Mecanismos del cortejo

"Mecanismos del cortejo" se está presentando los jueves, a las 21, en ElKafka, Lambaré 866, Capital Federal.

"Trabajamos mediante consignas (entendidas como condiciones de posibilidad) tendientes a producir estrategias actorales, reconociendo procedimientos, recursos y perspectivas fortuitas", relata su director, Luis Cano.

Y agrega: "Nos planteamos una actuación circunstancial, más acá de una valoración estética. Y hacer un espectáculo que muestre lo que podemos actuar -aunque todavía no lo hayamos hecho-".

Actúan Gonzalo Alvarez, Lidia Epsztejn, Miguel Israilevich, María Eugenia López, Agustín López Pavan, Tamara Raschcovsky, Noelia Sciancalepore, Ana Laura Urso, y Constanza Viceconte.

Reservas al 4862-5439.

Hugo Urquijo: Cuestión de principios

“Retratar dos concepciones del mundo”

Un padre escribe sus memorias. Y una hija, distanciada de él desde hace años, debe editarlas. Ese es el punto de partida de Cuestión de principios, que protagonizada por Víctor Hugo Vieyra y Adriana Salonia se presenta en el Teatro del Pueblo.

En una obra de “ideas encarnadas”, padre e hija discuten apasionadamente, evocan hechos y disienten. El director teatral y médico psicoanalista Hugo Urquijo dice conocer a fondo la época que uno de los personajes intenta recuperar en Cuestión de principios, la más reciente obra de Roberto “Tito” Cossa, que se presenta en el Teatro del Pueblo. Conoce la época y los ideales que la sustentaron desde sus años de estudiante universitario, cuando se intentaba reformar la enseñanza, crecía el entusiasmo por la Revolución Cubana y se adhería a la idea de que, más allá de los sectarismos, un mundo mejor era posible.

Pero no es sólo ese conocimiento lo que habilita a Urquijo a dirigir Cuestión... Lo convocó el mismo Cossa, quien acaba de regresar de Canarias portando su Premio Max, distinción otorgada a personalidades hispanoamericanas de las artes escénicas. Y con la aceptación para dirigir llegó el asombro ante el final dado por el autor a un match de pensamientos y emociones y ante la precisión de un texto “que fluye en boca de los actores”. El director dice: “Me impresiona que en sólo 65 minutos –el tiempo que dura la obra–, Tito haya retratado sin perder complejidad dos concepciones del mundo”. La obra exige poner atención en el entramado psicológico e ideológico de dos modelos, y Urquijo no rehuyó la tarea. Lo componen el discurso que sostiene “un militante de izquierda de los años ’50 y ’60 –que quiere dejar testimonio de su lucha en el movimiento obrero– y el de su hija, escritora con cargo en una editorial, que dejó de compartir las ideas de su padre y a quien no ve desde hace años”. Ella, por otra parte, es la encargada de editar ni más ni menos que las memorias del padre.

–¿Publicar las memorias supone en este caso admitir que la lucha quedó atrás?

–No, el padre no cree eso, ni piensa que se equivocó; necesita dar testimonio y cree que puede confiar en su hija, aunque estén distanciados.

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Historia de un crimen
La responsabilidad de la ética

Fiesta Nacional del Teatro: Escrito en el barro

Teatro en el interior (del interior)

En pleno monte chaqueño se presentó Escrito en el barro, la primera obra de criollos en territorio wichi

EL SAUZALITO, Chaco.- En su ubicación actual, El Sauzalito fue fundado en 1979. En el pueblo mismo y sus alrededores viven unas 7 mil personas. El 50 por ciento es wichi y, el resto, criollo. Desde Resistencia, en donde hoy a la noche culmina la 24ª edición de la Fiesta Nacional del Teatro, para llegar a Sauzalito hay que pasar por Roque Sáenz Peña (donde se acaba de recuperar un teatro), llegar a Castelli y -de allí- atravesar El Impenetrable por caminos de tierra en los cuales, por momentos, la arena se transforma en un iceberg denso detenido en el espacio.

Los 600 kilómetros demandan unas diez horas de coche (vía ómnibus, hay que calcular muchas más horas, y si llueve, El Impenetrable es eso: impenetrable). En el marco del encuentro escénico que organiza el Instituto Nacional del Teatro y el gobierno local, la función en El Sauzalito fue la extensión que más complejidades demandó. Más allá de ese aspecto operativo, es la primera vez que un elenco profesional blanco llega a estas tierras tan alejadas, en las que la comunidad wichi y los criollos se abren paso en medio de la espesura del monte y del calor.

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La niña de la noche

La lucha contra los temores de los niños

Los títeres de La niña de la noche, en los festejos por los 25 años del Grupo Catalinas Sur

El temor ancestral a la oscuridad revive en cada niño al momento de ir a dormir. Así también le ocurre a Alvarito, hasta el punto de que se aferra casi obsesivamente a lámparas y linternas para eludir la noche. Hasta que la repentina aparición de Morena lo introduce en un mundo nocturno pleno de sorpresas, comenzando por el rap que ilumina la negritud de la niña.

Apagando las luces se despeja la penumbra y surgen sonidos y colores en tonalidades inesperadas. Alegres grillos de ritmo caribeño y una rana bataclana que entona un blues, aunque también un búho agorero y aguafiestas, son personajes muy lejanos a las pesadillas de monstruos que temía Alvarito. Apagando las luces se prende la fiesta.

La obra de títeres sobre un escenario amplio y abierto del Grupo Catalinas Sur es una versión libre de La niña que iluminó la noche , el cuento de Ray Bradbury popularizado entre nosotros en una bella versión ilustrada de Ediciones de la Flor, en el que apenas se sugiere poéticamente las posibilidades que despliega la puesta en escena de Ximena Bianchi. Las figuras de los pobladores de la noche enunciadas por el texto toman cuerpo en el teatro, cada uno con su música, que define su personalidad. Así el gato maula que no puede ser sino tanguero de ley a la tenue luz del farol, o los mosquitos mariachis, un tanto beodos y parasitarios en su rincón.

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En el Teatro de la Ribera, Av. Pedro de Mendoza 1821. Domingos, a las 16. Entradas: 15 pesos.

Mi vida después

Relatos deliciosamente crípticos

Los hijos de la dictadura, bajo la mirada no convencional de Lola Arias

Puede resultar contradictorio -o paradojal para ser más precisos- afirmar que Mi vida después es un espectáculo tan sencillo como complejo, tan correcto como incorrecto en su posicionamiento estético, filosófico y político. Una mirada nostálgica de la modernidad lamentará la falta de un gran relato (tanto ideológico como dramático), pero una más pragmática podrá gozar con un cripticismo que parece permitir cualquier tipo de encuentros y de alianzas.

Aclaremos. Mi vida después es una obra muy altamente influenciada por ciertas estéticas europeas contemporáneas. Y para ser más exactos, puede decirse que hay una fuerte presencia de Rimini Protokoll, colectivo estético al que pertenece Lola Arias junto a Stefan Kaegi, quien a su vez es uno de los más notables representantes de una estética que puso en crisis el concepto de ficción en el teatro. Y este era precisamente el perfil del ciclo Biodrama -creado por Vivi Tellas, para la sala Sarmiento- del que Kaegi participó con un espectáculo llamado ¡Sentate! Un Zoostituto . Y aunque el Complejo Teatral no inscribe a esta propuesta dentro del ciclo ya cancelado, claramente pertenece a él y lo clausura de un modo fecundo.

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Segunda ópera prima, Galileo sobre la mesa, 3 obras 3, "¡Qué ju lepe! Una de ratones", y Pata de fierro

Estreno. Hoy, a las 16, en el Maipo Club (Esmeralda 449) se estrena Segunda ópera prima , escrita y dirigida por Gustavo Monje e interpretada por la Compañía de Teatro Musical del Instituto Universitario Nacional de Artes que dirige Ricky Pashkus. Continuará sus presentaciones los sábados y domingos, a las 16. Informes: 4322-4882. Entradas: 20 pesos.

Según Galileo. Continúa en el Centro Cultural Rojas (Corrientes 2038) las funciones de Galileo sobre la mesa -con técnica de teatro de papel- del Grupo Ad Hoc, que dirige Horacio Tignanelli. Los sábados, a las 19.30, en la sala Biblioteca. Informes: 4954-8352. Entradas: $ 15 (capacidad de la sala: 30 localidades).

Títeres. En el Museo del Títere (Piedras 905), hay funciones de títeres para niños los sábados y domingos, a las 16 y a las 17.30. Hoy, Guillermo Bernasconi estará con 3 obras 3 y mañana, Mariel Lewitan llevará ¡Qué ju lepe! Una de ratones. Entradas: 12 pesos. Informes: 4304-4376.

Desde Río Negro. Pata de fierro, de la Compañía de Títeres La Hormiga Circular -de Villa Regina, Río Negro- tendrá una función especial en la Sala de la UPB (Campos Salles 2145), mañana, a las 17.30.

Fuente: La Nación

Cuestión de principios

Se estrenó una nueva obra de Roberto Cossa

Cuestión de principios confronta a dos generaciones

Luego de ocho años, el prestigioso dramaturgo Roberto Cossa ("Tito"), el autor de La nona , Gris de ausencia , Nuestro fin de semana , Yepeto y Tute cabrero , entre otras tantas piezas emblemáticas de nuestro teatro, regresó ayer con un nuevo texto. Se trata de Cuestión de principios , que se centra en la relación entre un padre y su hija.

Para esta pieza, Cossa convocó a Hugo Urquijo, quien dirige a Víctor Hugo Vieyra y a Adriana Salonia. Ambos le dan vida al reencuentro, luego de años de un doloroso silencio, entre un sindicalista y su hija, una exitosa editora, quien se enfrenta con el pedido de padre para terminar de darles forma a sus memorias. Estas dos generaciones se enfrentan en una lucha entre las utopías y los ideales de los setenta, por un lado, y el pragmatismo y escepticismo de los noventa, por el otro.

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Sala: Teatro Sarmiento. De jueves a domingo.

Luisa se estrella contra su casa

Las formas de escapar del dolor

Ariel Farace construyó una impecable pintura de la soledad y lo cotidiano como fórmula de evasión

Hay algo que me golpea. Ocho directores en acción fue el nombre del proyecto que, en 2007, presentó el Festival Internacional de Buenos Aires y donde Ariel Farace mostró un avance de este ahora acabado espectáculo, Luisa se estrella contra su casa.

La experiencia tiene una protagonista particular: Luisa, una mujer que ha perdido a su pareja en un accidente de tránsito, vive en soledad y casi encerrada en su casa. Y sólo dos acontecimientos la mantienen conectada con el mundo real: la radio y la salida a un supermercado. Hay también un vecino que la molesta con su música, pero como esa presencia es perturbadora, ella opta por no incluirlo en su mundo íntimo.

Aun su desgracia personal y su profunda soledad, Luisa se muestra activa; describe su vida con interés y obliga a prestarle una atención extrema y, no porque la mujer haga muchos esfuerzos, sino porque de continuo su vitalidad es arrasadora. Claro que su memoria traerá por tiempos a su pareja muerta y, en otros, sus diálogos con el polvo limpiador poseerán una creatividad inusitada. Luisa está anclada a ese tiempo personal que la convierte en entrañable. Su debilidad es una señal intensa pero es tan reconocible que no hay manera de escapar de ella. Es un hermoso personaje.

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Soñar en Boedo

Soñar en Boedo

Los viernes y sábados, a las 21, dirigida por Julio Baccaro, con Rubén Stella, Mimí Ardú, Haydée Padilla y elenco. En la sala Carlos Carella, B. Mitre 970 (4345-2774).

Fuente: La Nación

Ariel Barchilón: Paisaje después de la batalla

Las pulsiones de la historia

El dramaturgo cuenta el origen de su premiada "Paisaje después de la batalla", que se estrena hoy en el San Martín.

Una joven morena, que borda un tapiz donde se representa una batalla, es sorprendida por su amante. El sobresalto hace que se pinche un dedo con la aguja y que una gotita de sangre caiga sobre el dibujo del pecho del general vencedor de esa batalla", reprodujo el dramaturgo argentino Ariel Barchilón en los apuntes sobre la génesis de su obra Paisaje después de la batalla. El sabía desde hacía tiempo que esa imagen que le había surgido en un ejercicio de escritura tenía una enorme potencialidad. Dos años después de concebirla, cuando el Instituto Nacional de Teatro abrió la convocatoria a una beca para doce dramaturgos, esa imagen comenzó a germinar. Fue así que escribió Paisaje después de la batalla en el taller de dramaturgia que dictó Mauricio Kartun, gracias a la beca obtenida. Recibió, luego, el Primer Premio Ciudad de Buenos Aires, por el bienio 2002-2003. Y esta noche, la pieza se estrenará en la sala Cunill Cabanellas del teatro San Martín.

Barchilón nació en la provincia de San Juan en 1957. "A los 16 años empecé a ir a un taller de teatro que era de la universidad. Yo siempre escribí, desde muy chico, pero hasta entonces nunca había visto teatro. Mi primer clase de teatro me partió la cabeza", confiesa Ariel. A los 18 se vino para Buenos Aires y por unos años fue actor. Es Licenciado en Letras por la Universidad de Buenos Aires y fue docente de Literatura Argentina. "Los temas que trato en esta obra tienen que ver con cosas que he estudiado".

Antes de escribir teatro, se dedicó a la narrativa y a la poesía. "El teatro requiere madurez y es una escritura mucho más difícil", dice. El primer texto dramático suyo que se estrenó fue Los impunes, que dirigió Lorenzo Quinteros. Barchilón fue uno de los fundadores del Proyecto Puentes. Y actualmente se dedica a la dramaturgia y a la docencia.

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Fiesta Nacional de Teatro

La noche del adiós

La XXIV edición de la Fiesta Nacional de Teatro culmina esta noche en Resistencia, Chaco. En este encuentro se reunieron elencos de varias provincias que convocaron una gran afluencia de público. Tan sólo en la capital chaqueña se realizaron 55 funciones con 14 mil espectadores. Las entradas de la fiesta nacional fueron gratuitas y el público chaqueño colmó la capacidad de las salas.

