Cien Horas de Teatro Independiente

Cien horas de teatro

La cuarta edición de las “Cien Horas de Teatro Independiente” se realizará entre el 3 y el 6 de abril en un evento que organizan la Dirección de Cultura y la División de Teatro de la ciudad de Córdoba. En esta una nueva apuesta por consolidar la Cultura en Córdoba, el jurado integrado por Jorge Villegas (coordinador artístico), la licenciada Gabriela Halac y Marcelo Castillo (artista de reconocida trayectoria) seleccionó las diez mejores obras propuestas para esta nueva edición. El encuentro no es de carácter competitivo y se desarrollará en el Cine Club Municipal Hugo del Carril de la ciudad.

Fuente: Página/12

Chúmbale

Chúmbale, de despedida

Mañana culmina su ciclo de funciones Chúmbale, obra de Oscar Viale con dirección de Santiago Doria y las actuaciones de Alejo García Pintos, Eleonora Wexler, Antonio Ugo, Graciela Pal, Silvina Bosco y Marcelo Minnino, en la sala Orestes Caviglia del Teatro Cervantes, Libertad 815. Estas últimas funciones de su segunda temporada en esta sala serán hoy, a las 21.30, y mañana a las 21.

Fuente: La Nación

Drácula, el musical

Drácula, en lenguaje de señas

Luego de la experiencia que se llevó a cabo durante mayo y agosto del último año en que la Mutualidad Argentina de Hipoacúsicos presentó Drácula, el musical -un espectáculo actuado por intérpretes en lengua de señas-, las autoridades de la institución decidieron volver a ofrecerlo no sólo al público sordo e hipoacúsico, sino también para el público oyente. La obra cuenta con un subtitulado permanente y el Teatro del Globo (en el que se realizarán las funciones el 15 y el 16 de mayo) posee un aro magnético que permite que el sonido se transmita sin interferencias a las personas que utilizan audífonos.

Fuente: La Nación

Mauricio Dayub y Osqui Guzmán: El batacazo

Dos actores con suerte y disciplina

Debutaron con El batacazo , una comedia sobre aquellos que desafían al destino

Mauricio Dayub y Osqui Guzmán salen del teatro y enfilan hacia un bar de Palermo. En aquel trayecto de pocos metros, saludan a cada paso a vecinos y conocidos. Son dos hombres amables, sencillos y a los años de escuela de actuación le suman otra formación muy importante: la de la calle porteña. Sobre unos sillones blancos y música chill out de fondo piden en sincronía un café con leche y una torta de manzana con bochas de helado de crema. Hoy la vida les sonríe, a pesar de la crisis económica internacional. Y así comienzan a hablar de la suerte, el destino y El batacazo , la obra que ayer estrenaron en el Chacarerean Teatre, escrita y dirigida por Dayub.

Esta comedia dramática narra la historia de dos personajes que quieren cambiar su destino. Uno de ellos, en la piel de Dayub, ha trabajado toda su vida en un parque de diversiones en el puesto de un juego que aún nadie ha podido ganar. Entonces, este empleado convoca a un hombre que, según se rumorea, podrá superar aquel desafío y obtener el premio máximo. "Están desesperados por ganarle al destino, hartos con lo que les toca vivir y, por eso, buscan un golpe de suerte, un batacazo", cuenta Guzmán.

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Umo, cabaret mágico

Magia y diversión al estilo de los años 30

La fórmula combina, en proporciones diversas, travestismo paródico, fonomímica, lujoso vestuario, irreverencia, ingenio y entusiasmo. Las protagonistas son casi siempre las mismas, a saber, divas del espectáculo, en lo posible de ayer: las que se fueron, transformadas en amables fantasmas; y de las actuales, las que ya están bastante averiadas pero mantienen su carisma.

En esos aspectos, Umo, cabaret mágico no es novedoso, pero añade, sí, un ingrediente atractivo: números de prestidigitación, ejecutados con limpieza y buen humor, en especial los del falso mago chino y su inefable colaboradora, que siempre se equivoca. A la manera de un memorable film norteamericano de fines de los años treinta, Loquibambia, aquí puede suceder cualquier cosa, y sucede. Desde que Tita Merello vuelva a imponer su fiera estampa en un cabaret porteño, hasta que Carmen Miranda bambolee las caderas acompañada por las Andrews Sisters convertidas en tres improbables sirenas, o que Sarita Montiel recupere su bella estampa juvenil con la intencionada letra del cuplé "La pulga", y una ovejita de trapo, asombrosamente expresiva, se robe la función.

Hay de todo en este singular cabaret mágico; demasiado, tal vez (eliminar algún cuadro lo beneficiaría: el de la cocinera tirolesa, por ejemplo), pero lo más importante es el ingenio, los abundantes toques de originalidad y, sobre todo, el contagioso fervor del elenco, que se divierte tanto como el público.

Fuente: La Nación

La niña de la noche, Patito Feo, Pajaritos en la cabeza, Cuento con mascotas, De Paraguas, y La pequeña aldea

La niña de la noche

domingo 16 TEATRO DE LA RIBERA, AV. PEDRO DE MENDOZA 1821, 4302-9042, $15

Espectáculo para toda la familia creado por el Grupo de títeres Catalinas Sur a partir del cuento La Niña que iluminó la Noche de Ray Bradbury.

Patito Feo

sábado y domingo 17,30 TEATRO GRAN REX, CORRIENTES 857, 5237- 7200, DESDE $40

El elenco de la famosa tira juvenil que produjo Ideas del Sur y que emitió a lo largo de dos temporadas Canal 13, se presentará con su show La gira más linda. El espectáculo, que funciona a modo de despedida de la historia que enfrentó a "divinas" con "populares" promete novedades: "Es como un resumen de los dos años de la tira, con canciones", explica su protagonista, Laura Esquivel. "Dura lo mismo que el anterior, pero tiene el doble de temas", acota Brenda Asnicar.

Pajaritos en la cabeza

sábado 18 LA NUBE, JORGE NEWBERY 3537, 4552- 4080, $15

Espectáculo de títeres. Con la imaginación en las manos, se presentan tres bellas obras, sencillas y cálidas: El gato y los ratones, de Roberto Espinosa; El buen Diablo, de Quique S. Vera, y El regreso, de Sergio Ponce.

Cuento con mascotas

sábado y domingo 16.30

TEATRO DE LA ASOCIACION ITALIANA DE BELGRANO, MOLDES 2157, 4781-0371, $18

Por el grupo Los títeres de don Floresto, una creación de Miguel Fontana, María del Carmen Hernández, Fernando Amarilla y Andrés Olguín.

De Paraguas

sábado17 TEATRO DEL PASILLO, COLOMBRES 35, 4981-5167, $15

Un mágico viaje para abrir los ojos y el corazón al increíble universo de los paraguas. Todo puede pasar y al finalizar sólo nos resta esperar a que llueva para seguir jugando. Coreografía: Mecha Fernández. Música: Rony Keselman. Libro y Dirección: Silvia Copello.

La pequeña aldea

domingo17 MUSEO SAAVEDRA, CRISÓLOGO LARRALDE 6309, ALT. GRAL. PAZ Y CONSTITUYENTES, 4571-5655 y 4573-4672, $15

Especial sobre la Revolución de Mayo. Comedia histórica para toda la familia. La obra comienza cuando el director del museo muestra la maqueta de la vieja Buenos Aires con la intención de dar una conferencia sobre la vida cotidiana durante la Revolución.

Fuente: Clarín

Chicago, Cabaret, Hairspray, "Eva, el musical", Los Productores, Sweet Charity, ¡Mueva la patria!, Mina..., Revista nacional, y Doña Flor

Ey, Liza, mirá: ¡"Chicago" le ganó a "Cabaret"!

Las comedias musicales están de moda. Llegó "El Fantasma de la Opera": cartón lleno. Votó la gente: ¡eligieron "Chicago"!

1 Chicago 23.9 %

Seguramente sea el más legendario de los musicales legendarios. Supo convertirse en un clásico de Broadway, y en Buenos Aires se estrenó en 2001 con Sandra Guida en el Opera.

2 Cabaret 18.6 %

El musical que remeda un club nocturno de los 30 es un clásico inoxidable.

3 Hairspray 16.2 %

Pinti de nuevo, con una adorable gordita salida de un casting. Otro hit importado.

4 Eva, el musical 13.1 %

La Eva de Nacha Guevara no es la la Eva de Madonna ni la de Anamá Ferreira.

5 Los Productores 9.8 %

Tiene la firma de Mel Brooks. Acá actuaron Francella y Pinti. ¿Qué más?

6 Sweet Charity 7.2 %

Fue dirigido y coreografiado por Bob Fosse. Aquí no, aquí trabajaba Florencia Peña.

7 ¡Mueva la patria!...3.7 %

(La ópera cumbia argentina 3.7 %). La Argentina contada por un Washington Cucurto.

8 Mina... 3.1 %

Mina... che cosa sei? Tributo a la cantante italiana. Actuaba Elena Roger. 10.

9 Revista nacional 2.6 %

A medio camino entre el musical y la revista. Con Miguel Angel Rodríguez.

