viernes, 13 de marzo de 2009

Insoportable

Un biodrama made in Rosario

Insoportable, el trabajo del grupo Hijos de Roche, creado por Mazzadi Arro

La directora y dramaturga Romina Mazzadi Arro es una de las figuras más significativas del panorama teatral de Santa Fe, su provincia natal. Creadora del grupo Hijos de Roche, durante este mes ofrece en Anfitrión la obra Insoportable, el término de un largo día . Para el estreno de hace dos años, el montaje fue presentado como el primer trabajo rosarino en el cual un dramaturgo y director cuenta su propia vida.

Como sucede con buena parte de los teatristas de la escena alternativa, la autora se deja llevar por los tópicos de una familia disfuncional. En este caso, reinterpreta cuestiones ligadas a su familia, pero, a diferencia de otros tantos trabajos basados en procedimientos biodramáticos, en Insoportable la presencia del yo actor está "escondido" detrás de una ficción.

Se trata de dos hermanas y sus padres, cuatro seres que circulan por el límite del desamor, la locura y la búsqueda desesperada de una salida. En este marco, todo es posible en ese living en donde transcurre la acción. Según la información de la autora y directora, la acción se desarrolla en la década del ochenta, aunque algunos detalles del mobiliario, por la fórmica y el color naranja, remiten a los sesenta y setenta, y a su militancia.

Más en La Nación

Rocío, 124, Por amor a mí, Luisa se estrella contra su casa, Solas no más, Lucy toca fondo, Apuntes sobre Medea, y otras

Rocío

Una ópera prima de Luciana Panno, con Aluminé Cabrera y Paula Pichersky. Viernes, a las 21.30. En el Centro Cultural Rojas, Av. Corrientes 2038 (4954-5521). $ 20.

124

Una obra interpretada, escrita y dirigida por Fernando Tur, Cecilia Blanco, Javier Drolas y Agustín Repetto. Miércoles, a las 22. En el Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034 (4863-2848). $ 25.

Por amor a mí

Una obra del humorista Carlos Garaycochea, acompañado por Jacko Zeller, Humberto Primogerio y María Marchi. Los domingos, a las 20. En la Biblioteca Café, M. T. de Alvear 1155 (4811-0673). $ 50.

Luisa se estrella contra su casa

Escrita y dirigida por Ariel Farace, con Luciana Mastromauro, Guido Ronconi, Matías Vértiz y Juan Manuel Wolcoff. Sábados, a las 21. En el Espacio Callejón, Humahuaca 3759 (4862-1167). $ 30.

Solas no más

Dos mujeres conviven con sus soledades. Una obra de Javier Daulte, Matías Herrera y Jorge Acebo, con Florencia Noverasco, Natalia Pascale, Mariela Rodríguez, Magalí Romero y Gisella Sabatella. Sábados, a las 22.30. En Andamio 90, Paraná 660 (4373-5670). $ 25.

Lucy toca fondo

Pieza escrita e interpretada por Patrizia Camponovo y dirección de Paula Lemme. Jueves, a las 22. En El Piccolino, Fitz Roy 2056 (4779-0353). $ 30.

Apuntes sobre Medea

Sobre el clásico de Eurípides, con Verónica González, Diego Bustamante y Jimena Kroucco. Dirigida por esta última. Sábados, a las 21. En el Excéntrico de la 18, Lerma 420 (4772-6092). $ 20.

La mujer que se parecía a Marilyn

Una comedia con Francisco Llanos, Marta López Pardo, Gabriela Groppa y Omar Seif, escrita y dirigida por Carlos La Rosa. Jueves, a las 21. En La Comedia, Rodríguez Peña 1062 (4815-5665). $ 40.

¡Oh!... Juremos con plumas vivir

Un music hall creado e interpretado por Eduardo Solá, acompañado por Guillermo Gil, Gustavo Liza, y elenco. Miércoles, a las 20.30; viernes y sábados, a las 23; domingos, a las 22. En el Margarita Xirgu, Chacabuco 875 (4300-8817). Desde 40 pesos.

A propósito de la felicidad después de los 50

Germán Akis y Raúl Baroni dirigen este elenco de 22 actrices. En el Teatro Arlequino, Alsina 1484 (4382-7775).

Fuente: La Nación

Umo, cabaret mágico


Magia y color

Umo, cabaret mágico es un music hall que propone glamour y humor. Jueves y domingo, a las 21.30; viernes y sábado, a las 23. La Casona del Teatro, Av. Corrientes 1975 (4953-5595). Desde 30 pesos.

Fuente: La Nación

Tren


Mujeres en marcha hacia Dios

El grupo de Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes presenta "Tren", su tercera obra.

El tercer trabajo del grupo teatral Piel de lava se estrenará esta noche, a las 21, en Anfitrión Espacio Cultural (Venezuela 3340). Bajo el título Tren, la pieza trata, sin prejuicios, sobre el derrotero de cuatro jóvenes mujeres que viajan hacia un congreso religioso con el fin de encontrarse con Dios.

El reconocido grupo teatral integrado por Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes cuenta con el apoyo del premio "S" obtenido en el año 2008 y con el Premio Mac Station a las nuevas tecnologías.

"La puesta interactúa con un video", explica Laura, una de las cuatro actrices de la compañía, a Clarín. "Toda la obra transcurre a lo largo del viaje y el video es la ventana del tren", agrega la joven. El público comparte la mirada sobre los distintos paisajes que van observando las pasajeras.

Tren es una creación colectiva. "Nos gustaba la idea de jóvenes que deciden irse de su casa por un tiempo y también considerar al viaje como algo iniciático. Además nos interesaba trabajar sobre lo espiritual", dice esta integrante de Piel de Lava. "La obra plantea muchos matices de actuación, aunque estamos sentadas casi toda la puesta y el espacio es realista. La idea es que el espectador se meta, metafóricamente, en el vagón del tren. Tiene humor", anticipa. "No tenemos miramientos con respecto al tema que tratamos. Es una obra divertida, pero que a la vez intenta conmover, desde una mirada desprejuiciada con respecto a los congresos religiosos", relata Paredes.

Más en Clarín

Una mañana sin sol

Una mañana sin sol

A partir del sábado 21 subirá a escena en el Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943), una pieza de Héctor Oliboni, dirigida por Rubens Correa y protagonizada por Andrea Juliá y Luis Campos. Sobre un desencuentro que pone en escena los sentimientos.

Fuente: Clarín

Eva: El gran musical argentino

"Eva: El gran musical argentino" llegó a las 100 funciones y Nacha las festejó en el escenario del Lola Membrives con torta y todo.

Fuente: Clarín

Adabel Guerrero y Elena Roger

Ahora Adabel anda con dos maridos

Adabel Guerrero ya terminó la temporada de verano en Carlos Paz con La fiesta está en el lago. Pero la vedette no se quedó sin trabajo. Ahora acaba de firmar contrato para encabezar el elenco de Doña Flor y sus dos maridos. En la obra, basada en la novela del brasileño Jorge Amado, la uruguaya será la protagonista, claro, Doña Flor. Con un elenco completamente renovado, el estreno se espera para el 7 de abril. Quien enfrentará la tarea de dirigir a la rubia, que supo estar a la cabeza de los escándalos mediáticos, será Marcelo Cosentino.

Elena, cada vez más alto

Elena Rogers, quien acaba de obtener el Laurence Olivier a la mejor Actriz de Musical 2009 por "Piaf", será la voz de Madame Giri en la banda sonora de la segunda parte de "El fantasma de la Opera", "Love Never Dies".

Fuente: Clarín

jueves, 12 de marzo de 2009

Mundomudo


Al borde de todo

Con una escenografía onírica, Carlos Belloso realiza un bello y alucinado homenaje al gran Lon Chaney.

Cuántos se animan a darle forma real a los monstruos que llevamos dentro? Lon Chaney, actor estrella durante el auge del cine mudo en Hollywood, fue uno de los que se animaron incluso a maquillar a esos seres monstruosos y ponerlos en primer plano en la pantalla. Mundomudo, la obra escrita y protagonizada por Carlos Belloso, que se presenta en el teatro Gargantúa con dirección de Ricardo Arauz, es una audaz puesta en escena sobre la vida y obra de Chaney, sobre quien Belloso parece ser un especialista.

Belloso realiza un homenaje a Lon Chaney, repasa su trágica vida, su brillante paso por el cine y reconstruye algunas de sus criaturas más recordadas como "El fantasma de la Opera" y "El Jorobado de Notre Dame", entre muchos otras criaturas, a quien él mismo creaba gracias a su habilidad con el maquillaje. A la vez, Belloso reflexiona con humor sobre su propia tarea de actor, los avatares del oficio, y sobre el complejo mundo de la representación. Estas acotaciones son un respiro para el espectador conmovido por las anécdotas del tortuoso Chaney.

Con una serie de recursos originales, la puesta de Mundomudo despliega una escenografía con trazos oníricos, en las que una pantalla gigante refleja las sombras de los actores/personajes entremezclados, interactuando hasta desdibujarse los límites entre realidad y ficción.

Más en Clarín

¡Más respeto que soy tu madre!