En el cierre de la fiesta se presentarán Martha Stutz, de Javier Daulte, en versión del grupo sanjuanino Círculo de Tiza. De Capital Federal, habrá una función Lote 77; y del Chaco, La cacería, una obra la experiencia de hombres atrincherados que trabaja un cruce entre el cine y el teatro. La dirigió Fabián Díaz.

En los diez días que duró la fiesta Nacional del teatro, La Fonda Cordobesa, de Paco Giménez, Pan de cada día, de Bandfield, y La Bohemia, de Mendoza, fueron tres de los espectáculos de muy buen recibimiento de público.

La Fiesta se extendió a seis localidades chaqueñas. Allí realizaron 25 funciones y reunieron 7.300 espectadores. Uno de los pueblos donde hubo funciones fue Sauzalito, en una comunidad Wichi. Allí se presentó Escrito en el barro, de Andrés Bazzalo. La fiesta se extendió, además, a Formosa, Misiones y Corrientes.

Fuente: Clarín

Segunda Opera Prima, "La Aurora, chinita linda si las hay", El Ratón Pérez superpoderoso, Patito feo, HI-5 Cinco sentidos en vivo

Hay mucho para ver

Un musical sobre Mozart, los regresos de "Hi-5" y "Patito feo" y un homenaje a los textos clásicos criollos, entre lo más destacado de la programación infantil.

Por estos días se presentan varias nuevas propuestas para los chicos. Hoy a las 16, en el Maipo Club se estrena Segunda Opera Prima, el primer espectáculo infantil de la Compañía de Teatro Musical del Instituto Universitario Nacional de Artes, que dirige Ricky Pashkus. Se trata de un acercamiento a la ópera pensado para los más pequeños, llevado a escena de manera dinámica. La pieza, escrita y dirigida por Gustavo Monje, cuenta la historia de Marita, una nena a la que no le gusta la ópera. Se podrá ver sábados y domingos a las 16 en Esmeralda 449, piso 2, 4322-4882, $20.

Mañana se estrena La Aurora, chinita linda si las hay, un homenaje a los textos clásicos criollos argentinos (como el Martín Fierro, Don Segundo Sombra y Juan Moreira) creado especialmente para chicos por la Cía. El Globo.

Con música interpretada en vivo, cuenta la historia de Martín, un joven gaucho enamorado de Aurora, a la que también pretende el insensible y autoritario Don Fernando, alcalde del pueblo. Domingos a las 17 en No Avestruz, Humboldt 1857, 4777-6956, $20.

Por otra parte el jueves 9 llega una megaproducción: El Ratón Pérez superpoderoso, que promete espectacular escenografía y efectos especiales para contar una aventura que lleva a sus protagonistas al fondo del mar. Sólo podrá verse hasta el domingo 12.

Como todas las semanas, el Ratón Pérez va en busca de las monedas que le da el joyero Morientes, para poner bajo las almohadas de los chicos, pero esta vez se encuentra con una muy mala noticia: no hay más monedas. En el Teatro Gran Rex, Corrientes 857, entradas al 5237- 7200.

En la misma sala, pero en un horario más tarde, a las 18.30, el viernes y el sábado el espectáculo teatral de la famosa tira juvenil Patito feo realiza dos funciones de despedida. El show -según cuenta la propia Laura Esquivel- "es como un resumen de los dos años de Patito, con canciones una atrás de otra".

Por último el espectáculo, HI-5 Cinco sentidos en vivo, se presentará del viernes 10 al domingo 12, como parte de su gira por Latinoamérica. Jenn, Kimmie, Shaun, Curtis y Karla, los personajes de la famosa serie de televisión pensada para chicos de entre 2 y 8 años, vuelven a Buenos Aires, acompañados de los reconocidos puppets Chats y Jup Jup.

El show permitirá a los chicos bailar y cantar con Canciones favoritas de la semana, La hora del cuento, disfrutar de una intrépida aventura de Piratas o la historia de una Banda de Rock. En el Teatro El Nacional, Corrientes 960, 4326-4218, únicas funciones del 10 al 12, a las 15 y a las 17.15.

Fuente: Clarín

La Flauta Mágica, Pequeñas Hadas y Sirenas, Cuento con mascotas, y De Paraguas

La Flauta Mágica

sábado 16 ANDAMIO 90, PARANA 660, 4373-5670, $15

Luego de una exitosa gira por el país recorriendo desde Tilcara a Ushuaia, se presenta de nuevo en capital, la exquisita ópera de Wolfang Amadeus Mozart en versión para títeres del grupo Babelteatro.

Pequeñas Hadas y Sirenas

sábado y domingo 16.45 COLETTE, PASEO LA PLAZA, CORRIENTES 1660, 6320-5346, $20

Un nuevo estreno del Grupo Alas. Dirección General: Gustavo Bernal. Esta nueva comedia musical del Grupo Alas transporta a los chicos al mundo fantástico de las Hadas.

Cuento con mascotas

sábado y domingo 16.30

TEATRO DE LA ASOCIACION ITALIANA DE BELGRANO, MOLDES 2157, 4781-0371, $18

Por el grupo Los títeres de don Floresto, una creación de Miguel Fontana, María del Carmen Hernández, Fernando Amarilla y Andrés Olguín.

De Paraguas

sábado17 TEATRO DEL PASILLO, COLOMBRES 35, 4981-5167, $15

Un mágico viaje para abrir los ojos y el corazón al increíble universo de los paraguas. Todo puede pasar y al finalizar sólo nos resta esperar a que llueva para seguir jugando. Coreografía: Mecha Fernández. Música: Rony Keselman. Libro y Dirección: Silvia Copello. Siete únicas semanas.

Fuente: Clarín

Griselda Siciliani

Una rosa roja que vino de Suar

Griselda Siciliani cumplió años y lo festejó. Pero eso sí, Gri no dejó de trabajar. Después de la función de La forma de las cosas, en el Multiteatro, su pareja, Adrián Suar, la pasó a buscar para llevarla a comer a un lugar top. Y la sorprendió con un ramo de flores. A pesar de que hace pocos días, Griselda recibió la triste noticia de la muerte de su abuela, los mimos de Adrián y sus amigos la reconfortaron. Sus compañeros en la obra, Fernán Mirás, Magela Zanotta y Sergio Surraco se sumaron a la cena.

Fuente: Clarín

Las dos carátulas y La ronda de los teatros

Vuelve un clásico. El próximo lunes se iniciarán las grabaciones de la temporada 2009 de Las dos carátulas, por Radio Nacional (AM 870). Con su histórica consigna ("El teatro de la humanidad") el ciclo celebra este año su 59° aniversario y se abrirá con Pancho Ramírez, obra de Graciela Tesaire, adaptada por Ivonne Fournery y basada en la historia del caudillo entrerriano conocido como "El Supremo", a quien personificará Rubén Stella. El elenco se completa con Stella Maris Closas, Beatriz Dellacasa, Susana Fernández Anca, Jesica González, Laura Mobilia, Karina Pittari, Viviana Salomón, Carlos Ameijeiras, Domingo Basile, Rodolfo Caraballo, Hugo Cosiansi, Mario Labardén, Marcelo López Foresi y Néstor Hidalgo. La cartelera del mes de abril se completará con ¡Qué noche de casamiento!, de Ivo Pelay, protagonizada por Víctor Hugo Vieyra, y Vestir al desnudo, de Luigi Pirandello, con María Concepción César. Con producción y dirección general de Nora Massi, Las dos carátulas cuenta con un equipo integrado por Leonardo Liberman (presentación del autor y relatos), Marithee Reale (locución), Javier Chiavone (edición de arte) y Patricio Schultze (asistente de producción). Las grabaciones se realizarán los tres primeros lunes de cada mes, a las 19.30, y con entrada libre y gratuita, en el estudio mayor de Radio Nacional, Maipú 555, y el programa se emitirá los domingos, de 20 a 22.

Otra vuelta teatral. A partir de mañana, todos los sábados, a las 14, estará en el aire de Radio de la Ciudad (AM 1110) La ronda de los teatros, noticiero del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA), con la conducción de Pablo Zunino, la producción periodística de Laura Rosso y la producción ejecutiva de Federico Lucini. El programa, que durará una hora, ofrecerá información de todas las obras que se presentan en las distintas salas del CTBA, junto a datos sobre publicaciones y otras actividades. Habrá notas y entrevistas con todos los artistas y técnicos que participan en cada puesta en escena, además de secciones fijas y la presencia de personalidades "extrateatrales" (historiadores, escritores, filósofos, psicoanalistas) con aportes desde distintas disciplinas. En la emisión inaugural hablarán las directoras Lola Arias, Mónica Viñao y Eva Halac, responsables de tres puestas en otras tantas salas del CTBA.

Fuente: La Nación

Noelia Noto

Fue premiada Noelia Noto

Es probable que muchos recuerden a Noelia Noto como la pequeña protagonista de la comedia musical Annie, otros como integrantes de programas de TV como Pelito, Clave de sol, Casi todo, casi nada y Gasoleros. En 2006 se radicó en España y allí acaba de ganar el prestigioso premio Max, de teatro, por su trabajo en la obra Carnaval, de Jordi Galcerán, dirigida por la niña mimada de ese país: Tamzin Townsend. Fue la mejor actriz de reparto, en la 12ª edición de los Max, que se celebró en las Canarias. En España comenzó haciendo publicidades, y siguió en cine y televisión. "Cuando me avisaron que quedé elegida en la terna, entre 50 actrices no lo podía creer. Estoy supercontenta", dijo la actriz.

Fuente: La Nación

Alfredo Casero

Alfredo Casero está de vuelta

Teatro IFT, Boulogne Sur Mer 549. Hoy,a las 24. Entradas desde 40 pesos.

El actor estrenará esta noche Estese Confuso, una nueva versión de su espectáculo The Casero Experimendo. "Mi teoría del Experimendo se ha esparcido, como bolitas de rulemán que caen de un camión andando, bastante rápido, pero con un agujero. Caen a la ruta, como desperdigadas, saltarinas y peligrosas", dijo el actor a modo de ¿aclaración?

Fuente: La Nación

Silvio Lang: La señora Macbeth

Exorcismos para un clásico

El teatrista pampeano montó La señora Macbeth, de Griselda Gambaro, en un escenario no convencional: un ex molino de Santa Rosa. Este sábado la obra tendrá como invitada especial a su autora. Lang prepara además otros dos espectáculos: Oratorio pagano y Nada de Dios.

“El Molino Werner se hallaba entre la laguna Don Tomás y las vías del ferrocarril. Había sido construido en 1946. Tiempo después fue abandonado y pasó a ser una ruina emblemática de la ciudad de Santa Rosa.” Así resume el director pampeano Silvio Lang la historia del espacio que utiliza para el montaje de La señora Macbeth, de Griselda Gambaro. Ubicado en una zona que fue residencia de los trabajadores y patrones, el establecimiento sobrevivió malamente a décadas de abandono, usurpaciones y robo de maquinarias hasta que la Caja de Previsión Profesional se hizo cargo del edificio. Ese era el momento de proponer “una pequeña intervención teatral y fue así que Lang llevó La señora... al molino”. Claro que las historias no terminan ahí. El director cuenta que en el sector ahora habilitado para la escena “cayó tiempo atrás un rayo que derrumbó el techo e hizo un agujero en el piso, justo al lado de una caldera de 15 metros”. Un desastre que devino en inspiración, pues el director y su equipo transformaron ese hueco en fondo de escena al incorporar esculturas y objetos diseñados por Rubén Schaap. Cabe aclarar que la carencia de techo convirtió a la obra en espectáculo al aire libre. Tanta anécdota merecía una función de honor. Esta será el próximo sábado y estará dedicada a los invitados: la dramaturga y novelista Griselda Gambaro y su esposo, el escultor Juan Carlos Distéfano.

Estudioso de las artes escénicas, el cine y el video, docente e investigador con obra propia (Tango nómade), Lang prepara además dos espectáculos para estrenar en Buenos Aires: uno sobre Olga Orozco, poeta pampeana nacida en Toay en 1920 y fallecida en 1999, y otro inspirado en la obra de la poeta montevideana Idea Vilariño (1920). Entre las puestas de este director premiado e invitado a festivales internacionales figuran Berenice, de Jean Baptiste Racine, La música, de Marguerite Duras; Lo que no se dice, de Tennessee Williams; Lady Aoi, de Yukio Mishima; Kadish, de Graciela Safranchik; El deseo de la Petra Polanco, de Juan José Sena; La intemperie, de Alejandro Urdapilleta, y Cámara Gesell, de Daniel Veronese.

–¿Es una característica suya gestionar la ocupación de espacios no convencionales?

–En La Pampa estrené varias obras con esa modalidad: Lady Aoi, en el Museo de Bellas Artes; Cámara Gesell, en una discoteca, algo inaudito para mi provincia; un espectáculo sobre textos del escritor pampeano Juan José Sena, nuestro Juan Rulfo, en bibliotecas; y ahora La señora Macbeth, en el ex Molino Werner.

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El batacazo

Un golpe de suerte

La obra escrita y dirigida por Mauricio Dayub, tiene mucho humor. Habla sobre el hombre y sus miserias.

A usted le va mal, a mí me va mal: ¡Juntémonos!", le dice Cobra al Nene. Dos seres a los que no les ha ido nada bien en la vida, unidos fortuitamente por el juego de un parque de diversiones. Dos criaturas llenas de carencias, que se parecen en sus faltas, pero se diferencian en el modo en el que se enfrentan a la adversidad. En El batacazo, Mauricio Dayub y Osqui Guzmán componen a estos personajes que, cada uno a su manera, despiertan pronto en los espectadores un sentimiento de afecto.