10 Doña Flor, 1.8 %

¿Ultimo puesto? ¿Hay que echarle la culpa a Emme o a Mónica Ayos?

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Luis Agustoni

Luis Agustoni: "He sido el chico más obediente y disciplinado del planeta"

No recuerda travesuras, tampoco envidia la rebeldía. Dejó Derecho para hacerse cargo del artista que quería ser.

Dueño de una memoria emotiva que es capaz de recordarle al alma aquello que sintió cuando tenía 21 años, aventura que "lo que viene es un relato un poco mágico: con unos compañeros de Derecho teníamos un grupo de teatro y nos presentábamos en salas alternativas, pero un día nos propusieron llevar el espectáculo a un colegio que tenía un escenario fantástico. Era la primera vez que pisaba uno así, tan equipado. Era una mañana, la sala estaba vacía, había cierta oscuridad, un silencio notable. Miré para arriba, vi la parrilla de luces, las cortinas que colgaban pesadas, preciosas y sentí una emoción muy inexplicable y una sensación que jamás perdí... Y es que ésa era mi casa". El relato "un poco mágico" es de Luis Agustoni, el hombre que habla en su propia casa. La que montó una escalera arriba de su propio teatro.
En la planta baja, entonces, funciona "El ojo", a 13 cuadras y casi 40 años de distancia del escenario conceptual en el que empezó a hacerse cargo de su vocación. Hasta ese día, era sólo el estudiante de Abogacía que cada tanto actuaba en Antígona, de Jean Anouilh. Pero aquel instante fue revelador para que "a los 26 años tomara la gran decisión de mi vida. Y ahí la vida se disparó hacia un lado que no era el previsto. Y la puso en eje. Yo me encontré a mí mismo como persona cuando resolví ser artista y dedicarme al teatro. Lo que pasa es que yo pertenecía a una familia de clase media profesional y mi destino era la carrera universitaria y el doctorado en alguna profesión liberal. No es un mal destino, pero definitivamente no era el mío".
Ahora, frente a un sabroso café que invita la casa —o el teatro, da igual—, cuenta que haber decidido qué nuevo camino construir sobre viejas fundaciones lo llevó "a rebelarme contra mi familia... Más que una rebelión fue una terca voluntad de hacer lo que yo quería y no lo que querían los demás. Fue algo que me alienó durante un tiempo, hasta que después la relación se recompuso. Pero con mi padre tuve muchos encontronazos al principio..."

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El hijo

Nota del 27 de febrero

Definiciones precisas en una puesta con mérito

Martín Tufró dirige una versión de El hijo, de Jon Fosse

Una familia aislada; el matrimonio vive en un pequeño poblado oscuro, donde los vecinos se han ido muriendo o han partido en busca de otra realidad. Sólo un vecino, a veces, comparte algo de su existencia en el lugar, un hijo que ya no está y de quien muy poco se sabe. El vecino informa a esos padres que ese hijo lleva una vida poco clara, pero es el propio hijo, cuando llega, el que desata una serie de situaciones dramáticas, mínimas pero intensas, que posibilitan al espectador reflexionar acerca de una verdad que ha quedado flotando en el aire.

En el texto del noruego Jon Fosse -al igual que La noche canta sus canciones , su primer drama conocido entre nosotros- son determinantes el paisaje y como él ensombrece la conducta de los personajes. Sus diálogos son fragmentados y la conducta de sus seres irá definiéndose de a poco, sin sobresaltos, y sólo habrá posibilidades de comprenderla completamente al final de la experiencia.

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En el Camarín de las Musas (Mario Bravo 960). Sábados, a las 23.30.

Carlos Defeo: La pesca

Nota del 27 de febrero

La eficaz terapia de un actor que hace la plancha

Luego de haber realizado una extensa gira, Carlos Defeo regresa con La pesca, dirigido por Ricardo Bartís

Carlos Defeo nada tres veces por semana en el club de su barrio para mantener su estado atlético. Pero, a su vez, practica, desde hace dos años, La pesca , en otro club, el Sportivo (Thames 1426), de Ricardo Bartís, donde persigue bagres y tarariras. A este actor y psicólogo, al que nunca le gustó barrenar -servirse de un impulso ajeno para llegar a un destino-, planea para este año "hacer la plancha". Ya no lucha contra la corriente, y la crítica le otorgó algunos premios.

Junto con Luis Machín y Sergio Boris integra la obra multipremiada del circuito independiente, que en 2008 lo llevó por los ríos de Italia, Francia, Alemania, Bélgica y España. Desde hoy, repone la pieza los sábados, a las 22, y los domingos, a las 21, y se sumerge en un mundo masculino, el de un decadente club de pesca bajo techo, y bucea en un personaje anciano, casi decrépito, ostentando una gran destreza física. "Confío en que el cuerpo es más inteligente que uno mismo", opina el actor. Defeo usa una faja en cada función para evitar romperse las costillas y ruega que no se devele el final de esta puesta, donde la escenografía tiene un papel destacado.

"Siempre fui muy tímido, y desde chico quise ser actor, pero no me animaba del todo; fue la actuación la que me ayudó bastante a vencerla", dice, y se ahoga con una carcajada.

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Javier Van de Couter: La noche que Larry Kramer me besó

Nota del 27 de febrero

“Este es un texto muy intenso”

Uno de los más persistentes éxitos del off Broadway neoyorquino, La noche que Larry Kramer me besó, de David Drake, pide, según su protagonista, “cambios en las políticas de salud, por los derechos humanitarios de los enfermos de sida y contra la discriminación”.

Nominada al Lambda de literatura (premio que en Estados Unidos recibe lo mejor de la literatura lesbiana, gay, bisexual y transexual), La noche que Larry Kramer me besó, de David Drake, fue estrenada en 1994 con la interpretación del propio autor y aún hoy es uno de los unipersonales que permaneció en cartel por más tiempo en la historia del off Broadway. Hace ocho años tuvo una versión cinematográfica en Estados Unidos (no estrenada en cines en el país) dirigida por Tim Kirkman y también protagonizada por el mismo Drake. La obra, que describe el proceso de autoconocimiento que emprende el protagonista desde los 6 hasta los 33 años, hace referencia a Larrry Kramer –autor, guionista cinematográfico y activista gay comprometido desde los primeros años de la aparición del sida– porque el protagonista siente que le debe a ese autor el reconocimiento de su identidad sexual. El haber visto su obra El corazón normal fue un acontecimiento en su vida, una experiencia comparable a un beso metafórico. En el nuevo Teatro Antesala (Gorriti 3956) acaba de subir a escena la versión argentina de este texto, con dirección de Martín Alomar, interpretado por Javier Van de Couter, conocido por su labor en la tira El tiempo no para, de la cual fue también guionista. “Apenas leí la obra la consideré un desafío –afirma el actor–, porque es un texto muy intenso y político que además me comprometía personalmente, y me pareció un acto de amor hacerla: pertenezco a una generación para la cual el sida ha estado siempre presente en la necesidad de cuidarse y de hacerse análisis.”

Nacido en la Patagonia pero formado en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), Van de Couter tiene, a sus 33 años, una amplia experiencia teatral en virtud de haber trabajado a las órdenes de Alberto Félix Alberto y Roberto Villanueva, entre otros. “Es un texto difícil de interpretar y hacerlo ‘de verdad’, porque el autor escribió esta obra para él mismo, desde una gran angustia”, explica Van de Couter. “Es una especie de diario cronológico de un personaje que a los 16 años tiene su primer enamoramiento y sufre la primera discriminación cuando sus padres se enteran. Todo está dicho al público, pero la obra va creciendo en despliegue de movimiento y desde lo visual, con música y proyecciones”, detalla.

–El personaje de la obra es de Baltimore y viaja a Nueva York para experimentar lo que es vivir en una gran ciudad...

–Sí, igual que yo, que nací en Carmen de Patagones y vine a Buenos Aires a los 17 años. Así que puedo entender bien el impacto que siente, sé de lo que estoy hablando cuando hago la obra.

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Omar Aita: Los siete locos

Nota del 27 de febrero

Poner a Arlt sobre tablas

En la obra que se presenta en el Centro Cultural de la Cooperación, el director aprovecha la resonancia del escritor en el presente para indagar “si nosotros también, como esos personajes, no vivimos una mentira construida por el poder”.