Gasalla, a la cabeza de los teatros

Antonio Gasalla sigue primero en cantidad de público y recaudación en los teatros de Buenos Aires por octava semana consecutiva. ¡Más respeto que soy tu madre! ya fue vista en ese tiempo por más de 50.000 personas, lo que convierte a la obra en uno de los sucesos artísticos del año, hasta ahora. El espectáculo no para de llenar la sala del Metropolitan y Gasalla ya se acostumbró a que las entradas se agoten. La semana pasada pasaron por el teatro casi 5.800 personas, mientras que el domingo 8 la obra cumplió sus primeras 50 funciones.

Fuente: Clarín

miércoles, 11 de marzo de 2009

Las llaves de abajo, El beso de la mujer araña, y Juan Palomino


Del cine al teatro. El realizador cinematográfico Daniel Burman hará su debut como director teatral el 17 de abril cuando la obra que escribió junto a Damián Dreizik, Las llaves de abajo , suba a escena en uno de los escenarios de la Ciudad Cultural Konex. Dreizik también actúa en la pieza interpretando a Gabriel, un cuarentón que llega a la casa de su madre, Mabel, y que por diversas razones no la puede abandonar (ni a su madre ni a la casa). Adriana Aizenberg interpreta a Mabel, y Elvira Onetto y Chela Cardalda, a sus dos amigas, amantes del Burako. Las tres actrices se hicieron adictas a ese juego a tal punto que antes de cada ensayo se reúnen a jugar, no sólo para ir entrando en clima (el Burako tiene un papel importante en el devenir dramático), sino para despuntar el nuevo vicio. Burman se llevó consigo a otros hombres de cine, ya que el responsable de la iluminación de la obra es Hugo Colace, uno de los más destacados directores de fotografía del país. Otras personas ligadas al proyecto son Nora Zinski, quién tendrá a su cargo los posibles reemplazos, y Nico Cota, que hará la música -hizo la de El nido vacío , la última película de Burman-, y Diego Dubkovsky, socio del realizador y productor.

Araña. La versión teatral de El beso de la mujer araña , que Manuel Puig mismo hizo en 1985, se estrenó en el Tabarís, por aquel entonces, con Osvaldo Tesser y Pablo Alarcón. Luego, en 1992, en los Estados Unidos, John Kander, Fred Ebb y Terrence McNally hicieron el musical. La versión teatral original, escrita por Puig, se reestrenará en mayo con la dirección de Rubén Szuchmacher y la producción general y artística de José Miguel Onaindia. Los ensayos comenzaron hace algunas semanas y la obra subirá a escena en El Cubo. Humberto Tortonese encarna a Molina, el preso gay, y Martín Urbaneja ( Las descentradas, Ciudadela, Electra Shock ) interpretará a Valentín, el preso político que será seducido por su compañero. La escenografía y el vestuario serán de Jorge Ferrari; la iluminación, de Gonzalo Córdova, y la música, de Bárbara Togander.

Palominos. El fin de semana pasado, Juan Palomino fue al reestreno de Splatter rojo sangre , de Daniel Dalmaroni, con su padre, José Palomino Cortez, y Raúl Rizzo, su compañero en La tentación . Se quedaron hasta el final y hasta fueron a comer con el elenco. ¿Por qué fue tan especial esa salida para el actor? Porque debutaba su hija Sofía Palomino, quien trabaja en esta comedia que parodia las películas de horror clase B.

Fuente: La Nación

Premios Atina

Premios Atina

La tercera edición de los premios Asociación Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (ATINA) a la producción teatral infantil ya tiene cruz en el calendario: será el lunes 6 de abril, fecha en la que se conmemora el Día Mundial del Teatro para Niños. Según adelantaron sus organizadores, la ceremonia tendrá lugar en el teatro La Comedia, en Rodríguez Peña 1062 y, durante la velada, se entregarán premios a la trayectoria, a la investigación teatral y a la persona o medio de comunicación que más haya contribuido a la difusión del teatro infantil. Algunos de los investigadores teatrales y periodistas especializados que integran el jurado son Mónica Berman, Nora Lía Sormani, Patricia Lanata y Ariel Saidón.

Fuente: Página/12

Eugenia Guerty


Alegría de un año a puro teatro

Volvió con "No me dejes así", un clásico del off. Y será la hija de Norma Aleandro en "Agosto" dirigida por Tolcachir.

Va por el tercer año de un éxito del off, un clásico del circuito: No me dejes así, dirigida por Enrique Federman, volvió por diez únicas funciones y se presenta a sala llena los domingos en el Beckett. Y además, los proyectos que vienen. Planea el retorno de La noche canta sus canciones e imagina el estreno de Agosto, donde interpretará a la hija menor de Norma Aleandro, con dirección de Claudio Tolcachir en el Lola Membrives.

"Nos seguimos sorprendiendo de que venga gente", cuenta Eugenia Guerty, que con un poco de nostalgia reconoce que este año no podrá hacerse un lugar para seguir con No me dejes así. "Sabemos que no la vamos a dejar de hacer nunca, que va a ser una obra de toda la vida", dice mientras imagina futuros festejos por los veinte años de funciones.

¿Las claves? Una obra que empieza con actores que no hablan sino que gesticulan. Que se la pasan llorando en silencio mientras el público ríe. Donde los personajes se llaman "ella", "el del bolso", "el de traje" y "el otro". Donde no se termina de descifrar la relación existente. Por lo visto, esas cosas atraen.

"La gente completa el significado, asocia, les pone el nombre que quiere", explica Eugenia. Claro, la actriz cuenta que al final se arman discusiones entre los espectadores porque cada uno defiende su teoría. Otro acierto de la obra es ubicar la escena en un lugar dramático, pero crear un clima en el que cualquier excusa es buena para reírse. "El público no sufre. En algunas situaciones fuertes a veces ves a alguien mal y se le cae el café y te causa gracia", dice Eugenia.

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Doña Flor y sus dos maridos


Doña Flor y sus dos maridos

Es una adaptación, en formato musical, del clásico de Jorge Amado. Va en el Broadway, de miércoles a domingos. Estrenada en Nueva York en 2007, aquí tiene dirección de Daniel Fernández.

Por el breve tiempo que uno está acá, no puedo personalizar mucho mi camarín. Cero onda, la ambientación no es mi fuerte", dice Marcelo Mazzarello y es cierto: su camarín es un páramo. Sólo dos trajes y un pijama, todo su vestuario. El actor llega en moto, una Translap roja, al teatro donde integra el elenco de Doña Flor y sus dos maridos. "Soy el boticario Teodoro, el cornudo, bah. Para hacer el personaje trabajé mucho la memoria emotiva", bromea. Un piso más abajo, Emme toma mate con el cuerpo de bailarines, rodeada de aroma a cigarrillos mentolados. "Nos preparamos así, todos juntos tomando mucho mate -dice la cantante- o quizás compartimos algún licuado de fruta. Siempre jugamos a las cartas, una buena partida de truco o un jodete". Emme es Doña Flor y dice con franqueza que vio la película protagonizada por Sonia Braga, pero no leyó el libro de Amado. "En lo personal -explica-, antes de la función trato de concentrarme, pensar en cosas lindas, las vírgenes, las flores que me regalaron".

En otro camarín, algo más producido, Miguel Habud, se prepara para encarar por segunda a vez Vadinho. Ya lo había hecho con Mónica Ayos. "Ahora tiene otra característica mi personaje -dice-. Lo hace para un formato musical y tiene otro despliegue. Tengo 14 cuadros musicales", dice Habud. En su camarín tiene fotos de otros musicales que encaró: Zorba el griego, junto a Raúl Lavié. También pegó en el espejo fotos de sus participacio nes en tele: Extraña pareja y El testigo. "Tengo regalos de mi club de fans, que se formó hace dos años-dice Habud-. Pero entre nosotros, los actores de Doña Flor... no nos hicimos otro regalo que una muy buena función en el estreno". Habud cuenta que antes de subir a escena siempre piensa en su padre y, ocasionalmente, llama a su esposa y su madre. "Además hago ejercicios de vocalización", dice.

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martes, 10 de marzo de 2009

Elena Roger


Distinción para Elena Roger

La actriz y cantante argentina Elena Roger se consagró anoche en Londres durante la entrega de premios teatrales Lawrence Olivier, al quedarse con una estatuilla como mejor actriz de musical, por su papel protagónico en la obra Piaf. Roger, que había cobrado fama de la crítica británica por su papel central en el musical de Andrew Lloyd Weber Evita, fue elogiada por encarnar a la sufrida artista francesa.

La argentina cuenta con un importante historial en el mundo del teatro, tras haber trabajado en obras como Mina, che cosa sei?, Tango x 2, Jazz Swing Tap (2003), El violinista en el tejado (2002), Los miserables (2001), y La bella y la bestia (2000), entre otras. En 2007 fue nominada para el Laurence Olivier por su actuación protagónica en Evita. Piaf había recibido cinco nominaciones para los premios Olivier, incluidos el mejor “musical revival”, mejor rol de reparto en musical, mejor luz y sonido.