El parque está cerrado al público; ellos aparecen sin hacerse notar -al menos eso intentan-, para que ninguna alarma delate su presencia en el lugar. Cobra y el Nene ingresan por la platea, vienen hablando entre ellos, suben al escenario e inmediatamente transportan al público a su universo. Toda la obra tiene mucho humor, pero particularmente el arranque de El batacazo está plagado de gags que hacen que los personajes se presenten a través de diálogos muy graciosos.

Dayub está caracterizado de modo que por momentos no se parece en nada a sí mismo. Osqui logra ese efecto con su gestualidad, que combina resignación, pesimismo y desazón. Cobra tiene esperanzas. La suerte se atrae, dice, y en eso está, en hacer que la suerte vaya hacia él. El Nene cree que en su caso particular, la suerte lo esquiva. Estos opuestos se ensamblan con inteligencia en la trama de una pieza escrita y dirigida por el propio Dayub, que se estrenó en el Chacarerean Teatre.

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Cuestión de principios, Justo en el vacío, ¿En qué idioma te estoy hablando?, Sangre, Buenas y santas, Minetti, Soñar en Boedo, Ego, y otras

Estrenos

Trece estrenos: muchas opciones para todos los gustos renuevan la cartelera

Cuestión de principios

Hugo Urquijo dirige una nueva obra de Roberto Cossa, con Víctor Hugo Vieyra y Adriana Salonia. Viernes y sábados, a las 21. Teatro del Pueblo, Roque Sáenz Peña 943 (4326-3606). $ 35.

Justo en el vacío

Alejandro Cervera dirige a Susana Tale y Emiliano Samar, en un texto de Román Podolsky. Sábados, a las 21.30. Centro Cultural Rojas, Corrientes 2038. $ 20.

¿En qué idioma te estoy hablando?

De Savyon Liebrecht, dirigida por Manuel Iedvabni, con Natalia Señorales, y elenco. Domingos, a las 18, en El Nudo, Corrientes 1551 (4373-9899). $ 20.

Sangre

Versión libre de Otelo, a cargo de Laura Silva, con Osvaldo Peluffo, Martín Dodera, etc. Viernes, a las 21. La Carbonera, Balcarce 998 (4362-2651). $ 30.

Buenas y santas

Una pieza escrita y dirigida por Alberto Fernández San Juan, con Inés Jordana, Cecilia Colombo, etc. Viernes, a las 21.30. Sala Apacheta, Pasco 623 (4941-5669).$ 25.

Minetti

Juan Carlos Gené y Maia Francia, en un texto de Thomas Bernhard dirigido por Carlos Ianni. Sábados, a las 21; domingos, a las 20, en el Celcit, Moreno 431 (4342-1026). $ 60.

Soñar en Boedo

Ruben Stella, Mimí Ardú y Haydeé Padilla en una pieza de Alicia Muñoz, con dirección de Julio Baccaro. Viernes y sábados, a las 21. Teatro Carlos Carella, Bme. Mitre 970 (4345-2774). $ 50.

Ego

De María Candelaria Sabagh, quien también dirige a cuatro actores en torno a una mesa de pool. Sábados, a las 23. Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáenz Peña 943 (4326-3606). $ 30.

Los Rocabilis

Bernardo Cappa dirige a un numeroso elenco en un texto de creación colectiva. Sábados, a las 23. Abasto Social Club, Humahuaca 3649 (4862-7205). $ 30.

Paisaje después de la batalla

Daniel Fanego, dirigido por Mónica Viñao, en un texto de Ariel Barchilón. De miércoles a domingos, a las 21. En la sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín, Corrientes 1530. $ 35.

Argentina improvisada

Nueva obra del Mosquito Sancineto. Sábados, a las 22. Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 330 (5346-6618). $ 30.

Fuente: La Nación

Eduardo "Tato" Pavlovsky, Susy Evans, Mirta Bogdasarian, Eduardo Misch, y Norman Briski: Sólo brumas

Nota del 1 de abril

“Es una forma de conectarse poéticamente con la realidad”

El autor, el director y los protagonistas hablan de la pieza que se reestrena este viernes, cuyo primer disparador fue la noticia de las muertes de niños en Tucumán y la estratagema utilizada para ocultarlas del ojo público.

Cerebro en brumas o país de brumas o alarido que se silencia. ¿Cuánto más despierta el título de la más reciente obra de Eduardo “Tato” Pavlovsky? En la presentación de Sólo brumas se alude a lo monstruoso instalado en lo cotidiano y a la cotidianidad de lo monstruoso, de modo tal que el espectador no tiene escapatoria: se compromete ante el teatro de intensidades de Pavlovsky o lo desecha. Singulares en lo que le toca a cada cual como protagonista, Pavlovsky, Susy Evans, Mirta Bogdasarian y Eduardo Misch, dirigidos por Norman Briski, reponen esta obra este viernes en el Centro Cultural de la Cooperación, donde habrá funciones hasta mayo, cuando el equipo viaje a Francia, invitado al festival de teatro político que organiza el Centro Dramático Nacional de Dijon-Bourbogne. Un intervalo apenas para continuar en junio en el complejo de la calle Corrientes, donde fue estrenada en julio de 2008 con un recibimiento acorde a una pieza que descoloca. Experiencia a la que el elenco le pone palabras: “La aceptación fue en un momento muy fuerte; disminuyó después por el clima social y político, pero mantuvimos el interés del público hasta noviembre, final de la temporada”, puntualiza el autor, en diálogo con Página/12, junto a sus compañeros.

–¿El público se muestra reticente a la obra?

Eduardo Pavlovsky: –El tema no es agradable, sobre todo porque hoy nuestro teatro pasa por un “posmodernismo divertido”. En Francia me dijeron algo así cuando seleccionaron Potestad y Sólo brumas para el Festival Internacional Teatro en Mayo, de Dijon. Las seleccionaron por ser las únicas estrictamente políticas que encontraron. Las otras que hoy se ven están muy bien escritas, pero cuentan historias que pueden ocurrir en cualquier otro lugar; éstas, en cambio, son nuestras.

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La ficha
La mirada en Francia

"Karabalí, ensueño Lecuona", Darío Grandinetti, El Bergatín, La Funeraria, Patricia Palmer y Patricio Contreras

Nota del 1 de abril

Un Lecuona en el Xirgu. En el final de una de las funciones de Karabalí, ensueño Lecuona, del pasado fin de semana, subió inesperadamente al escenario al ritmo de la conga y, en medio de una profunda emoción hasta las lágrimas, Rafael Lecuona, sobrino y heredero del padre de la zarzuela cubana, Ernesto Lecuona. Es hijo de Fernando Lecuona, también compositor y letrista de su hermano Ernesto. Llegó desde Texas, y advertido por sus familiares del homenaje musical, Rafael contó a Los Amados anécdotas maravillosas sobre el compositor, habló de su buen humor y se atrevió a aseverar que si su tío viviera se hubiese divertido muchísimo con Karabalí, ensueño Lecuona .

Grandinetti, familiero. Luego de la función de Baraka , Darío Grandinetti se apuró para llegar a tiempo a Insoportable , el biodrama de Romina Mazzadi Arro y el grupo rosarino los Hijos de Roche, en el que trabaja su prima Mirna Pecoraro. Aunque la función ya había comenzado, Grandinetti los visitó en los camarines y le rindió homenaje al nombre de la sala: ofició como anfitrión en una cena con el elenco.

Hincha del Globo. En la sangre de la familia Cappa se encuentra la vocación por la dirección. El padre, Angel, comanda desde hace dos campeonatos la primera división de Huracán, mientras que el hijo, Bernardo, es el autor y responsable de El Bergatín y La Funeraria , que pronto se repondrán en la cartelera porteña, así como de Rocabilis , que este año se estrenará en El Abasto Social Club, y Amor a tiros , que tendrá su espacio en El Camarín de las Musas. A pesar de su agitada agenda, el dramaturgo y director siempre dice presente en los partidos del Globo a los que concurre con sus compañeros de elenco.

Patricios. La semana pasada, Patricia Palmer y Patricio Contreras comenzaron a ensayar Telémaco o el padre ausente , del chileno Marco Antonio de La Parra, dirigidos por Dora Milea. Es una reflexión sobre el poder y sus mecanismos. Los acompañan Ricardo Díaz Mourelle, Joselo Bella, Roxana Berco, Mariana Gióvine, Marcelo Martínez y Nicolás Mateo.

Fuente: La Nación

Por el placer de volver a verla

Nota del 1 de abril

Un reestreno placentero

Virginia Lagos y Manuel Callau reestrenan hoy Por el placer de volver a verla , dirigida por Manuel González Gil. En el Multiteatro (Corrientes 1283), de miércoles a viernes, a las 20.30; sábados, a las 20 y 22.30, domingos, a las 20. Entrada: 50 pesos.

Fuente: La Nación

Centro Argentino de Teatro Ciego

Nota del 1 de abril

El imperio de los sentidos

Un fenómeno de la cartelera porteña: espectáculos para ciegos realizados, en gran parte, con actores ciegos, a los que asiste todo tipo de público. La historia se inició con "La isla desierta" y ya son cinco los espectáculos que se desarrollan en la oscuridad y potencian el resto de los sentidos.

A la salida de la obra La isla desierta. Después de cenar y escuchar música en el espectáculo A ciegas con Luz. O luego de seguir las historias de Juan Carlos Puppo en Cuento puro o puro cuento. En cualquier caso, al terminar la función, si uno se asoma y juega a escuchar frases entrecortadas entre el público, se repetirá, inevitablemente, la palabra experiencia.

Si hubiese que escribir una pequeña historia del teatro ciego, en la primera página figuraría Caramelos de limón, que dirigió Ricardo Sued a inicios de los '90 en Córdoba. Luego llegó La isla desierta y, desde hace algunos meses, la cartelera porteña comenzó a sumar espectáculos que se desarrollan en total oscuridad. En suma: aquel espacio vacío del que hablaba Peter Brook; en este caso, vacío de luz, pero con otras vías de lectura y espacios de goce.

Algunos ya hablan de un nuevo subgénero dentro del teatro. Otros dicen que es sólo un recurso que debe ser trabajado para no caer en la obviedad. Lo cierto es que en la ciudad ya hay un puñado de obras sin bambalinas ni ademanes; unas cuantas piezas con escenografías sonoras que se ajustan sólo al antojo del director y no a los límites presupuestarios. Y elencos formados por un 50 por ciento de actores ciegos para los que este tipo de obras significan una salida laboral.

El inicio del recorrido por la oferta de teatro ciego debe comenzar por La isla desierta, la obra más aceitada, que ya es un clásico de la cartelera. Lleva ocho años en cartel y más de mil funciones. Luego de pasar por varias salas, ahora se presenta en el Centro Argentino de Teatro Ciego, una institución que alberga a este tipo de obras desde el año pasado.

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La isla de la fantasía

El último encuentro

Nota del 1 de abril

El último encuentro

Con dirección de Gabriela Izcovich, Duilio Marzio, Hilda Bernard y Fernando Heredia llevan adelante, en el Teatro La Comedia, la adaptación de la bella novela de Sándor Márai. Ya la vieron 10.000 personas.

Llegan los tres muy temprano. Casi dos horas antes de la función de El último encuentro (de Sándor Márai), Duilio Marzio, Hilda Bernard y Fernando Heredia dicen "presente" en el Teatro La Comedia, ubicado en Rodríguez Peña 1062. Bajo la dirección de Gabriela Izcovich estrenaron el espectáculo a principios de enero y tienen previsto continuar en cartel.

El barcito del hall del teatro es el punto de partida de ese ritual que cada uno realiza antes de salir a escena, de jueves a domingos. "Mi camarín es muy caluroso, así que mi estancia allí es muy acotada; me apuro, para no estar mucho", explica Duilio sentado en una butaca, a mitad de camino entre el cafecito que se tomó en la entrada y el camarín, donde irá a vestirse para la función. "Ponerme la ropa es el paso para empezar a concentrarme", expresa. Con el traje del personaje, se sienta luego en el escenario y repasa la letra. Permanece en ese lugar hasta que le avisan que el público está por ingresar a la sala. "Lo más lindo es ir a comer después de la función, siempre que haya con quién", anticipa.

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Ricardo Darín

Nota del 1 de abril

Darín, premiado en familia

Un galardón más para la vitrina de Ricardo Darín: el embajador de España Rafael Estrella le entregó el Premio Equinoccio cultural 2009 por "contribuir al desarrollo y fortalecimiento de un vinculo cultural entre España y Argentina, a través del cine y el teatro, logrando de una manera profunda la integración cultural entre ambos países".

El acto se realizó en la mansión del Four Seasons, donde Darín llevó una hinchada propia abultada de familiares y amigos. Desde sus afectos más cercanos (su esposa Florencia, sus hijos Ricardo y Clarita, su madre Renée Roxana, su hermana Alejandra más sobrinos y cuñados) hasta Fito Páez, que se atrevió a prescindir del elegante sport. Otros que no le fallaron al actor de Nueve reinas y El hijo de la novia —entre tantas otras películas— fueron Arturo Puig y su esposa Selva Alemán, Boy Olmi, Susú Pecoraro, Fernán Miras, Mercedes Morán, Andrea Pietra con su pareja Daniel Grinbank, Katja Aleman, Enrique Pinti, Julio Bocca, Lino Patalano, Eleonora Cassano, Alfredo Leuco, Silvina Chediek, Fernando Bravo y Carlos Perciavale. Una de las mejores vestidas de la jornada fue, claro está, Mirtha Legrand, quien se calzó un vestido plateado y hasta guantes de seda al tono.

"Me siento muy honrado y orgulloso de recibir este homenaje, que no hace más que ratificar lo que sentí cuando me tocó vivir en España haciendo teatro, donde me hicieron sentir como en casa", soltó el homenajeado.

Fuente: Clarín

Pídele al tiempo

El Palacio Barolo le abre las puertas a la música y al teatro

El sábado 25 de abril se estrena la obra "Pídele al tiempo" en el histórico edificio de la Avenida de Mayo.