¿Es Roberto Arlt el dramaturgo del hombre desesperado? El director Omar Aita prefiere decir que las obras de Arlt tratan esa angustia ontológica que se detiene en preguntas del tipo para qué estamos o cuál es nuestra proyección en la vida, por supuesto sin dar respuesta. Intérprete, autor y docente, Aita dirigió, entre otras, Acróbatas en el aire, Corpiñeras, La foto, una versión de Esperando a Godot y ahora una adaptación de Los siete locos, novela de 1929 en la que artistas y autores siguen descubriendo situaciones que se reiteran en el presente. Como entonces, sacrificadores y sacrificados se incrustan hoy en los estamentos de una sociedad convulsionada. Los sueños de una sirvienta humillada que se suicida (Trescientos millones), los remordimientos de un homicida que se corporizan en fantasmas (El fabricante de fantasmas) o las desventuras del individuo robótico (el personaje del Hombre Cúbico) resuenan tanto como El Rufián Melancólico, Remo Erdosain o El Astrólogo, personajes de Los siete locos y de una escritura de abruptos cortes que vira hacia lo fantástico y es recorrida por un “grotesco discepoliano”. Narración y teatro en los que se reiteran asuntos clave en Arlt (1900-1942), como el dinero y el mal. Un inicial ejemplo de esto es Escenas de un grotesco, boceto escénico publicado en 1934 y germen de Saverio el cruel. De Los siete locos, Aita seleccionó secuencias filosóficas y de crítica social, elusiva a veces como la reflejada por el escritor en La fiesta de hierro o directa como en El desierto entra en la ciudad, donde escribe: “¿A qué mártir... le tuvieron todas las horas de su existencia amenazado con el infierno de la cesantía, con la tortura de la desocupación?”.

–¿Qué descubrió en su relectura de Los siete locos?

–Mi primera impresión se relaciona con el comportamiento de personajes que responden a una gran mentira. Esa es también mi idea sobre casi todo lo que hacemos. Me pregunto si nosotros respondemos también a una gran mentira construida por los que tienen poder.

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Marcos "Bicho" Gómez

Malaonda cambia de onda

A su "Pascualito" en "RSM" sumará un programa de cocina junto a Jimena Monteverde, por Magazine.

"Vamos a estar cocinando, bueno, en realidad, Jimena va a cocinar y voy a poner un poco de humor a los mediodías, como para ir preparando el almuerzo con una sonrisa", cuenta Marcos, el hombre detrás de todas esas caras. La dupla entre Bicho y Jimena surgió espontáneamente en Mañanas informales y por eso los convocaron para este ciclo propio. "Jimena es muy histriónica y por eso nos complementamos muy bien. Se dio una química natural entre nosotros. Comíamos pésimo, pero nos divertíamos como locos", dice.

(...)

Este año, el actor también tendrá una participación en ShowMatch en el segmento de humor (iré flotando cada rato por ahí) y seguirá con la obra de teatro Revista latina con la que hizo temporada en Carlos Paz. Volverá a Córdoba en Semana Santa, después habrá un gira por el país, y a mitad de año es posible que estrene la obra en Buenos Aires.

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Fiesta Nacional del Teatro

Gran fiesta del teatro

La nueva edición de la Fiesta Nacional de Teatro contará con 40 grupos y un total de 92 funciones.

Comenzó la 24ø edición de la Fiesta Nacional de Teatro que se realizará en Chaco. Contará con la participación de 40 grupos de todo el país que desarrollarán hasta el 4 de abril 92 funciones. El encuentro se extenderá a 12 localidades de la provincia anfitriona. Además, tres espectáculos tendrán funciones en Formosa, Corrientes, Misiones y Asunción, Paraguay.

En la apertura hablaron las autoridades provinciales y del Instituto Nacional del teatro. También se presentó en el Do mo del centenario el espectáculo Chaco todos los escenarios. Fue una propuesta que tuvo lugar en once escenarios diferentes distribuidos en el predio que rodea el Domo.

Gladys Gómez, encargada de la coordinación del encuentro, comentó "esta es una fiesta muy deseada por la provincia. Además de la alegría es un gran desafío por las características del proyecto. Tenemos extensiones en varios pueblos como El Sauzalito, en el impenetrable, Charata o La Tigra. También, en el marco de la fiesta, será inaugurado mañana el Complejo cultural del Centro Chaqueño, en la localidad de Saénz Peña."

Una de las tres obras de apertura será Balbec, escrita y dirigida por Alejandro Parmetler. Este trabajo del grupo chaqueño "La fábrica de las artes". Otro espectáculo es Martín Dresler, del grupo neuquino dirigido por Carlos Ceppeda. Por último, se presenta un invitado a la Fiesta Nacional: W invasión extraterrestre, del cordobés Gonzalo Marull y Emanuel Rodríguez, inspirado en el radioteatro La Guerra de los Mundos, de Orson Welles.

Mientras se desarrolla la fiesta nacional, Chaco es una de las provincias más castigadas por el dengue. "Estamos tranquilos, no hay cuarentena en los pueblos -dice Gladys Gómez- Tomamos precauciones fumigando los espacios donde tendremos tanto espectáculos como talleres. Además, repartimos bastante repelente entre los invitados."

Fuente: Clarín

Ezequiel Campa

En la cabeza de un asesino

¿Cómo va a ser tu personaje en "La pecadora"?

La obra trata sobre la vida de Delmira Agustini, la poetisa más importante de Uruguay. La dirige Lorenzo Quinteros. Yo hago del marido de ella que, en la vida real y en la obra, termina matándola.

¿Es difícil actuarlo?

Me está reventando la cabeza. Es muy compleja la obra y lo que les pasa a los personajes. El no es un asesino, pero la situación lo convierte en eso. Transitarlo es bastante duro, desolador.

Es muy diferente de lo que venís haciendo en tele.

Claro, ahí los conflictos son más leves, casi no se ensaya.

¿Cuál fue el trabajo en televisión que más te gustó hacer?

Me divertí mucho en Lalola, por cómo se trabajaba. Todos contra Juan me gustó mucho, mucho, mucho. Era un unitario y lo manejaba Gastón Pauls, que como es actor trató de respetar nuestros procesos. Estuvo muy cuidado.

¿Estás con algún otro proyecto?

Siempre hay ofertas dando vueltas. En tele no puedo adelantar mucho porque no es concreto. Lo loco es que están repitiendo los programas en los que estuve. Aparezco en muchas tiras a la vez.

¿Hay algo más?

Sí, voy a seguir con mi espectáculo de stand-up en el Paseo la Plaza, Agraciados, y estoy en otro. Está bueno porque te da libertad, pero es difícil hacerse cargo de la dirección, del guión, de la producción. Igual hoy por hoy mi cabeza está con La pecadora, que se estrena el 25/04 en el Teatro del Pueblo.

Fuente: Clarín

Noches de circo

Una variada selección de artistas que abordan la escena con el espíritu de la calle y su especialidad: las técnicas circenses. El payaso Chacovachi, Maku Jarrak, Fernando Santillán Palmeiro, Furmán Ferramenta, Ezequiel Aguilera, Tomate, el dúo Cirkofkof, Fernando Santillán Palmeiro, Leandro Korman, Néstor Martellini, Georgina Movia, Tristana Muraro, Roquecycle y Bruno Gagliardini integran este varieté delirante. Despedida hoy, a las 21. Teatro de la Ribera, Av. Pedro de Mendoza 1821 (0-800-333-5254). $ 15.

Fuente: La Nación

Fiesta Nacional del Teatro

Nota del 26 de marzo

Chaco se convierte en escenario

26.03.2009 | La muestra continuará hasta el 4 de abril en Resistencia y treinta salas de la provincia, y extenderá sus propuestas a Formosa, Misiones, Corrientes y Asunción del Paraguay. "Escrito en el cuerpo" y "Lote 77" representarán a Buenos Aires.

Como ocurre cada año una provincia es elegida para ser sede de la Fiesta Nacional del Teatro, que este año, en su XXIV edición, se inaugura hoy, en la ciudad de Resistencia, en la que las representaciones se extenderá hasta el 4 de abril.

La muestra que reunirá a cuatrocientos teatristas de cada provincia argentina y de Buenos Aires, cubrirá treinta salas de Chaco y también habrá funciones en Formosa, Posadas, Corrientes y en Asunción (Paraguay).
Organizada por el Instituto Nacional del Teatro (INT) y autoridades chaqueñas del área de cultura, el presupuesto asignado alcanza los setecientos mil pesos y aspira a que se defina el encuentro como un "escenario de inclusión". Según el director del Instituto de Cultura de Chaco, Francisco Romero, "no debe mencionarse a Chaco como una provincia pobre, debe destacarse que es "rica en diversidad cultural"..."

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Daniel Dalmaroni: Splatter, rojo sangre

Nota del 26 de marzo

“Si no escribiera, sería un asesino”

Tomando como fuente “un subgénero dentro del cine bizarro”, el director fusionó información sobre homicidas y humor negro para construir una pieza basada en el exceso. “Siempre me quedaba con ganas de más sangre”, argumenta.

Aunque la voz en off que da inicio a la obra advierta que nada tiene que ver con la realidad, quien la vea en el marco de la controversia generada por Susana Giménez (sobre dar muerte a los que matan) pensaría que el director Daniel Dalmaroni aprovechó la coyuntura para ganar unos mangos. Pero no. En Splatter, rojo sangre, entre un grupo de asesinos no queda ninguno en pie por venganza de unos hacia otros, pero es, ciertamente, casual. Ni predictivo ni crítico, por cuanto el guión fue concebido antes del exabrupto de la diva.