En la categoría a la mejor actriz teatral, ganó Margaret Tyzack, por su protagónico en la obra The Chalk Garden del Teatro Donmar, en tanto que el galardón al mejor actor fue para el veterano inglés Derek Jacobi, por su papel en Twelfth Night, en el Wyndham. El premio al mejor actor de reparto fue a Patrick Stewart, por su papel central en Hamlet, que se presenta en el teatro Novello, en tanto que la mejor actuación de un nuevo grupo teatral fue para The Histories, dirigida por Michael Boyd en el Roundhouse, que también fue galardonada como mejor obra “revival” y mejor vestuario. En la categoría a la mejor nueva obra, el ganador fue Black Watch de Gregory Burke, que además obtuvo otros tres premios (mejor director, mejor coreografía y mejor diseño de sonido), en tanto que la estatuilla a la mejor comedia fue para God of Carnage, obra escrita por Yasmina Reza.

Fuente: Página/12

Elena Roger


Elena Roger se llevó el Olivier gracias a la Piaf

En agosto, la obra se presentará en el Liceo

"Este premio es algo tremendo y todavía no puedo creer tener la estatuilla en mi casa", declaró Elena Roger después de haber recibido, anteanoche, el prestigioso galardón Lawrence Olivier por su actuación en Piaf , la obra que protagonizó el año pasado en Londres y que le permitió acaparar el rubro como mejor intérprete de musical. "Es el cierre perfecto de un ciclo de tres años de mucho trabajo en Londres. Lo siento como un reconocimiento no sólo a mi desempeño en Piaf, sino también a mi labor en Evita ", agregó.

El otro iberoamericano ternado para estos premios equivalentes al Tony de la escena neoyorquina era Rafael Amargo, pero como le había sucedido a la misma Roger la vez anterior, se quedó con las ganas. La que no se quedará con las ganas de compartir este espectáculo con el público que la vio nacer es la misma Roger. Es que Piaf se presentará en Buenos Aires a partir de agosto en el teatro Liceo. "Siento que este triunfo va a ser muy lindo para mi país y que les va a llegar hondo. Es un orgullo", dijo a EFE esta chica bajita y de sonrisa contagiosa que el domingo se sentía enorme.

Fuente: La Nación

Elena Roger


Elena Roger: "Nadie gana nada solo"

Recién llegada a su departamento londinense con el Laurence Olivier a la Mejor Actriz de Musical por su labor en "Piaf", habló con "Clarín". La obra la hará aquí, a mediados de año, en el Liceo. Una noche memorable.

Siento que lo que pasa es algo muy loco. Siempre había admirado el teatro inglés y me fascinaba ir a ver obras cuando venía a Londres. Y ahora que lo pienso, haber llegado a esto, en sólo tres años, es como raro". Son las dos y media de la mañana en Londres, y dos horas menos en Buenos Aires. Hace apenas unos minutos que Elena Roger regresó a su departamento del norte londinense, con el Laurence Olivier a la Mejor Actriz de Musical temporada 2009 en la cartera.

Después de cuatro horas de ceremonia en la Grosvenor House, y de un festejo no muy prolongado, a través de la línea telefónica, su voz sugiere una mezcla de gran alegría con una especie de confusión. Y uno puede suponer que un collage de imágenes en movimiento proyectan en su cabeza los últimos años de su vida, mientras intenta reconstruirlos en un relato tan ordenado como le resulta posible.

Atrás quedaron seis meses de actuaciones en el Donmar Warehouse primero, y en el Vaudeville Theatre después. Durante ese medio año, Roger se metió en la piel de Edith Piaf, y fue su voz, ocho veces por semana. Un ritmo que a Roger no le costó tanto sostener.

"Yo siempre ensayé mucho cuando trabajaba en Buenos Aires. Lo nuevo, aquí, es hacerse a la idea de las ocho funciones semanales, lo que implicó, para mí, cuidarme mucho para rendir bien esa hora y media sobre el escenario. Y para no faltar, porque la promoción estaba muy basada en mi imagen", explica.

Y también quedan guardados en la memoria de la cantante sus primeros días en la ciudad, dónde le alquila un cuarto a Ana Moll. "Ella fue quien le llenó la cabeza a toda la producción de Evita, de Lloyd Webber para abajo, de que me tenían que dar la posibilidad de audicionar", admite Elena Roger, agradecida. Y agrega: "Me ayudó muchísimo. Es como parte de mi familia. Mi amiga. Mi hermana".

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Dan Breitman

Dan Breitman: "El esfuerzo valió la pena"

El padre, que tocó con Sandro, lo quería músico serio, pero él se hacía el payaso en el Conservartorio Buchardo. Hoy se luce en un unipersonal y reemplazó a Diego Reinhold en "Cómico Stand Up 4".

Dan tiene un don: hacer reír a los demás. A los 26 años, el chico canta, baila, hace clown, se ríe de sí mismo y logra algo muy... Dan. Tanto en su unipersonal, Crucero Gualeguaychú, como en Cómico Stand Up 4 donde el año pasado entró casi pidiendo permiso para reemplazar a Diego Reinhold y quedó titular, el chico muestra que herramientas le sobran.

Algunos lo recordarán por el musical Ella; otros, quizá lo hayan visto en El impostor, donde hasta hace poco presentaba los personajes de Martín Bossi. Lo cierto es que él, que durante años pensó que no encajaba en ningún lado, está abriendo su propia huella.

"Empecé a estudiar a los 8 años. Detestaba el colegio, sufría mucho porque me discriminaban porque me gustaba cantar, bailar. Yo me abstraía con la música de Hugo Midón y por suerte mi mamá, que es músicoterapeuta me apoyaba constantemente", cuenta Dan. Y sigue: "Papá, que aunque se dedica al negocio inmobiliario trabajó por años también de músico y hasta llegó a tocar la guitarra en la banda de Sandro, quería que tuviese una formación musical clásica. Así que de nene fui al Conservatorio Buchardo pero a los 10 me echaron por hacerme el payaso".

Después de recalar en varios colegios y sin darle todavía una forma concreta a todo aquello que él sentía que le pasaba por dentro, un cartelito en la calle llamó la atención de su mamá. "Era el anuncio de que abría la escuela de comedia musical de Julio Bocca y Ricky Pashkus. Y para mí se hizo la luz. Ahí me movía como pez en el agua, era feliz. Mis clases arrancaban a las 20 y yo me iba a las 17, porque no quería perderme nada". Llegaba a casa y le decía a su mamá: "mis profesores dicen que tengo algún talento, ¿viste que no estábamos equivocados?".

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lunes, 9 de marzo de 2009

Elena Roger


Premian en Londres a la actriz argentina Elena Roger

Fue por su actuación como protagonista del musical "Piaf", que se representará en Buenos Aires en el mes de junio.

La actriz y cantante argentina Elena Roger recibió anoche en Londres el premio Olivier, por su actuación como protagonista del musical "Piaf". Roger, quien ya había encarnado a Evita en el musical homónimo, recibió el reconocimiento de la crítica a la composición de la sufrida cantante francesa, dijeron agencias internacionales.

Además del protagónico de Roger, "Piaf" recibió cuatro nominaciones adicionales para los premios homenaje a Lawrence Olivier: mejor reposición musical, mejor actuación de reparto en categoría musical, mejor iluminación y mejor sonido. La obra, que está inspirada en la complicada vida del Gorrión de París, un emblema de la ciudad y de toda Francia, se representará en Buenos Aires, en el teatro Liceo, en el mes de junio, con Elena Roger en el papel central. La producción será de Fernando Blanco y Adrián Suar.

La crítica señaló que, luego de haber sido reconocida en Londres en su papel de Evita y ahora en "Piaf", Roger regresará a la Argentina para una "prueba de fuego". La versión original de "Piaf" pertenece a la autora Pam Gems y en la Argentina estará dirigida por James Lloyd, quien trabajará junto a la diseñadora de vestuario Soutra Gilmour y el diseñador de luces, Neil Austin.

Los productores prometen una puesta similar a la londinense, pero con un elenco conformado íntegramente por actores argentinos, quienes serán elegidos a través de castings.

Fuente: Perfil

Elena Roger


Elena Roger ganó el premio "Lawrence Oliver"

La actriz y cantante argentina Elena Roger se consagró en Londres durante la entrega de premios teatrales Lawrence Olivier, al quedarse con una estatuilla como mejor actriz de musical, por su papel protagónico en la obra "Piaf".

Roger, que había cobrado fama y elogios de la crítica británica por su papel central en el musical de Andrew Lloyd Weber "Evita", fue alabada por encarnar a la sufrida artista francesa.

La argentina cuenta con un importante historial en el mundo del teatro, tras haber trabajado en obras como "Mina, che cosa sei?", "Tango por Dos, Jazz Swing Tap" (2003), "El violinista en el tejado" (2002), "Los miserables" (2001), y "La bella y la bestia" (2000), entre otras.

En 2007 fue nominada para el Laurence Olivier por su actuación protagónica en "Evita".

"Piaf" había recibido cinco nominaciones para los premios Olivier, incluidos al mejor "musical revival", mejor rol de reparto en musical, mejor luz y sonido.

Más en Ambito Financiero

Elena Roger


"Ganar el Olivier es como haber ganado un Oscar"

La argentina Elena Roger dialogó con lanacion.com sobre el prestigioso galardón que recibió en Londres por su papel protagónico en la obra Piaf

Apurada porque debía ir a un almuerzo y luego a un teatro, la actriz y cantante argentina Elena Roger, que se consagró anoche en Londres durante la entrega de premios teatrales Lawrence Olivier, atendió amablemente a lanacion.com para contar lo que significó para ella quedarse con una estatuilla como mejor actriz de musical, por su papel protagónico en la obra Piaf.

