscan, se desean, pero nunca logran acercarse.

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Martín Giner y Gabriel Carreras: Medio pueblo

“Hay un recambio muy interesante”

Los integrantes del grupo Calavera Teatro presentaron en la Fiesta Nacional que terminó ayer en Resistencia el unipersonal Medio pueblo. Y reflexionan sobre el movimiento creativo que se generó en el NOA en los últimos tiempos.

Muchos son los que auguran un cambio climático y la inusual ola de calor que en estos días agobió a la Fiesta Nacional del Teatro que terminó ayer así lo confirma. Las largas colas que se formaron en las seis salas consagradas al encuentro mostraron un público entusiasmado y sudoroso, con la piel abrillantada sin excepción por el uso del repelente de mosquitos recomendado para prevenir el dengue, un tema de preocupación generalizado. Muchas son las anécdotas que llevan y traen los elencos, que además de presentarse en Resistencia se desplazan hacia alguna de las 12 subsedes del interior de la provincia, incluido el pueblo de Charata, foco de la enfermedad que ya causó dos víctimas fatales. No obstante el riesgo, los grupos parten con entusiasmo hacia Sauzalito, en el Impenetrable, La Tigra, Las Breñas o Taco Pozo, en el límite de Santiago del Estero.

Pasan las jornadas de la fiesta y, sin embargo, quienes están en Resistencia desde el comienzo siguen comentando algunos de los montajes de los primeros días. Como el espectáculo representante de Corrientes, Las hijas de Satarsa, una versión libre del cuento de Julio Cortázar por el grupo Germinal, con dirección de Lorena Busciglio; o Pan de cada día, historia sin palabras que presentó La Compasiva, de Temperley, provincia de Buenos Aires, bajo la dirección de Alfredo Badalamenti. Muy elogiadas también fueron las tres obras que representaron a Córdoba: W Invasión extraterrestre, de Gonzalo Marul; Edipo R, versión de la tragedia de Sófocles con muñecos y actores, con dirección de Luciano Delprato, y la brillante La fonda cordobesa, creación del personalísimo Paco Giménez.

Procedente de Tucumán se presentó en estos días Medio pueblo, unipersonal de Gabriel Carreras, con dirección del propio autor, Martín Giner, ambos pertenecientes al grupo Calavera Teatro, que viene trabajando desde hace nueve años en la capital provincial. Se trata de una historia narrada por uno de los sobrevivientes de la singular catástrofe sucedida en un pueblo dividido en dos mitades. El actor volvió a lucir sus cualidades expresivas, como lo hizo en Freak Show, obra del mismo grupo presentada hace tres años en el Festival Internacional de Salta. Representadas por medio centenar de muñecos de trapo erguidos sobre varas de madera, las dos partes del pueblo se dividen en “los antiguos”, aún sometidos al sistema de vasallaje, y “los modernos”, en plena revolución industrial. El atractivo conjunto tuvo su origen en el interés que Giner tiene por la pintura: “Tomé al puntillismo como técnica para intentar que, desde las notas de color individuales, fuese creándose algo mayor, en este caso, un pueblo definido como una suma de individualidades”, relató en conversación con Página/12, junto al intérprete del espectáculo.

–¿Cómo caracterizaría a una y otra parte del pueblo?

Martín Giner: –Busqué una forma de mostrar pares de opuestos. Quería representar la evolución humana en lo político y social. Cuando estrenamos la obra, muchos vieron reflejado el conflicto del campo. Lo interesante de hablar de cosas que se repiten y que están presentes en cualquier contexto es la resonancia que tienen, más allá de tu voluntad. Las dos partes del pueblo sufren lo mismo, la explotación y alienación. Y esto hoy también ocurre. Las cosas hubiesen sido diferentes de haber mantenido la unidad cuando tuvieron un objetivo común. Pero faltó la cabeza...

