Josefina Scaglione

Conozca a la rosarina que sedujo a Broadway

El creador de “West Side Story” eligió a Josefina Scaglione después de una única audición para encarar el mítico papel de María.

Un “descubrimiento”. Así coinciden las críticas de varios diarios estadounidenses en definir la intepretación de la argentina Josefina Scaglione, de 21 años, la protagonista femenina del musical West Side Story en Broadway. Y aunque ella ya había dado algunas muestras de sus dotes para el canto, el baile y la actuación en algunas producciones locales, su talento fue elegido entre miles por el legendario Arthur Laurents –autor y ahora director de la obra–, para ponerse en la piel de María, una joven portorriqueña que, cual Julieta Capuleto de los 50, sufre por un amor prohibido.

Camino musical. Nació en Trelew, en la provincia de Chubut, pero a los 4 años su familia se mudó a Rosario, la ciudad que ella siente como propia y en la que pasó gran parte de su vida. Porque, después de todo, fue allí donde descubrió su vocación e hizo saber a sus padres que ella no seguiría la tradición familiar de estudiar Medicina, sino que se dedicaría de lleno a formarse para ser una artista.

Sus primeros pasos los dio en el teatro El Círculo, donde comenzó a tomar clases de comedia musical y consiguió el primer papel de su vida, en una puesta de la pieza infantil Annie. Tenía apenas 9 años y un futuro más que prometedor por delante.

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Pablo Echarri, Facundo Arana, Joaquín Furriel, Jorge Marrale, Claribel Medina, Florencia Peña, Guillermo Francella, Adrián Suar, Julieta Díaz y otros

Los máximos galanes de la TV vernácula protagonizan obras teatrales, como Pablo Echarri ( The Pillowman ), o lo harán en breve, tal es el caso de Facundo Arana (con Speed the Plow , de David Mamet, y dirección de Marcelo Cosentino). Además, Joaquín Furriel, quien recién acaba de culminar la exitosa novela Don Juan y su bella dama volverá a sus inicios teatrales con El reñidero , un texto de Sergio de Cecco, en el Regio, y Rey Lear , en el Paseo La Plaza, junto con Roberto Carnaghi y Juan Gil Navarro, dirigido por Rubén Szuchmacher.

Jorge Marrale el villano de Vidas robadas , trabaja en Baraka , dirigido por Javier Daulte; así como la cándida Margarita de Por amor a vos , Claribel Medina entretendrá con Tango turco , junto con Víctor Laplace, en el Cervantes, en una puesta de Lorenzo Quinteros.

Además, el matrimonio de Casados con hijos , Florencia Peña y Guillermo Francella, se apartó por un tiempo de la televisión para acercarse a las tablas. Peña ensaya con Luis Luque Frankie & Johnnie , dirigidos por Leonor Manso. En el caso del comediante, se prepara para el musical El joven Frankenstein , en el Astral, luego de liderar la cartelera marplatense con La cena de los tontos . Allí compartió el escenario con Adrián Suar, el gerente de programación de Canal 13, quien ensaya con la heroína de Valientes , Julieta Díaz, El año que viene a la misma hora , para estrenar en el Maipo, en junio.

Además, mucha expectativa genera el regreso de Valeria Bertucelli a los escenarios. La actriz trabajará en una versión de Caperucita Roja, con texto y dirección de Javier Daulte.

Fuente: La Nación

Galileo, sobre la mesa

Originalidad: títeres de papel y cartón

Una forma de narración que se remonta al siglo XIX

La existencia de los teatros Pollok, creados en el siglo XIX por un comerciante llamado Redington, -que los vendía como souvenirs de las representaciones teatrales- y luego difundido por su yerno, Benjamín Pollock, es poco conocida entre nosotros. Estos toy theatres , constituían dioramas de cartón, de tamaño reducido, donde las figuras eran movidas con hilos o con barras: algunos llegaron a reproducir con gran fidelidad algunos teatros o salas de ópera famosos. Los había sencillos y también muy complejos, y siempre servían para narrar un espectáculo determinado. (La biblioteca La Nube suele exponer algunos de su colección.)

La gente los compraba después de una función y utilizaba para contar a sus amigos, en su casa, la obra que habían visto en el teatro. Horacio Tignanelli utiliza este recurso para contarnos de qué trata una obra de títeres suya, versión libre del texto de Bertolt Brecht, sobre Galileo y el conflicto entre la ciencia y el poder.

Al comenzar, dos personajes introducen al público en el método de Pollock. Después se abrirá el telón del teatrino, que está sobre una mesa y los protagonistas de la historia, pequeñas figuras de cartón, se deslizarán a sus lugares, accionados por barras. También hay desplazamientos de escenografías, ya que Galileo va a Padua, a Venecia, a Roma; es encarcelado, y finalmente, recluido en su casa. El método narrativo permite un distanciamiento de los personajes y sus conflictos, sin por eso dejar de mostrar ciertos entretelones religiosos, políticos y económicos que jugaron su parte en este juicio al científico.

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En la sala Biblioteca, del Centro Cultural Rojas, Av. Corrientes 2038 (4954-8352 y 4953-3556). Sábados, a las 19.30. Capacidad, 30 localidades. Para mayores de 9 años. $ 15.

Calidoscopio, Desarmable, y Títeres para todos

* Teatro negro. En el Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543 (5077-8077), los sábados, a las 17.30, puede verse el espectáculo de teatro negro Calidoscopio . Entradas: entre 15 y 18 pesos.

* González Gil y Héctor Presa. Hoy y mañana, a las 17.30, en el teatro Larreta, Vuelta de Obligado 2155, Jardines del Museo Larreta, se puede ver, con dirección de Héctor Presa, la obra Desarmable , de Manuel González Gil. Informes: 4771-9295 y 4786-0280. No se suspende por lluvia. $ 18.

* Títeres para todos. En el Museo del Títere, Piedras 905, los sábados y domingos, a las 16 y a las 17.30, hay funciones de títeres para todas las edades. Entrada: 13 pesos (chicos y grandes).

Fuente: La Nación

Patito feo

Y llegó la despedida

Tras una gira latinoamericana en la que lo vieron 470.000 fans, el elenco de la tira televisiva infanto juvenil dejan los escenarios el próximo fin de semana.

Una lleva zapatos altísimos fucsia rabioso, las piernas descubiertas, una camisola rosa y labios pintados muy fuerte en el mismo tono. La otra, botitas y un chaleco con flecos. No están caracterizadas, pero son parecidas a sus personajes. Brenda Asnicar, la malísima Antonella de Patito feo, se sienta en un sillón y habla, desenvuelta. Laura Esquivel, Patito, no usa anteojos y no para de moverse, como si quisiera bailar. Es que está muy contenta, dice. Y no es para menos.

En medio de una gira por Latinoamérica, que ya pasó por Costa Rica, Venezuela, México y Ecuador, y donde ya las vieron más de 470.000 espectadores, las chicas están en la cresta de la ola. Este fin de semana viajarán a Paraguay, y el 28 de marzo desembarcarán en el Gran Rex.

El show será totalmente nuevo: "Es como un resumen de los dos años de Patito, con canciones una atrás de otra", cuenta Laura. "Dura exactamente lo mismo que el anterior, pero tiene el doble de temas. Nunca frenamos", acota Brenda.

Las actrices ya se acostumbraron a los fans, que hasta copian su ropa: "algunas se ponen los anteojos sin vidrio", cuenta Laura. "Nos ven en la tele, en el dvd, se mandan a hacer los mismos vestidos. Nos choca y nos encanta", reflexiona Brenda.

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La pequeña aldea, Calidoscopio, La niña de la noche, y Drácula el MurciéGalo

Recomendados

La pequeña aldea

domingo 17 MUSEO SAAVEDRA, CRISÓLOGO LARRALDE 6309, ALT. GRAL. PAZ Y CONSTITUYENTES, 4571-5655 y 4573-4672, $15

Especial sobre la Revolución de Mayo. Comedia histórica para toda la familia. La obra comienza cuando el director del museo muestra la maqueta de la vieja Buenos Aires con la intención de dar una conferencia, pero es interrumpido por Gutiérrez, su ayudante, con originales ocurrencias.

Calidoscopio

sábado 17,30 CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION, CORRIENTES 1543, 5077-8077, DESDE $15

Teatro negro, basado en títeres y luces, para chicos desde 2 años.

La niña de la noche

domingo 16 TEATRO DE LA RIBER, AV. PEDRO DE MENDOZA 1821, 4302-9042, $15

Del Grupo de títeres Catalinas Sur, a partir del cuento "La Niña que iluminó la Noche" de Ray Bradbury.

Drácula el MurciéGalo

sábado y domingo 18.30 LIBERARTE, CORRIENTES 1555, $15

La historia tradicional de Bram Stocker, pero con una modificación sustancial: la trama transcurre en Transilvania y Argentina.