La actual galardonada fue alabada por la crítica teatral londinense por encarnar a la sufrida artista francesa, Edith Giovanna Gassion, conocida como Edith Piaf o "el gorrión de París".

- ¿Qué significó ganar el premio Lawrence Oliver?

-Estuve nominada por Evita, hace dos años atrás, en 2007. Siento como que es el premio de las dos obras y me siento super afortunada, es como haberme ganado un Oscar, porque es un premio importante del teatro londinense, un Lawrence Oliver.

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Matteo Belli: Gentes oíd este sermón


El tiempo y sus máscaras

Después de presentarse en varias ciudades del interior, Belli mostrará en Buenos Aires Gentes, oíd este sermón, una suerte de espectáculo-conferencia que reúne juglaría y humor sobre la base de textos medievales y modernos. Se trata, dice, de “una clase nada académica”.

“Enseñar deleitando”, se dice cuando en la acción se conjugan el arte de la vida con la palabra, el silencio y la réplica; el ritmo y los juegos intencionados; los anacronismos, el asombro. Las propuestas escénicas del actor-juglar boloñés Matteo Belli van por ese camino. Visita periódica en la Argentina, la que recorre desde 1998, cuando participó en encuentros organizados en Buenos Aires y ciudades del interior, como Un puente, dos culturas (que se extendió a Uruguay), y en ediciones de la Feria Internacional del Libro, Belli trae ahora Gentes, oíd este sermón, espectáculo que ofrece en italiano, con una introducción explicativa en castellano. Gentes... fue vista ya en ciudades de provincias (Salta, Jujuy y Córdoba) y se despide hoy en Buenos Aires, en única función, a las 19, en el auditorio del Instituto Italiano de Cultura, de Marcelo T. de Alvear 1119. La entrada es gratuita y se puede retirar desde las 18, en el IIC.

Belli impactó en 2008 con un espectáculo que abrió la temporada internacional del Teatro Nacional Cervantes, Hora X: Infierno de Dante, donde, en tanto intérprete y autor, adaptó algunos de los cantos de La Commedia, de Dante Alighieri (1265-1321), poeta, narrador, teórico y filósofo florentino (se recuerda que el agregado de “Divina” a Comedia fue obra de Giovanni Boccaccio en su biografía sobre el poeta, publicada en 1555). Maestro en el uso de la máscara que impide la mistificación (“Dale una máscara a un hipócrita para que se la ponga y no sabrá mentir”, escribió el irlandés George Bernard Shaw), Belli conoce en profundidad la literatura juglaresca y popular de su país. Fue invitado a festivales y muestras internacionales de Alemania, España y Brasil y continúa presentando obras junto a agrupaciones musicales. Ejemplos de esto son Las máscaras de adentro, un homenaje al escritor Italo Calvino (nacido en Cuba de padres italianos), y Nuevas palabras para las estaciones, sobre Las cuatro estaciones, del compositor veneciano Antonio Vivaldi. Fundador de la Asociación Cultural Ca Rosse. Centro Teatral para la Oralidad, realiza espectáculos de tipo comunitario para escuelas y otros vinculados con períodos históricos conflictivos de su país, como aquel en el cual rescata –en calidad de coautor, junto a Carlo Lucarelli– un hecho que aconteció en 1944, en el pueblo de Marzabotto, donde fueron asesinados 770 civiles por formaciones nazis y colaboracionistas. Un caso que permaneció oculto hasta 1994 y fue ventilado a nivel cinematográfico por el documental El estado de excepción, de Loris Lepri y Germano Maccioni. Belli promete ahora a través de Gentes... un compendio de juglaría y humor sobre la base de textos de la literatura medieval de los siglos XIII y XIV y otros modernos que vuelca en “una clase nada académica”. En este trabajo lo acompañan, entre otros, Luigi Sermann (iluminación) e Ileana Colognesi (vestuario). Anticipando su espectáculo-conferencia de hoy en el Instituto, Belli responde a Página/12.

–¿Qué significa ser al mismo tiempo actor, juglar y conferencista?

–Significa amar el mundo y la cultura juglaresca, antigua pero que al mismo tiempo nos enseña la capacidad y el placer de reconocernos como seres humanos por medio de la comunicación en vivo, social, inmediata, “política” en el sentido literal de quien participa de la vida de la “polis”, de la comunidad.

Más en Página/12

Lautaro Delgado


Lautaro Delgado sabe cómo crecer

Comenzó en ciclos juveniles televisivos y hoy es uno de los principales actores de la escena independiente

Un pensamiento exitista, ese mismo que prolifera de tal modo por estas tierras, diría que la carrera de un actor consiste en comenzar trabajando gratis en "obritas" del circuito independiente, para luego ser dirigido por los grandes directores, hasta llegar finalmente la consagración: la tele. Pero, felizmente, no todo actor piensa así su carrera. Es más: existen quienes ni siquiera buscan asociar la consagración con la fama sino, muy por el contrario, con un camino experimental y hasta amistoso que consiste en trabajar sin rumbo fijo y, por sobre todo, sin tener la certeza de qué es aquello que se está buscando. Dicho vulgarmente, andar con la pregunta sin la obsesión por la respuesta.

Este es el caso de Lautaro Delgado, un actor que hizo las cosas exactamente al revés del pensamiento existista. Aunque hoy actúa en una de las mejores obras del teatro off , Lote 77 , y en La vuelta al hogar , de Harold Pinter, en Multiteatro.

A los 9 años ingresó en Andamio 90 con su hermana Natacha y juntos comenzaron a transitar el escenario de esa mítica sala, a la que de tanto en tanto arribaba un mujer convertida en ícono del teatro: Alejandra Boero. "Era increíble verla llegar -cuenta Lautaro-. Inmediatamente, ponía las cosas en orden. Nosotros trabajábamos y trabajábamos, y ella, en un instante, podía decir las palabras justas que permitían organizar el trabajo." Y si hay algo que rescata de esos primeros pasos es el haber asociado el teatro con el trabajo y el esfuerzo, y no con un juego que refleja vanidades. "En pocas escuelas se pone tanto el énfasis en las muestras y en la producción de los alumnos. Y es que la Boero entendía que la formación del actor era obviamente conocer su herramienta y las distintas técnicas, pero también que no había actor si no había público." Y seguramente la razón estaba de su lado, ya que el teatro que hoy vemos está producido en gran parte por artistas formados en esa escuela.

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Matteo Belli: Gentes oíd este sermón (monólogos juglarescos medievales y modernos)


El último sobreviviente de los juglares italianos

El artista presenta un unipersonal con textos medievales

Como los juglares, Matteo Belli tiene una profesión itinerante. En menos de una semana, este artista boloñés presentó su último unipersonal en Córdoba, Jujuy, San Juan, Tucumán, y hoy es el turno de Buenos Aires. A las 19, en el Instituto Italiano de Cultura (Marcelo T. de Alvear 1119) estrena, en su idioma original, Gentes oíd este sermón (monólogos juglarescos medievales y modernos) , con entrada gratuita.

En 1998, cuando conoció por primera vez nuestro país, no hablaba ni una palabra en español. Hoy se expresa con fluidez, a pesar de que nunca tomó clases particulares, con papel y lápiz delante de sus ojos. "Estuve dos años de novio con una argentina y ésa fue la mejor escuela para aprender el idioma", cuenta este actor, director y dramaturgo, cuyo trabajo consiste en revitalizar y predicar el poder de la oralidad.

Belli se recibió como licenciado en Letras en la Universidad de Bolonia, con una tesis sobre la poesía juglaresca de la Edad Media mientras estudiaba actuación y mimo. "Lo que me interesa de este género es el destino escénico que tienen los textos, que fueron escritos para ser interpretados, antes que para ser leídos. Y también la calidad musical y poética de estas piezas en verso, que son pequeñas partituras para el cuerpo y la voz", opina, y destaca el papel de Dario Fo como uno de los intelectuales que más ha contribuido en el último tiempo para rescatar la tarea de los juglares.

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Las mujeres de los nazis


Las mujeres de los nazis

Hoy se reestrena Las mujeres de los nazis , de Héctor Levy-Daniel. La obra está compuesta por tres piezas, dirigidas por Laura Yusem, Clara Pando y el mismo Levy-Daniel. En el Patio de Actores, Lerma 568 (4772-9732). Los lunes, a las 20. Entradas: 30 pesos.

Fuente: La Nación

Anibal Pachano, Angelito Pena, Julieta Díaz

Pachano sopló velitas en medio del varieté

Anibal Pachano pasó su cumpleaños sobre las tablas y tuvo su sorpresa: en plena función de Varieté para María Elena, en el Tabarís, aparecieron Toti Ciliberto y Marixa Balli y le entregaron una torta y un ramo de flores respectivamente. Después, elenco y público se pusieron de acuerdo para entonar el Feliz cumpleaños y al actor se le piantó un lagrimón. Pese a los rumores de tensión entre Balli y Eunice Castro por un tema de exclusividad de camarines, esta vez reinó la calma. ¿Las chicas habrán pactado una tregua?