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Mónica Viñao y Daniel Fanego: Paisaje después de la batalla

Un lienzo sobre el ocaso del poder

Hoy se estrena, en el San Martín, Paisaje después de la batalla, con Daniel Fanego

Daniel Fanego toma a Analía Couceyro por la cintura y le dice "Mi noche queda a oscuras". Ella llora; sigue poseída por su personaje. El actor mira a la directora, Mónica Viñao, y le sugiere que la luz comience a debilitarse antes, ni bien comienza aquel desgarrador parlamento que concibió Ariel Barchilón en 2003, gracias a la Beca de Dramaturgia del Instituto Nacional de Teatro. Un ejército verdadero, no aquel que describe Paisaje después de la batalla , rodea la escena. Vestuaristas, escenográfos y sonidistas y técnicos se alistan para el estreno de hoy, en la sala Cunill Cabanellas, del Teatro San Martín.

Se advierte a los intrusos de modo reiterativo pisar con cuidado y estar pendientes de sus propios pasos. Los consejos no suenan exagerados. Viñao lleva su brazo vendado y se recupera de aquella herida de guerra que sufrió mientras dictaba tácticas a sus soldados. "Para que tengas suerte en los estrenos, los ingleses dicen «Break a leg» [Que te rompas una pierna]. Me imagino que esta quebradura debe ser un buen augurio", ríe la realizadora.

Los actores bajan la guardia y se relajan por unos instantes. Néstor Sánchez ejecuta un ejercicio vocal y comienza a enumerar las preposiciones. "¡No! Te olvidaste de según y sobre", corrige Fanego la lista de su compañero.

Un actor intenta en vano distraer a Couceyro, quien recrea a una criatura víctima de un amor prohibido y de un Tatita bien déspota. La actriz está acurrucada sobre el piso del escenario que equivale a una enorme reproducción de un lienzo de Juan Manuel Blanes. Viñao viajó a Entre Ríos, al Palacio San José, que perteneció al general Justo José de Urquiza para ingresar en esta atmósfera en la que está ambientada la obra.

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Premios Atina

La Galera Encantada, la gran ganadora

Lo destacado del teatro infantil durante 2008

Mañana se entregan los premios de la Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (Atina) destinada a la producción 2008. Este galardón tiene como objetivo estimular a los realizadores que se dedican al género infantil y juvenil. "Nuestra institución no premia al mejor, no nos parece justo y es muy difícil establecer aquel criterio. Lo que se reconoce son las labores destacadas", dice María Inés Falconi, miembro de Atina. María Elena (La Galera Encantada), Fedro y el dragón (del grupo salteño La Faranda) y Pata de fierro (de la compañía de títeres La Hormiga Circular, de Río Negro) recibieron una mención al mejor espectáculo de la última temporada.

Además, Diego Reinhold y Omar Calicchio (ambos de La trup sin fin ) y Mauro Menegat ( Código pirata ) ganaron como intérpretes masculinos. Mientras que en el rubro femenino, Lali Lastra ( María Elena ), Patricia Signorelli ( El extraño viaje de Nikolaus Piper ) y Natalia Maldini ( Código pirata ) fueron las distinguidas. En cuanto a la dirección, Héctor Presa ( María Elena ), Hugo Midón ( La trup sin fin ) y Dardo Sánchez ( Pata de fierro ) resultaron galardonados. También Atina distinguió a Héctor Presa ( María Elena ), Adriana Ferrari ( La casita feliz ) y Luis Rivera López ( Cuentos de la selva ). Con respecto a la coreografía, recibió su premio la labor de Mecha Fernández ( María Elena, Robin Hood y De paraguas ) y Carlos Trunsky ( La trup sin fin ). También, Carlos Gianni ( La trup sin fin ) y Maximiliano López y Mauro Angelini ( Juanito... a la orilla ). En Adaptación: Hugo Alvarez, Claudia Peña y Fernando Arancibia, y Luis Rivera López.

Otros premiados son el de la trayectoria, a La Galera Encantada; al medio que contribuyó a la difusión de las actividades de este género, a la revista Planetario ; y a la investigación teatral, a Nora Lía Sormani. La ceremonia tendrá lugar mañana, a las 20, en La Comedia, Rodríguez Peña 1062.