Fuente: Clarín

¡Más respeto que soy tu madre!

Charly salió con Palito para ver a Gasalla

En una de sus pocas salidas, de buen humor y visiblemente recuperado, Charly García fue al teatro en la noche del jueves y eligió el espectáculo que protagoniza Antonio Gasalla, ¡Más respeto que soy tu madre!, en el Metropolitan. Pero Charly no fue solo. Lo acompañaron Palito Ortega, su hija Julieta y otros tres amigos. Se ubicaron en la fila siete y disfrutaron del espectáculo como unos espectadores más. Gasalla les dedicó la función y tuvo palabras cariñosas para Charly, agradeciéndole toda su música y alegrándose por su recuperación. También pidió un aplauso para Palito por todo lo que está ayudando a Charly en esta etapa de su vida. Al final de la obra, el leit motiv musical que suena es precisamente una canción de Palito, su hit de 1971, La sonrisa de mamá. En ese momento, Palito estuvo filmando al público y agradeciendo los aplausos. Después, el grupo fue a saludar a Gasalla a su camarín y se sacaron fotos. La salida del teatro fue caótica por la cantidad de cámaras que estaba registrando el momento, pero Charly no perdió jamás la tranquilidad y se mostró sonriente. ¡Bien!-

Fuente: Clarín

Josefina Scaglione

Elogiosas críticas para una argentina en Broadway

Varios medios destacaron el rol de la actriz Josefina Scaglione en el clásico musical Amor sin barreras, que se estrenó anoche

Y finalmente llegó el día del debut para la argentina Josefina Scaglione en Broadway con el musical Amor sin barreras [ West Side Story] y también de conocer las críticas.

Con algunos adjetivos más elogiosos que otros, los principales medios norteamericanos coincidieron en destacar esta renovada puesta teatral protagonizada por la argentina Scaglione y un gran elenco.

Sin nervios, pero con mucha ansiedad, la argentina se había mostrado a LA NACION tiempo antes de conocer el veredicto de la crítica y de salir a escena por primera vez oficialmente en tierra extranjera, pero parece que salió airosa del estresante debut.

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Fiesta Nacional del Teatro

Cuando los caminos conducen a Resistencia

La provincia del Chaco será la sede del encuentro

Otra vez, la rueda de la Fiesta Nacional del Teatro se pone en movimiento. Como otras 23 veces, elencos de distintas regiones del país se juntarán por 10 días en una ciudad para compartir la experiencia de formar parte del único encuentro federal de teatro que tiene el país. Organizado por el Instituto Nacional del Teatro (INT), esta vez el punto de encuentro será la ciudad de Resistencia. Hasta allí, desde el jueves de la semana próxima hasta el sábado 4 de abril, llegarán alrededor de 400 teatristas de distintas regiones y, desde allí, varios de ellos partirán hacia once ciudades y pueblitos chaqueños para ampliar la fiesta, para intentar que los aplausos y el asombro lleguen a terrenos poco acostumbrados al rito teatral. Como yapa, habrá algunas funciones en ciudades capitales próximas y hasta una extensión a Asunción del Paraguay.

"Somos una provincia empobrecida por políticas neoliberales, pero no somos una provincia pobre", afirmó Francisco Romero, presidente del Instituto Provincial de Cultura de Chaco en la conferencia de prensa que tuvo lugar anteayer en el Teatro Cervantes. En ese mismo encuentro se anunció que unas 30 salas independientes recibirán a unos 400 teatristas de 35 elencos provenientes de diversas provincias a los que se sumarán unos cinco espectáculos invitados especialmente para la ocasión.

Si bien esta nueva edición de la Fiesta Nacional del Teatro comenzará el jueves con un acto que tendrá lugar en el Paseo de la Costanera, en la misma provincia esta historia se inició en pleno calor del verano con talleres en los barrios periféricos de Resistencia y en las localidades de interior como forma de ir aceitando los motores y generar nuevos públicos y nuevos creadores. En esa línea de acción cultural, Raúl Brambilla, el director ejecutivo del INT, se refirió al encuentro escénico como la "fiesta de la inclusión".

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Quienquiera que hubiera dormido en esta cama

Los miedos, las tristezas y las esperanzas

Delicado trabajo de Martín Flores Cárdenas sobre el mundo poético de Carver

El dramaturgo y director Martín Flores Cárdenas vuelve a meterse en el mundo de Raymond Carver -ya lo hizo con Catedral , obra que sigue en cartel hasta fin de mes-, pero esta vez no ya para trasladar fielmente el mundo que pintan las palabras del escritor estadounidense sino para intervenirlo. Respetuosamente, con sutileza, Flores Cárdenas cruza los cuentos ¿Por qué no bailan? y Quienquiera que hubiera dormido en esta cama y logra un nuevo relato que los contiene y a la vez los resignifica. Siempre manteniendo la atmósfera melancólica y compasiva que se desprende de los textos del poeta.

La anécdota es sencilla: una pareja está buscando muebles usados en una "venta de jardín" para equipar la casa que están a punto de compartir. Ese hecho marca cierto límite que los enfrenta a lo que vendrá, a un futuro del que nada saben y que parece provocarles una incertidumbre que por momentos los paraliza. El miedo aparece así en escena con un rol protagónico: miedo a la muerte, a la agonía, a la enfermedad, a estar juntos, a no estarlo; pero todo cambia cuando aparece el dueño de esos muebles que desean comprar.

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En el Abasto Social Club.

El fantasma de la Opera

La famosa máscara del horror

De miércoles a viernes, a las 20.30; sábados, a las 18 y 22; domingos, a las 19. En el Opera, Av. Corrientes 860 (4326-1335). De 70 a 290 pesos.

Este clásico del teatro musical llegó a la Argentina. El fantasma de la Opera, creado por Andrew Lloyd Webber, es interpretado por Carlos Vittori, Juan Pablo Skrt, Claudia Cota, Nicolás Martinelli, Mirta Arrúa Lichi y Walter Canella, entre otros, cuenta con la escenografía y el vestuario original de la puesta de Harold Prince.

Fuente: La Nación

Adhemar Bianchi: Venimos de muy lejos

Una vieja historia de inmigrantes

Como parte de la celebración por los 25 años de la agrupación artística de vecinos de La Boca, volverá a subir a escena la entrañable pieza que rescata la vida en los conventillos. Su director, Adhemar Bianchi, habla del pasado y el presente de esta experiencia comunitaria.

La Boca es uno de los barrios porteños que todavía mantiene rasgos identitarios, esas marcas en el orillo que señalan una procedencia: la Bombonera, persianas de negocios pintadas con los colores del club, Caminito, y podría agregarse al Grupo de Teatro Catalinas Sur. Nacido de la cooperadora del colegio del barrio Catalinas hace ya un cuarto de siglo, su identificación con el barrio y sus tradiciones es muy fuerte. “Nosotros queremos a La Boca, somos de acá”, resalta Adhemar Bianchi, director del grupo. “Es muy especial: además de ser uno de los lugares en los que el arte popular estuvo expresado desde fines del siglo XIX, ha sido siempre un lugar de inmigración. Entonces es un mundo que vive en la calle. Y nosotros nos sentimos parte de La Boca”, se enorgullece. Y para celebrar estos 25 años reponen en el Teatro de la Ribera (Pedro de Mendoza 1821) los sábados a las 21 Venimos de muy lejos, una obra estrenada en 1990 que recupera la convivencia en los conventillos de finales de siglo XIX y principios del XX de aquel aquelarre inmigratorio que pobló nuestro país.

–¿Por qué eligieron Venimos de muy lejos para celebrar estos veinticinco años?

–Para nosotros el Teatro de la Ribera y el IFT fueron las primeras salas en las que trabajamos. Y La Ribera es una sala en nuestro barrio y un lugar donde habían llegado y trabajado casi todos los viejos antepasados de la gente de La Boca. Llegaban al Hotel de los Inmigrantes, que es donde ahora está la Dirección de Migración. Entonces, un poco reproducimos la historia de los inmigrantes, que llegaban en los barcos, y muchas de esas historias son contadas por nuestra propia gente, los integrantes del elenco se las escucharon a sus abuelos... fue una cosa muy interesante y muy afectiva para nosotros hacerlo en Vuelta de Rocha. Y ahora que el Complejo Buenos Aires nos dio la sala por estos dos meses, cuando nos preguntamos qué haríamos, decidimos Venimos... y el Parque Japonés. Y también con invitados (ver recuadro). Con nuestros amigos festejamos haciendo teatro para la comunidad en La Boca. Ahí estamos, viendo cómo nos acomodamos en casa ajena, del Estado, que tiene sus reglas y hay que contemporizar.