El "angelito" de Julio Chávez

El fin de semana, Julio Chávez reestrenó como director la obra "Angelito Pena", en el Beckett, y recibió la visita de decenas de colegas amigos que no quisieron fallarle. Entre ellos, estuvieron Carlos Moreno, Leonardo Sbaraglia —con quien compartió la miniserie de HBO "Epitafios 2" y asistió junto a su mujer— y Adriana Aizenberg (todos en la foto). También lo fueron a ver Mirtha Busnelli y Anita Pauls. En la pieza, escrita por Chávez, actúan Marcelo Dayoub, Mariano Farran, Valeria Grossi, Victoria Hladilo y Axel Joswig.

Julieta llevó a su "Romeo" al tablao

Fanática del flamenco, Julieta Díaz fue a La Trastienda a ver al bailaor Rafael Amargo. Acompañada por su novio, la actriz de "Valientes" (Canal 13) contó a los paparazzi que se comprometió a bailar con el artista y se la podrá ver mañana sobre el tablao.

Fuente: Clarín

domingo, 8 de marzo de 2009

Premios Estrella de Mar


Nota del 10 de febrero

Hora de tributos en Mar del Plata

La actriz China Zorrilla recibió ayer el Estrella de Mar de Oro 2009 por su labor en Diario privado de Adán y Eva, en la culminación de la tradicional entrega de esos premios que distinguen a los mejores espectáculos de la temporada teatral marplatense. Entre los espectáculos más premiados figuran Por el placer de volver a verla, Taxi 2da. parte, Vedettísima y Deslumbrante. Entre otros artistas distinguidos se encuentran: Maximiliano Guerra y el Ballet del Mercosur, la comedia musical Diario privado de Adán y Eva y el espectáculo de humor de Coco Silly, La cátedra del macho.

A su vez, se destacaron: el show de humor grupal Gonalmente divertido, el unipersonal dramático Un único mundo, el drama Vidas paralelas y la revista Vedettísima, que también se llevó la estatuilla de labor cómica femenina para Carmen Barbieri. En el rubro de varieté el premiado fue Zapping vaudeville, mientras que en obra marplatense el premio fue para Esperando el lunes. En cuanto a la coreografía, el premio fue para Flavio Mendoza por Danza con Cobos, mientras que el rubro vestuario fue para Reina Reech y José Luis Ferrando por Deslumbrante. En escenografía ganó Marcelo Valiente por El hombre inesperado y en iluminación Gonzalo Córdova por En la cama. La mejor dirección fue, según los Estrella de Mar, la de Manuel González Gil en Por el placer de volver a verla y la producción artística fue para Miguel Angel Cherutti, por Deslumbrante.

La mejor actuación femenina de reparto fue para Nani Ardanaz por Máscaras y la masculina para Martín Slipak en Taxi 2da. parte. La labor cómica masculina premiada fue la de Guillermo Francella en La cena de los tontos y la performance de revista reconocida fue de Georgina Barbarossa, Miguel Angel Cherutti y Diego Reinhold en Deslumbrante. La actuación protagónica masculina de comedia fue para Carlos Andrés Calvo por Taxi 2da. parte. Y la actuación protagónica femenina ganadora fue de Virginia Lago por Por el placer de volver a verla. El premio a la actuación protagónica masculina quedó para Luis Brandoni, por El hombre inesperado.

Fuente: Página/12

China Zorrilla


Nota del 10 de febrero

China Zorrilla ganó el Estrella de Mar de oro

Ternas disparatadas de un premio sin sorpresas

A los programas de chimentos se les debe reconocer un mérito. Nunca el teatro generó tanto interés, aun en aquellos que se convierten en espectadores sólo durante la temporada de verano. Mar del Plata es conocida por sus escándalos y riñas entre elencos que se autoadjudican el liderazgo en la taquilla. Conscientes de este atractivo turístico y en un esfuerzo para calmar los ánimos, los organizadores de los Estrella de Mar crearon un premio que conforma a todos los artistas.

China Zorrilla se alzó con la máxima distinción, el Estrella de Mar de Oro, y obtuvo la estatuilla a la mejor actriz protagónica en comedia, a pesar de que su obra, El diario privado de Adán y Eva , fuera distinguida como mejor comedia musical.

Resulta curioso que Vedettísima , de Carmen Barbieri, ganase como mejor revista, mientras que su competidora (en taquilla, en propuesta y debido al enfrentamiento que mantiene la capo cómica con Miguel Angel Cherutti), Deslumbrante , se alzó con el rubro performance en revista y producción. Así, ambos elencos quedaron conformes y ninguno se fue con las manos vacías. Obvio y desprolijo resultó que Danza con Cobos ganase como mejor varieté... pues esta obra era la única que competía en aquel rubro.

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China Zorrilla


Nota del 11 de febrero

El oro fue para China

La actriz fue la mejor en su rubro y se llevó el reconocimiento mayor. "Por el placer de volver a verla" y "Taxi 2ø parte", las obras más premiadas de la noche.

La noche del lunes se dieron a conocer los ganadores del Premio Estrella de Mar 2009, que se entrega todos los años en Mar del Plata. Sin duda, la gran ganadora de la velada fue China Zorrilla, que no solamente se alzó como mejor actiz protagónica en la comedia musical ganadora de su terna, Diario privado de Adán y Eva, el musical, sino que también se quedó con el "Estrella de Mar de Oro".

La obra más premiada de la noche fue Por el placer de volver a verla, que se destacó como mejor comedia dramática y obtuvo los reconocimientos por su música original, dirección (Manuel González Gil) y actriz protagónica (Virginia Lago).

La ceremonia arrancó con un fragmento de la comedia musical Amardelplata, de ese director, y luego contó con la lectura de poesía de la actriz, a la que se sumó su compañero de escena Manuel Callau. Otro actor que actuó fue Coco Silly.

También hubo otros espectáculos premiados. Taxi 2ø parte ganó como mejor comedia, mientras que sus intérpretes, Carlos Calvo y Martín Slipak, fueron los mejores actores en protagónico masculino de comedia y en reparto masculino. En mejor labor cómica, en tanto, el ganador fue Guillermo Francella por La cena de los tontos.

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El último pasaje


Nota del 11 de febrero

El último pasaje

Estuvieron en Barrancas de Belgrano, San Telmo y el lunes se presentan en la Plaza Armenia, de Palermo Viejo. Silvia y su hija, Julieta Bal, están en el elenco. La odisea de hacer teatro callejero.

Ya casi es la hora y Silvia Pérez está encarcelada en su camarín. La milonga en la plaza terminó y el público está esperando que empiece El último pasaje, de Marisé Monteiro. Si la actriz saliera, la gente la vería y se perdería el encanto. Porque el camarín no es una habitación convencional. Se trata de una improvisada carpa que se montó en Barrancas de Belgrano, al costado de un escenario. En ese pequeño lugar se prepara todo el elenco, que no son demasiadas personas, pero que, entre el piso de tierra y las paredes de tela, hacen multitud: Silvia Pérez, su hija, Julieta Bal, Carlos Fernández y Jorge Varas.

Encima de unas sillas de plástico los actores dejan sus bolsos y en ese reducido espacio se cambian. "Uno se acostumbra a todo. Yo me caigo todo el tiempo, siempre. Pero te arreglás", comenta Silvia. En una mesa descansan muchas botellas de agua. Es que de alguna manera hay que enfrentar al verano porteño. La obra forma parte de un ciclo del Gobierno de la Ciudad.

Cuando los actores ya se vistieron, llega la hora de colocarles el micrófono. La que más problemas tiene en esta etapa es Silvia: "Esta es la parte en que me torturan", dice mientas reniega con los técnicos. Casi ni se la ve, porque está con la cabeza para abajo y el pelo le cubre la cara.

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China Zorrilla


Nota del 10 de febrero

China Zorrilla fue premiada con el Estrella de Mar de Oro

10.02.2009 | Dos fueron los premios que recibió la actriz de "Diario de Adán y Eva" en Mar del Plata. A parte del Estrella de Mar de Oro, China Zorrilla se llevó otro galardón al imponerse en el rubro actuación protagónica femenina de comedia.

El premio al espectáculo de la temporada marplatense, Estrella de Mar de Oro, fue para la actriz China Zorrilla, quien protagoniza "Diario privado de Adán y Eva".

Además, la propia Zorrilla se llevó otro premio al imponerse en el rubro actuación protagónica femenina de comedia, mientras que "Vedettísima" es la mejor revista de la temporada y "Taxi 2" la mejor comedia, tras vencer a "La cena de los tontos".

"Por el placer de volver a verla" fue la obra más premiada, con cuatro Estrellas -música, dirección, comedia dramática y Virginia Lago-, mientras que "Taxi" y "Deslumbrante" se llevaron tres distinciones cada una.

Los premios Estrella de Mar se entregaron anoche en el teatro Auditórium con la conducción del locutor marplatense Andrés Cosmai y Teté Coustarot.

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China Zorrilla


Nota del 10 de febrero

China Zorrilla recibió el "Estrella de Mar" de Oro

En una ceremonia en la que "Por el placer de volver a verla", "Taxi, 2da parte", "Vedettísima" y "Deslumbrante" destacaron entre las obras más premiadas, la actriz China Zorrilla recibió el premio "Estrella de Mar de Oro" 2009.