Es preciso, para rastrear la sed de sangre en el mundo del espectáculo, retrotraerse exactamente cuarenta años. Un puñado de cinéfilos coincide en señalar al film Blood feast, realizado por el norteamericano Herschell Gordon Lewis en 1969, como el primero de splatter. En la película, Lewis deja a un lado los desnudos –que ya saturaban el mercado cinematográfico– y se mete de lleno con la muerte: los asesinatos en serie, los destripamientos y la hemoglobina a borbotones. No necesitó demasiado, apenas algunos litros de pintura roja, unas bolsas de carnes de res, un reparto barato y un presupuesto ínfimo, aun para esos tiempos en que no se invertían los millones de hoy en día. A Dalmaroni algo de eso lo atrajo y lo conjugó con una idea que venía postergando desde hacía año y medio, en clave de humor negro, como casi todo su trabajo (Burkina Faso, Yo maté un tipo). “En puestas de otras obras de humor negro –dice el director–, siempre me quedaba con ganas de más sangre, por más que estuviera bueno el producto. Cuando empecé con Splatter... y vi que iba a ser una cosa rara, me puse a investigar y descubrí que existe un subgénero dentro del cine bizarro, que es más berreta todavía, que es el splatter”, reseña.

–¿Cómo se planteó adaptar el splatter a una obra de teatro?

–Tengo una tradición dramatúrgica de muerte y sangre. A veces son muertes de las que se hablan, que no suceden en escena y, en otras, uno ve cómo se mata toda la familia. Por eso, siempre hubo algo de splatter en mi dramaturgia. Un amigo mío dice que si no escribiera sería un asesino serial. Creo que tiene que ver con cierta visión pesimista de la vida, que es pura violencia. Todas mis obras tienen humor negro porque es la única forma que tengo de digerirlo.

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Para el debut de una actriz

Tango turco

Nota del 26 de marzo

Un tango venezolano

Luego de sus vacaciones por el Machu Pichu, la protagonista de Por amor a vos, Claribel Medina, ensaya Tango turco, dirigida por Lorenzo Quinteros, en el Cervantes. La actriz, que cantará en vivo, estará acompañada por Víctor Laplace y Rafael Bruza, que, además, es el autor de la obra.

Fuente: La Nación

Los impunes, Sacco y Vanzetti, El prestamista que citaba a Goethe, El batacazo, y Homenaje a Fontanarrosa

Nota del 26 de marzo

Estrenos

Cinco estrenos: esta semana renuevan la cartelera porteña un homenaje, una comedia y tres dramas

Los impunes

De Ariel Barchilón, dirigida por Marcelo Roitman, con German Finkelsztein y Leandro López, entre otros. Domingos, a las 20. En La Tertulia, Gallo 826 (6327-0303). $ 25.
Sacco y Vanzetti

Viviana Ruiz dirige un texto de Mauricio Kartún, con Fernando Santiago y Fernando Martín, en esta obra que presenta la Comedia de la Provincia de Buenos Aires. Viernes y sábados, a las 21; domingos, a las 20. En la sala Armando Discépolo, calle 12, entre 62 y 63 (La Plata). $ 15.

El prestamista que citaba a Goethe

Pieza inspirada en un texto de Fedor Dostoievski, adaptada y dirigida por Alfredo Martín, quien también actúa junto con Victoria Fernández Alonso y Liana Müller (foto). Viernes, a las 21. Teatro El Búho, Tacuarí 215 (4342-0885). $ 25.

El batacazo

Una comedia escrita y dirigida por Mauricio Dayub, quien además comparte el escenario con Osqui Guzmán. Viernes, sábados y domingos, a las 21. En Chacarerean Teatre, Nicaragua 5565 (4775-9010). $ 40.

Homenaje a Fontanarrosa

Versión libre de los cuentos de Roberto Fontanarrosa, dirigida e interpretada por Fito Yanelli. Viernes, a las 23.30; sábados, a las 21. En Le Clac, Av. De Mayo 1156 (4382-6529). $ 40.

Manuel Santos Iñurrieta: Crónicas de un comediante

Nota del 26 de frebrero

“Arte e historia van juntos”

El actor, también autor del texto, interpreta en el Centro Cultural de la Cooperación a un cómico conflictuado, extraña mezcla de Chaplin, José Marrone y Alberto Olmedo. “El teatro es un elemento de transformación social”, asegura.

Nacido en Mar del Plata en 1977 y establecido en Buenos Aires desde hace nueve años, Manuel Santos Iñurrieta formó su grupo El Bachín junto a otros tres actores (Carolina Guevara, Julieta Grispan y Marcos Peruyero) en la búsqueda de un lenguaje común que privilegiara una temática ligada a lo político. Tal vez, la historia de este grupo (que desde hace un año cuenta con sala propia en Parque Patricios) pueda resumirse en sus espectáculos Siberia, obra en la que en 2002 habló acerca del exilio económico de muchos argentinos, Charly, en la que poco después ponía el foco sobre las costumbres del poder, y Lucientes, espectáculo que, partiendo de la obra de Goya y del teatro de Brecht, elaboró un homenaje a los desaparecidos de la última dictadura. En estos días, el grupo acaba de reestrenar Crónicas de un comediante, versión de una obra que Santos Iñurrieta montó en Mar del Plata junto al actor Esteban Padín, que se hizo merecedora de los Premios Estrella de Mar 2007 a Director y Mejor Espectáculo Marplatense.

En esta oportunidad es el mismo Santos, también autor del texto, quien interpreta a este comediante conflictuado, en el Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543). Se trata de un personaje de múltiples facetas, una extraña mezcla de Chaplin, José Marrone y Alberto Olmedo. Encerrado en los límites de su casa, el cómico monologa acerca de su propia condición de artista, por momentos transformado en un brillante conferencista que dicta al público una serie de clases magistrales acerca de temas ligados al devenir de la humanidad. ¿Cuál es el sentido del contradictorio comportamiento de este personaje? A Santos Iñurrieta le interesa subrayar la relación entre la historia y la producción artística: “Son tan fuertes las contradicciones históricas que sufre este personaje – explica Santos en una entrevista con Página/12– que intenta encontrar una verdad que las resuelva. Pero, finalmente, asume el conflicto que estas contradicciones le plantean sin quedarse encerrado en cuatro paredes”, resume.

–¿Es una forma de romper con una actitud solipsista?

–Es que alguien puede ser el mejor artista del mundo, pero si no dialoga con la sociedad, con el presente y con la historia, va a terminar encerrado en el living de su casa, actuando como en una forma de regodeo personal. Por eso este comediante toma los temas que desarrolla en su discurso: el nacimiento de las sociedades, las etapas del arte y la creación de las vanguardias. Todo puesto en un marco histórico, porque el arte va de la mano de la historia. Dialogando entre sí en una dialéctica permanente.

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Julieta Díaz

La "gitana" Díaz se subió al tablao

Julieta Díaz participó en "Dardos al corazón", el espectáculo de flamenco de Rafael Amargo. La actriz cantó y recitó poesía mientras el "bailaor" la interpretaba con sus movimientos. Desde la platea de La Trastienda la aplaudieron su papá y su novio. Rafael confesó que Julieta es "el monumento a morocha argentina, latina y fogosa". Pero la invitada especial de la noche fue Mirtha Legrand, que fue con su hija. Después la diva recibió un ramo de flores.

Fuente: Clarín

Jorge Barreiro

Dolor en el adiós a Jorge Barreiro

Luego del velatorio que se realizó en Villa Crespo, ayer a la mañana tuvo lugar el sepelio del actor Jorge Barreiro, quien murió el martes a la mañana, a los 79 años, en su casa de Barrio Norte, víctima de un cáncer. Los restos del galán —que supo brillar en las telenovelas de los 60 y los 70— fueron inhumados ayer en el Cementerio Británico de Chacarita. Entre amigos, familiares y seguidores que despidieron al actor en un sentido homenaje, había varios colegas que trabajaron con él en las 40 películas que filmó y en sus más de 50 programas de TV.

Fuente: Clarín

Lola Arias: Mi vida después

Un abanico de historias generacionales

Estrena "Mi vida después". Con la obra empieza la temporada del Complejo Teatral.

El Complejo Teatral de Buenos Aires iniciará la programación en el Sarmiento con la obra Mi vida después. Espectáculo escrito y dirigido por Lola Arias, inicialmente pautado dentro del antiguo ciclo Biodrama, que dirigió hasta el año pasado Vivi Tellas. La obra fue postergada y debutará finalmente hoy con las actuaciones de Blas Arrese Igor, Liza Casullo, Carla Crespo, Vanina Falco, Pablo Lugones y Mariano Speratti.

"Los actores -dice Arias- reconstruyen la vida de sus padres a partir de fotos, cartas, documentos, objetos y hacen la remake de determinados momentos. Arman un álbum."

Ese abanico de historias develan, entre otros itinerarios personales, el derrotero de la hija de un Servicio de inteligencia; otra con un padre militante del ERP; el hijo de un ex cura; otra con padres exiliados en México. "Investigamos más de un año, donde la vida y la obra fueron la misma cosa -explica la directora- . En el transcurso murió el padre de uno de los actores."

En ese cruce entre documental y ficción, la obra de Arias elaboró una de sus principales coordenadas. Una mirada que eclipsó comentarios cuando, entre otros recursos, puso en escena un bebé en Striptease, la trilogía que completaron Sueño con revólver y El amor es un francotirador.