El traslado al Teatro de la Ribera se debe a que el grupo está refaccionando el Galpón de Catalinas, su “casa”, que compraron en 2001 y al que esperan volver a mitad de año. “El Galpón es nuestra plaza techada, aunque ahora si lo miramos de techada no tiene nada”, dice Bianchi, y ríe. “El Galpón para nosotros ha sido un paso importante. Además, nos permite hacer talleres, abrirnos a la comunidad, hemos hecho cosas con muchas organizaciones del barrio... es nuestra casa, abierta a los que quieran estar”, invita.

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Temporada de festejos

Fiesta Nacional del Teatro

“Hay riqueza en la diversidad”

El encuentro se realizará desde el próximo jueves en 15 salas teatrales de Resistencia. La fiesta, en la que se verán 40 obras, se desarrollará también en doce localidades chaqueñas y contará con extensiones en Corrientes, Formosa, Posadas y Asunción del Paraguay.

La palabra inclusión fue una de las más repetidas durante la presentación de la Fiesta Nacional del Teatro que se realizará en Resistencia, Chaco, del 26 de marzo al 4 de abril. Organizada conjuntamente entre el Instituto Nacional del Teatro, el Instituto Provincial de Cultura del Chaco y el Centro Interdisciplinario de Estudios Territoriales, el encuentro que anualmente reúne al teatro independiente del país promete convertirse en un escenario de inclusión, según adelantaron los funcionarios que participaron del lanzamiento de la fiesta ayer, en el Teatro Cervantes. “La fiesta es el resultado de un largo trabajo de selección –explicó Raúl Brambilla, director ejecutivo del INT–, pero queremos que este encuentro sea profundamente inclusivo, no solamente en lo artístico sino también en lo social y político.”

Por su parte, Francisco Romero, titular del Instituto Provincial de Cultura del Chaco, dio color a su discurso explicando que la palabra chaco proviene de la voz originaria chacún o encuentro de naciones, lo cual, según subrayó, define a la región como una suerte de conglomerado cultural, cuyo rasgo distintivo identitario es, precisamente, la diversidad. “La cultura es un alimento colectivo tan importante como el alimento material –precisó el funcionario–, y no hay posibilidad de crecimiento sustentable sino a través del desarrollo de todos los lenguajes artísticos y la descolonización cultural: el Chaco es una provincia empobrecida por políticas neoliberales, pero tenemos una riqueza en la diversidad: somos nuestros pueblos originarios, nuestros criollos y somos más de doce colectividades de pueblos inmigrantes”, concluyó. Además, Romero destacó que la fiesta nacional tendrá lugar no sólo en las quince salas teatrales de la ciudad de Resistencia sino también en doce localidades de la provincia, y contará con extensiones en Corrientes, Formosa, Posadas y Asunción del Paraguay. El encuentro ofrecerá una programación integrada por 35 espectáculos seleccionados de todo el país, además de cinco obras invitadas, seminarios de formación, talleres, reuniones con autores, panel de análisis y crítica de espectáculos y presentación de libros.

“Hemos realizado un camino larguísimo y profundo en el Chaco”, afirma Gladys Gómez, representante provincial ante el INT, en conversación con Página/12: “Hasta el 2000 no había más de dos salas en Resistencia. No sólo conseguimos los espacios concretos, sino que capacitamos a los teatristas con planes de fomento. Ahora hay que acrecentar el público. La Fiesta Nacional acercará espectadores y llevará el teatro a los centro comunitarios, una tarea que sirve para insertar al teatro en el imaginario social”.

Fuente: Página/12

De aquí y de allá

¿Quién dijo que era buena?

Una historia bataclana

Con texto propio, Victoria Carreras se luce en una obra precisa y a su medida. La dirige Alejandra Marino.

Nunca viví algo así", expresó emocionada Victoria Carreras al finalizar una de las funciones que ofrece, con entrada gratuita, en el Centro Cultural Caras y Caretas. Dijo esas palabras frente a una platea colmada, que la aplaudía con entusiasmo.

Por segunda temporada consecutiva -aunque en una nueva sala-, la actriz presenta su unipersonal ¿Quién dijo que era buena?. Recorre la vida de una artista -"actriz, cantante y bataclana"- que ha transitado distintos géneros y que ha conocido tanto la gloria como la decadencia. El espectáculo presenta uno de sus momentos más logrados cuando Amparo Lucero (nombre artístico del personaje que compone) esgrime un ácido discurso de agradecimiento al recibir un premio. Se permite, desprejuiciadamente, "sacar los trapitos al sol" y revelar zonas oscuras del universo de los artistas. Es en ese monólogo cuando la obra cambia su tono por otro más enfático, contundente y cautivante.

Amparo Lucero surge del burlesque, como "la Yiyiyi", y llega a convertirse en una estrella de la escena internacional. Las distintas canciones que con afinada voz interpreta Carreras a lo largo de la función se convierten en un condimento muy atractivo.

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Oh!... Juremos con plumas vivir (casi una revista en el Xirgu)

Casi una revista

Después de ganar dos Ace y un Trinidad Guevara, hoy estrena "Oh!... Juremos con plumas vivir".

De chiquito huía del colegio para ver las películas de Niní Marshall. Más tarde fue el payaso del Conservatorio, donde imitaba a sus profesoras en las fiestas de fin de año. Hoy su sueño de ponerse las plumas se hace realidad otra vez con el estreno de Oh!... Juremos con plumas vivir (casi una revista en el Xirgu). "Es una gran revista y convoqué a grandes actores y amigos", cuenta Eduardo Solá.

Pero no sólo en el talento se basó para seleccionar al elenco. Durante una gira por España, recibió la noticia de la muerte de su padre. "Ahí me di cuenta de que tenía familia, amigos, todo en la Argentina, y de lo lejos que estaba. Con las pérdidas notás lo que vale tu gente, y antes de que sea tarde quise reunirnos y hacer esto, que soñé toda mi vida", dice.

Eduardo explota lo mejor de sus artistas y describe el show como "una sucesión de sketches cómicos". "Gustavo Liza va a hacer un monólogo de actualidad; Aníbal, la Divina Bijou, va a contar chistes; Guillermo Gil va a hacer su Mirtha Legrand. Es una de las pocas personas con las que ella está conforme, porque no la ridiculiza".

Eduardo vivió una historia similar con Niní Marshall. "Tuve el placer inmenso de conocerla en el '83. Mientras esté en un escenario siempre voy a hacer algo de ella. Ahora le pedí autorización a su hija Angelita y ella me dijo: Es una forma de que siga viva mi mamá. Se me caían las lágrimas", cuenta.

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El Fantasma de la Opera

Nota del 19 de marzo

Los famosos visitaron al Fantasma

El musical de Andrew Lloyd Webber estrenó ayer la función para las estrellas y la prensa; hoy, abre sus puertas al público; mirá las escenas de la obra

Ayer, el Fantasma sorprendió con sus apariciones y amenazas a varios famosos y a la prensa.

Afuera, fotógrafos, camarógrafos y los siempre dispuestos "chusmas", se agolparon tras las vallas frente a las puertas del Teatro Opera, donde desde hoy el público en general podrá ver el musical El Fantasma de la Opera, de Andrew Lloyd Webber, basado en la historia de Gaston Leroux, y dirigido por Harold Prince (a distancia).

Poco a poco iban entrando las estrellas por una alfombra roja que incluía una fila de personajes con impactantes disfraces que marcaban los pasos de quienes llegaban.

Así, Guillermo Francella, Diego Olivera, Natalia Lobos, Jorge Ibáñez, Benito Fernández, Flavia Palmiero, Carla Conte, Boy Olmi, Carola Reyna y Bettiana Blum, entre otros, desfilaron por el teatro. Algunos bien anticipados y otros, bastante retrasados, al punto que aparecieron después de empezada la obra.

Una de las escenas que más impactaron fue la caída de la enorme araña que cuelga del techo ?y el Fantasma hace vibrar y prenderse como medio para atormentar cuando algo lo hace enojar-, momento que dejó sin aliento a más de uno de los espectadores que sintieron el roce sobre su cabezas.

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El fantasma de la ópera

Como un muestreo de pasiones

"El fantasma de la ópera". Música: Andrew Lloyd Webber. Letras: Charles Hart, basada en la novela "Lé Fant™me de L"Opera" de Gastón Leroux. Dirección musical: Gerardo Gardelin. Dirección: Harold Prince. Puesta en escena musical y coreografía original: Gillian Lynne. Escenografía y vestuario: Maria Bjornson. Cantantes-actores: Carlos Vittori, Claudia Cota, Nicolás Martinelli, Mirta Arrua Lichi, Walter Canella, Ricargo Bangueses, Lucila Gandolfo, Santiago Sirur y Silvina Tordente, entre otros. Opera (Corrientes 860).

Con equipo local y el excelente desempeño vocal y actoral de la mexicana Claudia Cota, se conoció la versión original de "El fantasma de la Opera", que conserva todos los elementos, según se anticipó, del montaje original que Harold Prince realizara en Londres y luego en Nueva York.