La siguiente es la nómina de premiados por rubro en la tradicional noche de los "Estrella de Mar".

Espectáculo para niños: "Sueño de una noche de verano"
Espectáculo de danza: Maximiliano Guerra y el Ballet del Mercosur
Espectáculo musical individual: "Cantando" - Marian Farías Gómez
Espectáculo musical grupal: "Tango posta"
Mejor música original: "Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten". - Martín Bianchedi
Comedia musical: "Diario privado de Adán y Eva, el musical".
Espectáculo de humor unipersonal: "La cátedra del macho".
Espectáculo de humor grupal: "Gonalmente divertido".
Teatro Off: "La última cena".
Espectáculo unipersonal dramático: "Un único mundo".
Comedia: "Taxi 2º parte".
Comedia dramática: "Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten"
Drama: "Vidas paralelas".
Revista: "Vedettísima".
Varieté: "Zapping vaudeville".
Music Hall: "Danza con Cobos".
Espectáculo de teatro marplatense: "Esperando el lunes".
Espectáculo de música marplatense: "Opus XV Big Band - Jazz + Tango"
Espectáculo de danza marplatense: "Arte Nativo Flamenco, de payos y gitanos"

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China Zorrilla


Nota del 10 de febrero

China Zorrilla ganó el Estrella de Mar de Oro 2009

La actriz recibió el premio máximo en la tradicional entrega marplatense que distingue a los mejores espectáculos de la temporada teatral; Carmen Barbieri y Guillermo Francella, los mejores comediantes

(Télam).- La actriz China Zorrilla recibió el Estrella de Mar de Oro 2009 en la culminación de la tradicional entrega de esos premios que distinguen a los mejores espectáculos de la temporada teatral marplatense.

"Por el placer de volver a verla", "Taxi 2da. parte", "Vedettísima" y "Deslumbrante" fueron algunos de los espectáculos más premiados.

Hubo una distinción especial al productor Javier Faroni por los espectáculos que trae a Mar del Plata cada verano.

Los galardones se entregaron durante una ceremonia que comenzó ayer a las 22 y se extendió hasta las primeras horas de hoy en el teatro Auditórium de esta ciudad.

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Diálogo de una prostituta con su cliente


Nota del 10 de febrero

Un Peña que no llega a provocar

Sujetar a un artista no siempre da buenos resultados y mucho menos cuando esa persona ha hecho una carrera sobre la base de la improvisación y la provocación surgida de impulsos y emociones propias de una situación determinada. Ese es precisamente el caso de Fernando Peña. Un hombre que desde la radio supo ganarse el amor de los oyentes con personajes de la ternura de Milagritos López o del ingenuamente satírico Palito, y que en el teatro apostó por un juego, muy al límite, entre la provocación artística y la pura agresión. Pero en esta última propuesta que se acaba de estrenar tiene las restricciones que le impone el hecho de tener que "decir" e "interpretar" un texto escrito por otro autor, y que si bien se adapta mucho a su universo, la fijación le resta espontaneidad y hasta humor.

Dacia Maraini, la autora, es una prestigiosa y prolífica escritora italiana que ha merecido a lo largo de su vasta carrera reconocimientos más que importantes. Por mencionar sólo uno, recibió en el año 1963 el premio Formentor, el mismo que dos años antes habían obtenido de forma compartida Jorge Luis Borges y Samuel Beckett. Formó parte del grupo fundador de una revista ícono del universo literario italiano como es Tempo di Literatura . Y en 1973 fundó el Teatro de la Maddalena, un espacio dedicado a las políticas de género, donde estrenó en 1978 este Diálogo?

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Claudio Salama

Nota del 10 de febrero

Entre el teatro y la televisión

¿Para cuándo se esperan tus próximos estrenos?

En abril vuelve Pirandello, con Alejandra Darín, que fue un éxito y tuvo muy buenas críticas. Y en mayo esperamos estrenar El alivio.

¿De qué trata esa obra?

Es sobre la vida de un escritor argentino que fue mundialmente famoso. Mi personaje es un psicótico borracho, que tiene mujeres a cargo y que lleva una vida fácil. Es contratado por la madre del protagonista. La obra es maravillosa, pero promete ser fuerte.

¿Quiénes actúan?

Patricia Viggiano y falta confirmar quién va a ser el otro actor.

¿Vas a hacer televisión?

Tuve conversaciones para entrar a Los Pells. Y estoy esperando que me vuelvan a llamar de Pol-ka...

Fuente: Clarín

Mariano Bassi: Leterno

Nota del 10 de febrero

"Uno puede ser lo que quiere"

Estuvo en De la Guarda, Fuerzabruta y fue elegido por el Cirque du Soleil. Ahora, hace un unipersonal en la Avenida Corrientes.

Trabajó en todo: cortó telas, fue repositor en un supermercado, promotor y volantero. Hasta que su vocación lo llevó a hacer teatro por las calles en una experiencia que terminó en el desastre financiero. Pero en ese momento llegó un casting de De la Guarda que cambió las cosas. Hoy, a los 28 años, Mariano Bassi se presenta con Leterno, un unipersonal en un teatro de la calle Corrientes: allí es un extraño italiano conflictuado por sus ganas de triunfar como artista.

¿Te sentís identificado?

No, porque a mí me pasó algo muy fuerte que me hizo ir para adelante. Al principio actuaba como hobbie, pero en el 2000 me anoté en el Conservatorio y armé una compañía de teatro callejero con la que viajaba por el país. En 2004 tuvimos una temporada de verano terriblemente mala. Volvimos sin un mango. Ahí me enteré de que De la Guarda estaba haciendo un casting y me anoté.

¿Tenías habilidades para eso?

Pedían gente que no tuviera miedo a las alturas y con conocimiento de arnés. Yo no tenía idea de nada. Y como estaba en la lona, fui. Nos anotamos 1.600 personas y quedamos 24. Al mes me fui de gira a Brasil, donde escribí Leterno, y después seguimos a Colombia, México, Rusia.

¿Mostrabas esta obra?

Sí, aprovechaba los lugares en donde estaba para buscar teatros alternativos, bares, cafés concert. A veces la hacía a las 2 de la mañana. Afuera me di cuenta de que funcionaba, a pesar de que tenía un código muy local, con el cocoliche y el humor del tipo sufrido, que quiere ser poeta y le habla a las chicas. Lo que pasa es que la obra te lleva de la risa a la emoción. Cuando vas yendo a un extremo de carcajadas el tipo te para y te dice "pero en realidad estoy sufriendo, porque yo quiero pero mi papá no quiere". Quiere, quiere y de repente se corta solo. Uno es el que inventa el trauma.

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Coco Sily: La cátedra del macho


Nota del 8 de febrero

“El barrio es el que te da humor, y yo vengo de allá”

Está recorriendo la Costa Atlántica con su espectáculo La cátedra del macho, que se burla y se queja de los cambios de paradigma en las cuestiones de género. Pero aclara: “En realidad, el opuesto del ‘macho’ es el’moderno’, el que perdió los códigos”.

Desde Mar del Plata

“‘Puto el que lee esto’. Nunca encontré una frase mejor para comenzar un relato. Nunca, lo juro por mi madre que se caiga muerta. Y no la escribió Joyce, ni Faulkner, ni Jean-Paul Sartre, ni Tennessee Williams, ni el pelotudo de Góngora. Lo leí en un baño público en una estación de servicio de la ruta. Eso es literatura.” Así arranca “Usted no me lo va a creer”, uno de los libros más memorables de Roberto Fontanarrosa. Seguramente el Coco Sily aprobaría esas líneas, y –salvando las distancias– hasta podría considerarlas como posible inspiración para La cátedra del macho, el espectáculo que está presentando los lunes a las 22 y a las 24 en el Teatro Güemes (Güemes 2955, Mar del Plata), con funciones por el resto de la costa –especialmente en Gesell, Pinamar y San Bernardo– durante la semana.

Sucede que el actor tira un gancho similar al del maestro rosarino cuando sale a escena solo, asistido únicamente por un par de luces y eventualmente un vaso de whisky. De entrada explica en qué consistirá la clase: “En el rato que sigue, vamos a pronunciar mucho las palabras ‘puto’ y ‘macho’. Ojo, que cuando digo ‘puto’ no estoy hablando de una elección sexual. Lo aclaro porque muchos homosexuales tienen más códigos que gran parte de los heterosexuales. En realidad, el opuesto del ‘macho’ es el ‘moderno’, el que perdió los códigos. Y yo vengo a ser una especie de testeador del nivel de modernidad, de esa putez interna que cada uno tiene”, adelanta. Entonces más de un progre frunce –entre otras cosas– el ceño.

Y sin embargo no es tan complicado ver hacia dónde apunta Sily. ¿Quién no fue a un restaurante de Palermo para encontrar que “el fino colchón de hojas verdes” que salía treinta pesos era simplemente una ensalada de lechuga? “¡Es lechuga, hermano! No me estafés. No me bolsillés”, se enoja el personaje, que al toque arremete con un conjunto de características que distinguirían al macho en el mundo hostil que lo acorrala: el pastel de papas en lugar del sushi, el jabón y la toalla en lugar de la crema antiage y, sobre todo, la prohibición estricta de soplarles la novia a los amigos.