Con dramaturgia y dirección de Leo Bosio, este espectáculo multimedia, con reminiscencias de novela romántica y teatro musical, cuenta la historia de un joven escritor que, junto a su amigo músico, tendrán que reformular su idea del amor y de la vida luego de un asombroso episodio que los cambiará para siempre.

La obra cuenta con las actuaciones de Lautaro Metral, Inés Palombo y Josefina Scaglione, y el propio director. Scaglione se encuentra actualmente nada más y nada menos que en Broadway, encarnando el papel de María en la reposición de la obra “West Side Store”.

El Palacio Barolo es un edificio construido en 1919 por el arquitecto Mario Palanti y, con sus 100 metros, llegó a ser uno de los más altos de Latinoamérica. Su estructura está inspirada en “La Divina Comedia”, de Dante Alighieri.

"Pídele al tiempo" podrá verse los sábados a las 21 -desde el 25 de abril, repetimos- en Av. de Mayo 1370, Capital Federal. Localidades: $25 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Rubens Correa: Una mañana sin sol

“Estos son seres descolocados”

El titular del Teatro Cervantes vuelve a la dirección con una obra que retrata a dos militantes de los ’70 que perdieron el rumbo frente al aluvión neoliberal de los ’90: “Siempre ocupados del futuro, no supieron querer ni quererse”.

El encuentro entre la actriz y su director sucede durante una madrugada, en un teatro independiente. El insiste en realizar una puesta de La señorita Julia, de Strindberg, en gran medida para ayudarla a ella a abandonar la depresión y el alcohol. Hay una historia de amor trunca entre ambos y muchos recuerdos compartidos. Una mañana sin sol, de Héctor Oliboni, plantea un encuentro entre dos personas que han perdido la esperanza. Representada en Perú, México y Cuba, esta pieza recibió una mención de honor en el concurso Atahualpa del Cioppo, organizado por la Municipalidad de Montevideo y el Teatro El Galpón para celebrar los 50 años de la fundación del Teatro. Estrenada en Buenos Aires sólo en la modalidad del semimontado, la obra acaba de subir a escena en el Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943) bajo la dirección de Rubens Correa.

“Son seres tiernos, solidarios, tímidos, débiles, tenaces”, opina el director en la entrevista con Página/12, al caracterizar a unos personajes que aluden a la militancia en los ’70, que “siempre tuvieron grandes objetivos y esperanzas, pero que se quemaron en el altar de las grandes ilusiones”. Y continúa: “Cuando las ilusiones cayeron, quedaron descolocados con los cambios que trajo la invasión del pragmatismo triunfal: mal preparados para la lucha individual, no encontraron dónde ponerse y quedaron sin lugar”. Andrea Juliá y Luis Campos interpretan a estos personajes que no aciertan a inaugurar una nueva etapa en sus vidas, porque no se animan a realizar lo que no pudieron llevar a cabo ni a dejar atrás lo que no pudo ser: “Siempre ocupados del futuro, no pudieron conocer sus verdaderos sentimientos. No supieron querer ni quererse”, resume Correa, desde hace dos años director del teatro Cervantes. Sin dudar, afirma que aceptó la dirección de esta obra porque sólo eran dos personajes: “Es más fácil ponerse de acuerdo para ensayar, y como el riesgo del Cervantes es que me absorba totalmente, encontré en este proyecto una posibilidad de fuga”, se ríe.

–Una mañana sin sol es una obra que presenta, más que un conflicto, un clima de insatisfacción...

–Sí, es una obra íntima y chiquita, pero no lo digo en forma despectiva. Me atrajo porque trata de personajes que conozco bien, de los que hablé más de una vez. Pertenecen a una generación más joven que la mía, aunque yo estaba entre los mayores de aquella gente convencida de que había que luchar por un mundo más justo. Me gusta esa manera que tuvieron de ver el mundo, con tanta generosidad social y política. La obra toma a esos personajes y parece preguntar acerca de lo que les pasó a ellos en la vida.

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El joven Frankenstein

¡Tengan cuidado: El joven monstruo se acerca!

Se viene El joven Frankenstein. Ayer comenzaron los ensayos del espectáculo musical que protagonizará Guillermo Francella y dirigirá Ricky Pashkus. Los 25 actores del elenco —entre los que están Laura Oliva, Pablo Sultani y Omar Calicchio—, los directores y los creativos técnicos se encontraron por primera vez todos juntos con Francella para conocerse y poner en marcha el plan de ensayos. También para empezar a concebir la escenografía y el diseño de vestuario. El joven Frankenstein se estrenará a mediados de junio en el teatro Astral. Como ese teatro está actualmente ocupado —allí ofrece sus funciones el musical Hairspray, con Enrique Pinti—, habrá una primera etapa de ensayos en una sala de la calle Perón al 1800 —de donde son las fotos—. Se trata del mismo lugar en el que ensayó La cena de los tontos, un buen antecedente, ya que fue una comedia que tuvo enorme éxito de público. El 20 de abril, cuando finalice Hairspray, los ensayos de El joven Frankenstein se mudarán al Astral. Setenta personas se encuentran afectadas a la puesta —lo que incluye a los doce músicos—, que es una producción de Pablo Kompel.

Fuente: Clarín

Mónica Viñao: Paisaje después de la batalla

Una obra que hace historia

¿Cómo fue tu trabajo con la obra de Ariel Barchilon, "Paisaje después de la batalla"?

Es la segunda obra de Barchilón con la que trabajo. Hace unos años en el Camarín de las musas estrené Ya no está de moda tener ilusiones. Ensayamos dos meses con un elenco de lujo: Daniel Fanego y Analía Couceyro, entre otros.

La obra remite a la historia de un caudillo de las guerras civiles.

Sí, es un texto que está anclado en un momento histórico, 1856, en Entre Ríos y aledaños.

El texto trabaja sobre una serie de pinturas, ¿influyó esta referencia en la puesta?

El texto habla de un cuadro del Museo San José, la Casa de Urquiza. Ariel escribió este texto a partir de estar en el palacio con esas pinturas que fueron determinantes.

Fuente: Clarín

Alberto Segado

Pedido por Alberto Segado

El actor Alberto Segado necesita dadores de sangre de cualquier grupo o factor, de entre 18 y 65 años. Quienes puedan deben concurrir a la Fundación Hemocentro Independencia, Sarandí 748. El horario es de lunes a sábados de 8.30 a 12. Si bien el intérprete es un paciente ambulatorio, cada 15 días necesita una transfusión.

Fuente: Página/12

Javier de Nevares

Autorretrato

Casi rozando la doble personalidad, el actor Javier de Nevares, el mismo que secunda a Fernando Peña en su obra del teatro Metropolitan, accede de buen grado a autoentrevistarse. Y también con la mejor predisposición, posa para sí mismo, para después intervenir la imagen. Un autorretrato dedicado.

¿Cómo estás, Javi?

Muy bien, gracias por preguntar.

Bueno, es que me interesa saber cómo estás de verdad, viste que hay gente a la que no le importa casi nada más que ella. ¿Te considerás una de esas personas?


¿Y vos como andás? ¿Bien? Me alegro.

¿Casado?

Algo así.

¿Y cómo es eso?

No creo en el matrimonio.

¿Tenés una rutina hoy en día?

Entrenamiento corporal dos días por semana, radio jueves y sábado, funciones de jueves a sábado; también quiero retomar canto, empezar a nadar y alguna otra cosa más que seguramente no voy a hacer.

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Roberto "Tito" Cossa: Cuestión de principios

La vuelta de la palabra

El dramaturgo está de regreso. Después de varios años, estrena una obra en el Teatro del Pueblo, que tiene en mente desde el 2004. En "Cuestión de principios", un hombre grande decide escribir sus memorias y le pide ayuda a su hija, con quien ha tenido un vínculo complicado. La dirige Hugo Urquijo.

El mismo describe la imagen visual y poética: en una mano, la pipa; en la otra, un vaso de vino. Con esa imagen sueña, sentado en su despacho de Argentores y se le dibuja una sonrisa cuando la enuncia. Esa imagen lo espera, al final de la jornada, en su casa. La desea. Es ese pequeño gusto que se permite a diario, para distenderse, para distraerse. Si le dicen Roberto, no se da por aludido, porque nadie lo llama por su nombre. Pide que no salga la botella de agua en la foto, para no derribar el mito. Ese es "Tito" Cossa, el autor de La Nona, el presidente de Argentores, uno de los fundadores de Teatro Abierto. Un emblema de la dramaturgia nacional.

Cuestión de principios es su obra más reciente; se estrenará el viernes en el Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943), protagonizada por Víctor Hugo Vieyra y Adriana Salonia, bajo la dirección de Hugo Urquijo. Aunque la gacetilla de prensa expresa que el autor, con esta pieza, vuelve a escribir después de ocho años -tiempo transcurrido desde que estrenó Pingüinos-, ha escrito en este período algunas cosas. "Adapté La novia de los forasteros, también María Estuardo. Además estrené Historia de varieté, que protagonizó Gogó Andreu, una obra basada en el histrionismo de un actor. También escribí, junto a otros dos autores, De cirujas, putas y suicidas. Y un monólogo para el Festival Internacional de Teatro de 2003", repasa.

¿Suele pasar mucho tiempo entre la escritura de una obra y otra?

Sí. Entre El avión negro y La Nona pasaron varios años. Me agarran cada tanto los pozos de aire. Lo que pasa es que soy vago, me cuesta sentarme a escribir. Me cuesta arrancar, después me cuesta seguir... Los primeros apuntes de esta obra los empecé en 2004. La tenía medio demorada, me faltaba un desenlace. Hasta que decidí terminarla.

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La historia de un hombre que empieza a hacer memoria

Raúl Rizzo: La tentación

Se tienta por el interior del país

Reponés "La tentación", ¿te vas de gira?

Arrancamos el próximo viernes, en Rafaela. La siguiente semana vamos a San Luis, después a Mendoza y en el recorrido está Tierra del Fuego, Santa Cruz, Salta y más.

¿Cómo es la obra?

En los últimos días de su gobierno, Manuel Dorrego (Juan Palomino) tiene una entrevista con el embajador inglés, mi personaje, sobre el cese de la guerra con Brasil. Y cuando los argumentos políticos no alcanzan, quiere comprar a Dorrego.

Hace muy poco terminó "Don Juan y su bella dama", ¿cuándo volvés a la tevé?

Estoy en un proyecto de Telefé, pero todavía es imposible confirmar nada.

Fuente: CLarín

Claudio Tolcachir: Tercer cuerpo

Conflictos de oficina

Formado junto a Alejandra Boero, Claudio Tolcachir pasó años actuando antes de iniciarse en la dirección. Pero dejó pasar mucho más tiempo aún para animarse a la escritura. Su primera obra fue la exitosa La omisión de la familia Coleman, historia familiar atípica que mereció premios y giras nacionales e internacionales. Su segunda obra, Tercer cuerpo, representará a Buenos Aires mañana en la Fiesta Nacional del Teatro de Resistencia, Chaco. Como en la anterior, Tolcachir da forma a historias entrecruzadas, esta vez de carácter muy íntimo, que tienen lugar entre los escritorios de una oficina pública que se adivina a punto de colapsar. La obra, que luego de la fiesta volverá a la sala Timbre 4 de Boedo 640, una casa convertida en espacio cultural, está interpretada por Ana Garibaldi, Daniela Pal, José María Marcos (en los roles más sobresalientes), Hernán Grinstein y Magdalena Grondona.

“Me gusta probarme en distintos terrenos, cambiar de registro de actuación o descubrir que puedo armar una estructura teatral”, afirma este director habituado a pasar del circuito alternativo al comercial. En estos días ensaya Agosto, del norteamericano Tracy Letts –galardonada con los Pulitzer y Tony 2008– con un elenco integrado por Norma Aleandro, Mercedes Morán, Andrea Pietra, Eugenia Guerti, Lucrecia Capello y Juan Manuel Tenuta, entre otros actores, 13 en total.

–¿Pasó de los grandes conflictos familiares a resquemores de oficina?

–Las obras implican mundos diferentes. En La omisión... me interesó investigar la familia como excusa para hablar de cierto comportamiento social relacionado con el individualismo y la inmadurez. En Tercer cuerpo me atrajo el mundo laboral de unos seres adultos, huérfanos en muchos sentidos, que trabajan juntos en un espacio donde ni la ambición ni el sueldo son una cuestión central, porque se trata de un empleo municipal donde tienen asegurado el cargo por el resto de su vida. La pregunta de estos personajes parece ser “¿Qué hago con el resto de mi vida, qué hago para llenarla, a qué me dedico para sentirme vivo?” Ese es el punto de inicio.

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¿Quién dijo que era buena?

Otra historia de vida, según Victoria Carreras

La propuesta vale para mostrar la ductilidad de la actriz

Yiyiyi tenía el sueño de triunfar en la vida, aun a costa de su integridad y aunque significara traspasar los límites de la ética. Para ella, despojada de afectos y sobreviviendo con la prostitución, el fin justificaba los medios con tal de alcanzar el éxito que le podían ofrecer las luces deslumbrantes de las marquesinas.

Para lograrlo transitó con el nombre de Amparo Lucero los codiciados caminos del estrellato en la radio, el cine, la canción latina, el varieté, la revista, aunque su comportamiento fuera terreno propicio para sembrar envidia y generar enemigos.

Si bien emprendió con paciencia y constancia esta lucha, la vida no la privó de adversidades, de engaños, de estafas, de censura. Ella se protegió con su temperamento y su sensualidad, y también con desparpajo a la hora de contar su vida.

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En el Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 330. Viernes, a las 21.30. Entrada libre y gratuita.

Federico León

De distintas fuentes

El director de teatro y el de cine se reunieron para hacer "Entrenamiento elemental para actores".

Un director de teatro elige a un director de cine y juntos hacen un programa de televisión. Esa era la premisa que reunió a Federico León y Martín Rejtman (y varias duplas más) bajo la órbita del ciclo Bicentenario, producido por Canal 7. Pasó el tiempo (el político, autoridades cambiantes en el canal; y el propio de los realizadores, que tienen su ritmo para las cosas) y la película resultante, Entrenamiento elemental para actores, se está presentando en el BAFICI y tal vez ese sea su único y último destino.