Aunque la reposición local corrió por cuenta de la mexicana Rocío Rodríguz Conway, puede decirse que pocas veces en nuestra ciudad se ha podido apreciar un montaje de tal calidad técnica.

La puesta del famoso director escénico Harold Prince exige de un movimiento de maquinaria escénica muy complejo y de gran exigencia para los cantantes y técnicos y en la función a la que asistió La Prensa, resultó de una sorprendente efectividad.

Estrenada hace veintidós años, la puesta de Prince, que ha llegado a Buenos Aires, se conoció en Londres el 9 de octubre de 1986 y el 26 de enero, de 1988, en Nueva York.

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Josefina Scaglione

Una argentina capta la atención de Broadway

Hoy estrena Amor sin barreras en Nueva York, donde hay una gran intriga por ver a una extranjera en semejante papel

"Ahí está la princesa argentina", anuncia con orgullo Mélida, la ascensorista colombiana del Palace Theater de Times Square al indicar el camarín de la rosarina Josefina Scaglione, protagonista del revival del musical Amor sin barreras ( West Side Story ), que se estrena oficialmente hoy en Broadway.

Sin que Matt, su agente de prensa estadounidense, llegue a golpear la puerta, ésta es abierta del otro lado por Lázaro, el peluquero cubano que, con cepillo en mano y haciendo una reverencia, invita a pasar. "Mi niña ya está lista", declara como rememorando aquella famosa escena de Gloria Swanson en El ocaso de una estrella.

Con apenas 21 años, Scaglione es hoy el centro de atención de todo el mundo teatral neoyorquino, que durante años estuvo aguardando la reposición de este clásico drama musical escrito en 1957 por Arthur Laurents, con letras de Leonard Bernstein, música de Stephen Sondheim e inolvidables coreografías de Jerome Robbins. El propio Laurents, con sus 91 años, está a cargo de dirigir esta nueva versión, que tiene como aditivo la incorporación de canciones y algunos diálogos en español, traducidos por Lin-Manuel Miranda, el creador del exitoso musical In the Heights .

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Un éxito asegurado, en una época de crisis

El fantasma de la ópera

La frialdad de un montaje impresionante

El fantasma de la ópera se impone con su partitura sublime y su puesta, pero flaquea en la interpretación

Quien haya visto alguna vez El fantasma de la ópera en Broadway o en Londres vivirá seguramente un recuerdo difícil de olvidar. Andrew Lloyd Webber logró su gran obra maestra con esta partitura que, sin dudas, resistirá por siglos como un clásico de una belleza inconmensurable. Su música es tan compleja y exquisita como teatral, sensible y pasional. Lo mismo ocurre con las letras escritas por Hart y Stilgoe, con la parafernalia escénica que ideó Maria Björnson y la exacta puesta en escena de Harold Prince. En su montaje, concebido en la semipenumbra, consigue que el espectador viva como tal lo que ocurre sobre el escenario de la Opera de París, amenazada por el Fantasma asesino; o del otro lado, en la trastienda del mundo artístico, en los camarines, y hasta en los techos o los sótanos de ese palacio teatral. Allí el siniestro personaje inspirará desde las sombras a su amada Christine y sembrará de muerte, paradójicamente, todo el camino que intenta transitar para conseguir el amor.

Es decir, un trabajo original impecable que, a su vez, debe ser observado como un clásico para que no resulte algo anacrónico. Si ese mismo montaje es trasladado a otro ámbito o ciudad que no es la original, se supone que el resultado debería ser el mismo. Si no fuera así, el problema tiene dos orígenes muy claros: la dirección (es decir, la labor de los repositores) y los intérpretes. Y lamentablemente, eso ocurre en la puesta en escena porteña. Aunque por suerte, la difícil adaptación del texto (responsabilidad de Eduardo Galán) sale bien parada, salvo por pequeños detalles.

Desde lo musical, la orquesta que armó Gerardo Gardelín es impecable y reproduce esa belleza sublime que ideó Lloyd Webber con absoluto amor (la hizo para su esposa de aquél entonces, Sarah Brigthman). Pero aunque la base, es decir la obra, sea magnífica, si el repositor no logra hacerla visualizar, ésta simplemente no sucede.

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El Fantasma de la Opera

Musical de corte universal

La puesta local de la obra de Andrew Lloyd Webber no tiene nada que envidiarle a las de Londres o Broadway.

Finalmente, El Fantasma deambula por los sótanos, el escenario y la terraza de la Opera de París, pero en el Opera de Buenos Aires. Exactamente un año después de lo previsto -la obra de Andrew Lloyd Webber iba a estrenarse el 17 de marzo de 2008-, el martes fue la première del musical más esperado, popular y exitoso de la historia del género, el espectáculo obligado en todas las capitales de teatro del mundo, a estas alturas más por razones externas (récords de funciones y de público, y "robos" de efectos de la obra original de 1986 por puestistas de todas las latitudes) que por las intrínsecas. Entiéndase las musicales y de libreto.

La pregunta, a casi 23 años de su debut en el West End londinense, es si El Fantasma de la Opera, ya convertido en clásico, avejentó o no. A diferencia de otras creaciones de Lloyd Webber como Cats, que demostró con el tiempo que más que siete vidas, sus gatos no soportaban más de siete años, porque se deterioraron prematuramente, o la mismísima Evita, donde la pasión al margen de la controversia era el motor de la puesta, en El Fantasma todo está sigilosamente controlado.

El espejo/pasadizo está allí, la trampa del sillón, también, las velas y el efecto del hielo seco recreando el lago subterráneo de la Opera Garnier impactan. Y como la altura del Opera es mayor que la del Majestic, en Broadway, la caída de la araña de 6.000 caireles es más impresionante en Buenos Aires... pero es en las primeras filas donde se "sufre" más el impacto. Lo que le falta a este Fantasma es lo mismo que al de Londres y al de Broadway: auténtica pasión. Carne. Que nos creamos los motivos por los que Christine se debate entre el amor de su misterioso Maestro en la oscuridad y Raoul, su amigo de la infancia. Una pista para que entendamos la locura que desata el Fantasma en la Opera de París.

Algo en qué sostener las más de dos horas de espectáculo, que por momentos deslumbra, sí, pero que al lado de tanta pirotecnia teatral necesita que nuestros latidos se apresuren más, no por la potencia de las voces, sino por lo que cuenten. Y no es porque la labor del traductor y adaptador no haya sido la correcta. El problema ya viene desde el libreto original.

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Una noche en la Opera

Fiesta Nacional del Teatro

A telón abierto

Se inicia la semana que viene y se presentarán 35 elencos de distintas provincias. También habrá talleres y cursos.

El próximo jueves comenzará en Resistencia la XXIV edición de la Fiesta Nacional del Teatro. Por primera vez la capital chaqueña y otras ciudades de la provincia, como Charata, Las Breñas, Taco Pozo, entre otras, darán cobijo a 35 elencos de distintas provincias que presentaran sus espectáculos. Paralelamente a las obras se llevaran a cabo una serie de talleres brindados, entre otros, por Guillermo Heras y Adhemar Bianchi.

Chaco presentara dos obras: Balbec, de Alejandro Parmetler y el grupo La Fábrica de las artes. El espectáculo recorre la sórdida relación entre un obsesivo escritor y su mujer. La segunda propuesta chaqueña será La cacería, de David Navarro y Fabián Díaz.

Otros los espectáculos que integran la grilla son La fonda cordobesa, de Paco Giménez y el Grupo La cochera, de Córdoba. De Santiago del Estero, se presentará Puedo entender tu aullido, del grupo Tuerca suelta. Se trata de un espectáculo de humor a través de una mujer. Mientras La Comedia Universitaria de Santa Fe, realizará una versión de El enfermo imaginario, de Moliére. La Rioja, a través de la Compañía pos Danza, fundada hace ocho años por Adriana Nazareno y Mario Danna, realizará funciones de Pasaje al infinito.

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Oscar Martínez

Pura ficción

Se confirmó que el actor y dramaturgo Oscar Martínez protagonizará su nueva obra teatral. Será a partir del 10 de abril en una sala del Paseo La Plaza. Lo acompañará, en escena, Claudia Fontán.

Fuente: Clarín

William Shakespeare

Obras inéditas de Shakespeare

El primer poema de William Shakespeare, el soneto “Phaeton”, entre otras seis obras inéditas, fueron descubiertos por el académico John Casson, psicoterapeuta que pasó tres años estudiando manuscritos que se creían vinculados con el dramaturgo. El resto de los textos hallados corresponden a la primera comedia de Shakespeare, Mucedorus; sus primeras tragedias, Locrine y Arden of Faversham; las obras teatrales Thomas o Woodstock, A Yorkshire Tragedy y Cardenio, que Shakespeare compuso junto al dramaturgo John Fletcher en el siglo XVI.