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Sensibilidades y arquetipos
De Cocodrilo al escenario

Alicia Zanca

Nota del 8 de febrero

Del jardín a la cocina

¿Qué vas a hacer en el Teatro Beckett?

Voy a dirigir a mis alumnos del último año de los cursos que doy como profesora. El viernes 20, a las 0:15, estrenamos Prueba de amor, una pieza maravillosa de Roberto Arlt.

¿Algún otro proyecto?

Sí, además, desde el sábado 21, a las 21 y en El Vitral, otro grupo subirá a escena con el clásico de Antón Chèjov, El jardín de los cerezos. Y habrá músicos en vivo.

¿Vas a hacer teatro para chicos este año?

Sí, en junio, pero hasta que no se firmen los contratos no se puede decir ni una sola palabra. Por otra parte, también tengo en mente una obra de cuatro mujeres y, para la segunda mitad del año, se viene La cocina, de Arnold Wesker, en el Teatro San Martín. Se trata de una obra coral, donde un grupo de personas trabajan en la cocina de un gran restaurante. La acción transcurre en un día de trabajo.

Fuente: Clarín

El tiempo y los Conway (Time and the Conways)


Nota del 8 de febrero

La pluma de Priestley y la usura de los años

Lola Membrives la estrenó en Buenos Aires, en los años 40 del siglo anterior, con el título, algo pomposo, de La familia Conway, o la herida del tiempo . En el decenio siguiente, el Instituto de Arte Moderno tuvo su caballito de batalla en otra pieza de J. B. (John Boynton) Priestley (1894-1984), Esquina peligrosa , en cartel durante varias temporadas. Ambas obras conforman, junto con la trilogía Yo estuve aquí una vez , escrita en el decenio del 30, sobre el tema favorito del autor británico: el tiempo, su fluir implacable, sus mudanzas y las posibilidades de revertirlo, anticiparlo o, sin más, negarlo. Algo de todo eso recorre el diestro entramado de esta melancólica historia de la familia Conway, que es como el resumen de todas las historias de familia: inicio esperanzado, apogeo y decadencia. Sólo que Priestley introduce un ingrediente insólito: ¿sería posible que alguien, por simple azar o por un don específico, tuviera la posibilidad de asomarse, por un instante, a lo que sucederá, o -más complejo y más fascinante aún- a lo que podría haber sucedido? Mecanismo que, sesenta años después de la trilogía de Priestley, Hollywood desarrolló, en clave de comedia y con pasmosa tecnología, en la saga de Volver al futuro .

Teatro tradicional, sin duda, pero no por eso menos inquietante. Obra de un arquitecto eficaz e inspirado: sólida estructura en la progresión de las situaciones, hábil dosificación de humor y patetismo, diálogo brillante, coherencia y aguda observación psicológica en las caracterizaciones, y hasta un grano de sutil extravagancia, para confirmar el origen inglés. Son las virtudes de un autor clásico, y Priestley alcanzó holgadamente esa posición, como volvió a probarlo, años después, con otra pieza notable, Ha llegado un inspector (1946), cuya vigencia acaba de confirmarse en una espectacular puesta madrileña.

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Galileo, sobre la mesa


Nota del 7 de febrero

Títeres de papel que protagonizan Galileo

Horacio Tignanelli encontró una técnica utilizada en el siglo XIX para este homenaje a la astronomía

El creativo Horacio Tignanelli encontró una brillante técnica utilizada en el siglo XIX: una forma de teatro de títeres de cámara. Realizó un montaje atípico y la estrenará la semana próxima en el Centro Cultural Rojas. "La obra que presentamos, Galileo, sobre la mesa , se basa en otra, Galileo Galilei , una versión para títeres de la pieza de Bertolt Brecht que se vio en Liberarte, en 1995 -explica el director-. Lo que ahora resulta novedoso es esta estética, tomada de los que se llamaron «teatros de Pollock», quien los popularizó en Londres en el negocio The Juvenile Drama , que había heredado de su suegro. Allí vendía pequeños teatros de papel, los toy theatre , que eran como un juego para armar, y acompañaba con argumentos y escenografías las figuras de los personajes, e ingeniosos mecanismos para moverlos. Algunos eran sencillos; otros presentaban complicadas arquitecturas, porque eran reproducciones fieles de algún teatro de ópera".

Tignanelli es científico, autor de varios libros de divulgación de astronomía y, a su vez, titiritero. "La idea -se entusiasma- consiste en reproducir un momento casi íntimo, de cámara, en el que, como era costumbre en esa época victoriana, el anfitrión agasajaba a sus invitados relatando alguna obra de teatro u ópera, y se valía de estos pequeños objetos para ilustrar las escenas". Por eso, se viste de traje con saco al interpretar al relator.

"Es un poco como imitar la manera en que juegan los niños, moviendo muñecos, objetos, cualquier cosa que para ellos se ha convertido en personaje -explica-. Y muchas veces ocurre después de que han visto algo en el cine o el teatro: ellos lo reviven en su cuarto, pero los adultos también lo hacemos, en una rueda de amigos, en una cena". A su vez, agrega convencido de que "no es mala idea poder hacerlo con la ayuda de estos elementos, especie de dioramas que se vendían como souvenir".

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Calidoscopio


Nota del 7 de febrero

Los títeres rebeldes

La búlgara Antoaneta Madjarova vino con su grupo Kukla para hacer esta obra de Teatro Negro, que -dice- reivindica valores algo olvidados.

Los títeres, una vez fabricados, son seres vivos. Algunos son rebeldes y hasta se pueden negar a hacer o decir algo", dice Antoaneta Madjarova. Por eso esta artista que vino de Bulgaria con su grupo Kukla tiene que encontrar la imagen y la música perfecta para sus creaciones.

Esa es la armonía a la que parece haber llegado en Calidoscopio, que se reestrenó el sábado pasado en el Centro Cultural de la Cooperación. Los números lo indican: la obra ya tuvo más de 100.000 espectadores y estuvo en cartel en más de 80 salas de la Argentina y del exterior.

El medio elegido para lograrlo es el teatro negro, que por sus juegos de luces y colores resulta efectivo para captar la atención de los más chiquitos. Sobre un fondo negro, por efecto de las luces ultravioletas, los muñecos y los objetos fluorescentes resaltan y cobran vida, porque los actores "desaparecen".

"Es un clásico para los más chiquitos, porque cambian las generaciones y la obra nunca pierde actualidad", explica la directora. "Además reivindica valores importantes que están un poco perdidos, como el amor, la belleza y la amistad. Hay que volver a incorporarlos", dice.

La clave del espectáculo es la imagen, porque la palabra es la gran ausente. Claro que con los estímulos visuales a los que se les suma la música, no es necesaria: "las imágenes hablan por sí mismas. A los chicos les gusta más la dinámica de las acciones que las palabras, les prestan más atención" remarca Antoaneta.

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¡Mueva la patria!


Nota del 7 de febrero

Color argento

Un manual, en broma, de zonceras argentinas. Ritmo intenso de canciones y humor corrosivo.

El coro de garcas, ahí, en una tribuna lateral, marca el rumbo del relato. Integrado por un chacarero que se llama Don Goyo Pérez Carpincho, un general titulado Luciano Cristino Benjamín, un monseñor nombrado como Máximo Vergara y una mujer bienuda -Amalita y varios de los grandes apellidos de la aristocracia local-, el coro, a la manera tradicional, se encarga de hilvanar la trama. Se cuenta el devenir de la pareja de Romina de Caballito y el Negro Cabeza, entre los bombazos de la historia patria. Un romance de los que se atraen y se repelen, y que alude al acercamiento de la clase media -que en la patria cumbiera real se deteriora casi siempre y avanza casi nunca, según los tiempos de la historia- y la clase castigada en serio, la ninguneada a los arrabales, allí, donde impera finalmente el color de la cumbia.

¡Mueva la patria!, la ópera cumbia argentina, que con dirección de Valeria Ambrosio se presenta en La Trastienda, pasa revista a ese amor intrincado, a ese encuentro de clases que no fragua y recapitula, en joda, con canciones de géneros diversos, pasajes de la historia de aquí nomás. Les toca procesar un material difícil: doscientos años saturados de golpes bajos. Y, sin embargo, lo hacen con alegría, y buena vibra, y en muchos momentos, con humor socarrón, inteligente.

No es atinado citar chistes que quiten la sorpresa. Pero puede ejemplificarse el humor buscado en ¡Mueva la patria! cuando el general Roca encara su intención de extender los límites de las fronteras, al sur, muy enervado y casi violento, subido a un caballo de palo de escoba y cartulina. "¿Qué será del gaucho?", pregunta alguien y cruza la escena una pancarta con la imagen de Horacio Guaraní. "¿Qué será del indio?", dice otro, angustiado, con un cartel con la pelada del Indio Solari. Apenas un ejemplo.

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Los siete locos


Nota del 7 de febrero

Las voces de Arlt

Se estrena hoy una nueva adaptación de "Los siete locos". La dirección de la obra es de Omar Aita.

Hoy llega al Centro Cultural de la Cooperación una nueva puesta de Los siete locos, del director Omar Aita. Con las actuaciones de Pablo Iemma, Julio Ordano, Andrea Juliá y Coni Marino, entre otros, la obra se propone abordar desde su perspectiva el texto de la famosa novela de Roberto Arlt.