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Fernán Mirás

Nota del 25 de febrero

Fernán Mirás: "Nunca me imaginé que iba a trabajar de actor"

Se luce en "La forma de las cosas" dirigido por Daniel Veronese, fue convocado por "Los exitosos Pells" y terminó de escribir el guión de una película en la que actuará junto a Darío Grandinetti.

Cada vez que estuve separándome caía en la cuenta de que alguno de los dos, en la pareja, se estaba convirtiendo en alguien que no era", dice Fernán Mirás, mientras saborea un capuccino en un bar de Palermo Viejo. Y agrega: "Es un tema don de todos, en algún punto, se sienten identificados".

La reflexión viene a propósito de La forma de las cosas (Multiteatro), la obra de Neil Labute en la que Mirás se luce interpretando a un hombre que cambia todo -léase vestuario, nariz y hasta personalidad- para dejar contento a la mujer de la que se enamoró. Y qué sorpresa se va a llevar sobre el final, cuando ella, interpretada por Griselda Siciliani, revele algunas cosas...

¿Te pasó muchas veces?

A cierta edad, uno cambia en el desarrollo de una relación porque está de acuerdo, sabe qué negocia. Al componer este personaje, hubo cosas que surgieron de la improvisación, otras de observar. Lo interesante es que lo primero que cambia es su entorno. Y la paradoja es que él, cuanto más cambia, se convierte en peor persona.

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Jorge Barreiro

Un galán de los años ’60

El actor Jorge Barreiro, quien protagonizó decenas de programas televisivos y fue uno de los galanes de la década de los 60, falleció ayer, a los 78 años. Barreiro, nacido en Buenos Aires el 14 de mayo de 1930, debutó en el cine en Lucía, una olvidada película de 1963, pero fue al año siguiente cuando alcanzó la cúspide de su popularidad a través de El amor tiene cara de mujer, un teleteatro de Nené Cascallar. En ese hito de la TV argentina trabajaban Delfy de Ortega, Rodolfo Bebán, Angélica López Gamio, Bárbara Mugica, Iris Láinez, Norma Aleandro y un jovencísimo e ignoto aún Arnaldo André, entre otras figuras. Su apostura le valió integrar el siguiente intento de Cascallar, Cuatro hombres para Eva (1966), un programa nocturno con temática masculina, del que participaban además Rodolfo Bebán, José María Langlais y Eduardo Rudy. La pantalla chica contó también con él en el Show Standar Electric, Sin palabras, La historia de Celia Pirán, Rolando Rivas, taxista, Papá corazón, Ese hombre prohibido, Una promesa para todos, Novia de vacaciones y Zíngara (2000), su última intervención. En el cine se lo vio en Con gusto a rabia (1965), Hotel alojamiento (1966), Cuando los hombres hablan de mujeres (1967) y Matrimonio a la argentina, entre otras. Actor versátil, ocupó tanto la comedia como el drama, en títulos que abarcan Estoy hecho un demonio (1972), Siempre fuimos compañeros (1973), Los gauchos judíos (1974) y Ritmo a todo color (1980).

Fuente: Página/12

Jorge Barreiro

Jorge Barreiro fue más que un galán

Dúctil figura del cine y del teatro, la TV lo consagró en ciclos como Cuatro hombres para Eva y Papá corazón

De recio porte y una hábil ubicuidad para componer una amplia gama de personajes, Jorge Barreiro, que falleció ayer en esta capital, a los 79 años, luego de una larga enfermedad, transitó una extensa carrera artística tanto en el cine como en el teatro y en la televisión, en la que alcanzó el pico de su popularidad.

Había nacido en Buenos Aires, el 14 de marzo de 1930 como Jorge Luis Barreiro y, desde muy joven, se sintió atraído por el escenario, lo que lo llevó a realizar estudios actorales con Juan Francisco Giacobbe y Hedy Crilla.

Su labor teatral comenzó en 1962 cuando personificó a Linares, para cubrir un reemplazo de Guillermo Hebling, en Las de Barranco , de Gregorio de Laferrère, en el teatro Caminito, y, posteriormente, integró los elencos de Don Gil de las calzas verdes , de Tirso de Molina, y La luz ajena , de Alberto de Zavalía.

Su apostura y su facilidad para cubrir tanto el drama como la comedia le abrieron, además, las puertas de la pantalla grande, y en 1963 intervino en el film inédito Lucía . Por mediación del director Martín Clutet, la escritora Nené Cascallar le posibilitó en 1965 un fulminante estrellato televisivo al incorporarlo en el programa Cuatro hombres para Eva , en el que compuso a un aristócrata estanciero que intercambiaba confesiones íntimas y filosofaba acerca de la condición femenina con tres amigos, interpretados por Rodolfo Bebán, José María Langlais y Eduardo Rudy.

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Jorge Barreiro

El adiós a un galán: Jorge Barreiro

El actor murió ayer, a los 79 años, en su casa de Barrio Norte. Fue uno de los protagonistas de la mítica "Cuatro hombres para Eva" y de la mayoría de las telenovelas de los 60 y 70. Filmó 40 películas.

Fue uno de los Cuatro hombres para Eva, la emblemática telenovela de Canal 9 que se convirtió en tema durante la década del 60 y fue un hito en la historia de la TV argentina. Decía que por aquellos días de gloria "no podía salir a la calle. Era Gardel y Lepera... Y, sin embargo, ahora estoy como cuando empecé: jugando de suplente", reconoció, a principios del 2004, Jorge Barreiro, el hombre que murió ayer a los 79 años, víctima de un cáncer. Solía decirle, a sus afectos más cercanos, que estaba más triste que enfermo.

Ojos claros, estampa de galán eterno, jamás renegó de su figura, pero alguna vez confió que "mi imagen, a la que le estaré siempre agradecido, me condicionó la carrera. Siempre esperé el papel dramático que nunca llegó". La frase, declarada a Clarín hace seis años, era parte de un extenso reportaje en el que no ocultaba su "depresión porque a los actores de mi edad no suelen darnos papeles de peso. Y, a veces, ni siquiera papeles".

Nacido el 14 de marzo de 1930, en Parque Chacabuco, Barreiro murió ayer a la mañana en su departamento de Barrio Norte. Desde las 19, sus restos son velados en Acevedo 1120 y serán inhumados hoy a las 10.30 en el Cementerio Británico de Chacarita.

Elegido para contar buena parte de las historias de amor de los 60 y los 70, como Papá corazón, Cuatro hombres para Eva —el clásico de Nené Cascallar—, El amor tiene cara de mujer, repartió la carrera entre la TV, el teatro y el cine, con 40 películas filmadas: debutó en la pantalla grande con Con gusto a rabia, y entre otras películas trabajó en Un viuda descocada, La mamá de la novia y Había una vez un circo, con Andrea del Boca en tiempos de niña, dupla que repitió la fórmula en varias producciones. Si bien la mayoría de sus trabajos cinematográficos se enmarcó en la comedia romántica, también participó en Los gauchos judíos, de Juan José Jusid.

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Germán Kraus

De regreso en la pantalla chica

¿Cómo será tu personaje en "Enséñame a vivir", la nueva tira de Pol-ka protagonizada por Pablo Rago y Violeta Urtizberea?

Mi personaje es Manuel Goyena, apoderado de la familia de la protagonista y hombre de confianza que maneja la empresa. A lo largo de los capítulos, va a relacionarse con el personaje de Ana María Picchio. Goyena es contenedor y quien pondrá en su lugar a la impostora.

¿Estás contento con este regreso a la televisión?

Estoy feliz. Vengo de hacer cuatro obras de teatro, pero le debo todo a la tele, por eso mi escuela se llama Teleactual y es para formar actores de televisión. Me encanta estar ahora en un elenco tan lindo.

Fuente: Clarín

Lola Arias

Asomarse a los restos del naufragio

La directora propuso que los actores aportaran cartas manuscritas y formas de registro casero para entremezclar en su trabajo ficción y biografías personales. “Hice una manipulación de la escritura que ellos me entregaron”, explica.

Ropa que cae sobre el escenario “como si fuera lluvia”, fotos, mapas, todo sirve para asomarse al pasado o a lo que quedó de un naufragio. A la autora y directora Lola Arias le interesaba que los actores seleccionados para Mi vida después –obra que estrena el jueves 26 en el Teatro Sarmiento– aportaran su historia familiar, incluyendo fotos, mapas y otros testimonios extraídos de una realidad pasada. En diálogo con Página/12, Arias compara ese ejercicio de la memoria y la sensibilidad con las imágenes que ofrecen los niños y niñas de toda condición social cuando se tientan y visten las ropas o calzan los zapatos del padre o de la madre y “caminan por la casa disfrazados de su propio futuro, de su propia adultez”. Actriz y autora, entre otras obras, de La escuálida familia, Estudios de la memoria amorosa y Poses para dormir, se dedica también a la poesía, la música y el canto, siendo una de las artistas jóvenes más invitadas a los festivales internacionales.