Fuente: Página/12

Mauricio Dayub y Osqui Guzmán: El batacazo

Cuestión de suerte

Mauricio Dayub se vuelve a probar como dramaturgo y actor, y debuta como director con "El batacazo". Lo acompaña Osqui Guzmán. Es la primera vez que trabajan juntos. Serán dos criaturas que se cruzan en un parque de diversiones. Estrenan el 28, en el Chacarerean Teatre.

Se viene la tercera. Primero fue El amateur. Después, Adentro! Y ahora llega El batacazo. Todas son obras escritas por Mauricio Dayub, quien a esta altura y sin proponérselo, ha construido una poética propia, que combina humor y reflexión, con dosis exactas. Por empezar, todos sus textos son de dos personajes masculinos -dice que de algún modo, a través de ellos, escribe sobre sí mismo-. Como en sus piezas anteriores, Dayub actuará en El batacazo y esta vez lo acompañará sobre las tablas el histriónico Osqui Guzmán.

Mauricio es oriundo de Paraná y vino aquí de jovencito con el afán de ser actor; Osqui es de Buenos Aires, "criado en el barrio de La Boca: ahí, te criás o te criás". Por primera vez coinciden en un trabajo. A partir del 28 de este mes, juntos protagonizarán una obra con la que piensan dar el batacazo. Será los viernes, sábados y domingos a las 21 en el Chacarerean Teatre, la sala que Dayub tiene -junto a sus socios-, desde hace seis años, en Palermo Hollywood.

Café con leche para los dos y la tarta de manzana "de siempre", ordenan los habitués de este bar de la esquina devenido en oficina, centro de reuniones y punto de encuentro para las entrevistas. Después, la charla fluye. Mientras, en el Chacarerean, a media cuadra, en Nicaragua 5565, hay gente trabajando: la sala está siendo refaccionada. Además, el montaje de la escenografía, que recrea un parque de diversiones, no es algo sencillo de construir y en eso están los realizadores.

Dayub tiene un método para escribir: "Voy anotando ideas, diálogos, imágenes y guardo los papelitos en una caja. Cuando tengo unos cuantos, empiezo la rutina de ir sacando los papeles y escribir una obra a partir de ellos". El batacazo comenzó a gestarse cuando Mauricio se encontraba en Montevideo, filmando Paisito. "Viví seis semanas allá. Cada vez que terminaba la jornada de rodaje, iba a un tradicional bar uruguayo y me ponía a escribir", repasa el actor que, por primera vez y con esta obra, se anima a dirigir. "El tema lo tenía: el destino, la suerte, el azar. Creo que el hecho de que la historia transcurra en un parque de diversiones tiene que ver con el recorrido que hacía del hotel al rodaje, porque pasaba por todos los parques uruguayos y, por mis horarios, siempre los veía cerrados, tristones", repasa.

En tus obras, siempre hay dos tipos...

Mauricio: Con esta obra me recibo de mí mismo... ¡Es el colmo! Me doy cuenta de que mi estilo está a full. Todo lo que me gusta poner está exacerbado. Los que la leyeron y hablan bien, me dicen que aparece esa metafísica popular que me caracteriza. Creo que es representativa de mí mismo.

Por lo de siempre dos personajes, "mis amigos me cargan. Cuando saben que estoy escribiendo, se anticipan: Son dos, ¿no? Yo creo que escribo el alma de una sola persona, pero la divido en dos para que los opuestos hagan más fácil la reflexión", expresa.

Guzmán, desde que fue premiado como Revelación en teatro por Los indios estaban cabreros, en el '99, no paró de hacer cine, teatro y TV. Transitó paralelamente la improvisación y otros géneros. Egresado del Conservatorio de Arte Dramático, sus primeros trabajos fueron en el teatro San Martín. "El delirio (en 1992) fue mi primer laburo pago", recuerda el actor. "La primera vez que vi actuar a Mauricio fue en A lo loco (en 1994), en Andamio 90", dice. "Leí el texto y me encantó", expresa de El batacazo. "Encontré una relación entre el tema de la obra y la improvisación. Porque habla de la suerte, el destino. Y en la improvisación, lo que hay es un actor arrojado a su suerte", afirma Osqui. "Al hablar del destino y de cómo modificarlo, la identificación con el público va a ser inmediata", sentencia.

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Apuntes de un cuaderno de bitácora
El clima Dayub

El fantasma de la Opera

“Cada día de ensayo fue sagrado”

Los supervisores extranjeros y los responsables locales de la puesta dicen que la enormidad de la producción lleva a que todos “se pongan la camiseta”, y explican que “no se puede dudar con un monstruo como éste: donde dudás, se cae”.

Entrar en el teatro Opera en estos días es una aventura. Se escucha hablar inglés por los pasillos, pues varios extranjeros han llegado para montar uno de los musicales más famosos de todos los tiempos, El fantasma de la Opera, tal como Andrew Lloyd Webber y Harold Prince lo idearon hace más de veinte años. Porque lo que podrá verse a partir de este jueves será una fiel reproducción, con igual puesta, vestuario y escenografía, del show que tuvo lugar el 9 de octubre de 1986 en Londres, día del nacimiento de este mito teatral. La cita será de miércoles a viernes a las 20.30, los sábados a las 18 y a las 22 y los domingos a las 19, en Corrientes 860.

Ingresar en la sala es viajar en el tiempo. Un imponente arco de proscenio dorado, réplica del de la Opera de París, decora el frente del escenario. Pero esto es sólo un detalle en un show que promete ser puro despliegue visual y técnico. Sobre las butacas cuelga una araña de tres metros de ancho, seis mil caireles y una tonelada de peso –otro símil de la que se encuentra en el Palacio Garnier–, que caerá inesperadamente en la mitad de la función a causa de la ira del fantasma. Además, el escenario se convertirá en un efervescente lago por donde se deslizará la góndola del protagonista: para lograr semejante efecto visual, el equipo técnico utilizará diez máquinas de humo y 250 kilogramos de hielo seco. Con sólo seguir revisando algunas cifras, El fantasma... amenaza pasarle el trapo a la mayoría de los musicales. Son 130 las personas –actores, músicos y técnicos– que participan en cada representación. El despliegue de vestuario, con una confección digna de los mejores teatros de ópera del mundo, incluye recargados y adorables motivos venecianos y carnavalescos entre los 230 trajes que desfilan en cada función. También la escenografía es opulenta: sólo las velas utilizadas por noche son más de 280.

Los números continúan: ochenta millones de personas en el mundo vieron la obra, en 127 ciudades de veintisiete países. En 2006, El fantasma... se convirtió en el espectáculo con más tiempo en cartel en Broadway (se estrenó en Nueva York en 1988). Un equipo de expertos se ocupa de que la versión porteña siga las estrictas normas de calidad exigidas por la firma que lleva. El director asociado Arthur Masella, la supervisora musical Kirsten Blodgette y la coreógrafa asociada Denny Barry son los miembros de ese equipo en el que Andrew Lloyd Webber depositó la responsabilidad de reponer su obra tal como la concibió. Hace más de veinte años que estos tres profesionales se encargan de viajar por el mundo y contagiar a los artistas y técnicos locales del espíritu de El fantasma..., además de enseñarles tácticas y estrategias para abordar una megaproducción musical como ésta.

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Quién es quién en esta puesta
La tragedia, el romance
El espíritu del Her Majesty’s

Alfredo Ramos: Los desórdenes de la carne

“La obra habla de nuestras taras”

El teatrista, que trabajó durante años junto a Ricardo Bartís, define su nuevo espectáculo como un “dramón de amor”, que transita la cuerda del folletín. Se trata de un retrato –no exento de humor– de la alta sociedad porteña en los años ’50.

Actor, director y dramaturgo, Alfredo Ramos revistó en el elenco de dos obras fundamentales para la historia del Sportivo Teatral que fundó Ricardo Bartís: El corte y El pecado que no se puede nombrar, premiado espectáculo sobre textos de Roberto Arlt. Pero Ramos, quien trabajaba con Bartís ya desde 1983, dejó la actuación una vez concluida la experiencia con El pecado... para escribir su propia dramaturgia y abocarse a la dirección. No obstante, recién en 2002 funda un grupo propio, el Teatro Berreta de Cámara. Algunas temporadas después de la exitosa Un amor de Chajarí, Ramos acaba de estrenar Los desórdenes de la carne, en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3549). Si en el primero de los casos se trató de un “grotesco rural”, el nuevo trabajo se define como un “dramón de amor”. “Cambié 180 grados –admite Ramos en la entrevista con Página/12–; del ambiente rural pasé a interesarme en retratar una clase acomodada.” No hay una sola historia en Los desórdenes... sino un ciclo de peripecias, que se cruzan unas con otras. Dos hermanos de la alta sociedad porteña deben aceptar que, fallecida su madre, el tío vuelva de Europa para encauzar el rumbo de sus vidas (a la niña hay que casarla y al hermano, cortarle las alas). Pero en la casa se instalan, además, la inefable Mafalda y el rumboso Padre Julio Luis, para reasegurar los vínculos de la familia con la parroquia. La intervención resulta un verdadero desastre y baste decir que en el desarrollo de la cuestión no faltan delirio ni violencia. Una historia como de película o novelón ambientado en los años ’50, en un palacete construido para la ocasión por el escenógrafo Félix Padrón e iluminado por Jorge Pastorino. Decir que los 12 personajes –todos destacables– actúan en la cuerda del folletín puede sonar a trazo grueso pero no es así: “Estos personajes tienen un filo muy complicado de actuación –advierte Ramos–, porque si se sobreactúa mucho se puede caer en el estereotipo del dibujo animado o el teatro infantil”. En un año y medio de trabajo, el director fue armando la obra, escribiendo e improvisando con los actores. Tuvo dos puntos de partida bien disímiles: los tangos de Osvaldo Fresedo y Viridiana de Luis Buñuel. Junto a Eugenio Soto y Karina Frau interpretan Renata Aiello, Sol Alba, María Colloca, Gonzalo Dutria, Gabriel Feldman, Mara Ferrari, Carolina Ferrer, Mariano González, Gabriel Nicola y Fernando Ramos.