Por eso es una oportunidad para no desaprovechar. León y Rejtman centran su filme en una clase de actuación que un muy riguroso y severo profesor (Fabián Arenillas) da... a chicos de entre 8 y 11 años. "Es una clase avanzada", explican los realizadores, irónicamente. "Más que una escuela de teatro, es una escuela de vida", agregan, en el mismo tono.

Más allá del chiste hay algo de cierto en la frase: las enseñanzas del profesor superan lo estrictamente "actoral". "Recuerdo que queríamos trabajar con chicos -dice León-. Y hablar sobre la formación y los métodos de enseñanza. No existen escuelas así, ni para chicos ni para adultos. Es un método nada tradicional". Agrega Rejtman: "En general todas las escuelas de actuación tratan a los chicos como tontos, pensando en la muestra de fin de año, en que tengan algo para mostrarle a los padres. Un curso como el que se da en la película es bastante improbable".

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Mauricio Kartun: Ala de criados

Sobre criados y la familia argentina

¿Comenzaron los ensayos de su nueva obra?

Sí, esta semana. Ala de criados se refiere a esos sectores de los viejos hoteles que reservaban para los criados de las grandes familias. Refiere al universo de El niño argentino: aquellas 500 familias que eran dueñas de medio país. La historia transcurre en lo que ahora es el Torreón del Monje, en Mar del Plata, en 1919, durante la Semana trágica. Tiempos y espacios que configuran un valor metafórico alto.

¿Cómo está conformado el elenco?

Laura López Moyano, Alberto Ajaca, Esteban Bigliardi y Rodrigo González Garillo, todos artistas muy singulares del campo teatral alternativo.

¿Investigó la Semana trágica?

Fue el primer tema teatral que investigué, a los 23 años, para una obra que nunca escribí: sólo tuve que recuperar la vieja bibliografía que había trabajado.

Fuente: Clarín

Victoria Carreras: ¿Quién dijo que era buena?

"Voy a ser una actriz de culto"

Hace el unipersonal "¿Quién dijo que era buena?" y, pasados los 40, comenzó a ser reconocida por la crítica. Pero ella dice que preferiría ser una actriz popular: "me gusta la gente".

Victoria Carreras. Hay que pensar el nombre y el apellido, pero sin caer en lo de la casta artístico/familiar, sino en la etimología. Victoria Carreras. Como si te pusieran Triunfo Competencia, ¿no? ¿Bruto Mandamiento o cosa de uruguayos? Bien, ahora pensamos en su apellido. Carreras. Observesé que tiene ese. Plural. ¿Habrá sido una broma familiar? ¿Se habrá tratado del bautismo más expresionista del que se tengan noticias?
"Conocí una persona que se llamaba Socorro y que estaba al auxilio de la gente —cuenta Victoria—. Parece un lugar común, un chiste tonto, pero te marca; supongo que te marca, bah. Lo que pasa con mi nombre y mi apellido es que en vez de elegir la competencia, elegí el camino y no el éxito, aunque disfruto de eso, cuando sucede. De Carozo y Narizota a Bernard Shaw hice de todo. El camino. Veo a Carozo dando las noticias en Crónica y digo: yo trabajé con él. Tengo plena conciencia de estar en la mitad de la vida y sé que llegué hasta acá con absoluta coherencia".
Medio por arriba se cruza Darwin y la evolución de la especie en clave jeroglífico del mundo del espectáculo. Carreras, todo un apellido desde don Enrique, inventor de las temporadas marplatenses, padre de la criatura, director de 97 películas, autor, director, realizador, hombre de negocios. Pobrecita, pensás, pobre Victoria, que además viene de una familia de mujeres actrices desde su tía tatarabuela. "Pobrecita no, y no te hablo desde el orgullo, porque si me pongo a pensar, muchas veces soy re-pobrecita. Pero pobrecita por la prosapia, no. Me considero parte de una estirpe de gente. Si me siento con Darín, con Laura Novoa, con Rita Terranova, con cualquier hijo de artista, tenemos algo en común. Sabemos de la maledicencia y la generosidad de los actores. Pobrecita no".

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Un hipo desafinado, Caperucita Roja, El caballero enduendado, El mago de Oz, Alegrías de una vez, y otras

Nota del 28 de marzo

SONORO GIGANTE AZUL

Hipólito es un hipopótamo -azul- al que le gusta mucho la música y sueña con cantar aunque le da verguenza hacerlo. Junto con el público, Hipólito tratará de vencer su timidez para cumplir con sueño. Detrás de los muñecos de "Un hipo desafinado" están Mariana Trajtenberg, Daniel Scarpitto, Claudia Villaba, Julieta Alessi y Sebastián Pomiró. Hoy y mañana, a las 16.30, en el Centro de la Cooperación, Corrienntes 1543.

CAPERUCITA ROJA

El Grupo Azul presenta "Caperucita Roja", el cuento de Charles Perrault en versión musical, con un lobo poeta y tanguero, un guardabosque torpe y despistado, una abuelita actualizada y una Caperucita traviesa que se mete en más de un problema. Con trasfondo de alegras canciones, en esta adaptación de Néstor Hidalgo nadie se come a nadie. En el Paseo La Plaza, Corrientes 1660, hoy y mañana, a las 18.

MUSEO DEL TITERE

Exhibe -en vitrinas flamantes- su vasta colección -reunida durante décadas por Sarah Bianchi y Mane Bernardo- y ofrece varias obras para niños de distintas edades, de martes a domingos de 15 a 18, en Piedras 905.

EL CABALLERO ENDUENDADO

Un caballero de la legendaria corte del Rey Arturo se pierde en el Bosque Encantado y buscando algún personaje providencial que lo guíe hacia la salida, encontrará su propio duende interior. Hoy y mañana, a las 17, en el teatro IFT, Boulogne Sur Mer 549.

EL MAGO DE OZ

El célebre cuento en una versión conocida y multipremiada en giras por el exterior vuelve a Buenos Aires donde se la conoció diez años atrás. Hoy y mañana, a las 17, en Liberarte, Corrientes 1555,

ALEGRIAS DE UNA VEZ

Un inédito varieté de pantomimas con dos titiriteros que se convierten en clowns. Hoy, a las 18, en La Nube, Jorge Newbery 3537.

COMEDIA CON TITERES

"Don Salchichón y el oso Roñoso en un mundo amoroso" es una comedia a cargo del Grupo Azul, con Gustavo Gall, Florencia Cristaldi y Fabio Golpe, sobre libro y dirección de Néstor Hidlado. En el Paseo La Plaza, Corrientes 1660, los sábados y domingo a las 17.

CABILDO PARA TODOS

El Museo Histórico Nacional del Cabildo muestra "Usos y costumbres en el Virreinato", para conocer cómo transcurrían los días durante los siglos XVII y XVIII en Buenos Aires, qué tareas desarrollaban quienes trabajaban en el Cabildo y qué cambios sufrieron sus paredes. Sábados y domingos a las 12.30, 14 y 15.30 visitas guiadas a las salas permanentes, las construcciones subterráneas en el patio y a las muestras "Paredes, pintadas y protestas" y "Del pabilo al filamento". Además, siguen las visitas guiadas de los miércoles y viernes a las 15.30. La entrada es un bono contribución de un peso para mayores de 12 años (viernes gratis).

MASCOTAS DIVERTIDAS

El grupo Los Títeres de Don Floresto estrenó "Cuento con mascotas". El grupo que dirige y produce Miguel Fontana, presenta la historia del potrillo Jacinto, el que no se duerme si Juanita no le relata, antes de dormir, los cuentos que él quiere. El gato Miyi, el león Palito y el perro viejo y perro joven, son algunos de sus personajes. A partir de hoy, a las 16.30, en la Asociación Italiana de Belgrano (Moldes 2157). Las funciones son los sábados, domingos y feriados, a las 16.30.

Fuente: La Prensa

Los quiero a todos

Nota del 8 de marzo

La idiotez de la clase media boba de 30 y pico

Un montaje en el que priman la actuación y la estética

"Yo, que soy de clase media, les tengo miedo a los pobres y a las chicas locas", dice uno de los cinco personajes de este encuentro gris entre amigos. La frase es patética. Y así son estos exponentes "progres" de una clase media pesimista y rota. Como este montaje.

Son amigos de la facultad, de la vida, que compartieron los mejores momentos, así como también sus propios períodos oscuros. Se reúnen a beber, tal vez a comerse un asadito, excusa perfecta no sólo para charlar y discutir, sino para demostrar sus diferencias, la fragilidad de sus vidas, de sus aspiraciones y de sus relaciones. Tal vez, el conjunto sea un arquetipo de una clase media idiota que pone su atención en lo que le falta y vive la frustración en forma más latente por padecer una permanente aspiración a la superación económica.

Ellos están en la etapa de los treinta y pico y sienten que toda su vida gira alrededor de ese martirizante "ahora o nunca". La cotidianidad de estos seres, a su vez, está cargada de carencias, deseos, ansiedades, frustraciones, ideologías quebradas, mentiras, locuras, complicidades y desaprobación, pero sobre todo, de una gran debilidad. Ellos lo reflejan en el conjunto y en los instantes de intimidad. Es en ellos donde esta idea de Luciano Quilici alcanza sus mejores momentos. Su montaje se integra y se desintegra, y sus criaturas entran y salen de la acción para lanzarse a la representación de sus pensamientos.

La idea es interesante, pero la banalidad de las conversaciones de estos tipos no logran una dramaticidad potente, y esto se debe a una estructura débil.

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El cavernícola

Nota del 8 de marzo

Nueva mirada sobre la eterna guerra de los sexos

Eduardo Morales se convierte en El cavernícola

Entre tantas obras que hablan de los hombres a partir de una mirada femenina -y que llegaron a poblar la cartelera porteña en los últimos años-, El cavernícola trae cierto aire fresco ya que enfrenta de alguna manera el mismo tema -el hombre, la pareja, la mujer-, pero a través de ojos de varón. Y lejos de despotricar contra ellas (nosotras), el personaje que interpreta Eduardo Morales se dedica a defender a su género de un supuesto -y perenne- ataque femenino. Y es en esta defensa que el personaje (en el que el actor se mimetiza, entra y sale todo el tiempo) echa mano a la idea del cavernícola; este hombre primitivo le da letra para explicar, justificar y entender por qué el hombre es como es.

Claramente se basan en un concepto bastante estereotipado de la imagen hombre-mujer, pero tiene suficiente amplitud como para que a lo largo de toda la obra muchos se puedan reconocer en algunas de las ideas que se muestran en escena. Así el hombre aparece como amigazo de sus amigos, un ser de pocas palabras, que apunta a la concentración unívoca o unilateral -supuestamente todo responde a instintos de supervivencia y caza de estos ancestros-. La mujer, en cambio, aparece -a partir de un antiguo rol de recolectora- como verborrágica, organizadora/controladora, amante de las compras y de las demostraciones afectivas. Eso sí, siempre vinculada a los quehaceres domésticos.

Este unipersonal es básicamente un buen entretenimiento que aporta cierta originalidad a un tema sobre el que se ha escrito mucho. Bien podría haber sido concebido como un stand up ya que Eduardo Morales juega a ser él mismo en escena e interpela al público constantemente y el lenguaje es absolutamente coloquial. La pieza no tiene un hilo dramático en el que se desate un conflicto, pero una vez que uno entiende hacia dónde va y cuál es el tipo de divertimento que ofrece, ya no hace falta.

El actor lleva bien su personaje y, salvo por algunas morisquestas, hasta logra su cometido de defender el género al que pertenece.

Fuente: La Nación

Ricardo Bartís y Luis Machín: La Pesca

Nota del 8 de marzo

Memorias del subsuelo

Ricardo Bartís y Luis Machín analizan la obra que se lució en festivales europeos y regresó al Sportivo Teatral.

Ricardo Bartís está en los fondos del Sportivo Teatral, cerca del buraco en el piso de cemento de la sala que cavaron para darle mayor contundencia a La Pesca. Hay una resaca de reparaciones recientes y de pintura todavía fresca, que no diferencia entre alumnos probables que sortean entrevistas de rigor y actores consagrados, como Luis Machín, por ejemplo, que llega, morral al hombro, paso cansino por los 30 grados a la sombra, sacándose un resto de cal que se le quedó prendido al jean.

La pesca, que fue la mejor obra del circuito off en los Premios Clarín Espectáculos y se llevó tres ACE del circuito alternativo -mejor obra, mejor actor para Luis Machín, y mejor dirección para Ricardo Bartís- empezó su se gunda temporada en Buenos Aires. Bartís y Marchín vienen de defender La Pesca en diversos festivales europeos -Italia, Alemania, España, Francia- y han elaborado un discurso preciso sobre los alcances de una puesta de ineludible color local: tres amigos que se reúnen bajo los restos del arroyo Maldonado para reflotar un club de pesca, "La gesta heroica". Un nombre con épica indudable para estos tiempos modernos y anoréxicos.

"Valoro -dice Bartís, como para arrancar- la disponibilidad de Luis Machín, un actor de intensa convocatoria, para continuar en un proyecto más bien pequeño, aunque implicante, seguramente para él, de la idea de ponerse en un riesgo actoral muy alto. Y está bueno, porque cuando uno ve una gran actuación dan ganas de estudiar, de trabajar. Cuando se ve una actuación potente, no se acepta tan fácil la medianía".

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El Fantasma de la Opera

Nota del 8 de marzo

La puesta a punto del gran recital

La obra se estrenó en Londres hace 23 años y se hizo en 127 ciudades del mundo. "Clarín" estuvo en los preparativos, a diez días del estreno, y asistió a la versión que se está ofreciendo en Broadway.

A diez días del estreno del musical al que muchos señalan como el más importante de todos los tiempos, la actividad en el Teatro Opera no se detiene ni por un instante.