–Las historias que aportan los actores trascienden el plano familiar y pueden rastrearse en Internet. ¿Cuánto de lo que testimonian resulta distorsionado por la información que hoy se obtiene a través de Internet y otros medios?

–Carla Crespo, hija de un militante que muere antes de que ella nazca, dice en la obra que siendo niña la mamá le contó que el padre había muerto en un choque de autos. Después supo que no fue así, que murió en el intento del ERP de copar un batallón en Monte Chingolo, en diciembre de 1975, donde hubo masacre y fusilamientos. Esto muestra que mi generación dispone de medios para obtener información, pero que al mismo tiempo tiene grandes dificultades para reconstruir intelectual y emocionalmente los hechos de una época sobre la que existen muchas versiones.

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Rodolfo Brindisi

Murió el actor Rodolfo Brindisi

Como consecuencia de un derrame cerebral, a los 77 años, falleció el actor Rodolfo Brindisi, de larga y exitosa trayectoria en el cine, el teatro y la televisión. Había nacido en Mar del Plata, y ya en Buenos Aires fue discípulo de Oscar Ferrigno y de Ricardo Passano (padre). En TV participó en Sin condena y Carola Casini , y en el cine en El santo de la espada , Güemes, Juan Manuel de Rosas, La mafia, y El poder de las tinieblas , entre otros títulos. Los restos de Brindisi recibieron sepultura en el panteón de la Asociación Argentina de Actores, en la Chacarita.

Fuente: La Nación

Luis Cano

Con lógica propia

Dirige la Maestría en Dramaturgia en el IUNA, presenta allí una obra, y prepara otra para el Complejo Teatral.

En los ochenta Luis Cano trabajaba en el teatro La Campana -actualmente Del Pueblo- y el dramaturgo Osvaldo Dragún le pidió que pasara en computadora los primeros bocetos de La balada del pobre Villon. Recuerda Cano que aquel fue uno de los encuentros claves que signaron su recorrido en el teatro. "No estudie dramaturgia -dice- y en los noventa me impuse escribir un texto por mes. No recomiendo en absoluto ese método, pero aprendí mucho".

Cano -autor de Socavón, El paciente- estrenará en julio Coquetos carnales (la Bufera) en el Complejo Teatral de Buenos Aires. Un texto con varios años y reescrituras, que pertenece a una etapa en su producción dramatúrgica en la que "las máquinas dramáticas se me descalibraron por completo -dice-. Es una etapa que me llega hasta ahora y tiene que ver con la perplejidad respecto de la demanda que hay sobre un texto escrito para entenderlo como dramático."

Dirige la Maestría en Dramaturgia en el IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte) y el jueves pondrá en escena, junto a un grupo de actores de esa institución, la obra Mecanismo del cortejo. Este espectáculo forma parte del proyecto de graduación de un grupo alumnos de la carrera de Actuación.

La obra, por una parte, funciona como cierre de la carrera y también como tesis de los alumnos. Esta metodología suplantó a las residencias del IUNA, por el que han pasado, entre otros directores, Daniel Veronese, con Open House; y Ciro Zorzoli, con Alguien de algún modo. "Con las residencias, el director podía imprimir su estilo sobre el trabajo -explica Cano-. Ahora, en cambio, tenemos que buscar una poética propia que no es la del director convocado. En Mecanismos del cortejo planteamos que la obra no avance por la anécdota, sino

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Sofía Palomino

Sofía Palomino: "Soy un poco dramática"

Tiene 19 años, un camino de bolos en TV y un protagónico en teatro, con "Splatter rojo sangre". Es la hija de Juan Palomino.

La actuación estuvo tan presente desde su infancia, que Sofía Palomino tuvo que dejarla pasar por un tiempo para volver a tomarla, ya como elección propia y no como herencia familiar. "Cuando era muy chica, me divertía actuar, pero después me sentí como aturdida. Así que recién a los 15, con un grupo de amigos descubrí el teatro desde otro lado y volví a él porque me nació la curiosidad", asegura.

La hija mayor del actor Juan Palomino, con 19 años, está intentando demostrar (y demostrarse) que es capaz de hacer su propio derrotero como actriz.

Para hacerse bien de abajo, Sofía se puso a estudiar y pasó por las escuelas de Nora Moseinco, Nayla Posse y actualmente por la de Claudio Tolcachir. "Desde hace dos años que me tomé muy serio esto de la actuación. De chica era un juego natural por tener un padre actor y una madre actriz (Adriana Ferrer). Pero estudiando me empezaron a pasar cosas con las improvisaciones que me entusiasmaron y ahí sentí realmente que quería ser actriz". A ese mundo familiar actoral hay que agregarle a su abuelo paterno, José Palomino Cortez, también artista.

Ahora es una de las protagonistas de Splatter rojo sangre, autodefinida como una comedia nacional clase B (ver Sabías....). "Se trata de un grupo de autoayuda de asesinos seriales. Mi personaje es el de una adolescente con una infancia difícil, de mucho sufrimiento. Todos los personajes están muy cerca del dolor. A partir de ideas que nos tiró el director, Daniel Dalamaroni, fuimos improvisando. Yo tuve que explorar bastante para armar este personaje denso, oscuro. Fue interesante todo el trabajo de ensayo y armado de los personajes".

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"Splatter rojo sangre" se presenta los jueves a las 22 en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556). Actúan Gabriel Kipen, Julia Odelli Craig, Sofia Palomino, Maya Kerschen, Ana Granato y Jorge Brambati. Dirige Daniel Dalmaroni, quien define la obra como "una comedia nacional clase B". El planteo, bizarro, es: "¿Qué pasa si alguien se descontrolara en un grupo de autoayuda de asesinos seriales?".

Mariano Moro: De hombre a hombre

“La adolescencia es conmovedora”

El autor y director, también licenciado en Psicología, propone en esta pieza teatral premiada en España un sugestivo diálogo entre un profesor y un alumno. Se trata, también, de un irónico contrapunto que mezcla rebeldías, humoradas e inquisiciones.

Un diálogo que deviene en irónico contrapunto, en ejercicio mental y afectivo de dos personajes que se deslumbran, se constituye en eje de una premiada obra del marplatense Mariano Moro. El título es De hombre a hombre y se estrena el próximo viernes en el Teatro Del Nudo, luego de presentarse en Mar del Plata y Madrid. La acción se inicia en un aula, y el diálogo al que se hace alusión se da entre un profesor y un alumno, que en esta puesta del mismo Moro se ubica en la platea, convirtiendo así al público en alumnado y testigo. El hecho de que se incluyan fragmentos de poemas no es casual, tampoco que se mencione a Silvina Ocampo con un libro de “apologético humor” sobre la escuela (Canto escolar). Es parte de la búsqueda del autor por hallar los textos acordes con los personajes, y porque la poesía es acción cuando retrata la metamorfosis de los sentimientos. Moro estima que la poesía es la base, el modelo de todas las artes: “No por nada se intenta que cualquier obra de arte sea poética”, sostiene este autor y director, licenciado en Psicología y apasionado por la literatura. Inclinación que le permite mostrar a sus personajes interiorizados en cuestiones esenciales. “Les atribuyo poemas míos y fragmentos de poesías de Walt Whitman y Federico García Lorca” –apunta–, y en expresiones que asocia “de manera natural” a la situación y a los personajes; “natural, en el sentido de lo que uno imagina que puede estar sucediendo en la cabeza del protagonista y cuál sería su respuesta. El fragmento de García Lorca corresponde a su Oda a Walt Whitman, extraída de Poeta en Nueva York”.

–¿Sería ésta una forma de conservar un hilo conductor en un diálogo que mezcla rebeldías, humoradas e inquisiciones?

–Mantengo una estética; lo que se modifica es la intensidad de los afectos entre el profesor y el alumno. Esta es una historia de amor entre dos hombres desarrollada en un diálogo con códigos. Admito que el lenguaje pueda parecer algo rebuscado, pero es orgánico a la historia que se cuenta. Lo asocio al homenaje que quise tributar al teleteatro de Alberto Migré, que veía siendo un chico. Entonces los actores y actrices se expresaban de una manera más artificial que la que hoy estamos acostumbrados. Ahora se busca el naturalismo raso y se cuida bien de que no haya palabras “raras” en el texto. El imperativo es “usemos diez palabras, porque por ahí la número once nadie la conoce”.

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Baraka, Más respeto que soy tu madre

Fiebre de Mirtha por la noche

En su ya tradicional maratón sabatina, Mirtha Legrand "aterrizó" esta vez en el Metropolitan para ver "Baraka", pieza que protagonizan Darío Grandinetti, Jorge Marrale, Hugo Arana y Juan Leyrado. Después de la función, organizó una cena con amigos.

Suar y Siciliani visitaron a Gasalla

Adrián Suar pasó a buscar a Griselda Siciliani por el Multiteaatro (tras la función de "La forma de las cosas") y juntos llegaron al Metropolitan para ver "Más respeto que soy tu madre", obra que protagoniza Antonio Gasalla. Después, hubo saludo en camarines.

Fuente: Clarín

El fantasma de la Opera

Las cualidades de un clásico

Todas las prevenciones que pueden suponerse con respecto a una obra importada y recreada con precisión de relojería se desvanecen ante la potencia de la puesta local, que brilla en todos los órdenes, incluyendo un elenco impecable.