–¿Por qué llama a su grupo “teatro berreta”?

–Es porque nosotros como grupo no tenemos obras de repertorio de grandes autores, sino que sólo hacemos las obras que yo escribo. Decimos que son berretas por la forma en que están encarados la temática o los conflictos: puede parecer que se los mire desde un costado superficial, tal vez porque siempre están ligados al humor. Pero los núcleos de conflicto que plantean mis obras son muy pesados. Lo de berreta tiene que ver con un tono menor que buscamos darle a la obra, como si no estuviésemos a la altura del teatro culto. También con formas antiguas de actuación. Los desórdenes... tiene que ver con las películas argentinas de las década del ‘40, las comedias dramáticas de teléfono blanco.

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Araceli González

Nota del 16 de marzo

Araceli González promueve el teatro para sordos

La actriz amadrinó un proyecto de la Asociación de artes y señas (ADAS) junto con el teatro El Cubo, que tiene como eje desarrollar obras para personas con problemas auditivos por medio de performers-señantes teatrales

Gabriela Bianco -hija de padres sordos, actriz e intérprete- tenía la idea en su cabeza desde hace mucho tiempo. Jorge Vidoletti -director teatral y escritor- la ayudó a concretarla. Araceli González, que estudió seis meses con Bianco para su papel de Camila en la novela Nano (1994), se unió a la difusión y lo amadrinó. Y acá está el proyecto. Con ustedes, un teatro para sordos.

No fue una cadena de favores, sino una de trabajo en conjunto. Vidoletti que es el desarrollador cultural de El Cubo , llamó a Bianco, que es la directora de la Asociación de Artes y Señas (ADAS) para iniciar el proyecto "Dicho y hecho, señantes teatrales". Esta iniciativa tiene como idea eje poner sobre las tablas obras de teatro que puedan ser entendidas también por personas sordas, gracias a lo que se llaman performers-señantes teatrales (intérpretes-actores de lengua de señas). Pero también es algo más grande. Tiene que ver con formar gente para llevar adelante esta iniciativa a través del programa "LenguaHares artes & señas en escena".

Y González, después de conocer a Bianco e involucrarse con el lenguaje de señas, nunca dejó de apoyar cualquier iniciativa de ADAS.

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Tren

Nota del 16 de marzo

La religión como vía de escape

Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes, que actúan y codirigen junto a Laura Fernández, buscan despejar prejuicios entre sonrisas, pero sin burlas, sobre universos de los que mucho se habla y pocos conocen. En este caso, las fieles evangelistas.

La esperanza del grupo de fieles que va camino de un congreso evangelista es forjarse un presente más llevadero. Otra es la aspiración de las “capangas”, duro término para designar a quienes están “al servicio de”. La función de las capangas es recitar discursos que atraigan a más fieles, y convencerlos de que “el éxito es un derecho de nacimiento” o de “usar el dolor para decidir un cambio”. En Tren, obra que el grupo Piel de Lava estrenó en el Teatro Anfitrión, consignas como éstas influyen en los diez personajes que interpretan las cuatro actrices de Piel. Ellas son Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes, ganadoras del premio anual “S” 2008, que consiste en una suma de dinero aportada por un donante anónimo en apoyo de la producción de jóvenes teatristas. En diálogo con Página/12, cuentan que se conocieron en los talleres de Alejandro Catalán y Rafael Spregelburd, y cursaron estudios con otros maestros. En la formación de estas actrices –también directoras y autoras– surgen los nombres de Alejandra Boero, Pompeyo Audivert, Ricardo Bartís, Javier Daulte, Cristian Drut, Marcelo Bertuccio e Ignacio Apolo. Codirectoras de Tren junto a Laura Fernández, proponen despejar prejuicios entre sonrisas, pero sin burlas, sobre universos de los que mucho se habla y pocos conocen. En el inicio de la obra –con los personajes de Edith (Correa) y Miriam (Paredes) acomodados ya en un camarote de tren– se desarrolla una curiosa escena entre Rosalía (Carricajo) y quienes la despiden desde el andén: su marido y un niño, hijo del hombre con otra mujer, que a su vez abandonó al chico. Una escena que desatará confesiones, multiplicadas a lo largo de la obra e incentivadas quizá por el pregón de “la pastora de Gonnet” que ha hecho carne en las fieles e invita a “transformar nuestros problemas en victoria”.

La despedida de Rosalía se asemeja a una huida, aun cuando no lo sea. Sucede que “estas fieles depositan expectativas desmesuradas en el viaje”, apuntan las actrices, con trayectoria en el cine, la TV y básicamente en el teatro, incluso en calidad de autoras y directoras de trabajos exteriores al equipo. Se las vio, entre otros espectáculos, en Automáticos, de Javier Daulte; Acassuso; Bizarra (una saga argentina); El pánico y Fractal, todos de Rafael Spregelburd; y en Deus ex Machina, de Santiago Gobernori, y Todos los miedos, de Mariana Chaud.

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El fantasma de la Opera

Nota del 15 de marzo

El fantasma de la Opera: llega el musical más esperado

Harold Prince, el director estrella de Broadway, anticipa cómo será esta megaproducción que se estrenará el jueves, en el Opera, con elenco local y con tres intérpretes para el fantasma

Cuando en 1984, el compositor Andrew Lloyd Webber y el megaproductor Cameron Mackintosh pensaban en darle forma a una nueva versión de El fantasma de la Opera, no tenían idea de que iban a cambiar para siempre la historia del teatro musical. Por fin, y luego de tres intentos frustrados de estrenarla desde 1989, Buenos Aires podrá ver esta obra determinante del género, desde el jueves, en el Opera.

En un principio, Lloyd Webber quería darle una impronta similar a The Rocky Horror Show, pero pronto se dieron cuenta de que la historia de Gaston Leroux no debía fluctuar ni por la sátira ni por el terror, sino por el romanticismo. Inmediatamente, se sumaron a la idea el letrista Richard Stilgoe, el director Harold Prince, la diseñadora Maria Björnson y el libretista Charles Hart. Así fue como el 9 de octubre de 1986, en el Her Majesty´s Theatre, de Londres, subió a escena El fantasma de la Opera. El 26 de enero de 1988 se estrenó en Nueva York, donde aún continúa, además de batir un récord por ser el espectáculo de mayor permanencia en escena en Broadway. ¿Por qué esta obra redefinió al teatro musical? Porque reafirma el estilo impuesto por Lloyd Webber mismo de obra enteramente cantada, por su exquisita partitura que la acerca a una forma de ópera popular y por su impresionante despliegue visual, hasta el momento de su estreno, de una envergadura inusual.

El debut porteño iba a ser en 2008, aunque se postergó para este año, que resultó más difícil en materia económica. Pero uno nunca va a comprender bien a los empresarios teatrales. No se conoce muy bien la cifra invertida, aunque es una suma multimillonaria que será un desafío recuperar. Pero aunque las entradas fluctúan entre los 290 y los 70 pesos, desde hace tres semanas, hay una casi permanente larga cola de espectadores comprando boletos.

El año pasado se especulaba sobre si el director original, Harold Prince, vendría a dirigir la versión argentina. Es un asiduo visitante turístico desde que llegó por primera vez, en 1989, con la idea de montar El fantasma de la Opera , pero no encontró ninguna sala que reúna las características necesarias para la puesta. También vino a dirigir una ópera y El beso de la mujer araña. Asimismo, siempre estuvo vinculado al mundo del musical criollo, ya que fue representante mundial de Nacha Guevara durante su exilio y dirigió a Valeria Lynch en el montaje mexicano de Evita .