En la sala, un grupo de los 69 técnicos que trabajan en el monta je y ajuste de la puesta, ultima detalles antes del primer ensayo general, que reunirá por vez primera, después de varios meses de trabajo, a los cantantes y la orquesta, en ese teatro de fines del siglo XIX en que se ha convertido el proscenio del Opera.

Mientras, en el subsuelo, vestuaristas, peinadoras y asistentes, trabajan contra reloj. En medio del silencioso ir y venir, en un pequeño salón, Carlos Víttori y Claudia Cota posan en sus roles del Fantasma y Christine, mientras Andy Cherniavsky dispara su cámara sin parar.

A un par de metros, el director asociado de la puesta, Arthur Masella, supervisa cada toma, corrige, sugiere y opina. "Vamos de nuevo", propone la fotógrafa. Y los cantantes vuelvan a posar.

Masella trabaja en El Fantasma de la Opera desde su estreno, el 27 de septiembre de 1986, en el Teatro de Su Majestad, en Londres, con Sarah Brightman y Michael Crawford como protagonistas. Sin embargo, asegura que, a pesar de haber pasado dos décadas, cada puesta es un desafío. "Cada nueva producción, cada nueva ciudad, con su elenco, me da la posibilidad de atravesar nuevas situaciones y de enfrentar nuevos problemas. Por eso, cada nueva realización requiere que pongamos todo de nosotros para que resulte cómo la obra fue concebida", explica.

En su experiencia argentina, el director asociado confiesa que se encontró con un elenco que lo maravilló. En ese equipo que suma, entre cantantes, actores y bailarines, casi 40 personas, Carlos Víttori y Juan Pablo Skrt comparten el rol principal. Y, aunque, antes de someterse a los pedidos de la fotógrafa, Skrt se encarga de establecer un escalafón -"Carlos hace el primer Fantasma. Yo tomé menos funciones", aclara-, ambos coinciden en la indiscutible calidad de la obra que encabezan.

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Joaquín Bonet

Nota del 7 de marzo

Historias del tiempo de la abuela

En la casona Marcó del Pont se representan piezas de José González Castillo, Roberto Cayol, Luis Bayón Herrera y Alberto Novión, que bucean en los orígenes del costumbrismo. “El mejor homenaje a los autores es mantener el brillo”, asegura el director.

“Nuestro trabajo es saber hacer; con manejar sólo conceptos no vamos a ningún lado. Hay algo de la experiencia vivida y del territorio que tiene valor único. Y cito una famosa frase del psicólogo y lingüista Alfred Korzybski de comienzos de la década del ’30, el mapa no es el territorio, metáfora que sirve para explicar cómo el lenguaje constituye un mapa, que utilizamos para representar la realidad que percibimos pero no es el territorio.” Joaquín Bonet, actor y director, guionista y director teatral, desconfía del recorte que cada cual hace de la realidad en base a conceptos y prefiere saber hacer. Convocado por Argentores y el Fondo Nacional de las Artes para dirigir un ciclo de cuatro sainetes que se inicia hoy, manifiesta el placer que le produce dirigir obras de los autores José González Castillo, Roberto Cayol, Luis Bayón Herrera y Alberto Novión, quienes dentro del género satirizaron costumbres a través de personajes arquetípicos y populares. Los títulos son El retrato del pibe, El debut de la piba, Entre bueyes no hay cornadas y La historia del año, que se ofrecen con entrada gratuita en la casona Marcó del Pont, construida para esa familia en 1860, en el barrio de Flores, y hoy convertida en centro cultural. Esta no es la única actividad de Bonet, quien continúa con las funciones de los viernes de su obra Testigos (“una comedia casual sobre la causalidad”), en el Teatro del Abasto. Bonet escribe y dirige básicamente teatro, pero crea también guiones para televisión: “El trabajo industrial, el de la tele, lejos de mecanizar, me enfrenta a problemas que debo resolver de inmediato, y éste es un buen ejercicio. Uno sabe que está escribiendo para un determinado formato que le permite jugar pero no innovar. Igual se aprende y disfruta”.

–La televisión acota, ¿y el sainete? ¿Es posible desmarcarse?

–Cuando dirijo, me siento obligado ante el material y frente a los espectadores. Pienso que, ofrecidos así, en esta casa que tiene historia, el mejor homenaje que puedo hacer a los autores es presentar las obras con lo que tienen de brillo original y diversión. No hace falta poner mucho más que buenas actuaciones. Siento que innovar las desvirtúa, y no es mi propósito. Sé que existen preconceptos sobre cómo montar un sainete: se habla de actuación impostada... Eso no me interesa: mi intención pasa por generar un buen espectáculo.

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Opciones para viajar al pasado

Venimos de muy lejos y La niña de la noche

Nota del 7 de marzo

Catalinas Sur se viste de gala

El grupo de teatro comunitario celebra su aniversario en el Teatro de la Ribera

El Complejo Teatral de Buenos Aires invitó al grupo Catalinas Sur a festejar sus 25 años de vida en el Teatro de la Ribera, en La Boca, el mismo barrio donde habitan sus miembros. Así, el numeroso elenco se muda -durante marzo y abril- a la antigua y restaurada sala de Pedro de Mendoza 1821.

Catalinas Sur es un grupo de teatro comunitario, integrado por vecinos y conocidos de la mutual de un colegio, que comenzó sus actividades en las plazas del barrio, y que se propuso, desde su génesis, apoyarse "en las ricas tradiciones en la historia vital de lo popular". Hoy, el grupo brinda talleres de teatro, circo, artes plásticas, murga y música, y cuenta con una sala propia, el Galpón.

En el de la Ribera presentarán dos de sus producciones clásicas. La primera de ellas es Venimos de muy lejos (1990), dirigida por Stella Giaquinto y Adhemar Bianchi. Esta obra es un homenaje a los artistas populares argentinos y a los inmigrantes que le dan título a la pieza. La propuesta, que se puede disfrutar los sábados, a las 21, comienza en la calle y cuenta con músicos en vivo, payasos, magos, trapecistas, zanquistas y encantadores de serpientes.

La segunda obra, para grandes y chicos, se representará los domingos, a las 16. El grupo de títeres de Catalinas Sur ofrece La niña de la noche (1998), basada en un texto de Ray Bradbury, dirigida por Ximena Bianchi. La pequeña heroína de esta obra intentará que su amigo le pierda el miedo a la oscuridad y, durante esta búsqueda, ambos conocerán a las fascinantes criaturas de la noche, como las ranas bataclanas, los grillos tropicales y los mosquitos mariachis.

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Dan Breitman: Crucero Gualeguaychú

Nota del 7 de marzo

Un capitán llamado Breitman

El artista presenta Crucero Gualeguaychú

Además de cantante, actor y bailarín, Dan Breitman es capitán. La nave que comanda solo se llama Crucero Gualeguaychú y cuenta con la brújula de Marcelo Katz, reconocido director y docente de clown. En este unipersonal, el artista propone un viaje delirante, acompañado por las risas de los espectadores y asume diversos papeles para garantizar el traslado más placentero de todos. Esta propuesta zarpa los sábados, a las 22.30. En El Piccolino, Fitz Roy 2056 (4779-0353). $ 30.

Además, Breitman es uno de los integrantes de Cómico Stand Up , donde comparte el escenario con Peto Menahem, Martín Rocco, Sebastián Wainrach, en Paseo La Plaza. Breitman también se lució en El impostor , Ella , La jaula de las locas , Desconcierto de musicales y Mina, che cosa sei?, etc.

Sin descuidar a los marineros de su otro barco, emprende en solitario y sin ancla este crucero.

Fuente: La Nación

Luisina Brando

Nota del 7 de marzo

Luisina Brando: "No quiero olvidarme de gozar la vida"

La actriz dice que es una figura metida en el público, aunque no esté trabajando. A punto de volver a la tele en "Herencia de amor", cuenta que hace doce años comparte su vida con "simplemente Jorge".

Si a lo largo de los años, en las entrevistas periodísticas, Luisina Brando podía verse como un mujer orquesta a la que, además, la exposición le sentaba bien, la de hoy es su contracara. Su filosofía actual está cimentada en "una vida puertas para adentro" en la que reina la parsimonia y la pausa: "Yo no quería ser rehén del trabajo, que una tira me tome la vida. A esta altura estoy tratando de hacer lo que me dicen mis huesos. Ya no me propongo escalar el Himalaya", se sincera.

"Envejecer es cambiar de gustos. Y no es que esté tan grande, sino que estoy creciendo y que lo que en otro momento hubiera sido insospechado, ahora es fantástico. No voy a muchos lados y cada día es una celebración. Soy una figura metida en el público y aunque no esté en el aire, me hacen vivir una realidad distinta. Me siguen, me miman. Tengo la sensación de estar gozando de unas vacaciones pagas", considera. En breve volverá a la telenovela con Herencia de amor (Telefé), como una administradora de casinos y redes de prostitución, pero se propuso respetar una regla: "Si está en mí tener que correr para que no se escape el avión y dejar atrás lo que me gusta, entonces eso es vacío y siempre voy a terminar corriendo detrás de un avión que nunca me llevará a ningún lado. No quiero olvidarme de gozar la vida".

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Lucía Panno, Alejandro Cervera y Anahí Martella: Rocío

Nota del 6 de marzo

Frente a una primera obra

Lucía Panno, Alejandro Cervera y Anahí Martella encaran su primer trabajo de realización en el ciclo Operas Primas del Centro Cultural Ricardo Rojas, creado para que artistas de distintas áreas den el salto a la nueva disciplina.

El Centro Cultural Ricardo Rojas empieza su temporada de teatro con la tercera edición del ciclo Operas Primas, un encuentro que reúne a artistas que debutan como directores y, en ocasiones, como dramaturgos. En 2009 se convocó a tres profesionales con perfiles y experiencias muy distintos. La joven artista Lucía Panno escribió y dirige Rocío, la obra que hoy abre el ciclo. Terminó la carrera de Dramaturgia en EMAD el año pasado y pasó por varias instituciones y profesores en su formación como actriz y directora. Alejandro Cervera, por otro lado, es un coreógrafo con décadas de experiencia que creó espectáculos para compañías de la talla del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín y el Ballet Estable del Teatro Colón. En este primer encuentro con el teatro, Cervera presentará en abril y mayo Justo en el vacío, del dramaturgo y director argentino Román Podolsky. Finalmente, en mayo y junio llega el turno de Anahí Martella, una famosa actriz que cuenta con 30 años en escena, pero recién ahora tomó la batuta de directora. En sus manos está Resplandor, la obra de Héctor Levy-Daniel que en 2005 ganó el concurso Historias bajo las baldosas, organizado por el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Aunque Rocío se estrena hoy, esta obra ya recorrió varios lugares y modalidades de la mano de su creadora, Lucía Panno. La primera versión formó parte de una serie de encuentros llamados “Suiza”, donde un grupo de dramaturgos se reunía sábado de por medio a presentar y observar pequeños actos de 15 minutos. “Me pareció una buena manera de probar mi trabajo. Tenía la idea de que dirigir una pieza requería muchísimo esfuerzo e implicaba demasiadas dificultades, pero sentí que en el ciclo Suiza no tenía por qué temer que la presentación no funcionara. La obra salió bien y la volví a armar en una fiesta de amigos, pero en el medio de todo esto escribí un mail a Matías Umpiérrez (el coordinador del área de teatro del Centro Cultural Rojas) contándole de este trabajo. Como resultado se presentó en el ciclo Panorama Work in Progress de 2008. Rocío se fue mostrando en varias instancias a medida que iba tomando forma”, detalla Panno.

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Funciones para todo público

Eduardo Morales: El cavernícola

Nota del 6 de marzo

Un vigente conflicto prehistórico

Hoy estrena El cavernícola, texto que recorrió el mundo, dirigido por Lía Jelín

¿Es posible para los hombres y las mujeres reflexionar de manera profunda sobre las históricas diferencias que se manifiestan en sus vínculos de pareja, sin caer en posiciones extremistas o en estereotipos?

Al menos eso se propone, desde el humor y la ironía, El cavernícola , de Rob Becker, la exitosa comedia de Broadway que se presentó en más de 35 países y fue traducida a 16 idiomas.

El unipersonal, ganador del premio Lawrence Olivier, que en nuestro país será protagonizado por Eduardo Morales y dirigido por Lía Jelín, se estrena hoy en Multiteatro.

Eloísa Cantón, una de las socias de la productora Pipa Produce, comentó a este diario que eligieron concretar el proyecto porque tenían muchas ganas de producir una comedia (estrenaron La forma de las cosas y esperan concretar otra antes de fin de año). Si bien los requisitos para producir una obra de este tipo son muchos, dijo que, al haber estado vinculados a otras producciones similares ( La Bella y Bestia , Los miserables, Chicago ), algunos caminos se hicieron más sencillos.

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Desvelada y sola, y Quién dijo que era buena

Nota del 6 de marzo

El Caras y Caretas tiene dos rostros femeninos

Dos unipersonales sobre mujeres audaces, solitarias y seductoras llegan al Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 370, en San Telmo.

El primero es el estreno de Ximena Banús, Desvelada y sola , que se presenta los sábados, a las 21.30. La actriz, miembro de la agrupación Mondo Pasta, acostumbrada a transitar por los escenarios con elencos numerosos, debuta mañana con una selección de sus mejores monólogos: una francesa despechada; una psicóloga de dudoso proceder; una diva del cine nacional y una locutora. Según Banús, esta pieza, que además dirige, narra "una noche de ensueño, de enredos, de duchas y alcohol, copas rotas y desengaños".

Además, Victoria Carreras se sube al escenario los viernes, a las 21.30, con Quién dijo que era buena . En la obra, dirigida por Alejandra Marino, la actriz le da vida a Amparo Lucero, una estrella de cine internacional. Su personaje, una primera figura de la radio, el cine y la canción latina, recorre el varieté, el teatro de revista y el melodrama, en una propuesta con entrada libre y gratuita. Además, el vestuario utilizado merece una mención, pues se trata de una selección de algunos trajes que lucieron Tita Merello y su propia madre, Mercedes Carreras. Por este trabajo, la actriz recibió el premio ACE a la mejor intérprete de un unipersonal y el Estrella de Mar a la mejor obra de su género.