El espectáculo que puede verse en estos días en el Opera es un clásico de los musicales. Cuando Andrew Lloyd Webber y Harold Prince celebraron la opening night de El fantasma de la Opera en el londinense Her Majesty’s Theatre, el 9 de octubre de 1986, con Michel Crawford, Sarah Brightman y Steve Burton a la cabeza del elenco, el resultado de su trabajo parecía más bien todo lo contrario: una obra muy distinta de las que se veían por ese entonces, que venía a refrescar el género, con un formato más parecido a la ópera, un retorno al romanticismo propio de los musicales de la edad de oro de Broadway, pero con una temática mucho más oscura y una megaproducción de un efectismo pocas veces visto hasta entonces. El fantasma... se animó a cambiar varias reglas: si los ’70 habían sido los años de la ópera rock –Hair, Jesus Christ Super Star, The Rocky Horror Show–, la obra de Webber proponía retornar al musical orquestado como en una ópera tradicional, sin batería ni instrumentos eléctricos, y con coreografías de ballet en lugar de jazz dance. Seguía la línea inaugurada por Sweeney Todd de Stephen Sondheim –el musical oscuro de altísimo presupuesto propio de los ’80– pero redoblando la apuesta, como luego lo harían Miss Saigon o Jekyll & Hyde. Y proponía un modelo que luego sería un must para las grandes producciones de Broadway: el formato espectacular, con impresionantes efectos técnicos –una araña gigantesca que cae del techo de la sala hacia el escenario, una góndola deslizándose sobre un lago subterráneo–, que los musicales que le siguieron en los ’90, muchos de ellos producidos por grandes corporaciones, se esforzaron por superar, como en una competencia por ver quién hacía posible lo imposible sobre las tablas (en Miss Saigon un helicóptero desciende sobre el escenario).

La famosísima obra de Webber llegó a Buenos Aires bastante tarde, dos décadas después de aquel gran estreno, luego de que se convirtiera en el espectáculo con mayor permanencia en Broadway, lo vieran 127 ciudades del mundo, fuera llevado a la pantalla grande, sus canciones recorrieran el planeta en discos de Sarah Brightman y los nuevos espectadores llegaran al teatro conociendo de antemano los trucos escénicos. Sin embargo, aunque también en Buenos Aires todos estén a la espera de que caiga esa réplica del candelabro de la Opera Garnier que se eleva sobre el público en la primera escena, esto no le quita efectividad a la obra. Porque el ángel de El fantasma... está en otro lugar. Es producto de la combinación de grandes escenografías que cambian como cuadros cinematográficos, impresionantes vestuarios dignos de los más grandes teatros líricos del mundo, una música ultrarromántica con varios momentos cumbres; una pintura única, perfecta para insertar a los personajes de Gaston Leroux.

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Rubens Correa: Una mañana sin sol

Despuntar el vicio

El director, que está al frente del Cervantes y que lleva 55 años ligado al hecho teatral, vuelve a montar. Eligió una historia intimista, "Una mañana sin sol".

En agosto cumplirá dos años al frente del Teatro Nacional Cervantes. Para ese entonces, se vencerá su contrato y no sabe aún si le será renovado o no. "Hemos emprendido algunas tareas que me gustaría desarrollar más; actualmente estamos poniendo el acento en la organización interna del teatro", dice Rubens Correa. Desde que asumió el cargo -Claudio Gallardou es el vice-, no había vuelto a dirigir teatro. Una mañana sin sol, de Héctor Oliboni, es la obra con la que vuelve al ruedo. Correa cumplió 55 años con el teatro; empezó como actor y en el '68 comenzó a dirigir. Y necesita "despuntar el vicio".

Desde esta semana sube a escena en el Teatro del Pueblo Una mañana sin sol, "una obra chica, intimista", describe. La protagonizan Luis Campos y Andrea Juliá. "Los personajes me resultan muy queribles, son gente que conozco, de la que también he hablado de otras maneras. Pertenecen a la generación del '70. Yo soy de una generación anterior, pero con la del '70 conviví, fueron mis primeros alumnos y sabemos que tuvieron un momento en la historia muy especial. He hablado muchas veces de esa generación desde una mirada más política, ideológica. Pero este texto toma a los personajes como seres humanos y hace foco en qué les pasó después. Los mira en los '90", explica Rubens, sentado en su despacho del teatro Cervantes.

Una mañana sin sol habla de ellos, de su relación afectiva. "Ella estuvo enamorada de él, pero nunca pasó nada", anticipa el director. "Son seres que pensaron tanto en su amor a la humanidad, que muchas veces no tuvieron espacio para pensar en ellos mismos", reflexiona.

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Solange Prat

Una voz, entre la euforia y los ídolos

Esta cantante profesional que recorrió el mundo también se luce como actriz con su trabajo en Hairspray

La realidad, a veces, imita a la ficción. En Hairspray abundan los jóvenes talentosos que buscan expresarse a través de la música, entre audiciones y concursos, ídolos y fanatismos. En esta obra, Solange Prat brilla como Penny Pingleton, la mejor amiga de la protagonista, que encarna Vanesa Butera.

Cuesta creer que Solange, una bonita pelirroja, sea la misma que le presta el cuerpo y la voz a la aniñada e ingenua Penny. "Mi personaje no es nada tonto. Es puro, no tiene prejuicios y es súper optimista. Todo la sorprende y le da vergüenza. Y bastante bien lidia y lucha para autoafirmarse con esa madre que la aplasta [interpretada por Laura Oliva]. Y además, quiere tanto a su amiga, que todo lo que venga de ella le causa fascinación", dice la artista, que comenzó a estudiar canto desde muy pequeña.

Luego de terminar el colegio, Prat inició una carrera universitaria, hasta que se presentó en una audición para participar del elenco de un crucero que recorre el Caribe. Y ganó. Fueron seis meses lejos de tierra firme, mientras ella, en cambio, daba sus primeros y certeros pasos sobre los escenarios. Gracias a esta experiencia pudo además cruzar el Atlántico y conocer el Viejo Continente, donde regresaría varias veces, también gracias a la música, pero en avión. De vuelta en Buenos Aires, dejó la facultad e ingresó en la Escuela de Música Contemporánea. "Ese fue mi clic. Ya no tenía dudas de que había encontrado mi camino" y entre congas, clases de piano, y cuerdas, Prat asistió a otras audiciones.

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Josefina Scaglione

Estreno. Amor sin barreras ( West Side Story )volvió 50 años después de su estreno a Broadway con una argentina, Josefina Scaglione, en uno de los papeles principales. Por lo general, las críticas fueron dispares. Para The New York Times , en la nueva versión teatral, Arthur Laurents cae en el proteccionismo paternalista dejando atrás la "insolencia por la inocencia", con lo que los jóvenes protagonistas quedan dibujados de una manera más bien pueril. En un principio, Laurents había dicho que iba a renunciar a esto para mostrar una realidad más cruda donde todos los protagonistas tienen su lado oscuro. A pesar de ello, el diario reconoce la credibilidad que consigue la historia de amor entre María (interpretada por Josefina Scaglione) y Tony (Matt Cavenaugh).
Por su parte, Michael Kuchwara, crítico de Associated Press, resaltó: "La coreografía de Robbins, recreada por Joey McKneely, define tanto a los personajes como la historia. Un ejemplo es el baile que acompaña «Somewhere», un himno por un mejor futuro, primero cantado por Tony y María, y luego danzado por la compañía como expresión de esperanza. Gran parte de esa esperanza la representa una radiante argentina, Josefina Scaglione, quien interpreta a María, una recién llegada a Nueva York, como la inocencia personificada. Tiene una voz fuerte y pura y una presencia escénica victoriosa; una dulzura innata que nunca llega a ser empalagosa ni artificial".

Fuente: La Nación

2035

Otra familia disfuncional, con buenas actuaciones

Con el lenguaje no convencional de Elisa Carricajo

Luego de una breve temporada en el Centro Cultural Ricardo Rojas dentro del ciclo Operas Primas, Elisa Carricajo repone su primer trabajo de dirección 2035 , un texto que si bien se ubica dentro del tópico de la familia disfuncional, recurre a algunos elementos que producen el distanciamiento necesario como para que el humor se imponga a las crisis y conflictos.

Si bien es cierto que la ubicación en el futuro no tiene una justificación dramática precisa, sí le aporta en la escenografía y en el vestuario una belleza singular. Una alfombra de césped sintético, paredes térmicas, unos extraños bollos de material impreciso y fuerte color rojo, dos sillas de metal y ningún otro mobiliario colaboran armónicamente con el trabajo textual e interpretativo de los actores.

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Los jueves, a las 21. Abasto Social Club.