Harold Prince es uno de los creadores del llamado "teatro musical conceptual", una forma de concepción escénica que parte de una idea o un tronco argumental y sobre eso trabajan en forma mancomunada todos los creadores. Entre sus obras maestras como director figuran Cabaret, El violinista en el tejado, Company, Evita, Sweeney Todd y El beso de la mujer araña .

Pero el gran Harold no vino. Tenía un cumpleaños. Aunque, como suele suceder en estos casos, envió a un representante. En este caso, Arthur Masella. No es desacertado plantearse, como espectador, si este sistema realmente funciona. Algunos hablan de "mcdonalización" del teatro. Pero a los resultados nos rendimos. Numerosos musicales se han estrenado en Buenos Aires con este sistema ( Yo y mi chica, Cats, El beso..., La Bella y la Bestia, Los miserables, Chicago, Sweet Charity , entre otras) y dejaron sentado que este mecanismo de relojería funciona, y muy bien.

En comunicación telefónica, Harold Prince explicó algo de su trabajo a distancia para una de sus "ciudades favoritas en el mundo", según dijo.

-Hace más de diez años, vino con la idea de montar El fantasma... y no se dieron las condiciones. ¿Eso hace especial este montaje?

-Sí, claro. Me frustré mucho la primera vez que no pude hacerlo, debido a la ausencia de una locación. Pero ahora tengo un teatro excelente. Estoy muy entusiasmado. Lo triste es que me voy a perder el estreno por otros compromisos que asumí. Me dijo Arthur Masella que las cosas allí funcionan extremadamente bien. Tengo ganas de ir más adelante, porque cualquier excusa que tenga para viajar a Buenos Aires la aprovecho. Es una ciudad maravillosa y fantástica, y además tengo muchos amigos allí.

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Tres rostros para una misma máscara

La patria submarina

Nota del 15 de marzo

Dolorosa metáfora de un país que se hunde

Pablo Iglesias logró encontrar potencia en sus ideas

En el interior de un submarino nuclear, una mujer y un hombre están a apunto de emprender una misión. Quien da las órdenes es una mujer, una capitana que nunca está en escena aunque su imagen, su voz y sus órdenes aparecen a través de las pantallas de unos televisores. La empresa parece conflictiva. Es que ese hombre y esa mujer deberán engendrar un hijo que tendrá la difícil situación de sostener la especie.

Fuera de ese ámbito las cosas parecen no andar muy bien. Los pocos datos que pueden descubrirse resultan escalofriantes. Mientras tanto, los personajes buscan más y más definiciones para comprender el por qué de su derrotero. A ellos se agrega un cocinero que cumple el mandato de la capitana. El se entromete en la relación de la pareja y parece jugar un papel fundamental construyendo unas intrigas que no serán fáciles de develar, aunque su mínima y significativa presencia y su discurso aporten buenos datos.

La patria submarina. Primera misión resulta una dolorosa metáfora de un país que se hunde y que sólo tiene una aspiración: que una nueva generación lo salve o por lo menos lo sostenga, le posibilite una existencia preparada y, por ende, perversa por que está organizada y no dentro de carriles normales. Pero la realidad se complejiza de tal manera que, el niño que nace, terminará devorándolo todo.

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Nocturna

Nota del 15 de marzo

Nocturna

La compañía Circo Vaivén presenta Nocturna en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, 4803 1040), de jueves a domingos, a las 21, un espectáculo para toda la familia que combina tango, circo y acrobacia, con 12 artistas en escena y música de Bajofondo, Gotan Proyect y Electrocutango.

Fuente: La Nación

Luis Machín: La pesca

Nota del 15 de marzo

"Yo no actúo para agradar"

Pescar en la ciudad es pescar adentro, bajo techo. Una forma de recluirse. Quizás de eso trate La pesca, la obra de Ricardo Bartís que podés psicoanalizar desde la clausura, el encierro, la soledad. Algo así como un country porque, con más o menos de elegancia, todos aspiramos a nuestro barrio privado.

"Psee, es una interpretación posible. El teatro es un objeto vivo", le dice Luis Machín a un interlocutor imaginario que debe estar sentado en otra silla (por alguna razón, su mirada se desplaza unos 40 grados a la derecha, entre la mesa de los dos turistas y la pared de color). "Antes había más tiempo para perder y tal vez de eso también se hable en la obra". La carambola consiste en tirar palabras contra la ventana del bar para que reboten y peguen en el tímpano del periodista. "Se pueden hacer muchas interpretaciones de la obra. El charco donde se pesca ayuda a contar algo que ya no está y sirve para mitologizar sobre temas que tienen que ver con la política, la soledad, el peronismo".

En el escenario hay un charquito y tres hombres con una cañas. En un momento parece que la tararira titán se escapa por Nicasio Oroño y dobla por Juan B. Justo. La tararira dobla. Pesca surrealista. Una genialidad.

¿En qué momento la soledad se convierte en un bien infinito?

Siempre nos morimos solos. Es una frase que me gusta porque es verdaderamente horrible. Es un paso que debemos dar solos. La soledad no es buena compañera. Yo empecé a convivir en pareja hace tres años y tengo un hijo de cinco meses. A los 40 me siento más joven que a los 30. Bioy Casares decía que todos somos héroes porque tenemos que pasar por la muerte. Yo viví algo de esto con una de mis abuelas. Cuando los médicos presintieron que iba a morir la pasaron a un cuartito y le pusieron un biombo... (se hace un silencio largo). Yo crecí con una suerte de temor al biombo (sic). Hasta que fui padre era muy fóbico, muy solitario.

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El matadero, Medea, Big Bang y La pecadora

Nota del 15 de marzo

Un clásico nacional

El matadero, de Esteban Echeverría, será la nueva apuesta de Emilio García Whebi. La obra se estrenará en abril. El texto perfila una mirada contemporánea sobre las fundaciones de la patria y de nuestra cultura. El proyecto se produce especialmente en el marco de los festejos de los 25 años del Centro Cultural Rojas.

Apuntes sobre Medea (el grito)

Desde este fin de semana se ofrece una versión de Medea de Eurípides. La dirección y puesta en escena es de Jimena Kroucco, con coordinación de Cristina Banegas y Carmen Baliero. Va en El Excéntrico de la 18 (Lerma 420).

Llega Big Bang

Están avanzados los ensayos que darán forma a Big Bang, una historia escrita por Carlos Ares, que tiene fecha de estreno: el 30 de abril en la Ciudad Cultural Kónex. La dirección está a cargo de Corina Fiorillo.

La gran Delmira

La pecadora, obra de Adriana Genta, con dirección de Lorenzo Quinteros, se estrenará el 18 de abril, en el Teatro del Pueblo. El texto hace pie en los últimos años de la vida de la poeta uruguaya Delmira Agustini ( 1886-1914).

Fuente: Clarín

Bolsillitos, lugares donde guardar secretos

Nota del 14 de marzo

Para salir bailando y contentos

La excelencia del grupo La Galera Encantada, en una nueva propuesta musical

Mediante un diálogo chispeante y una actuación de excelente ritmo, se reproducen situaciones que son frecuentes entre los niños de una familia. En este grupo están la hermana mayor, las mellizas del medio y la menor.

La mayor está pensando dejar ese juego para poder salir con amiguitos de su edad y no sabe cómo comunicarles a sus hermanas la noticia. Ella es quien las contiene y ayuda a volver al equilibrio, cada vez que los sentimientos y las emociones se desatan. Las mellizas viven su mundo especial de semejanzas y diferencias, de rivalidades y lealtades. Y la menor protesta, se siente discriminada, manipula, invade, como estirándose para alcanzar ese lugar al que sus hermanas han llegado primero. Este personaje juega la función de disparador de momentos de humor, muy bien interpretados por Guillermina Calicchio.

Los conflictos se vuelcan en la actuación, mientras las chicas comienzan su juego (de rituales, códigos y normas, muy rigurosos, como suelen ser en la realidad), y llevan la acción a situaciones de disputa, pequeñas, íntimas y a la vez divertidas, como también son frecuentes en el mundo infantil.

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El corazón delator

Nota del 14 de marzo

Un inquietante texto de Edgar Allan Poe

Jorge Prado lleva al espectador por un mundo sombrío

El teatro y la literatura se dan la mano en esta experiencia. Un breve texto de Edgard Allan Poe, El corazón delator , toma cuerpo en la persona de un actor, y la intriga que desarrolla el autor se profundiza de una manera inusitada. El material tiene la oscuridad y la desesperación de muchos de los textos de Poe, y eso provoca al espectador, lo mantiene atento, lo obliga a querer saber más y más acerca del protagonista y lo obliga, casi, a dejarse llevar por unas palabras y unas imágenes siempre intrigantes y potentes.

El eje de esta historia está en el mundo personal de un hombre que se ve afectado por una particularidad física de otro y esto lo obliga a adoptar una posición que, día tras día, irá fortaleciendo hasta cometer un acto impensado, pero que él llegará a concretar porque su ser está enfermo o quizá porque la enfermedad del otro lo torna de una vulnerabilidad hasta imposible de aceptar.