Fuente: La Nación

Los Rimenver 2 - Café Concert

Nota del 6 de marzo

Los Rimenver 2 - Café Concert

Como aquellos artistas de la radio, la TV y la revista de los años 60 y 70. Los Rimenver vuelven a salir al ruedo con su nuevo show de humor. Anahí Carnavale, Diego Cremonesi, Víctor Hugo Fernández y Virginia Palavecino, recrean a estos desopilantes personajes. Viernes a las 23, en Terraza Teatro Bar, del Paseo La Plaza, Corrientes 1660 (6320-5346). $30

Fuente: La Nación

Bodegón

Nota del 6 de marzo

Musical clown

Bodegón , de Leticia Torres, muestra que el amor puede estar en cualquier lugar. Con diez clowns, se presenta los sábados, a las 20.30, en Gargantúa, Jorge Newbery 3563 (4555-5596). $ 30.

Fuente: La Nación

Proteatro

Subsidios unipersonales

Los Proyectos Especiales recibirán subsidios. El comunicado parte de Proteatro –instituto creado para la protección y fomento de la actividad teatral no oficial de la ciudad– y el Ministerio de Cultura del cual depende. La promulgación de la ley 2945 faculta esta nueva línea de subsidios que se suman a los ya existentes destinados a salas y grupos teatrales, rubro que contempla la posibilidad de subsidiar espectáculos unipersonales. Las solicitudes se recibirán hasta el 30 de junio. Los formularios e instructivos están disponibles por Internet en www.buenos aires.gov.ar (Cultura-Proteatro). Para obtener información personalizada dirigirse a la sede de Proteatro, Av. de Mayo 575, 4º piso, oficina 400, teléfono 4323-9685, de lunes a viernes de 11 a 17.

Fuente: Página/12

Luciano Quilici: Los quiero a todos

Nota del 5 de marzo

Un tipo que dice querer a todos

Discípulo de Alberto Ure, mañana estrena Los quiero a todos, en el Beckett Teatro

Empecemos por un posible principio de nota. El nombre de Luciano Quilici seguramente no le suena. Avancemos. Estrenó una obra teatral cuando tenía 18 años, otra cuando tenía 23 y, ahora, con 34, mañana estrenará Los quiero a todos , en el Beckett Teatro, con un elenco que da ilusión. Durante muchísimos años fue asistente de dirección del maestro Alberto Ure, uno de los grandes directores e intelectuales del campo teatral que, en 1997, tuvo un accidente cardiovascular que lo mantiene convaleciente.

En realidad, Luciano Quilici fue más que su discípulo. Lo cuenta él mismo: "Es medio raro explicarlo en una nota, pero cuando Alberto tuvo el derrame me quedé idiota, éramos como novios. Iba a su casa a la una, cocinábamos, dormíamos la siesta, nos despertábamos y mirábamos a Franco Bagnato en Gente que busca gente. De ahí nos íbamos a ensayar, después cenábamos con el elenco, partíamos para su casa donde nos bajábamos una botella de whisky y a las cinco de la mañana volvía a mi casa. Nunca me divertí tanto. Por eso cuando le pasó lo que le pasó, la cabeza me hizo ¡puuum!".

Con la cabeza en ese estado, cierto azar hizo que terminara filmando publicidad. No le fue mal (nada mal). De 2004 a 2007 ganó varios premios importantes con publicidades para cuentas importantes trabajando en agencias importantes. Sin embargo, algo no le cerraba.

-Tenías un mundo resuelto en publicidad y, de golpe,...

-No, no... Básicamente tenía algo i rresuelto. Cuando Ure se enfermó medio por casualidad me llamaron para trabajar en publicidad, cosa que hice durante años. Pero llegaban los diciembres y veía que otro año más pasaba sin hacer teatro hasta que dije basta. Por eso, el año pasado paré 6 meses y ensayé. Y estoy feliz. Estoy chocho. No hay nada más pleno, más divertido que ensayar.

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Enrique Pinti, Antonio Gasalla y Fernando Peña: Hairspray, Más respeto que soy tu madre, y Diálogo de una prostituta con su cliente

Nota del 5 de marzo

Tengo una chica en mi cuerpo

Enrique Pinti, Antonio Gasalla y Fernando Peña retoman esa costumbre ancestral del teatro en la que los roles femeninos eran para los hombres

El primer suspiro que la dulce Julieta deslizó por Romeo sobre el balcón provino de un joven de rostro empolvado y senos postizos que conmovió al público del teatro inglés de la época isabelina como la adolescente que muere por amor. En aquel entonces, las mujeres tenían prohibido por ley subirse a las tablas y la pasión de las heroínas shakespearianas latía en el cuerpo de actores de voz aflautada, provistos de pelucas y otros delicados menesteres.

Hubo épocas en las que los hombres tuvieron excusas para subirse a los tacos y envolverse en los estrechos trajes de los personajes femeninos. Como en 1629, cuando la misma barrera se interpuso entre las actrices y las tablas del Kabuki -forma teatral tradicional del Japón- que fueron expulsadas por relacionar su arte con el escándalo y la prostitución y reemplazadas por los Onnagata , actores que gracias al uso de maquillaje y un elaborado y fascinante vestuario adoptaban (aún hoy lo hacen) aires y formas femeninas.

Un tiempo después, a pesar de la generosa oferta y de la ausencia de limitaciones locales para que las mujeres suban a escena, tres actores, Antonio Gasalla, Enrique Pinti y Fernando Peña, deciden adentrarse en la psiquis femenina en Más respeto que soy tu madre , Hairspray y Diálogo de una prostituta con su cliente , respectivamente.

Con una peluca de rulos estáticos, un deslucido vestido floreado que le llega a las rodillas y unas chinelas gastadas, Antonio Gasalla se transforma en Mirta Berttoti -o el prototipo de ama de casa cincuentona y de clase media- cada vez que se sube al escenario del Metropolitan. No es la primera vez que el cómico se pone en la piel de una mujer. Ha transitado por la de la abuela inmortal, la verborrágica empleada pública, la enfermera indolente, la nena malcriada, la señora estirada (por el bisturí), la apocalíptica y depresiva Soledad Solari, y muchas más. "Jamás pensé que me iba a vestir de mujer en un escenario. Vengo del Conservatorio y, a lo sumo, en las horas libres nos disfrazábamos de mujer en broma -dijo el humorista, que dirige y actúa en Más respeto que soy tu madre , en una entrevista con LA NACION, a mediados de enero-. Lo que pasa es que alguna vez hice una mujer que tuvo éxito y después empezaron a preguntar por la próxima... Más allá de eso, creo a los personajes para contar cosas y hay conflictos de los últimos años que se pueden contar mejor a partir de una mujer. Cuando con Enrique (Pinti) escribimos Matilde queríamos hablar, en plena época de los militares, de cómo se estaba viniendo abajo la clase media. Y eso es más fácil hacerlo con una mujer en medio de su casa y llena de problemas que con un tipo que se quedó sin trabajo". Sobre su personaje, que provoca un mar de carcajadas en la platea, apuntó: "Es un ama de casa, como Matilde, otro personaje mío. Lo que no tiene es el disparate o el nivel de cosa exagerada y gruesa que a veces manejo".

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Ricardo Bartís y Sergio Boris: La pesca

Nota del 4 de marzo

“Hay gente que nos espera”

El director y el actor de este éxito reestrenan un trabajo premiado que recorrió los festivales del mundo. “Se produjo un cambio sustantivo en la actuación, que está más expansiva”, explican sobre la necesidad de seguir experimentando.

Con varios trofeos y luego de una gira internacional regresa La pesca y su mito de las tarariras titán, el de una al menos, la que sobrevive después de haber devorado a sus congéneres en el contaminado charco subterráneo del abandonado club de pesca La Gesta Heroica, fundado sobre los restos de una vieja fábrica cuyos sótanos inundados fueron convertidos en los ’60 y ’70 en estanques de pesca. La hambrienta Titán es el animal fabuloso de esta obra de la que se ofrecieron funciones a intervalos, justamente por las varias invitaciones a los festivales del mundo, al Delle Colline, en Torino (Italia); D’Avignon (Francia); Theater Der Welt, de Halles (Alemania); Designel International Kunstcampus, de Anvers (Bélgica); Hebbel am Ufer, de Berlín (Alemania) y Temporada Alta de Girona (España). Un recorrido apabullante que enciende el diálogo con el director Ricardo Bartís, acompañado por el actor Sergio Boris, uno de los intérpretes del elenco de La pesca.

Los otros actores ausentes en la entrevista son Luis Machín y Carlos Defeo. “Hay gente que nos espera”, dispara Bartís, y no se aleja de la verdad, pues no escasean los espectadores en el Sportivo Teatral, esa antigua casa teatro de Thames 1426 con habitaciones resguardadas para la escena y para el convite de café y vino. En esa casa, en la que destaca una máquina de coser a pedal y la foto de una mujer de otro tiempo que el equipo identifica con el nombre de Elsa (por el personaje de Los siete locos, de Roberto Arlt), se congregan estudiantes del mundo y no pocos turistas. “Es que el teatro de Buenos Aires tiene fama. No es broma, va en serio; tiene fama, como las carnes argentinas”, apunta Bartís. Lo real es que La pesca atrae.

–¿La experiencia de los viajes modificó a La pesca?

Ricardo Bartís: –Trajimos acumulaciones de otro orden. Se produjo un cambio sustantivo en la actuación, que está más expansiva. Con el relato plenamente incorporado, la energía va toda a la actuación, al contacto con los compañeros de escena y el público.

Sergio Boris: –La propuesta es la de un trabajo permanente sobre la actuación: la obra no pasa tanto por el relato, por lo que se dice en escena, sino por la intensidad, y esto no es un capricho actoral.

Marcelo Mininno: Lote 77

Nota del 3 de marzo

Cómo se construye un hombre

El realizador focaliza en el devenir de una identidad masculina desde la infancia a la madurez. “Mi idea fue mostrar al varón en su esencia, más allá de lo que a cada uno le pasó en la vida y de las elecciones que haya hecho.”

Escrita y dirigida por Marcelo Mininno, Lote 77 analiza los pormenores de lo que usualmente se llama “hacerse hombre”. Aunque el autor prefiere marcar bien las diferencias en función de que el hombre nace y el varón se hace. Así, Mininno precisa que el género no es otra cosa que una construcción, es decir, un proceso social que comienza en la primera infancia y que continúa, bajo la guía de otro hombre, para conquistar un título que también hay que saber merecer.

Obra seleccionada para representar a la Ciudad de Buenos Aires en la XXIV Fiesta Nacional del Teatro en Resistencia, Chaco, Lote 77 realiza un singular inventario de los atributos masculinos y los mandatos que suelen acompañarlos. A la vez, Mininno encuentra el modo de señalar las fisuras por donde hace agua el modelo, a fuerza de miedos, indecisiones y debilidades. Un año le llevó la escritura de ésta su primera obra, lo cual sólo fue posible, según él mismo aclara en diálogo con Página/12, a partir del trabajo junto a sus tres intérpretes, Andrés D’Adamo, Rodríguez González Garrillo y Lautaro Delgado. Encerrados en un laberinto de corrales recreado con elementos traídos del campo (Minnino nació y se crió en Salto, en el campo familiar, y fue su padre quien le ayudó a dar forma al espacio que armó en el Teatro del Abasto, de Humahuaca al 3500), los actores arman una estructura narrativa que reclama un espectador atento y sensible.

De adolescente, Mininno comenzó a estudiar teatro con el actor y director Daniel Di Coco, hasta que decidió mudarse a Buenos Aires, no sólo para intensificar su experiencia teatral, sino también para estudiar Ciencias Sociales. Pero el cambio de domicilio no fue un obstáculo para volver a Salto. De hecho, nunca dejó de colaborar en las labores de la hacienda junto a su padre, cada vez que sus tiempos lo permitieron. “No dejé de ser un hombre de campo –admite el actor y ahora autor y director–, porque el estar haciendo teatro no me transformó en un hombre de ciudad. Uno no se define según la geografía, sino a partir de las actividades que desarrolla.” Entre los montajes que realizó como actor figuran Living, último paisaje, de Ciro Zorzoli; Israfel y La zarza ardiente, bajo la dirección de Raúl Brambilla, y la recientemente reestrenada Chúmbale, de Oscar Viale, con dirección de Santiago Doria, las tres en el teatro Cervantes. Por otra parte, hacia mitad de año se lo verá en cine, en Fantasmas en la noche, de Santiago Carlos Oves, y La vieja de atrás, de Pablo Mesa.

No obstante la inmejorable repercusión de su ópera prima, Mininno no siente que haya comenzado una carrera como dramaturgo: “Ahora no me planteo escribir otra obra porque siento que por el momento no tengo qué decir”, resume. Al parecer, lo mismo le ocurre con el rol de director. Un año antes del estreno reunió a quienes serían sus actores y les mostró un video en el que acompañaba a su padre en el acto de castrar a un ternero. En principio, los actores no comprendían que, desde la intuición de Mininno, la obra iría conformándose si tomaban como punto de partida a todas las labores focalizadas en la cría del ternero. Se preguntaba; ¿qué aspectos de la cría determinan que un animal sea seleccionado para ser un toro reproductor o para ser un novillo apto para ser faenado? “La idea básica fue la de realizar un paralelismo entre la cría de los animales y la construcción de un varón”, explica a la vez que advierte: “La obra no es sencilla, pero atrapa cuando se entra en el código de interpretación”.

–¿Buscó tres personajes prototípicos?

–En Lote... está el hombre ganador, de clase alta, el que se siente perdedor, hijo de un albañil, y un hombre común, que ha vivido el exilio de su padre. Pero los tres no dejan de ser uno, porque mi idea fue mostrar al varón en su esencia, más allá de lo que a cada uno le pasó en la vida, de las elecciones que haya hecho. Hay mucho teatro que toma a la mujer como tema y en Lote 77 nos preguntamos acerca de nuestra esencia.