The pillowman, La forma de las cosas, No seré feliz pero no tengo marido, El cavernícola, Por el placer de volver a verla, Taxi 2, y Edipo Rey

Entradas más baratas

El año pasado, para festejar el cumpleaños del Liceo, a Carlos Rottemberg se le ocurrió poner durante un mes entradas gratuitas para ver La vuelta al mundo en un violín . Ahora, para celebrar el del Multiteatro (otra de sus tantas salas que en pocos días cumple 8 años) a partir de mañana, y durante un mes, todas las entradas de la sala estarán a 50 pesos. Tanto The pillowman , como La forma de las cosas , No seré feliz pero no tengo marido y El cavernícola , costarán lo mismo sin importar la ubicación. A estas obras se sumarán en pocos días Por el placer de volver a verla y Taxi 2 que, luego de su paso por Mar del Plata, ahora intentarán suerte en Buenos Aires. El dice que, de este modo, se podrá evaluar hasta qué punto el precio de las entradas influye en la elección de la salida al teatro. Puede que tenga razón.

El regreso de Edipo Rey

Mañana se reestrena el clásico de Sófocles, Edipo Rey , con puesta en escena de Gonzalo Villanueva y dirección de Viviana Foschi. Los lunes, a las 21, en el Teatro del Abasto, Humahuaca 3549 (4865-0014). $ 25.

Fuente: La Nación

Los impunes

En el Día de la Memoria

Pasado mañana, a las 20, sube a escena la obra de Ariel Barchilón, Los impunes , que dirige Marcelo Roitman.En La Tertulia, Gallo 826, se realizarán las funciones regulares desde el próximo domingo de esta pieza que propone un encuento en el que unos torturadores se enfrentan con su peor enemigo: la memoria.

Fuente: La Nación

Carlos Belloso

Nota del 21 de febrero

Carlos Belloso: "Soy un poco inadaptado"

El actor que trabaja en "The Pillowman" habla de su galería de personajes raros. Dice que le teme a los encasillamientos de la tele, que busca tener mil caras y se pregunta cómo sería ser Hendler.

Estamos por acá. Un futuro cercano. 2020. El circuito off ya no es fragor de época sino un tendido que envidiaría la red de subterráneos de Buenos Aires. Teatritos en casas, en balcones, funciones en los intervalos de otras funciones, algo así. Obras en baños públicos. No se dice con la actuación de..., se dice perfomatea Pablo Rago.

"Las mezclas se consolidan hasta convertirse en otros modelos. Hay interacciones extrañas en el arte en general. En una exposición de cuadros, el pintor está ahí. Quizás está vestido o desnudo. Sí. ¿Viste que la vanguardia se toma su tiempo y se convierte en clásico? El espíritu de lo que antes era under se instala. Yo percibo que la intención es intervenir, acercarse cada vez al público. En mi caso, intervengo la ficción y la realidad. En Mundomudo, mi actual unipersonal (ver Información), me automenciono a través de un personaje que habla de Carlos Belloso. Al público hay que llevarlo. Llevarlo y traerlo.

Y el teatro comercial queda asimilado entonces: imaginate este gesto cultracultural: Urdapilleta diciendo "¿Mi sueño? Trabajar con Gianola".

Unirme a Fabián Gianola es posible en lo que es la tele, lo mediático. Es probable que uno quiera trabajar con alguien que siempre fue más superficial, sobre todo pensando que tal vez uno tuvo otras pretensiones.

Cuando se dice que el actor tiene que escuchar su propia voz, ¿te pasa de aturdirte con El Vasquito (de "Campeones")?

Me gusta la reunión de consorcio de mis personajes. Ahí me fijo bien que cada uno sea distinto. Si hay dos iguales, no hay consorcio. Me atrae mucho la idea del espástico, el minusválido, el sordomudo, los que no tienen voz.

¿De qué manera te identificás con esa colección de inadaptados?

Te voy a contar una experiencia muy traumática. Mi madre, una enfermera samaritana, una mujer dada a la solidaridad, cuando yo nací, en la cama de a lado, nace un chico con parálisis cerebral. Mi mamá le dio la teta porque la otra señora no podía y yo tuve un hermano de leche que mamaba de los pechos de mi madre. Además le pusieron el mismo nombre: Carlos. Ese espejo no desapareció nunca y me marcó. Cuando veo un espejo inmediatamente hago una mueca. ¿Y sabés qué? —Belloso parece subido a una tribuna de doctrina, las manos de Perón, los ojos de vidrio—: me gustan esos personajes porque yo también soy un poco inadaptado. Disfruto ser el grano en el culo de la gente.

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Diego Veronesi y Silvana Espada

Nota del 21 de febrero

El encanto de los cuentos clásicos

Diego Veronesi y Silvana Espada hablan de su grupo Ensamble, de teatro infantil, que ya cumplió siete años

Silvana Espada, productora ejecutiva del grupo Ensamble, y Diego Veronesi, autor y director de sus obras son contundentes a la hora de definir su modo de trabajo. "Sabemos que los adultos traen a sus niños a nuestras funciones porque los cuentos tradicionales les resultan conocidos, pero también sabemos que regresan a ver el mismo programa u otras obras nuestras porque les gustó lo que encontraron. Queremos que todos disfruten y se vayan contentos. Por eso, cuidamos tanto la historia como la forma de contarla." Los títulos de sus obras atestiguan esta postura: La hermosa Bella Durmiente , El cuento de la Cenicienta , Pinocho, el musical , Simbad, un viaje musical , Barbie, la princesa Rapunzel , Esmeralda y el jorobado , La princesa de las hadas y el talismán sagrado .

Ambos analizan con sencilla sinceridad su proyecto y la forma como ha evolucionado. "Antes de empezar a presentarnos -cuenta Silvana-, hicimos una suerte de investigación personal y vimos muchos espectáculos para niños. Aprendimos mucho de esta experiencia, no solamente para ver lo que realmente pasa en el escenario, sino para conocer mejor esa platea tan difícil. Y creo que así evitamos algunas fallas."

Silvana reconoce que han crecido mucho desde que comenzaron. "Siempre dentro de nuestro estilo. Por ejemplo, la música que hace Damián Mahler es excelente y no está copiando la de ninguna película. Los padres aprecian estas cosas. En actuación, es bueno que los intérpretes tengan una rigurosa dirección de actores. Tenemos el tiempo muy medido y sincronizado, y eso hace que la dinámica del relato sea siempre como un relojito y cautive a los chicos. La iluminación es muy importante, gran responsable de la magia." La productora también reconoce que han evolucionado con el vestuario. "Insistimos en el brillo, porque eso es parte de lo que evocan estas historias, aunque nos estamos atreviendo con algunas más oscuras y un final abierto."

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La desesperación de seres oscuros

Los siete locos vuelve a ser captada por el teatro, pero en un montaje con altibajos

Sumergirse en la narrativa de Roberto Arlt siempre tuvo un especial atractivo entre los directores y dramaturgistas argentinos. Las razones son obvias. El escritor imponía teatralidad a sus novelas y la confección de sus personajes es tan minuciosa, tan exacta y preciosista que no resulta difícil verlos corporeizados. No es casual que la primera representación teatral de un texto de Arlt fue en el Teatro del Pueblo y sobre un capítulo de Los siete locos , "El humillado", que dirigió Leónidas Barletta. Esta novela de desesperados, humillados y opresores, de conspiraciones, revoluciones, salvaciones y trampas fue objeto de estudio en numerosas oportunidades durante los últimos treinta años. En 1980, en El Picadero, se hizo una recordada versión; remozada y también inspirada en El lanza llamas, dirigida por Javier Margulis y Rubens Correa, en 1997, en el Cervantes. También hubo fragmentos en esa joyita que fue Por amor al Arlt , en el Alvear, dirigida por Ismael Hase, y Ricardo Bartís hizo una de sus obras maestras basada en estas dos novelas: la inolvidable El pecado que no se puede nombrar .

Esta nueva propuesta de Omar Aita, que cuenta con un elenco de actores de probado talento, intenta resumir ese inmenso universo arltiano tan difícil de condensar. Y ése es el mayor peligro a la hora de llevar a escena una novela tan expresiva, reflexiva y filosófica como Los siete locos . Aquí es poco lo que queda fuera, pero toda esa información, esa cantidad de personajes y situaciones hacen que la adaptación sea una suerte de ayudamemoria de la novela, pero representado. En muchos tramos de la obra, la dramaturgia se ve forzada y hay cierta debilidad estructural. El entramado que constituyen el espacio, el tiempo y la acción está desajustado y, por lo tanto, el ritmo es débil y el resultado es un montaje quebrado.

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El Argentino

Nota del 21 de febrero

El teatro Argentino, al borde del naufragio

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El 23 de mayo del año pasado, Carlos Rottemberg, dueño de la mayor cantidad de salas teatrales del país, contó a LA NACION la idea de reconstruir el teatro Argentino en el terreno ubicado en Bartolomé Mitre al 1400. El plan original era sumar un nuevo espacio de 600 a 700 butacas donde, hasta mayo de 1973, funcionó la sala en la que se había estrenado Hair y donde no pudo subir a escena Jesucristo Superstar , porque fue incendiado. La idea de Rottemberg era abrir el Argentino en abril del año próximo para festejar sus 35 años de estar ligado a la actividad teatral. "Lo único que voy a pedir al gobierno porteño es que me acompañe con esto", dijo en su oportunidad.

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