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De paraguas, La niña de la noche, "Sobre la mesa, Galileo", Tres para el té, Pérez y Compañía, y 3 obras 3

Nota del 14 de marzo

Vuelven los paraguas. El Teatro del Pasillo, Colombres 35, reanuda la temporada para niños con De paraguas , de Silvia Copello, con música de Rony Kesselman, los sábados a las 17. Informes: 4981-5167. $ 16.

Habitantes de la noche. Los domingos, a las 16, en el Teatro de la Ribera, Pedro de Mendoza 1821, la Compañía de Títeres Catalinas Sur presenta La niña de la noche , versión libre de un cuento de Ray Bradbury, con dirección de Ximena Bianchi. $ 15.

Títeres de papel. Los sábados, a las 19.30, en el sala Biblioteca del Centro Cultural Rojas, Corrientes 2038, se presenta Sobre la mesa, Galileo , con títeres de papel, dirigido por Horacio Tignanelli. Capacidad: 30 localidades. Informes y reservas: 4954-8352 y 4953-3556. $ 15.

Absurdo té. Los sábados y domingos, a las 17, se presentan en el Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543, Gustavo Monje, Giselle Pessacq y el músico Esteban Rozenszain, en Tres para el té , con textos de Lewis Carroll. $ 15.

Para los más chicos. En el Museo del Títere, Piedras 905, hoy y mañana, a las 16 y 17.30, se puede ver la obra de títeres de la Compañía Fantoche Violeta, Pérez y Compañía . $ 13 (los menores de 4 años no pagan).

Retablo autoportante. En La Nube, Jorge Newbery 3537 (altura Córdoba al 6300), hoy, a las 18, Guillermo Bernasconi presenta su singular espectáculo con el retablo montado sobre el títiritero, 3 obras 3 que incluye "La gran pelea de Canguros", "Cachito y el Lobo" y "El dueño de la laguna". Reservas: 4552-4080. $ 15.

Fuente: La Nación

Daniel Dátola

Nota del 14 de marzo

Fotos sobre la mujer actual

Escribió una obra y tiene una columna en "Mañaneras" donde analiza, con humor, la conducta femenina.

Durante mucho tiempo, Daniel Dátola ha estado inmerso en la investigación. Y sigue. Y observa y saca conclusiones. Se sienta en bares y agudiza el oído -"he escuchado charlas que me han horrorizado", dice-; también está atento a las anécdotas que le cuentan sus conocidos; en una época hasta iba a boliches y la jugaba de amigo con las mujeres para que ellas le contaran sus intimidades.

Ese material se transformó en la base de lo que hoy es ¿Por qué será que las queremos tanto...?, la obra que escribió y que se extendió para pasar a ser parte de una columna semanal en Mañaneras (América, de lunes a viernes, de 9 a 13). Es más, ya está en trámite un libro que profundizará en el asunto. "Encontré un tema que todavía no había sido explorado. Hay muchas obras que muestran la mirada de las mujeres sobre los hombres y era muy riesgoso hablar sobre ellas, porque podían ofenderse", dice Daniel Dátola.

Pero al parecer las chicas toman todo a la risa. "Yo no las critico, hago una observación sobre su conducta. Les saco la foto y no las juzgo; les digo acepten que son así, indecisas, que hacen preguntas tontas, por ejemplo a los mozos: ¿esto es rico? Además son los únicos seres en el mundo que pueden charlar horas seguidas. Yo no entiendo cómo pueden hablar tanto", comenta.

En la mesa de un bar dos hombres se juntan a conversar sobre su vida en pareja. En ¿Por qué será que las queremos tanto...? todas son quejas, aunque los personajes terminen por admitir que no pueden vivir sin ellas. "Cuenta dos verdades: que las mujeres en la convivencia se tornan insoportables y que los hombres somos unos pollerudos. Las diferencias están buenas y hay que aceptarlas. Lo que pasa es que las mujeres quieren afeitar al Che Guevara. Se enamoran de Cacho Castaña y quieren que después sea Pancho Ibáñez. Cuando te conocen les cuentan a las amigas, no sabés el sentido del humor que tiene, y a los dos años vas a una reunión y te dicen, no empecés con esos chistes...", cuenta.

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Cuento con mascotas

Nota del 14 de marzo

El arte de la inocencia

El grupo, que tiene 35 años de historia, presenta su espectáculo "Cuento con mascotas". Aquí hablan de la obra actual y del largo trayecto de trabajo.

Hace 35 años que estrenaron su primer espectáculo, pero todavía hoy la marca que los distingue es que la gente se confunda con su nombre: "don Florencio", "don Modesto", son algunas de las denominaciones que les han otorgado. Pero ellos son "Los títeres de don Floresto", en alusión al barrio donde los integrantes del grupo se conocieron, Floresta. Y "don Floresto" era el personaje que oficiaba de presentador en las primeras obras.

La historia del grupo pasó por una formación basada fundamentalmente en el teatro y la educación. Miguel Fontana tuvo maestros como Raúl Serrano y Alejandra Boero, pero su esposa, María del Carmen Hernández, es licenciada en Ciencias de la Educación. Los demás integrantes son Fernando Amarilla, Andrés Olguín y Ariel Bottor.

Hoy, después de años de trayectoria, cuentan con un repertorio amplio: Pocas pulgas, Me lo contó un pajarito, Un tesoro de pirata, Pasado por agua y otros. Después seleccionan con cuál se presentarán en cada jardín de infantes, donde brindan funciones periódicamente. Pero el espectáculo que ahora los ocupa es Cuento con mascotas.

El argumento está centrado en Juanita, una nena a la que el potrillo Jacinto le pide que le cuente un cuento donde los protagonistas sean mascotas. Así aparece la historia de un perro viejo que cuida una casa: "se habla del valor de la experiencia, porque el perro joven hace macanas", dice Miguel Fontana, que remarca que después las dos generaciones aprenden a convivir.

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De Paraguas, La pequeña aldea, Aguas, Calidoscopio, "Galileo, sobre la mesa", Un hipo desafinado, La niña de la noche, El Mago de Oz, Desarmable

Nota del 14 de marzo

De Paraguas

sábado 17 TEATRO DEL PASILLO, COLOMBRES 35, 4981-5167, $15

Un viaje mágico para abrir los ojos y el corazón al increíble universo de los paraguas. Todo puede pasar y al final sólo nos resta esperar a que llueva para seguir jugando. Siete únicas semanas.

La pequeña aldea

domingo 17 MUSEO SAAVEDRA, CRISÓLOGO LARRALDE 6309, ALT. GRAL. PAZ Y CONSTITUYENTES, 4571-5655 y 4573-4672, $15

Una comedia histórica para toda la familia que trata acerca de la Revolución de Mayo. Todo comienza cuando el director del museo muestra la maqueta de la vieja Buenos Aires para contar costumbres de la época, pero es interrumpido por un ayudante con originales ocurrencias

Aguas

sábados y domingos 18.30 CENTRO CULTURAL RECOLETA, PATIO DEL ALJIBE, JUN«íN 1930, $15.

Una banda de clowns aborda el tema del agua a partir de variados juegos. La obra es parte de la trilogía de los elementos y está dirigida por Marcelo Katz.

Calidoscopio

sábado 17,30 CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION, CORRIENTES 1543, 5077-8077, DESDE $15

Teatro negro, basado en títeres y luces, para chicos desde 2 años. Por el grupo Kukla, con dirección de Antoaneta Madjarova.

Galileo, sobre la mesa

sábado 19.30 CENTRO CULTURAL RICARDO ROJAS, AV. CORRIENTES 2038, $ 15

La obra se basa en Galileo Galilei, de Bretch y está adaptada especialmente para chicos. Se presenta en un teatrino, un pequeño teatro, en el que un relator cuenta lo que hacen los personajes.

Un hipo desafinado

sábados y domingos 16.30 CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION, AV. CORRIENTES 1543, $ 15

Para chicos de hasta 7 años. La historia de un hipopótamo que tiene ganas de cantar pero le da vergüenza. Invita a vencer la timidez con ayuda de los amigos.

La niña de la noche

domingo 16 TEATRO DE LA RIBER, AV. PEDRO DE MENDOZA 1821, 4302-9042, $15

Un espectáculo creado por el Grupo de títeres Catalinas Sur a partir de "La Niña que iluminó la Noche", de Ray Bradbury.

El Mago de Oz

sábado y domingo 17 LIBERARTE, CORRIENTES 1555, 4375-2341, $15

La obra regresa al país después de su gira internacional.

Desarmable

sábados y domingos 17.30 TEATRO LARRETA, VUELTA DE OBLIGADO 2155, 4771-9295, $18

Cuenta la historia de cuatro amigos que juegan con elementos imaginarios. y rescata el continuo armar y desarmar para volver a crear algo nuevo.

Fuente: Clarín