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Martín Tufró

Nota del 3 de marzo

Martín Tufró: Pelear por la voz propia

Asistente de dirección de "Los Mansos", estrenó "El hijo", un texto de Jon Fosse. Tiene una mirada aguda sobre el teatro actual.

El trabajo teatral de Martín Tufró (Olivos, 1978) combina tanto la puesta en escena como la dramaturgia. Un recorrido particular, cuya formación se gestó, entre otras prácticas, desde su participación y aprendizaje en sólidas experiencias como Los Mansos, de Alejandro Tantanian —donde trabajó como asistente de dirección— o La libertad, co-escrita con Tantanian y Ariel Farace para el Internationale Schillertage, festival alemán que se realiza en Manheim, dedicado a Friedrich Schiller.

Luego de Cuarentena —junto a

Sofía Humala— y Espacio vital, su primera obra como autor-director, Tufró acaba de estrenar El hijo, un texto de Jon Fosse protagonizado por destacados actores como Susana Pampín y Julio Molina. Este dramaturgo noruego fue estrenado por primera en vez en Buenos Aires por Daniel Veronese, quien puso en escena el año pasado, La noche canta sus canciones.

Fosse es un autor cuya escritura dramática se caracteriza, entre otros aspectos, por una filosa mirada sobre los vínculos humanos, basada en procedimientos que explotan en escena la austeridad de palabra. "Después de haber trabajado sobre mi primera obra —cuenta Tufró acerca de su abordaje de este texto— busqué bastante hasta que pude dar con este texto. Era lo primero que leía de Jon Fosse, y me atrapó enseguida. La situación es muy simple: un hijo vuelve al hogar paterno después de una larga ausencia en la cual nada se supo de él, salvo el rumor de que estuvo preso. Por detrás de esa simple trama aparecen los grandes temas de la obra: la soledad, el silencio, la mentira y la verdad."

¿Qué te interesó de la dramaturgia de Fosse al encarar este proyecto como director?

En principio, su dramaturgia en "estado puro", es decir, cómo está escrita, cómo cuenta a partir de prácticamente nada, cómo una situación que dramáticamente es muy pequeña se vuelve algo enorme e incontrolable. Es un texto que, bajo una apariencia muy simple, ofrece una complejidad enorme para el trabajo de puesta en escena.

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Alejandro Viola: Karabalí, ensueño Lecuona

Nota del 2 de marzo

“No nos burlamos del bolero, lo tocamos lo mejor posible”

Karabalí, ensueño Lecuona, el espectáculo que presentan en el Margarita Xirgu, propone un viaje de alto impacto musical y visual. “Hay mucho trabajo, hay mucho ensayo, trabajo de investigación, laburo con las voces”, explica su creador.

Si algún científico diera pruebas ineludibles de la existencia de mundos paralelos, sería, sin dudas, el tema que abarcaría casi la totalidad de la extensión del suplemento Futuro, así como las tapas de varias publicaciones de ese orden y de otros tantos también. El caso es que hay un espectáculo que probaría la veracidad del postulado “existen otras dimensiones”. En la cotidianidad porteña, Alejandro Viola tiene 43 años, vive en San Telmo, es actor, director teatral, licenciado en Comunicación Social y está felizmente casado hace diecisiete años con Silvia. En el altermundo, el Chino Amado tiene vaya uno a saber cuántos años, es ave de paso en hoteles de diversos puertos, cantante estrella de Los Amados y fiel a un harén de groupies cachondas que le regalan no su ropa interior, como a Sandro de América, sino un manojo de suspiros ratoneros. Lo cierto es que los viernes, sábados y domingos en el Teatro Margarita Xirgu, en Chacabuco 875, algo extraño sucede.

Aunque los expertos no hayan podido dar una explicación razonable acerca del fenómeno, sea por el polvo mágico que baña los escenarios o por el repetido escalofrío que produce el imponente telón escarlata, cuando el reloj indica las 21, y durante hora y media, las vidas de Alejandro y el Chino coinciden sobre las tablas en Karabalí, ensueño Lecuona y, por gentileza de quien pone el lomo, el segundo es quien canta. Y no está solo en la empresa. Como buen showman, se trae a la tropa nómada consigo y otras ocho personas de este mundo le rentan el esqueleto a Los Amados: Lisandro Filks al contrabajista y polémico Tito Richard Junquera; Analía Rosenberg a la excelente y pequeña pianista Raquelita Jarsinsky; Oscar Durán al sutil violero guyano Don Cristino Alberó; Hernán Sánchez al trompetista guatemalteco Angel; Fernando Costa al doble de riesgo y percusionista Pochoclo Santamaría, los hermanos David y Rubén Rodríguez a los identiquísimos mellizos cantantes Black y Mambo Méndez; y Daniela Horovitz a la diva y voz invitada Rosa Bernal. Ellos, envueltos en sus clásicos sacos de seda rosa floreados, bigotes caminito de hormigas, lamidas de vaca, rulitos y jopos engominados y zapatos lustrosos. Ellas, con vestidos estrambóticos de cola de sirena y repulgues de mosquitero, flores y moños sobre el pelo y zapatitos de charol rojos.

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Un caniche hecho de claveles
Lecuona, maestro de maestros

Perón en Caracas

Nota del 1 de marzo

Un texto para repasar la historia

Perón en Caracas piensa en los factores reales de la frustración de esta sociedad

Cada personaje, como cada hombre, sueña su propio sueño: el que le dicta la fuerza irreductible de su deseo. En Odiseo confinado , de Leónidas Lamborghini, "Cordero, el paródico" navega por los mares de su fantasía en busca de la gloria y la grandeza del modelo de los dioses literarios, sospechando, a cada instante, que lo acosa el fracaso. El Juan Perón de esta obra teatral del mismo autor también sobrevuela por el mundo de la imaginación: está urdiendo las estrategias para volver al poder en la Argentina. Y, como su colega en la ficción, está asaltado por las dudas.

Es un hombre lleno de temores e incertidumbres, que vive asediado por la soledad y por una molesta prostatitis en un departamento de Caracas. Y que, al repasar los momentos más arduos y dolorosos de su gestión, dedica ironías punzantes a los políticos e individuos cultos del país, e incluso a aspectos de su movimiento, pero que no deja de ponderar lo complicado que resulta conciliar intereses en la Argentina. Por este resquicio, y con mucha inteligencia, Lamborghini incita al espectador a repasar la historia, a pensar en los factores reales de la frustración de esta sociedad, incluidos los de hoy.

Ese es el verdadero aporte de esta obra, más que la posibilidad de que nos acerque a una figura más o menos próxima al Perón de esos tiempos. Por otra parte, la anécdota está fechada con precisión en septiembre de 1956, un año después de la destitución del jefe del justicialismo. Y cuando éste le escribe a John William Cooke, uno de los líderes de la resistencia al gobierno de facto, período del peronismo con el que más se identifica el autor, que, por lo demás, y como se sabe, militó en ese movimiento y ha sido un duro crítico de algunas de sus derivaciones, como el lopezrreguismo o el menemismo.

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En La Ranchería, México 1152. Los viernes, a las 21.

Chachi Telesco

Nota del 1 de marzo

Chachi Telesco: "Quiero darle una bofetada al público"

La actriz protagoniza un varieté y cuenta que hay vida después del video erótico que la depositó en alguna cima. Su "séptimo sentido", algo de espiritualidad (¡lógico!) y la identificación con el personaje de "Amélie".
Estamos en la mesa de un bar sin café, sin agua, sin gaseosa, sin mozo, sin gente, sin nada, diciéndole a Chachi que confíe, que se quede tranquila, que todo va a salir bien. ¿Ustedes ¿a los que leen esto¿ qué saben de Chachi Telesco? A ver: ¿Qué libros lee? ¿A quién le gustaría parecerse cuando sea grande? ¿Mascota preferida? ¿Religión? ¿Cómo hace para elongar sus isquiotibiales?

Si en el bar muerto le decís que no vamos a tocar el tema del videíto escándalo y le hablás de una especie de olvido selectivo, Chachi te va dar las gracias con un montón de palabras y con una mirada entre liviana y espinosa que todavía no descubrieron los de la tele.

¿Y un yorkshire terrier? ¿Pensaste en un perrito como el de Susana?
Perros, mmm, no.

Mirá: Luisana Lopilato se la pasa levantando perritos abandonados en Las Toninas.
Mi mascota es un perico, las típicas cotorras. Yo tuve una y se murió. Le había enseñado a tirarme dos veces del lóbulo de la oreja para avisarme que quería hacer caca y entonces la bajaba de mi hombro. Tengo un séptimo sentido para los animales. El sexto lo uso para la percepción; el séptimo, para adiestrar bichos. Al periquito yo le preguntaba: ¿Vos cómo sos? Y él siempre me respondía: "Chiquitito, chiquitito". Y te hablo de que sabía decir los nombres de mucha gente. Lo tenía en mi ciudad, en Rafaela, Santa Fe, y se murió. Ahora que vivo en un lugar mío y digno de pericos, voy a volver a tener uno.

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Karabalí, ensueño Lecuona

Nota del 28 de febrero

Los Amados ahora divierten con un homenaje

Con una evidente madurez musical, el grupo que lidera Alejandro Viola logró, con éxito, sumar la obra de Lecuona a sus códigos

"¡Claro que sí!" La expresión clásica del "Chino" Amado, factótum de Los Amados, sería exacta para afirmar que el grupo no defrauda en esta nueva experiencia temática. Los seguidores y fanáticos ya se habían acostumbrado a algunos gags y hasta a sus clásicas canciones, y como toda agrupación teatral que mantiene un éxito y lo repite, siempre corre el riesgo de que lo nuevo no tenga la misma repercusión que lo anterior. Esta vez el desafío fue enorme: un homenaje a Ernesto Lecuona. Acomodar a estos desopilantes personajes en un marco conceptual más cerrado podría haber sido peligroso, pero el grupo tiene un profesionalismo que excede el contexto.

El preámbulo, un cuadro que remite a las raíces africanas de esta música, con sus decorados de colores apabullantes ya conducen al espectador por la senda del humor, antes de entrar en esta antología musical.

Y la figura de Ernesto Lecuona no es ajena al hecho teatral. Es el padre de la zarzuela cubana y su compañía pisó muchas veces suelo argentino en las décadas del 30 y del 40. Su música es ideal para evocar aquellos años, con sus modos y sus códigos que, vistos a la distancia, en la actualidad, pueden resultar tan kitsch y sobreactuados.

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Cuento con mascotas

Nota del 28 de febrero

Cuentos y mascotas que dan clases

El grupo Los Títeres de Don Floresto festeja sus 35 años con un estreno

"Como todos éramos de Floresta, inventamos este personaje, Don Floresto, que era como el anunciador, y luego protagonizó dos obras", aclara María del Carmen Hernández, fundadora, junto con Miguel Fontana, entre otros, del grupo Los Títeres de Don Floresto. "Empezamos con Y salió el sol -agrega Miguel-, en la que aparece también un autito, Pototo, que se hizo popular entre los niños. Y seguimos trabajando siempre para el público de jardín de infantes y primaria". El grupo tiene unas quince obras en su repertorio, y están en condiciones de afirmar que los ven unos 70.000 espectadores por año.

"Eso nos ha llevado -aporta María del Carmen- a una relación muy estrecha y constante con las escuelas, ya sea visitando sus propios espacios, o dando funciones en la sala o en lugares cercanos al colegio, como clubes y sociedades de fomento. Y nos adaptamos al lugar y a la edad de los chicos."

Afirman que convocan a especialistas para la dramaturgia, la escenografía, los muñecos, la música. "La dramaturgia titiritera es complicada -subraya Hernández-. En general, partimos de una idea del grupo, convocamos a un escritor, pero trabajamos juntos porque no solamente se trata de teatro, sino de teatro de títeres, y hay que tener en cuenta muchos detalles."

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Alicia Zanca: Prueba de amor y El jardín de los cerezos

Nota del 28 de febrero

"El arte es lo que me manda"

La directora habla de sus últimos trabajos, "Prueba de amor", de Arlt, y "El jardín de los cerezos", de Chéjov.

Tengo una hija, y dos hijos, con capacidades diferentes, a quienes les dedico mucho tiempo. Fuera de ellos, el arte es lo que me manda". Alicia Zanca defiende con solidez su multiplicación en el trabajo.

Apenas una semana después del estreno de Prueba de amor, de Roberto Arlt, y de su puesta de El jardín de los cerezos, de Antón Chéjov, la directora ya ensaya Poker de damas, mientras trabaja en otras dos obras.

Sin embargo, Zanca sigue situada, por ahora, en las obras que acaban de subir a escena, protagonizadas por actores que pasaron por su escuela de actuación. "En el caso de Arlt, la decisión de hacer la obra surgió tras el trabajo de análisis que los chicos hicieron del texto", cuenta.

En el del autor ruso, admite que hace un tiempo, Kive Staiff le propuso abordarlo para el San Martín. "Le dije que no, porque consideraba que tenía que investigarlo más. Es un autor con quien río y lloro cuando lo leo. Pero con sus puestas suelo aburrirme, salvo con las versiones de Daniel Veronese, o con Nikita Mijalkov, que es su perfecta síntesis. Por eso, preferí tomarme un año para trabajar esto que sucede con la sensibilidad y con el humor en su obra", explica.

Ambientadas originalmente entre fines del siglo XIX y comienzos del XX, Zanca rescata la actualidad que mantienen las dos obras, un siglo después.

¿Por qué utilizaste dos parejas ubicadas en dos tiempos históricos para cubrir los dos roles de la obra de Arlt?

Es una idea que tiene que ver con la universalidad del tema. En los '30, los '50 y hoy, aquí y en Indochina, el tema del amor es muy importante. Y no hay una respuesta única, porque cada uno proyecta su experiencia.

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