La adaptación de Aita se basa en el expresionismo: trata de representar la mirada subjetiva de cada personaje, con la ayuda del uso de contrastes, y de mostrar percepciones distorsionadas y elementos deformes. También intentará revelar la relación que mantienen esos seres con la Buenos Aires de los años 30.

Esta puesta va a respetar esa época histórica y a va a tratar de mostrar todos los cambios del momento, que el director sintetiza en cinco rasgos: la modernización, la alienación, el aislamiento, el anonimato y la masificación. También se respetará el hilo de la historia escrita por Arlt y se aprovechará al máximo la riqueza de esos personajes crudos y oscuros.

Otro elemento que no faltará en la puesta serán las escenas de sueño y fantasía, con la iluminación como herramienta principal. En esos momentos, la cabeza del protagonista se llenará de imágenes y por allí desfilará el resto de los personajes: el Astrólogo, el Rufián Melancólico, La Coja, el Buscador de Oro y toda la fauna de deformidades que recreó la pluma de Arlt y que hoy sube a la Avenida Corrientes.

Mientras se prepara para el inminente estreno, Omar Aita ya está ensayando otra obra, Errante en la sombra, de Patricia Suárez.

Fuente: Clarín

sábado, 7 de marzo de 2009

Inmigrantes y Plaza de la Victoria


Nota del 6 de febrero

Un viaje en el tiempo desde la plaza

Dos instalaciones al aire libre invitan al público a recorrer momentos del siglo XIX

Según se ha imaginado, los viajes en el tiempo se hacen a bordo de un De Lorean plateado, un portal dimensional o un recorrido por el espacio exterior. Pero en los espectáculos de calle Inmigrantes y Plaza de la Victoria , de Marisé Monteiro, no se utilizan más que la imaginación y el teatro para pasear al espectador durante una hora por otra época de la Argentina.

La apuesta de la directora, Illay Martínez, es que el público debe ser participante. Por eso los personajes interactúan con los asistentes, a quienes llaman "viajeros en el tiempo". Aunque son dos elencos distintos (una docena de actores), algunos coinciden en ambas obras.

Al inicio de Plaza de la Victoria , dos personajes del Buenos Aires de 1810 conversan, de espaldas al bastidor principal, donde está pintado un arco de entrada. Son Don Alonso, aguatero morocho y plebeyo, y Doña Graciela, blanca criolla de clase alta.

"¿Me pueden ver?... ¡Me pueden ver!", comienza el aguatero. Se refiere al público: jóvenes y familas que son sorprendidas en las plazas o los parques de toda la ciudad por estos espectáculos. Estos dos personajes son quienes invitan, entusiastas, a los "viajeros en el tiempo" para que entren en la escena que limitan los sencillos bastidores.

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¡Mueva la patria!


Nota del 6 de febrero

Una irreverente versión de la historia argentina

¡Mueva la patria!, la cumbia villera de French y Beruti

A su manera, ¡Mueva la patria! -la "ópera cumbia" creada por Pablo Marchetti, Fernando Sánchez, Eduardo Blanco y Javier Aguirre- sigue la línea trazada por Salsa Criolla , aquel emblemático espectáculo de Enrique Pinti, y El fulgor argentino , el maravilloso trabajo del grupo Catalinas Sur. Los creadores de este espectáculo en el cual se cuenta la historia argentina son parte del equipo de la revista Barcelona , uno de los emprendimientos periodísticos más inteligentes, corrosivos, y políticamente incorrectos de los últimos tiempos.

Los protagonistas (y narradores) de esta trama son dos seres socialmente opuestos -el Negro Cabeza y Romina de Caballito- que, como la historia de nuestro país, hacen alianzas, se mienten, se endeudan, se aman y se ilusionan con futuros perfectos que pocas veces los tienen como ganadores.

De la mano de ellos dos el espectáculo hace un barrido que comienza el 25 de mayo de 1810 y atraviesa los paradigmas más conocidos de este bendito país. Más allá de todo rigor histórico, los autores abordan los grandes temas del ser nacional (todo expresado muy en minúscula) a partir de la iconografía típica de la revista Billiken, pero, claro, según la mirada de Barcelona . La mezcla es interesante aunque, en su estructura dramática, al haber apelado a un relato cronológico la sorpresa escasea. En la traslación escénica del texto parece ser que varios guiños se quedaron en el camino. Uno de los aspectos más logrados son los videos con seudopublicidades históricas, viñetas, dibujos y noticieros truchos, en los que la mixtura entre el tono que utiliza la revista y cierto humor a Todo x 2 pesos alcanza su mejor pico irónico. También es interesante el trabajo sonoro en el cual, casi a manera de un leitmotiv , aparecen insólitas versiones de la marcha peronista y del Himno Nacional. Lamentablemente, en la función que presenció este cronista hubo varias falencias en el uso de los micrófonos y en la operación técnica del sonido. Viniendo de un equipo de profesionales, seguramente con el paso de las funciones se logrará el equilibrio deseado.

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Guillermo Blanco


Nota del 6 de febrero

Murió uno de los grandes vestuaristas a nivel mundial

Trabajó en cine, teatro y televisión, y fue actor

Se fue a vivir a San Luis hace unos años, cuando las nuevas autoridades de Canal 9 le pusieron algunas trabas a su trabajo de muchos años allí. Y el martes a la tarde, Guillermo Blanco, uno de los grandes vestuaristas argentinos, falleció tras una dolorosa enfermedad.

Sin dudas, Guillermo no sólo fue un destacado diseñador de vestuario de la Argentina, sino de Europa. No vistió únicamente a las grandes figuras del cine y de la televisión del mundo, como Rita Hayworth, Ava Gardner, Claudia Cardinale, Nati Mistral, Sara Montiel, Luciano Pavarotti, Gina Lollobrigida y Lola Flores, sino a grandes damas de distintas monarquías europeas (era amigo de la reina Fabiola de Bélgica).

Su último trabajo en Buenos Aires fue en la revista española La corte de Faraón , en el teatro Avenida, con Sandra Guida y Fontova, por la que ganó un premio ACE, pero hace casi diez años se radicó en San Luis, donde trabajó en cine, dictó cursos y hasta ejerció la función pública. En la ciudad de La Punta, decretaron asueto administrativo por su muerte. Fue también director teatral y su gran éxito de varios años fue Mágicas noches del cuplé . A menudo los productores supieron aprovechar su sentido del humor -ya que era muy gracioso en su vida cotidiana-, y lo contrataron como actor. Así compartió escenario y sets de grabación con Alberto Olmedo, Jorge Porcel y Moria Casán, entre otros.

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Don Juan de acá (el primer vivo)


Nota del 7 de febrero

Un desopilante galán argentino

En el Cervantes, Libertad 815 (4816-4224). De jueves a sábados, a las 21; domingos, a las 20.30. $ 20.

El grupo Los Macocos (Daniel Casablanca, Martín Salazar y Gabriel Wolf) reestrenan, con dirección de Julian Howard Don Juan de acá (el primer vivo) . Esta pieza cómica e irreverente es una versión rioplatense del mito del burlador burlado, una reelaboración de los textos de Molière, Alberto Vaccareza y José Zorrilla, entre otros. El trío toma al personaje de Don Juan y lo ubica en los meses previos de la Revolución de Mayo. Lucas Ferrara y Pablo Bronzini ejecutan en vivo partituras de Mozart con guitarra, acordeón, piano y bombo. Además, integran el elenco Mónica D´Agostino, Paula Requeijo y Laura Silva, quienes se lucen con sus voces y actuaciones. Una constante interacción con el público, ironía, técnicas de clown y varieté, y un ritmo constante de carcajadas es la propuesta de esta agrupación que lleva más de dos décadas en nuestros escenarios.

Fuente: La Nación

"La noche que Larry Kramer me besó" y "Umo, cabaret mágico"


Nota del 6 de febrero

El off con dos estrenos potentes

"La noche que Larry Kramer me besó" es un unipersonal dramático. "Umo, cabaret mágico", un divertido music hall.

Hoy y mañana suben dos nuevos estrenos a la cartelera teatral porteña. Ambos son apuestas fuertes, porque traen material innovador, desde la temática y desde la puesta en escena. La noche que Larry Kramer me besó es un unipersonal que se atreve a tocar el problema del SIDA. La obra relata "una historia emocionante, de alguien que tuvo una vida feliz pero complicada", explica Martín Alomar, el director. El "beso" del título hace referencia a la noche en que el autor se autorreconoció al ver la obra de Larry Kramer The Normal Heart.

Esa obra fue la primera en los Estados Unidos que se acercó a esos temas. Por eso Alomar destaca que se trata de "un texto político y fuerte, porque trata acerca de la diversidad sexual y de la lucha contra el SIDA". También remarca que no existen muchos antecedentes en el país de obras acerca del tema, aunque el virus todavía siga siendo un problema.

El otro estreno es Umo, cabaret mágico, un music hall formado por cuadros, que combina transformismo, baile y magia. "Alrededor de cada truco hay una historia que vamos contando", dice Adrián Ferrán, el director. "Hasta hacemos desaparecer gente en escena", explica.

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