Fuente: La Nación

Norman Briski

"El teatro también es un deporte"

Tendrá, en poco tiempo, cinco obras en cartel. Mientras ensaya una pieza de Vicente Muleiro sobre Jorge Rafael Videla, explica su trabajo en "Tratame bien", donde hace de un psicoanalista.

Aunque no recuerde con exactitud las fechas, lo cierto es que Norman Briski planea poner en escena cinco espectáculos en los próximos meses. Un abanico teatral que incluye, en principio, dos reestrenos: Sólo brumas, de Eduardo Pavlovsky y La posta de los generales. Mientras que debutará, por otro lado, con Cuentos para el Coco, Cabezas trocadas -escritas y dirigidas por él- y están avanzados los ensayos de Vide-La cinta fija, de Vicente Muleiro, donde Briski dirige y actúan Marcelo Mazzarello y Marcelo D'Andrea. "Nunca se sabe cuándo se hará una obra -cuenta Briski sentado en un bar de Barracas, su barrio desde hace varios años- y entonces tiro la línea para pescar al grupo, para ver si vamos a conseguir la guita. A veces sucede esto: aparecen demasiadas cosas por hacer".

¿Qué líneas tiró para atraer la atención sobre estos trabajos? Podemos hablar de "Cabezas trocadas", por ejemplo.

Esa pieza nace por el atractivo de que el protagonista de la obra es una cabeza. Una masajista le corta la cabeza al protagonista y se la pone a su novio que quiere ir a luchar a Palestina. Todo lo que pasa es muy gracioso. De alguna manera, me investigué a mí mismo, a partir de lo que sucedería si yo estuviese paralizado, viviendo intensamente sin ir a ningún lado. Probablemente tenga que ver con mi edad.

"Cuentos para el Coco" surge a partir de una serie de relatos que escribió. ¿Cómo ejecutó la transición de esos textos al teatro?

Son doce cuentos o ejercicios dramáticos mezclados con literatura casi fantástica. Mi compañera es actriz y tomó diez relatos y los puso en escena en formato unipersonal. Yo la dirijo.

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Edda Díaz: Mi reina, amorcito, corazón

Edda Díaz: "El machismo está acabado"


La actriz sigue fiel al café concert con "Mi reina, amorcito, corazón". Dice que no vio la obra de Gasalla, que a los hombres cómicos les fue mejor que a las mujeres y que sabe poco de stand up.

La pregunta es cuándo se pudrió del humor y la respuesta empieza con una cara como dibujadita por Quino. La boca es una línea en forma de U y a los costados se le arman los mofletes. "Uh, —piensa en voz alta—: éste me quiere sacar un título".

La sospecha viene a cuento de la obra que está presentando, Mi reina, amorcito, corazón, cuyo spot publicitario apunta a lo hilarante y divertido del asunto. Pero el sábado, cuando salís del teatro y le mirás la cara al de al lado... "¿Qué? ¿Qué pasa cuando le mirás la cara al de al lado?"

Hay humor, sí, claro, es Edda Díaz. Se adivinan los guiños del viejo café concert (sí, es Edda Díaz), ¿pero esta obra no es una especie de tragedia griega? Con cierto temor al ridículo, cinco días después, se lo decimos en su casa —"muy rico todo, Edda"—. y la U de Mafalda empieza a modular un descargo llamado experiencia. "Son gustos que una se da a cierta altura de la carrera. Nunca me pudrí del humor. No hay dos hermanos gemelos más gemelos que la comedia y la tragedia, y yo soy una mujer pasional. Este personaje dice que se acabó la joda, porque ahora te va a decir la verdad. Este personaje hizo bromas durante 25 años y llegó a este presente".

Paréntesis: ¿Hablará de ella?, ¿del personaje de ella en la entrevista?, ¿del personaje de la obra?

"El humor no lo elegís, el humor te elige a vos y considero que es una forma elevadísima de inteligencia. Hay pocos actores que pueden tocar la tragedia y la comedia al mismo tiempo. En el teatro yo necesito vibrar y que me hagan vibrar, y esta obra, a fin de cuentas, habla de las mujeres golpeadas".

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